Кубизм

Что за кубики?

Термин «Кубизм» появился в 1908г., мне известны две версии его появления. По первой, термин появился после того как Анри Матисс увидев пейзажи «Дома в Эстаке», написанные Жоржем Браком, воскликнул: «Что за кубики» (фр. bizarreries cubiques); по второй — после того как художественный критик Луи Восель назвал новые картины Брака «кубическими причудами»

Насмешливое название вошло в обиход, но, акцентируя внимание на внешних признаках, оно уводило от подлинной новизны метода и художественного мышления

«Когда кубисты, в свою очередь, показали условный характер пространства, как его понимал Ренессанс, так же как импрессионисты в свое время показали условный характер цвета предметов, — их встретило такое же непонимание и такие же оскорбления»

Роже Гароди

Дора Маар с кошкой

«Дора Маар с кошкой». У художника с Дорой Маар сложились яркие, страстные отношения длиной в десять лет, она была его музой неоднократно. Дору нельзя назвать нежной и хрупкой, ее женственность заключается в загадочности, силе, необычайной энергии. Эту энергию выплеснул художник на эту, пожалуй, самую узнаваемую картину Пикассо. Дама в шляпке и острыми синими ногтями невольно вызывает ассоциации с представителями семейства кошачьих, от нее веет независимостью, непокорным нравом. Лицо, изображенное одновременно и в профиль, и анфас с деформированными носом, ртом и глазами, нельзя назвать красивым, но сложно забыть. Изображение маленькой черной кошки на плече женщины лишь подчеркивает яркость характера, некую агрессивность Доры Маар.

Развитие направления

В процессе эволюции стиля выделяется три периода:

Сезан

Ранний период развития или «сезанновский кубизм» — становление нового направления в живописи под влиянием работ Сезанна и африканских скульптурных композиций. Длился период с 1907 до 1909 года. В работах художников передается объем при помощи цвета – мощные изображения еще не укладываются в рамки плоского изображения.

Аналитика

Аналитический период (1910 – 1912) – этап переосмысления кубизма. Цвет на картине практически отсутствует, формы расплывчатые, нечеткие, каждый предмет делится на небольшие грани. Одна из наиболее репрезентативных работ второго периоды – «В честь И.С. Баха» Ж. Брака. Жанры – натюрморт, портрет.

Стиль живописи арт-деко

Художники подают объекты более детализовано, исходя из собственного видения. Предметы разбиты на блоки, детали геометрических форм. Иногда виденье художника нарушает пространство и время. Путем дробления целого на геометрические фигуры, художники пытались проникнуть в суть вещей.

Работы, характерные для аналитического периода, считаются наиболее показательными для кубизма – у многих именно с такими полотнами ассоциируется все направление. Наиболее известные примеры аналитического кубизма – работы Пабло Пикассо «Бутылка и книги», «Стол архитектора», «Человек с кларнетом», «Человек со скрипкой».

Развитие

Синтетический период (1913 – 1914) – период развитого кубизма. Картины становятся более выразительными, яркими, декоративными. Основателем этого направления считается Хуан Грис. Время появления – 1912 год, но наиболее полно стиль раскрылся в 1913 году. Творцы стремились передать на картине самодостаточный, а не иллюзорный объект. Наиболее развитый жанр – натюрморт.

Техника «сухой кисти» в живописи

Изображение плоское, комбинированное с наклейками, надписями. Популярны коллажи из необъемных геометрических фигур, из цветной бумаги или газет, некоторые художники полностью рисовали их, не используя дополнительные материалы. Представители синтетического кубизма – Пабло Пикассо, Жорж Брак.

Цвета и объем утратили привычное значение. С развитием кубизма, оттенки стали схематичными: чтобы передать выступающие объекты в натюрморте или другом жанре, изображенные на переднем плане, использовали светлые, теплые тона, для удаленных предметов – темные оттенки.

После Первой мировой войны Брак и Пикассо, которые работали совместно, прекратили сотрудничество. Творчество каждого из них оказало заметное влияние на футуризм, пуризм, вортицизм.

Известные картины в стиле кубизм

Жорж Брак, «Мандора» (1909-1910)

Это пример ранней живописи в стиле кубизм – его аналитической стадии. Брак решает отказаться от написания пейзажных сюжетов и остановиться на натюрмортах. На картине изображен музыкальный инструмент – маленькая лютня под названием мандора.

Нейтральная цветовая гамма картины является индикатором первых попыток Жоржа Брака в создании разных взглядов на один и тот же предмет – художник экспериментировал скорее с композицией и репрезентацией музыкального инструмента, чем с яркими цветами.

Пабло Пикассо, «Три музыканта в масках» (1921)

Хотя основной период кубизма в творчестве Пикассо приходится на 1909-1917 годы, в 1921-м, незадолго до погружения в сюрреализм, он пишет эту кубистическую картину. Ее интерпретируют как ностальгические воспоминания художника о былых временах: в центре картины сидит сам Пикассо, переодетый в Арлекина, и по обе стороны от него сидят старые друзья: Гийом Аполлинер (в костюме Пьеро), который умер в 1918 году, и Макс Жакоб (монах), с которым Пикассо перестал поддерживать связь.

Картина представляет собой квинтэссенцию синтетического кубизма. Фигуры персонажей выглядят так, будто бы они приклеены на полотно, отдельно одна от другой.

Увидеть эту работу можно в Художественном музее Филадельфии.

Хуан Грис, «Фантомас» (1915)

Хуан Грис разработал технику коллажирования, при которой он вставлял элементы из газет и журналов в абстрактную живопись. Иногда это бывали настоящие коллажи, а иногда — картины этих коллажей. В этой технике выполнена работа «Фантомас».

Она изображает вид сверху на деревянную столешницу, заваленную периодическими изданиями, включая роман из популярной криминальной серии под названием «Фантомас». Так, Грис стал первым кубистом, использовавшим яркий цвет и свет в своих работах, что впоследствии вдохновило Пикассо и Брака на синтетический кубизм.

Находится эта картина в Национальной галерее искусства в Вашингтоне, США.

Фернан Леже, «Дама в голубом» (1912)

Леже демонстрирует ранний интерес к геометрической абстракции, которая словно плавает внутри холста. Элементы произведения раздроблены на отдельные части, чтобы передать впечатление художника от современной жизни – таким образом Леже хотел выразить суть характера главного персонажа картины, женщины, а не ее внешний облик.

Увидеть эту работу можно в Базельском художественном музее в Швейцарии.

Видео, раскрывающее историю жизни художника Пабло Пикассо, можно посмотреть далее:

Художница А. Экстер и ее кубистические картины

Не меньше смелости было и у другой представительницы кубизма и кубофутуризма — Александры Александровны Экстер. Она была знакома с одним из основателей кубизма — Пабло Пикассо и многими именитыми авангардистами своего времени, ей доверял Казимир Малевич, а сама она внесла определенную лепту в развитие этого направления. Интересно, что обучение Александры во французской Academie de la Grande Chaumiere закончилось скандалом, так как именитый профессор академии был возмущен далеким от классического цветовым решением картин Экстер. Александра проявляла себя не только в картинах, но и в оформлении спектаклей, за что даже получила прозвище «Пикассо сценографии», причем сами декорации и костюмы называли «праздничным парадом кубизма».

А. Экстер (1882–1949).

Картины и эскизы костюмов Экстер в стиле кубизма характеризуются яркой палитрой, смелостью идей и свободой композиции. Она не боялась выходить за грани норм, разрывать шаблоны и демонстрировать миру свое видение. Например, в работе «Натюрморт» предметы одновременно и статичны, и подвижны. Кажется, что все предметы вот-вот сорвутся с шаткой поверхности, образуя новую комбинацию в пространстве. В этой же картине прослеживается любимая художницей цветодинамика, когда цвета картины то сгущаются, то разрежаются. Эта же шаткость, контрастные цвета и их движение наблюдается и во многих других натюрмортах художницы.

А. Экстер. «Натюрморт». 1913 г.

Помимо традиционной для кубистов скученности предметов художница использовала и другие приемы. Так, в картине «Вид Парижа» часть объектов теряет привычные формы и перспективу, а другая часть становится менее прозрачной, из-за чего город воспринимается более многогранным и наполненным. Безусловно, в начале XX века нужна была смелость, чтобы представлять публике такое видение реальности. Но оно того стоило, так как Александра Экстер стала широкой известной и в дальнейшем повлияла на своих учеников, а ее картины сегодня ценятся высоко. Среди других ее работ в стиле кубизма и кубофутуризма назовем: «Натюрморт с яйцами», «Вид на мост», «Город ночью» и другие.

А. Экстер. «Вид на мост». 1936-1938 гг.

Кубизм в живописи

Определение 1

Кубизм – это значимое направление в искусстве, зародившееся в начале 20-го века во Франции. Является частью модернизма.

Ключевая идея кубизма заключается в стремлении художника разложить изображаемый трёхмерный объект на простые элементы и собрать его на холсте в двумерном формате. Это позволяет живописцу отобразить объект одновременно с разных сторон, подчеркнув его свойства, которые зритель не замечает при классическом воспроизведении объекта с одной стороны.

Английский искусствовед Эрнст Гомбрих считал, что происхождение кубизма нужно искать в произведениях французского живописца Поля Сезанна. В этой связи, Гомбрих приводит в пример работы Сезанна «Гора Сент-Виктуар со стороны Бельвю» и «Горы в Провансе», а также ответ художника на письмо молодого Пабло Пикассо. В одном из писем, Сезанн рекомендует будущему основоположнику кубизма «рассматривать натуру как совокупность простых форм – сфер, конусов, цилиндров».

Ещё раз нужно подчеркнуть, что идеи Сезанна оказали большое влияние на изобразительно искусство 20-го столетия. В своём творчестве он специально искажал перспективу, чтобы получилось воспроизвести больше граней объекта (этот художественный приём, по сути, является основой кубизма). Кроме всего прочего, этот живописец в своих работах часто упрощал объекты до простых геометрических фигур.

Итак, появление кубизма относят к 1905-1907 гг., и связывают с творчеством Жоржа Брака, Хуана Гриса и Пабло Пикассо. Картина Пикассо «Авиньонские девицы», датированная 1907 годом, считается началом рассматриваемого нами течения в искусстве. Интересна история происхождения термина «кубизм». Он появился в 1908 году после того, как французский художник-фовист и скульптор Анри Матисс, увидев произведение Жоржа Брака «Дома в Эстаке», воскликнул: «Что за кубики».

Кубизм, в процессе своего развития прошёл несколько периодов:

Сезанновский кубизм. Название этого этапа связано с французским художником, предшественником и идейным вдохновителем течения. На данной фазе представители кубизма стремились отдалиться от передачи истинного вида, старались разложить изображаемые объекты на отдельные геометрические фигуры и формы. Такое разложение привело к возникновению закономерности в использовании цветов. Элементы переднего плана картины зачастую стали окрашиваться в тёплые тона, а составляющие части на заднем плане окрашивали холодными цветами.

Аналитический кубизм. Данный этап развития течения можно охарактеризовать стиранием границ между пространством и формой. Возникают переливчатые цвета в полупрозрачных пересекающихся плоскостях. Отныне художники располагают формы в хаотичном порядке. Взаимодействие между пространством и формой – главное достижение на данном этапе развития течения.

Синтетический кубизм. Элементы такового впервые появляются в творчестве Хауна Гриса с 1911

Важно, что Грис, наряду с Пикассо и Браком, считается основателем течения. Можно сказать, что синтетический кубизм стремился к обогащению действительности за счёт объектов эстетики

Для конструирования объекта применяется фактура поверхности, линии и узоры

В данном периоде живописцы применяли аппликации для конструирования самодостаточного объекта. Но позднее кубисты отказались от такого метода, как аппликация, потому что решили, что получить полноценную комбинацию можно без бумаги

Для конструирования объекта применяется фактура поверхности, линии и узоры. В данном периоде живописцы применяли аппликации для конструирования самодостаточного объекта. Но позднее кубисты отказались от такого метода, как аппликация, потому что решили, что получить полноценную комбинацию можно без бумаги.

Ключевые представители течения:

• Пабло Пикассо;
• Жорж Брак;
• Хуан Грис;
• Фернан Леже;
• Андре Маре.

Кубизм: художники

Наиболее известной фигурой в направлении кубизм является испанский художник Пабло Пикассо; именно он – основоположник кубизма, наравне с французским кубистом Жоржем Браком.

Возникло это направление во Франции, в 1906-1907 годы. Название направления появилось благодаря французскому художественному критику Луи Вокселю, который в 1908 году описал серию картин Жоржа Брака (изображения деревьев и гор в виде кубов и пирамид) как «кубические причуды».

Другие представители кубизма: Хуан Грис, Марсель Дюшан, Фернан Леже. Однако не все работы этих художников выполнены строго в стиле кубизм; чаще всего они включают в себя элементы и других направлений.

Основание течения и первые творцы

Первые работы связаны с творчеством Пабло Пикассо и Жоржа Брака. Временем возникновения направления считают 1907 год. Одна из первых ярких и репрезентативных работ – картина «Авиньонские девицы». Творение Пикассо отличалось рубленными, грубыми линиями, острыми углами, отсутствием игры теней и перспективы. Нереалистичное изображение обнаженных женщин характерно для кубизма.

Художник использовал нейтральные, природные цвета. Африканские маски, по мнению искусствоведов, являются символом зарождения нового течения живописи.

Сюрреализм как стиль в живописи

Основоположник кубизма дал картине название «Философский бордель», а переименована она была Андре Сальмоном – писателем, другом художника. В полотне отслеживаются влияния картины Сезанна «Купальщицы».

По мнению искусствоведа Эрнста Гомбриха, основатель кубизма – Поль Сезанн, а Пабло Пикассо был его учеником. Именно Сезанн в письме к Пикассо изложил совет применять простые, геометрические формы: сферы, цилиндры, конусы. Автор письма имел в виду основу, базу для создания изображения, но Пабло Пикассо истолковал этот совет буквально.

Со времен эпохи Возрождения художники стремились к максимальной реалистичности передаваемого изображения. Кубизм полностью оторвался от реалистичности, натуральности, гармонии передачи света и тени. Стремление к созданию плоского изображения в натюрморте, портрете, вместо объемного – главная черта творчества первых кубистов. Они использовали геометрические фигуры для абстрактной передачи изображений людей, природы, предметов. Формы, переданные на картинах – осязаемые, незамысловатые, простые. Натюрморт и портреты отображают суть, эмоции, но не истинное, реалистичное изображение. Термин «кубизм» появился в 1908 году, благодаря критику Луи Вокселю. Излагая мнение о картинах Брака, он назвал их «кубическими причудами».

Особенности техники Импасто

Родиной кубизма считается Франция, но направление живописи активно развивалось и за ее пределами – в России (в форме кубофутуризма), Чехословакии. Современный стиль кубизм тяготеет к абстракции, футуризму.

Кубизм не сразу прижился в мире искусства – он часто становился предметом насмешек и жесткой критики. Это радикальное для живописи течение, пришедшее на смену реализму, было предметом нелестных отзывов. Также представители стиля, работавшие в этом стиле, стали предметом интереса прессы. Кубический натюрморт и другие жанры были смелым творческим экспериментом. Поклонников нового, необычного стиля, было немного, но среди них были критики и меценаты.

Formal Analysis: A Brief Compositional Overview

The Three Musicians painting analysis will take a closer look at its visual details and the geometric qualities of this Synthetic Cubist painting. Picasso’s art style will be discussed around the art elements as categories. 

Portrait photograph of Pablo Picasso, in front of his painting The Aficionado (1912); AnonymousUnknown author, Public domain, via Wikimedia Commons

Subject Matter: Visual Description

Three Musicians by Pablo Picasso depicts three collage-like and fragmented figures next to one another on a stage. Starting from the left is the block-like, white, and black shape of a Pierrot who is playing the clarinet, holding it with both of his (rather) small hands. This figure symbolizes Guillaume Apollinaire who died in 1918 of the Spanish flu.  

In the center, to the Pierrot’s left (our right), is the figure of a harlequin with a yellow and reddish (or orange) suited outfit with diamond-shaped patterns and white shoes. His face appears quite large, with two black circles for eyes and a rectangular-shaped mouth. 

To the right is the third figure, a monk, who is holding sheet music, he is wearing a dark-robed outfit and has a long grey beard. This figure symbolizes that of Max Jacob, and interestingly, he reportedly joined a monastery, which is why Picasso depicted him as a monk. 

There is also a brown table and a large brown dog on the stage. The dog is more deconstructed, its body appears to be under Pierrot, and its two front legs and paws are out in front of it facing the left wall of the composition. Its head and neck are positioned slightly above its paws, appearing almost like a shadow against the left corner and back of the wall of the background. Its hind leg lies between Pierrot’s legs and its small curvy tail is between the harlequin’s legs.

Color

Three Musicians by Pablo Picasso consists of various brighter and neutral colors. The background and stage are in different shades of brown. The table on the stage in the foreground is also a lighter brown, as well as parts of the figures and the dog. The three figures are overlapping in part blue, black, white, and the more colorful red (or orange) and yellow of the Harlequin’s outfit. 

Texture

While there is some visible texture evident from Picasso’s paintbrush, there is also implied text, for example, the brushstroke lines on the dog’s body to indicate its fur or the vertical wavy lines to imply the monk’s beard.

Shape and Form

Similarly, there are seemingly countless geometric shapes and flatter forms overlapping one another, also adding the effect of movement and dynamism, making it a lively space. This work has been described as appearing like “cut-out” pieces of paper, which gives it its collage-like appearance. 

Line

There are a variety of lines composing Three Musicians by Pablo Picasso, for example, angular lines composing the figures, with combinations of diagonal, straight, and curved lines for example the patterns on the Harlequin’s outfit or the curved lines of the guitar’s shape.

Space

Pablo Picasso created a fragmented and “shallow” space in Three Musicians, bringing the figures close to the foreground, almost in our (the viewers’) space, which is also heightened by the lack of depth in the background. Furthermore, Picasso depicted the scene from different angles, for example, the figures appear from a frontal perspective and the table appears as if viewed slightly from an aerial viewpoint.

Войти на сайт

Картину «Старый гитарист» Пабло Пикассо написал в 1903 году после самоубийства своего близкого друга. Этот период в творчестве художника принято называть «голубым». В это время Пикассо с особым трепетом относится к судьбе униженных, пишет много полотен, изображающих страдания бедных, больных, и тех, кого изгнали из общества. «Старый гитарист» при кажущейся простоте и незатейловости сюжета хранит множество секретов.

1. Пикассо передал картиной свое душевное состояние

«Старый гитарист», Пабло Пикассо. Есть мнение, что именно такое положение картины правильное.

В 1902 году, когда Пикассо было 22 года, он впал в депрессию, что и отразилось на многих других картинах так называемого «голубого периода». Это видно по монохроматичности и отсутствии объема на данных полотнах. Подобная безысходность, которой веет от картины, неудивительна: в то время художник жил в нищете.

2. Картина больше, чем считают многие люди

Пабло Пикассо.

Из-за искаженной перспективы обычно все считают, что «Старый гитарист» — очень небольшое полотно. На самом деле, его размеры — 123 x 83 см.

3. Человек на картине слепой

Слепые видят что-то за пределами этого мира.

Закрытые глаза, отрешенность от всего мира и только инструмент в руках имеет значение. «Старый Гитарист» стал одним из символов в литературе, который часто используется для того, чтобы передать то, как слепые видят что-то «за пределами этого мира».

4. Человеческие страдания – основная тема «голубого периода»

Селестина,1903 г.

Пикассо в этот период рисовал слепых, нищих, алкоголиков и проституток. Особо его интересовала тема слепоты, а слепых людей можно найти в ряде его произведений. На «Скромной трапезе» (1904) изображены слепой мужчина и зрячая женщина, которые сидят перед практически пустым стволом. Похожая ситуация изображена на «Завтраке слепого» (1903). Наконец, на портрете «Селестина» (1903) нарисована женщина с бельмом на одном глазу.

5. Частично эту картину можно считать автопортретом

Гитарист находит утешение среди однообразия окружающего мира в гитаре.

Единственным элементом «Старого гитариста» не синего цвета является гитара. Гитарист якобы находит утешение среди однообразия окружающего мира в своем инструменте. Точно так же и Пикассо рассматривал возможность вторить, как единственное светлое пятно даже в самые плохие времена.

6. Композиция «Старого гитариста» намекает на творчество Эль Греко

Конечности преувеличенно удлиненны — дань творчеству Эль Греко.

Как и все картины голубого периода, это полотно непосредственно связано с художником Эль Греко. Пикассо был большим поклонником этого художника, несмотря на то, что на то время в фаворе были другие художники эпохи Возрождения. Искусствоведы предполагают, что Пикассо специально выбрал странную угловатую позу гитариста, а также изобразил его конечности преувеличенно удлиненными. Якобы это было сделано в качестве дани таланту Эль Греко.

7. Картина, возможно, послужила вдохновением для стихов

Американский модернист Уоллес Стивенс.

Через три года после того, как «Старый гитарист» был выставлен в художественном музее Уодсворт Атенеум в Хартфорде, штат Коннектикут, американский модернист Уоллес Стивенс опубликовал стихотворение «Человек с голубой гитарой». Несмотря на, казалось бы, очевидную связь между живописью и поэмой, Стивенс отрицает какую-либо причастность к работе Пикассо.

8. На картине есть скрытая женщина

За ухом гитариста едва заметные лоб и глаза.

Если внимательно присмотреться, то можно разглядеть за ухом гитариста едва заметные лоб и глаза. Ученые художественного музея при Институте Искусств Чикаго, где хранится картина, просветили картину с помощью инфракрасного излучения и рентгена. Они обнаружили, что под слоем краски скрывается недописанное изображение обнаженной молодой женщины, которая кормит грудью ребенка, а также изображения теленка и коровы.

9. «Старый гитарист» — самое знаковое произведение голубого периода Пикассо

Старый гитарист — кубизм.

В течение 1900-1904 годов Пикассо написал довольно много картин, в которых преобладали оттенки синего и голубого цветов. Но ни одна из них не стала столь популярна, как «Старый гитарист».

10. Институт Искусств Чикаго вошел в историю благодаря этой картине

Институт искусств Чикаго.

Институт искусств Чикаго приобрел картину в 1926 году. «Старый гитарист» стал первой картиной Пикассо, которая была приобретена американским музеем, а также первой картиной Пикассо, которую любой музей мира приобрел для своей постоянной коллекции.

Ищите женщину

«К несчастью, а может, и к счастью, я смотрю на вещи через призму любви». Ни у одного из великих художников не было столько романов и возлюбленных, сколько у Пабло Пикассо. С возрастом он выбирал дам всё моложе, повторяя: «Если я живу с юной, это помогает и мне оставаться юным».

Пикассо был женат дважды и имел четырёх детей от трёх женщин. Второй брак был заключён 13 марта 1961 года: 79-летний художник зарегистрировал свои отношения с 37-летней моделью Жаклин Рок. Ей посвящено наибольшее количество картин. И именно Жаклин после смерти Пикассо взяла на себя ответственность за сохранение наследия художника, благодаря ей музеи пополнили свои коллекции бесценными шедеврами. А накануне одной из выставок Пикассо Жаклин застрелилась.

Художник был довольно жесток к своим детям и внукам. Сын от первого брака с Ольгой Хохловой жил в бедности, в то время как художник купался в достатке: платил за шикарные банкеты, лишь поставив свою подпись на салфетке, и похвалялся, что может покупать себе дома «за три картинки, намалёванные вчера». Он дарил свои рисунки друзьям, даже посвятил одну тарелку своей собаке, а вот внукам — ничего. Один из внуков покончил с собой в 24 года, выпив хлорку.

Девочка на шаре, 1905. (pinterest.com)