Михаил нестеров

«Опять двойка» — описание картины

На картине «Опять двойка» Фёдора Решетникова мы видим семью, что встречает мальчика, вернувшегося из школы. Его вид красноречиво говорит о том, что вместо уроков он занимался катанием на коньках, играл “в войну” с дворовыми ребятами.

Особенное внимание к себе привлекают младший брат главного героя и собака. Они рады видеть своего любимца, ведь хотят поиграть с ним

Мать мальчугана с грустью смотрит на него, а старшая сестра явно осуждает.

Фрагмент картины Решетникова «Опять двойка»

Как отмечают искусствоведы, в картине «Опять двойка» есть явное разделение на негативных и положительных персонажей, третьим же элементом являются сочувствующие лица. Однако я не соглашусь с подобной распространённой версией. Несмотря на нерадивость школьника, он явно очень добрый мальчишка, который искренне любит маленького брата и собаку. В то же время стоит поддержать мать и сестру, что желают своему родному человеку успешного будущего, тяжело переносят подобные школьные промахи.

Полотно Фёдора Решетникова имеет немало интересных деталей. С первого же взгляда становится заметно, что в семье нет отца. Вероятнее всего, он погиб на войне. Однако бедствующими этих людей не назовёшь. Мы видим ковёр, велосипед и часы. Для 1952 года, когда люди ещё пытались оправиться от военных потрясений, это были предметы роскоши, которые могла позволить себе далеко не каждая семья.

Главный герой и его собака. Фрагмент картины «Опять двойка»

Не менее занимательный аспект – композиция картины. Персонажи выстроены в форме треугольника, вершина которого упирается в картину, висящую на стене. Это особая ирония Решетникова – в качестве репродукции он изобразил собственное творение «Прибыл на каникулы», что было написано ранее.

Подобный приём использования изображения предыдущей картины повторяет и в третьей части трилогии – «Переэкзаменовке», что является сюжетным продолжением истории.

«Опять двойка» – одна из самых известных картин Фёдора Решетникова, художника, что с особой теплотой писал детей. Нежное и трепетное отношение к ребятам, понимание их радостей и тревог живописец передаёт в каждом своём творении. Даже здесь нельзя определить, сильно ли осуждает Решетников своего героя, ведь его образ выписан с душевностью и любовью.

История сюрреализма

Сюрреализм появился во Франции в 1920-ые годы. Он пришел на смену нескольким направлениям, одно из которых – дадаизм. Дадисты постоянно бросали вызов обществу – придумывали арт-объекты из мусора, рисовали на заборах, создавали картины необычным способом. Например, краску на холст они наносили не кистями, а буквально бросали ее, чтобы получать яркие брызги разных цветов.

Дадаизм отвергал все принятые правила, вместо системы в творчестве появляется хаос. На смену разрушительному течению приходит сюрреализм. Хотя у двух направлений есть общие черты, но цели разные. Сюрреалист – это созидатель. Предшественниками французского сюрреализма считают также фюмизм, изощренно высмеивающий действительность, и кубизм, от которого сюрреалисты переняли необычный способ показывать трехмерные изображения.

Значение слова «сюрреализм» можно найти в литературной и художественных энциклопедиях, а также в философских словарях. Оно происходит от французского «surrealisme», что дословно переводится как «сверхреализм». Понятие введено драматургом Гийомом Аполлинером – первое упоминание встречается в одной из его работ начала 20 века.

Родоначальниками течения считаются Андре Бретон, Филипп Супо и Луи Араго. В мае 1920 вышла в свет книга «Магнитные поля», в которой можно познакомиться с одной из главных художественных идей сюрреализма – автоматизмом.

На фото Андре Бретон

Андре Массон делал необычные «автоматические» рисунки – он долго водил по листу карандашом или ручкой, пока на бумаге не начинали проступать образы, в которых можно было угадать очертания привычных предметов.

Художественная трилогия Федора Решетникова

Картина «Опять двойка»

Федора Решетникова – это, пожалуй, самое известное художественное произведение в нашей стране. Практически каждый школьник, да и любой взрослый сможет по памяти воспроизвести сюжет картины. Ведь ее репродукция была включена в учебник по русскому языку для средней школы. И практически все ученики писали сочинение. Однако мало кто знает историю создания картины и что она является второй по счету из трилогии Решетникова.

Триптих включает в себя три полотна. Первая часть называется

«Прибыл на каникулы»

и написана она художником еще в 1948 году. Главный герой – юный суворовец, который приехал в отпуск к родным. Его встречает дед и старшая сестра. Основной мотив, переданный художником – гордость деда за своего внука-отличника. Вторая картина трилогии должна была продолжить тему, и главным героем тоже должен был стать мальчик-отличник. Чтобы правильно передать эмоции ребенка, Решетников напросился в школу на урок. Когда школьника вызвали к доске, вдруг выяснилось, что урока он не знает. Мальчишка стоял расстроенный, низко опустив голову.Прибыл на каникулы

Всегда шёл от темы

Живописная природа Тверского края надолго привлекла художника, который более 30 лет своей жизни и творчества посвятил этим местам, создав здесь почти все свои лучшие произведения.

Живя в Гарусове, работая над жанровыми картинами, Моравов внимательно и пристально вглядывался в людей, желая проникнуть в их внутренний мир. Человек с его характером и индивидуальными особенностями всегда интересовал художника, поэтому в его портретах постоянно присутствует внутренняя правдивость характеристик.

Вот как Александр Викторович Моравов писал в автобиографии: «В своих произведениях я всегда шёл от темы. Тематическим содержанием моих картин того периода были главным образом жизнь, быт и труд наших крестьян на фоне родной природы. Тяжёлый примитивный крестьянский труд на помещичьих полях и на своих полосках, необеспеченное полуголодное существование деревенской бедноты — все это мне хотелось показать в живописи. Я очень любил изображать солнечный свет и радостное ощущение жизни, связанное с созвучными яркими красками».

Ученичество

Считается, что на выбор профессии Александра повлияли ближайшие друзья отца, знаменитые художники Михаил Врубель и Николай Ге. Первые навыки живописи юный художник получил в частной художественной школе Николая Мурашко в Киеве. В 1897 году он поступил в Московское училище живописи, ваяния и зодчества. А закончив натурный класс, попадал в только что открытую при училище мастерскую Валентина Серова.

В 1903 году Моравов принимает участие в XXXI выставке Товарищества передвижников, где представляет дипломную работу под названием «Мать». Сейчас эта картина хранится в Государственном Русском музее. Сам Илья Репин дал ей высокую оценку. И вскоре Моравов становится членом Товарищества передвижников и сближается с такими выдающимися русскими художниками как Илья Репин, Василий Суриков, Владимир Маковский и Василия Максимов.

Живопись Рене Магритта

Бельгийский художник Рене Магритт к психоанализу в творчестве относился негативно. На его полотнах мы видим привычные предметы, однако под новым углом. Одна из главных целей творчества, по мнению живописца, – заставить зрителей думать. Как сделать это с помощью искусства? Например, превратить картину в головоломку, оставив под обычным на первый взгляд изображением неожиданную подпись «это не он».

Сюрреализм Рене Магритта называют «парадоксальным» – простые вещи с его картин наталкивают на тревожные и пугающие мысли. Если присмотреться повнимательнее, то начинают открываться новые смыслы и тайны, бережно скрытые в его работах.

Часто на полотнах Рене Магритта можно увидеть мужчину в котелке. Кто же этот таинственный незнакомец? Существует две основных версии:

Кто-то считает, что это – просто автопортрет художника.
Часть критиков придерживается мнения, что так в творчестве художник показывает источник своего вдохновения, который кроется в обыденных вещах, и в незамысловатых образах.

Рене Магритт «Силуэт»

Одна из самых популярных работ художника называется «Влюбленные». Картина написана в 1928 году. На полотне сохранен необычный поцелуй – лица влюбленных укрыты тканью. К большинству картин Рене Магритт давал свои комментарии, однако эту работу решил никак не объяснять.

Картина «Влюбленные»

Поклонники творчества живописца дали немало интерпретаций. Например, предположили, что так передана любовь, которая, как известно, слепа. По другой версии – люди остаются загадками друг для друга даже в моменты близости. По третьей – на картине изображен серьезный разлад в отношениях, когда каждый в паре сосредоточен на самом себе.

Основные идеи сюрреализма

На формирование и развитие этого течения серьезное значение оказал психоанализ Зигмунда Фрейда. Для понимания сюрреализма лучше сперва познакомиться с анализом сновидений.

Картина Сальвадора Дали «Искушение святого Антония»

Выделяют два направления. Первое – это новый процесс создания произведений искусства, своеобразный эксперимент. Второе – отражение на полотнах оторванных от реальности картин, которые созданы подсознанием. Законы, привычные в академической живописи, не нарушаются – например, художники также передают игру света и тени, однако не боятся экспериментировать, создавая фантастические абстракции.

Ограниченной реальности противопоставляют мир внутренний, который не знает рамок. Художники сюрреалисты пробуют необычные сочетания форм и цветовых решений. Новый подход переносит зрителей в мир, живущий по собственным законам, – зыбкий, словно сон или размытое видение. Представители сюрреализма в живописи 20 века хоть и работали в одном направлении, но создавали совершенно непохожие работы – авторство многих картин можно угадать с легкостью.

Вместо постскриптума

К сожалению, после 1940 года Александр Моравов больше не бывал в удомельских краях так благотворно на него повлиявших… Практически всё своё время он отдавал преподаванию в Художественном институте им. В.И. Сурикова, а многолюдная картина «В волостном ЗАГСе» и вовсе как-то подзабылась.

Как бы подводя итоги своей многолетней работы, он напишет: «В самой природе искусства есть что-то зовущее и обещающее открыть тайну жизни, и в этом — его вечная волнующая и привлекающая сила. Путь воздействия искусства на человека очень сложен и вместе с тем очень прост. Нужно, чтобы художник, движимый желанием быть полезным человечеству, был искренен в своем творчестве и любил то, что он делает…»

Интерьер Ярмарка В волостном ЗАГСе Задушевный разговор Заседание комитета бедноты В. И. Ленин в Самарском кружке

Предшественники сюрреализма в живописи

Это одно из самых значительных направлений художественного искусства 20-го века, несмотря на свою видимую оригинальность и отдаленность от повседневности, возникло не на пустом месте. У сюрреализма было несколько родителей и прародителей. Макс Эрнст, художник о котором уже упоминалось в данной статье, в своей юности был увлечен дадаизмом.

Это течение так же, как и сюрреализм, было реакцией на шаткое политическое и экономическое положение во всем мире. Творческая интеллигенция, недовольная картиной происходящего, в своих произведениях обращалась к особой, вымышленной ее представителями реальности, которая, по их мнению, не должна была иметь ничего общего с действительностью. Эти артисты рассуждали примерно так: «Войны и другие межнациональные конфликты спровоцированы политиками, которые действуют на основе логики и здравого смысла. Если такие умозаключения приводят к столь плачевным последствиям, то нужно в своем творчестве воспевать явления, противоположные им. Поэтому искусство должно отрицать любое проявление здравого смысла, рассудка, логики, общественных норм, морали и тому подобных вещей».

Само слово «дадаизм» является своеобразным лозунгом направления. Понять, откуда оно произошло, невозможно. Созвучные с ним слова есть в различных языках мира, в том числе и в русском. Так, дадаисты считают, что наименование стиля могло означать утвердительный ответ, повторенный два раза: «Да, да». В одном из наречий, на котором говорят племена из Южной Африки, таким термином обозначается божество — священная корова. Это почитаемое животное символизирует женское начало и плодородие.

Другим предшественником реализма был фумизм, который провозглашал критическое мышление и отрицание идеалов высшим благом. Примером работы, где прослеживается подобное нигилистическое видение мира, может служить картина художника Эжена Батая «Джоконда с трубкой».

Что означает понятие – самая дорогая картина

Ван Гог «Портрет доктора Гаше»

В мире немного полотен, имеющих наибольшую ценность. Одной из них является шедевр Леонардо да Винчи. Несмотря на колоссальную стоимость, полотно с легкостью бы перекупили лучшие дома планеты. Не менее ценными являются полотна Кунинга, Моне и других мастеров.

Полотно «Христос Святого Иоанна Креста» Дали – ценнейший экземпляр.

Сам мастер работал над картиной более 2 лет.
Шедевр переходил из рук в руки, пока его не приобрел музей Кельвингроув (Шотландия).
В 2006 году картину хотели выкупить испанцы за 127 миллионов долларов США. Сделка не состоялась, иначе бы картина считалась самой дорогой, вышедшей из-под рук мастера.

Многие картины ценятся не только за «перо мастера», но и изображение. В частности, самое дорогое полотно авторства Ван Гога «Портрет доктора Гаше» считается почти автопортретом. Доктор был лечащим врачом гения на протяжении последних лет жизни.

В 1990 году картину купил Рёэй Саито (японский фабрикант).
Сумма сделки составила 82,5 млн. долларов США.

Картина «Стог сена» – ценнейшее полотно кисти Клода Моне. Мастер уделил труду немало времени и закончил его в 1891 году. Картина не входила в реестр самых дорогих, но стала лидером по стоимости работ художника.

Изначально полотно принадлежало меценату Берте Оноре Палмер, а затем перешла по наследству сыну леди.
В 2019 году цена картины Моне составила 110,7 млн. долларов США. Это рекорд для полотен художника.

Имя нынешнего владельца не разглашают.

Часто задаваемые вопросы
Почему именно Да Винчи считают самым гениальным и дорогим художником? За годы жизни гений изобрел множество механизмов, придумал агрегаты, опережающее свое время. Также Леонардо да Винчи является философом, химиком, астрономом – это действительно гениальный человек. К тому же его картины «старшие» по возрасту и потому оцениваются крайне дорого.

Сюрреализм в России

Самые известные современные художники-сюрреалисты в России – Вячеслав Иванов и Борис Индриков. Вячеслав Иванов родился на родине Марка Шагала – в Витебске. Он создает удивительные работы, в которых фантастические сюжеты мастерски вписываются в реальность, открывая новые смыслы.

Вячеслав Павлович Иванов «Ветер странствий»

Картины в стиле сюрреализм создает и Борис Индриков, который поражает воображение не только своими запоминающимися работами, но и фразами, отражающими суть творчества. «Картина – это дверь в параллельный мир. Мир, где всё по-другому. Другие законы, другие линии и формы, – пишет Борис Индриков. – Это мой мир. Возможно, я из него пришел и в него вернусь».

Стилистика работ Бориса Индрикова

Регистрация

Помните, как в детстве бегали смотреть «на свадьбу»? Особенно всем нравилась невеста, которая всегда казалась необыкновенной красавицей.

Кроме фаты и белого наряда, непременным атрибутом свадьбы был звон бокалов, поцелуи под возгласы «Горько!» и праздничный стол. Однако привычный сегодня вид торжества сформировался не сразу.

После Великой Октябрьской революции 1917 года в новом атеистическом государстве были отменены обряды венчания, крещения и прочие церковные традиционные действия, сопровождавшие важные моменты жизни человека прежде.

Понятное дело, люди рождались, женились, умирали, и все эти события следовало регистрировать в ЗАГСе, чтобы записать в акте гражданского состояния. Празднование же по случаю создания семьи предельно упростилось. Вот именно такое типичное событие для 20-х годов ХХ века и запечатлено на картине Александра Моравова «В волостном ЗАГСе». Она написана в Гарусове и, кстати, на ней изображён тот же зал, что и в картине «Заседание комитета бедноты» (см. изображение ниже).

Секрет успеха творчества Решетникова

Яркие произведения художника очень запомнились советскому зрителю. Смотря на картины Федора Решетникова сейчас, мы словно переносимся в прошлое, сквозь них чувствуется дух того времени. Совершенно не удивительно, почему его картины завоевали широкую популярность. Они проникнуты особой теплотой и искренностью. Художник много внимания уделяет деталям в изображении людей. Перед тем как рисовать портрет того или иного человека, он пристально его рассматривает, отмечает для себя индивидуальные и ярко выразительные черты каждого из них. Поэтому его портретный жанр невероятно успешен. Картины Федора Решетникова воплощают цельность мировоззрения художника-реалиста. В его пейзажах и портретах чувствуется большая любовь к родине, верность собственным принципам и убеждениям. Одновременно с этим мастеру присуща необыкновенная острота взгляда, замечательное чувство наблюдательности и юмора. В связи с этим раскрылась еще одна сторона его творческого дарования. Решетников, помимо успешной деятельности в области живописи и графики, преуспел в создании превосходных скульптурных композиций сатирически-юмористического характера.

Татлин В.Е. «Садовые цветы». Описание картины

Трепещущие, словно живые, цветы. Бережно собранные в изящный букет и заботливо помещенные в вазу – такие, как они есть. Зная раннее творчество В. Татлина, с его бушующей геометрией и любовью к авангарду, сложно представить, что «Садовые цветы» также принадлежат его кисти. Теплые оттенки, в которых выполнена картина, романтичная поэтика ее сюжета – все это показывает миру иного Татлина, и живопись, отличную от предшествующих работ мастера.

Четких линий и тщательно прорисованных границ изображаемых предметов здесь не найти. Как не увидеть и фотографической точности передачи цветов. Не указывая на сорт составляющих букет цветов, образно передавая бутоны и распустившиеся цветочные шапки, художник позволяет зрителю самому додумывать картину. И тогда фантазией смотрящего на полотне рождаются по-осеннему красивые астры и хризантемы, дубки и луговое разнотравье. Все тот же авангард, все та же манера плоскостного письма, но цветы кажутся реальными, объемными, излучающими жизнь и яркий аромат.

Отрывистые штрихи, смешение цветов – то, чего не было в прежних картинах художника. Играя с формой и оттенками, Татлин ищет новый способ передачи изображения. В «Садовых цветах» он впервые обращается к постановочной работе и изменяет выработанную манеру письма. Многообразие штрихов, линий и цветовых красочных пятен открывают сюжет картины при удалении от нее, по частям складывая изображение, как мозаику. Появляется падающий свет, серая тень, неожиданная в общей терракотово-алой гамме синева одинокого цветка.

Композиция овеяна домашним теплом, настроениями умиротворения и покоя. Осенний букет негласно символизирует зрелость художника, как творца. Картина уже не кричит оттенками и формами, она серьезна, глубока и основательно продумана.

«Садовые цветы» 1938 г. Дерево, масло. 53 x 44 см. Государственный Русский музей, Санкт-Петербург, Россия

Картины художника Татлина В.Е.

Большой заказ

После 1917 года Александр Моравов надолго поселяется с семьёй сначала в Гарусово (Тверская область), где он впервые побывал в 1913 году с молодой женой Еленой. Она послужила моделью для картины «Интерьер». Её образ узнаваем и на других холстах художника. Довольно часто он пишет жену и позже, и всегда делает это очень живо, непосредственно, с большим теплом. Кстати, первым художником, который «открыл» Гарусово, стал Исаак Левитан. Вот такой интересный факт…

Из воспоминаний сына Александра Моравова: «Гарусовский дом был уютный и тёплый. С одной стороны к нему примыкал старый запущенный парк с огромными липами и елями, посаженными ещё крепостными Аракчеевых, с другой засаженный молодыми берёзами двор, переходящий в заросшие ольхою бескрайние холмистые пустоши, поля, низинные, сырые луга. Кроме господского дома в усадьбе было немало различного рода построек. Они видны на картине отца «Девушка у окна» (Пермская государственная художественная галерея)».

Художник там не сидит без дела. Он оформляет революционные праздники, клубы, рабочий театр в Максатихе, участвует в деятельности Комитетов бедноты и в комиссии по охране памятников искусства, участвует в организации и преподаёт в Свободных государственных художественных мастерских на даче «Чайка» в Удомле. В 1919 году участвует в Первой выставке художников-передвижников в Твери.

В 1923 году Моравов становится членом Ассоциации художников революционной России и тогда же получает заказ от культотдела ВЦСПС на три большие картины, изображающие строительство первенца ленинского плана ГОЭЛРО — Волховской гидроэлектростанции. В течение трёх лет художник ездил на строительство, сделал там свыше ста этюдов и столько же зарисовок, на основе которых и были созданы картины о гигантской стройке.

Таким образом, именно в Гарусове была создана такая значительная работа Моравова, как трилогия «Волховстрой», которая дала старт советскому индустриальному пейзажу.

№3 «Васильки», Исаак Левитан

Год: 1894

«Васильки», 1894 г. Частная коллекция (Москва), Исаак Левитан

Левитан любил натюрморты, и иногда, после прогулок в лесу, его мастерская походила на цветочный магазин. Он любил изображать полевые и лесные цветы на своих полотнах, чтил природу даже в самых скромных, простых ее проявлениях.

На картине «Букет васильков» мастер не изобразил вокруг вазы с цветами ни одной детали. Ничто не должно отвлекать зрителя от нежных васильков. На первый взгляд, цветы очень похожи между собой, но при более внимательном рассмотрении обнаруживается, что все иначе. Каждый василек имеет собственный оттенок — здесь и насыщенно-синие, и голубые, и розовые, и нежно-фиолетовые и даже белые.

С цветами в букете соседствует пшеница, пара ее колосков. Это создает ощущение небрежности, будто колоски попали в вазу по невнимательности. Однако в этом заключается особая притягательность композиции, ее шарм.

Контекст

Идею картины «Опять двойка» Решетников нашел в своей семье. Прообразом мальчика стала дочь художника Люба. У нее случались двойки, и в такие моменты она, приходя домой, всегда норовила проскользнуть незамеченной на кухню. Ее расстроенное лицо и виноватый взгляд Решетников сохранил для героя картины. Сам художник считал, что плохая оценка — это расстройство не только лично ребенка, но и родных, и близких, и всей страны.

Картина писалась с натуры, очень трудно. Сохранились воспоминания Решетникова о том, как долго художник кормил собаку бутербродами, чтобы заставить ее стоять в нужной позе.

«Переэкзаменовка». 1954. (Pinterest)

«Опять двойка» стала второй частью «художественной трилогии» Решетникова: первая — «Прибыл на каникулы», третья — «Переэкзаменовка». И точно так же, как на картине «Опять двойка» видна репродукция «Прибыл на каникулы», в левом углу «Переэкзаменовки» видна репродукция полотна «Опять двойка».

АЛЕКСАНДР АЛЕКСАНДРОВИЧ ДЕЙНЕКА (1899—1969)

Патриотическая героика мирного индустриального строительства, суровые военные будни и незабываемые дни великой победы над фашизмом, светлая радость материнства и острый накал спортивной борьбы — все эти темы получили воплощение в произведениях живописца, графика, скульптора, мастера монументально-декоративного искусства, лауреата Ленинской премии, народного художника СССР, Героя Социалистического Труда А. А. Дейнеки.

Пафос новой советской действительности, революционная романтика созидания социалистического общества сразу же завладели Дейнекой, когда он после окончания московского Вхутемаса (Всесоюзных художественно-технических мастерских) в 1924 г. выехал в творческую командировку в шахтерский Донбасс. Живые наблюдения самоотверженного труда горняков стали основой для монументальных полотен «Перед спуском в шахту» и «На стройке новых цехов». В такой же манере, сдержанной по колориту и лаконичной, но полной внутренней динамики, пишет Дейнека в 1928 г. картину «Оборона Петрограда», запечатлевшую героические события гражданской войны и непреклонное мужество защитников Петрограда, полных решимости отстоять завоевания революции.

Трудовому подвигу народа — строителя социализма посвящены лучшие произведения художника 1930-х гг. Колорит картин Дейнеки теплеет. В эти годы его образы приобретают тонкий лиризм. Особенно ярко эти черты проявились в картине «Мать» (1932, ГТГ). Ее героиня — женщина- труженица, здоровая, крепкая и вместе с тем женственная. Для Дейнеки она идеал нового человека, развитого физически и духовно, свободного и гармонического, прекрасного нравственно и физически.

А. А. Дейнека. Оборона Петрограда. 1928. Холст, масло. Центральный музей Вооруженных Сил СССР. Москва.

Этот идеал художник воплощает в многочисленных работах на темы спорта, подчеркивая его облагораживающее воздействие на людей. Произведения Дейнеки, воспевающие совершенство человека нового общества, резко контрастируют с картинами, созданными художником во время зарубежных поездок. И сразу же по возвращении на родину он пишет наполненную солнечным светом картину из жизни советских детей — «Будущие летчики» (1938, ГТГ). Мир, озаренный светлыми мечтами, юность Страны Советов, уверенная в своем будущем, предстают на этой картине.

Но каким суровым становится этот мир на полотнах, созданных в дни Великой Отечественной войны 1941 —1945 гг. Ощетинившаяся противотанковыми ежами и надолбами столица, собирающая силы для решительного контрудара («Окраина Москвы. Ноябрь 1941 года»), героические защитники Севастополя («Оборона Севастополя»), тревожные будни тыла («Тревожные ночи»).

В послевоенные годы Дейнека вновь обращается к изображению повседневного труда и быта советских людей. Это многокрасочные, пронизанные светлым оптимизмом и радостью бытия картины «У моря» и «В Донбассе» (обе 1956 г.). Художник много работает в области монументально-декоративного искусства. В начале 1950-х гг. Дейнека создает мозаики для здания Московского государственного университета на Ленинских горах, а в 1958 г. — панно для советского павильона на Международной выставке в Брюсселе. За комплекс мозаичных работ «Красногвардеец», «Доярка», «Хорошее утро», «Хоккеисты» Дейнека в 1964 г. был удостоен Ленинской премии.

«Художник обязан глубоко и зорко видеть и понимать, чем живет его родина. Знать, что хочет видеть. Обязан это так показать, чтобы зритель сказал: я это видел, знаю, я это люблю» — так сам художник определил цель своего творчества. И этому он неуклонно следовал всю свою жизнь.

Высокая культура театрально-декорационного искусства сочетала богатую живописную фантазию с поисками в области сценических конструкций (А. А. Веснин, А. Я Головин, В. А. Симов, В. А. и Г. А. Стенберги, Ф. Ф. Федоровский, Г. Б. Якулов в РСФСР,

A. Г. Петрицкий на Украине), начало развиваться кинодекорационное искусство (В. Е. Егоров, Е. Е. Еней, И. А. Шпинель). К высшим достижениям мирового искусства графики принадлежат гравюры на дереве В. А. Фаворского, А. И. Кравченко, П. Я. Павлинова, украинца В. И. Касияна, армянина Акопа Коджояна, рисунки В. М. Конашевича,

B. В. Лебедева, П. В. Митурича, Н. А. Тырсы, акварели Л. А. Бруни, А. В. Фонвизина, украинца А. А. Шовкуненко, офорты И. И. Нивинского, сочетающие большую графическую культуру с глубоким реалистическим восприятием советской жизни.

Многолюдная картина

Художник убедительно показал, как изменились за годы Советской власти люди, как они внутренне выпрямились, как открыто и светло смотрят на мир. В картине «В волостном ЗАГСе» видны приметы времени: на стенах простой деревенской избы висят советские агитплакаты и портрет Ленина. Будь она написана чуть позже, к нему бы добавился ещё и портрет Сталина.

Будёновка на голове жениха, одетого в полушубок, красноречиво свидетельствует, что он участвовал в гражданской войне, которая совсем недавно закончилась. Рядом с ним невеста в ярком цветастом платке. Не менее яркие, надетые по случаю праздника платки украшают и её подруг. Все персонажи буквально излучают счастье и находятся явно в приподнятом настроении.

Молодожёны расписываются, не сняв верхней одежды. Им некогда, всё на бегу, они новую жизнь строят, а не просто новую семью создают… Вот распишутся, получат документ о браке, отметят это событие с друзьями — и вперёд, к строительству социализма.

И художник сумел передать не только ощущение праздника, но и дух времени. Эта многолюдная картина, написанная в оттенках красного и малинового цвета, дарит всем хорошее настроение.

Александр Моравов был одним из группы художников, горячо поддерживающих революцию, вместе с коллегами он стремился задокументировать на своих полотнах действительность нового государства, не пренебрегая при этом видением коммунистического идеала.

Константин Коровин (1861-1939)

Константин
Коровин. Рыбы, вино и фрукты. 1916 г. Государственная Третьяковская галерея, Москва.

Возможно, эта победа не оказалась бы столь быстрой и столь полной,
если бы не два союзника, которые помогли людям XIX века увидеть мир другими глазами.
Одним из этих союзников была фотография. В самом начале это изобретение использовалось
в основном для портретов. В ту пору процесс фотографирования требовал очень длительной
экспозиции. Поэтому люди, сидевшие перед фотографом, должны были на что-нибудь
опираться, чтобы оставаться неподвижными, сохраняя при этом прямую осанку, в течение
довольно долгого времени. Усовершенствование переносной камеры и появление

моментальных
снимков приходятся на те же годы, что и расцвет живописи импрессионистов. Камера
помогала открывать прелесть случайной позы и неожиданного угла зрения. Более того,
развитие фотографии должно было обязательно подтолкнуть художников двигаться дальше
по пути исследования и эксперимента. Теперь живопись могла не делать того, что
механическое устройство исполняло лучше и дешевле. Мы не должны забывать, что
в прошлом искусство живописи служило целому ряду утилитарных задач. К нему обращались,
чтобы запечатлеть облик знатной персоны или вид загородного дома. Художник являлся
тем, кто мог противостоять преходящей природе вещей и сохранить для потомков облик
любого предмета. Мы не узнали бы, как выглядит дронт, если бы голландский художник
XVII века не потрудился запечатлеть птицу незадолго до полного исчезновения этого
вида. Фотография в XIX веке должна была взять на себя эту функцию изобразительного
искусства, нанеся удар художникам, такой же серьезный, как и запрет протестантской
церкви на алтарные образы. До изобретения фотографии почти каждый уважающий себя
человек позировал портретисту по меньшей мере раз в жизни. Теперь люди редко подвергали
себя этому суровому испытанию и то лишь, если они хотели сделать одолжение и помочь
художнику-другу. Поэтому художники были вынуждены все чаще обращаться к изучению
тех областей, где фотография не могла заменить их. Фактически, современное искусство
не стало бы тем, чем оно стало, без воздействия этого изобретения.

Вторым
союзником, встреченным импрессионистами на пути своих безрассудно смелых поисков
новых тем и новых колористических схем, была японская цветная гравюра. Японское
искусство развивалось под воздействием китайского, и так продолжалось в течение
почти тысячи лет. Между тем в XVIII веке, возможно, под влиянием европейской гравюры,
японские художники отказались от традиционных мотивов дальневосточного искусства
и обратились к сценам из повседневной жизни в качестве сюжетов для цветной

342 Китагава Утамаро Поднимается штора,
и открывается вид на цветущую сливу , Конец 1790-х

Ксилография 19,7×50,8
см

			Построение чертежа