Работы художника
Фрейлины (Менины) после Веласкеса
В последние годы жизни Пикассо пишет несколько картин по мотивам работ старых мастеров. Среди них 44 вариации «Фрейлин» Диего Веласкеса. Работа «Фрейлины после Веласкеса» — это очень смелая и крайне оригинальная вариация на милый сюжет. Пикассо сохранил композицию, но при этом трансформировал каждую деталь. Например, гигантский мастиф Веласкеса превратился в маленькую собачку, моделью для которой, возможно послужила одна из собачек Пикассо.
Рыдающая женщина
В 1937 году, во время работы над «Герникой», Пикассо написал несколько картин, изображающих голову рыдающей женщины. Одна из фигур «Герники» представляет рыдающую женщину с ребёнком на руках. На протяжении нескольких месяцев Пикассо разрабатывал эту тему, создав 17 работ, исполненных в различной технике. В том числе — четыре картины маслом. Последняя из них явилась кульминацией одного из самых плодотворных периодов в жизни художника.
Герника
Пикассо получил от правительства Испании заказ на большую картину для национального павильона на Международной выставке. Художник не приступал к работе до тех пор, пока не услышал о бомбардировке города Герники немецкими союзниками. Пикассо никогда не был в Гернике, но известие об убийствах мирных граждан разгневало и ужаснуло Пикассо. Картина написана маслом в чёрно-белых тонах и этим напоминает монохромную хронику страшных событий.
Обнажённая женщина в красном кресле
На этом портрете изображена Мари-Терез Вальтер, которую Пикассо любил, как едва ли кого-нибудь ещё в своей жизни. Они познакомились в 1927 году, когда первый брак Пикассо фактически развалился. Его связь с 17-летней Мари-Терез была на редкость бурной и чувственной, поэтому Пикассо с таким восторгом рисует её прекрасное юное тело, подчёркивая его изгибы.
«Герника». Отношение к войне
Картина «Герника» — символ жестокости войны. Разбираемся, как темы трагедии и военного конфликта проявились в работах художника.
Это часть интерактивных уроков, подготовленных образовательной платформой Level One в сотрудничестве
с крупнейшими российскими экспертами.
Еще 500 уроков по 15 направлениям, от истории
и архитектуры до здоровья и кулинарии на levelvan.ru/plus
посмотреть все уроки
Автор урока
Алина Аксёнова
Историк искусства, автор книг «Искусство ХХ века. Ключи к пониманию» и «История искусства
Просто о важном», более 9 лет проводила лекции и экскурсии в ГМИИ им. Пушкина.
«Герника» — одна из самых известных картин Пикассо, символ жестокости и бессмысленности войны.
Что делает ее такой значимой
Герника — маленький городок в Стране Басков на севере Испании. Во время гражданской войны в Испании авиация Германии, поддержавшая генерала Франко, почти полностью разрушила его в ходе бомбардировки.
Картина создает страшное сюрреалистическое пространство. Фигуры и предметы ломаются, деформируются, рассыпаются на части — как Герника во время бомбардировки и как весь мир после нее. Лаконичный колорит имитирует цвета газетных вырезок.
Композиция классическая, но сама картина нет. Слева и справа от центральных фигур — плачущие женщины. В центре воин с разорванным телом и сломанным мечом — символом поражения. Лошадь с высунутым языком символизирует крах мира. Получился страшный, разрушенный мир — каким ощущал его сам Пикассо.
Во время оккупации Парижа к Пикассо однажды пришли немецкие офицеры. Они увидели на столе репродукцию «Герники» и спросили: «Это вы сделали?». На что Пикассо ответил: «Нет, это вы сделали».
️ На выставке картину не приняли. Ее критиковали за пропаганду и недостаточную художественность. Гораздо больший интерес и энтузиазм на Парижской выставке 1937 года вызвали павильоны СССР и Германии.
Пабло Пикассо. Герника, 1937
Телеграм-канал
Level One
Вдохновляющие посты, новые запуски и подарки только для подписчиков
подписаться
На рубеже 1930–40-х годов Пикассо остро чувствовал трагедию, охватившую весь мир. В это время даже картины не на военную тему наполнены агрессией.
Вот яркий пример
«Кошка, схватившая птицу». Мы видим не просто кошку, а страшного монстра, схватившего беззащитную птицу. Пара «сильный-слабый» наполняется новым смыслом.
Образ кота часто интерпретируют по-разному. Одни видят в нем очертания минотавра, другие — челку Гитлера. Пикассо мастер в создании многозначных символов, в которых каждый угадывает что-то свое.
Пабло Пикассо. Кошка, схватившая птицу, 1939
Что почитать
John Richardson. «A Life of Picasso, Volumes I–III».
Главная биография Пабло Пикассо, написанная его близким другом. Трехтомник подробно описывает жизнь и творчество художника с 1880-х до конца 1930-х гг.
Оливье Видмайер-Пикассо. «Пикассо. Интимный портрет». Короткая, но важная книга внука Пикассо о самых главных сферах жизни художника. Можно прочитать за один вечер.Арианна Стасинопулос-Хаффингтон. «Пикассо. Творец и разрушитель».
Объемный том рассказывает историю жизни гения мелким шрифтом и во всех подробностях.
Франсуаза Жило. «Моя жизнь с Пикассо».
Любопытная книга для тех, кому интересно не только творчество Пикассо, но и его личная жизнь. Мемуары одной из многочисленных женщин художника описывают десять лет их совместной жизни.
За этот урок мы узнали много нового о творчестве Пабло Пикассо. Самое время попробовать свои силы в тренажере.
Сюрреализм
Пресытившись жизнью состоятельного буржуа, Пабло Пикассо возвращается к прежнему богемному существованию. Переломный момент ознаменовался написанием в 1925 году первой картины в сюрреалистической манере «Танец». Искаженные фигуры танцующих, общее ощущение болезненности надолго поселились в творчестве художника.
Картина Пабло Пикассо «Девушка перед зеркалом»
Неудовлетворенность личной жизнью отразилась в женоненавистнических картинах Пикасо «Зеркало», «Девушка перед зеркалом». В 30-е годы Пабло увлекся созданием скульптур. Появляются работы «Лежащая женщина», «Мужчина с букетом». Одним из экспериментов художника становится создание иллюстраций в виде гравюр к произведениям Овидия и Аристофана.
Кубизмъ[]
Файл:JuanGris.Portrait of Picasso.jpg
Портретъ Пикассо, выполненный Хуаном Грисомъ (1912)
Отъ экспериментовъ съ цвѣтомъ и передачи настроенія Пикассо обратился къ анализу формы: сознательная деформація натуры («Авиньонскія дѣвицы», 1907), односторонняя интерпретація системы Сезанна и увлеченіе африканскою скульптурою приводятъ его къ абсолютно новому жанру. Вмѣстѣ съ Жоржемъ Бракомъ, котораго встрѣтилъ въ 1907 г., Пикассо становится родоначальникомъ кубизма — художественнаго направленія, отвергавшаго традиціи натурализма и изобразительно-познавательную функцію искусства.
Пикассо уделяетъ особое вниманіе превращенію формъ въ геометрическіе блоки («Фабрика въ Хорта де Эбро», 1909), увеличиваетъ и ломаетъ объёмы («Портретъ Фернанда Оливье», 1909), разсѣкаетъ ихъ на плоскости и грани, продолжающіяся въ пространствѣ, которое самъ онъ считаетъ твёрдымъ тѣломъ, неизбежно ограниченнымъ плоскостью картины («Портрет Канвейлера», 1910). Перспектива исчезаетъ, палитра тяготеетъ къ монохромности, и хотя первоначальная цѣль кубизма состояла въ том чтобы болѣе убедительно, чемъ съ помощью традиционныхъ пріёмовъ, воспроизвести ощущеніе пространства и тяжести массъ, картины Пикассо зачастую сводятся къ непонятнымъ ребусамъ. Чтобы вернуть связь съ реальностью, Пикассо и Жорж Брак вводятъ в свои картины типографскій шрифтъ, элементы «обманокъ» и грубые матеріалы — обои, куски газетъ, спичечныя коробки. Начинаютъ преобладать натюрморты, преимущественно съ музыкальными инструментами, трубками и коробками изъ-подъ табака, нотами, бутылками съ виномъ и т. п. — атрибуты, присущіе образу жизни художественной богемы начала вѣка. Въ композиціяхъ появляется «кубистическая тайнопись»: зашифрованныя номера телефоновъ, домовъ, обрывки имёнъ возлюбленныхъ, названій улицъ, кабачковъ. Техника коллажа соединяетъ грани кубистической призмы въ большія плоскости («Гитара и скрипка», 1913) или передаётъ въ спокойной и юмористической манерѣ открытія, сдѣланныя въ 1910—1913 («Портретъ девушки», 1914). Въ «синтетическій» періодъ появляется также стремленіе къ гармонизаціи колорита, уравновешеннымъ композиціями, которыя временами вписываются въ овалъ. Собственно кубистическій періодъ въ творчествѣ Пикассо заканчивается вскорѣ послѣ начала Первой міровой войны, раздѣлившей его съ Жоржемъ Бракомъ. Хотя въ своихъ значительныхъ произведеніяхъ художникъ использует нѣкоторые кубистическіе пріёмы вплоть до 1921 («Три музыканта», 1921).
Пабло Пикассо и Мари-Терез Вальтер
В январе 1927 года Пикассо
повстречал 17-летнюю Мари-Терез Вальтер. На предложение поработать для него моделью девушка не отказалась, хотя о художнике Пабло Пикассо
никогда не слыхала. Через три дня после знакомства она уже стала его любовницей. Пикассо
снял для неё квартиру неподалёку от собственного дома.
Пикассо
не афишировал свои отношения с несовершеннолетней Мари-Терез, но полотна его выдавали. Самая знаменитая работа этого периода — «Обнажённая, зелёные листья и бюст» — вошла в историю как первое полотно, проданное дороже, чем за 100 миллионов долларов.
В 1935 году Мари-Терез родила дочь Майю. Пикассо
пробовал получить у жены развод, чтобы жениться на Мари-Терез, но эта попытка не увенчалась успехом. Отношения Мари-Терез и Пикассо
продлились намного дольше, чем продолжалась их любовная связь. Даже после расставания, Пикассо продолжал поддерживать её и их дочь деньгами, а Мари-Терез надеялась, что он, любовь всей её жизни, в конце концов женится на ней. Этого не случилось. Спустя несколько лет после смерти художника Мари-Терез повесилась в гараже своего дома.
Фото: Мари-Терез Вальтер и работа Пабло Пикассо
, на которой она изображена, — «Обнажённая, зелёные листья и бюст» (1932)
Пабло Пикассо и Ольга Хохлова
Спустя некоторое время после смерти Евы у Пикассо
завязывается тесная дружба с писателем и художником Жаном Кокто. Именно он приглашает Пабло
принять участие в создании декораций к балету «Парад». Так, в 1917 году труппа вместе с Пикассо
отправляются в Рим, и эта работа возвращает художника к жизни. Именно там, в Риме, Пабло Пикассо
знакомится с балериной, полковничьей дочерью Ольгой Хохловой (Пикассо называл её «Коклова»). Выдающейся балериной она не была, ей недоставало «высокого горения» и выступала она преимущественно в кордебалете.
Ей минуло уже 27 лет, не за горами был конец карьеры, и она достаточно легко согласилась оставить сцену ради брака с Пикассо
. В 1918 году они обвенчались. Русская балерина делает жизнь Пикассо
более буржуазной, пытаясь превратить его в дорогого салонного художника и примерного семьянина. Она не понимала и не признавала . А так как живопись Пикассо
всегда была связана «с музой во плоти», что имелась у него на данный момент, он вынужден был отойти от кубистической стилистики.
В 1921 году у супругов родился сын Паоло (Поль). Стихия отцовства временно захлестнула 40-летнего Пикассо
, и он без конца рисовал жену с сыном. Однако рождение сына уже не могло скрепить союз Пикассо и Хохловой, они всё более отдалялись друг от друга. Дом они поделили на две половины: Ольге было запрещено посещать мастерскую мужа, он же не наведывался в её спальни. Будучи женщиной исключительно порядочной, Ольга имела шансы стать доброй матерью семейства и осчастливить какого-нибудь почтенного буржуа, но с Пикассо
она «не справилась». Остаток жизни она провела в одиночестве, страдая депрессиями, мучаясь ревностью и злобой, но оставалась законной женой Пикассо
до своей смерти от рака в 1955 году.
Фото: Ольга Хохлова и работа Пабло Пикассо
, где она изображена «Портрет женщины с горностаевым воротником» (1923)
Наиболее известные работы Пабло Пикассо, написанные им в ранний период (до 1900)
«Портрет матери» 1896
«Знание и милосердие» 1897
«Первое причастие» 1896
«Автопортрет» 1896
«Матадор Луис Мигель Доминген» 1897
«Испанская пара перед гостиницей» 1900
«Босоногая девочка. Фрагмент» 1895
«Человек на берегу пруда» 1897
«Человек в шапке» 1895
«Бульвар Клиши» 1901
«Портрет отца художника» 1895
Следующий период в творчестве Пабло Пикассо называют «голубым». В 1901 — 1904 гг. в палитре Пикассо преобладали холодные цвета — в основном голубой и его оттенки. В это время Пикассо поднимал темы старости, бедности, нищеты, характерным настроением картин этого периода были меланхолия и печаль. Художник отображал человеческие страдания, рисуя слепых, нищих, алкоголиков и проституток и т.п. — именно они были главными персонажами «голубого» периода.
Парижский период
На рубеже двадцатого века Париж являлся центром международного художественного мира. Для живописцев это была родина импрессионистов, которые изображали окружающий мир с помощью мазков или штрихов из несмешанных цветов, чтобы создать ощущение реального отраженного света. Хотя их работы и сохранили определенные связи с окружающим миром, наблюдались определенные тенденции к абстракционизму. Покинув Испанию, Пикассо на Всемирной выставке в Париже представил свою картину «Последние мгновения».
Однако поездка в столицу искусства была омрачена. Друг художника впал в депрессию из-за несчастной и болезненной любовной истории с танцовщицей из Мулен Ружа. Они решили провести отпуск в родном городе Пикассо, но этому не суждено было случиться. Карлос покончил жизнь самоубийством, выстрелом в висок. Пабло был настолько раздавлен этой потерей, что это не могло не отразиться на его творчестве. Он пишет несколько портретов друга в гробу. Пикассо подходит к «голубому периоду» своего творчества, во время которого тоска и депрессивность сквозят сквозь холсты, изобилующими голубыми тонами. В течение следующих четырех лет в его картинах доминировал синий цвет. Он рисовал людей с удлиненными чертами лица. Некоторые из его картин этого периода изображали бедняков, нищих, печальных и мрачных людей.
Два выдающихся примера работ «голубого периода Пикассо»:
- «Старый гитарист»;
- «Нищий старик с мальчиком»;
- «Жизнь»;
- «Женщина с пучком волос».
В 1902 году были организованы две выставки художника. Тем не менее он живет и работает практически без средств к существованию в комнате Макса Якоба. Из глубокой депрессии по поводу смерти близкого друга Карлоса Касахемаса помогла выйти любовная история с Фернандой Оливье, бывшей сначала его моделью. Он влюбился во француженку и прожил с ней до 1912 года. Картины стали наполняться более теплыми цветами, среди которых оттенки красного, бежевый, оранжевый. Историки искусства называют это время в жизни Пабло «розовым периодом». Сюжеты представляли изображение более счастливых сцен, среди которых была и цирковая тематика.
Пикассо обзавелся постоянной парижской студией в 1904 году. Его студия вскоре стала местом встречи художников и писателей города. Вскоре в круг друзей вошли поэт Гийом Аполлинер, Макс Якоб, Лев и Гертруда Штайн, Андре Салмо, два агента: Амбруаз Волларда и Берта Вайль.
С 1905 года он все больше интересовался изобразительным приемами. Этот интерес, по-видимому, пробудился благодаря поздним картинам Поля Сезанна.
В период между 1900 и 1906 годами он перепробовал почти все основные стили живописи. При этом его собственный стиль изменился с необычайной скоростью. Штайны знакомят его с Анри Матиссом. Портрет Гертруды Штайн, начал череду опытов портретной абстракции, вдохновленных иберийской скульптурой, выставку которой Пикассо посетил в Лувре весной 1906 года.
Роль минотавра в творчестве Пикассо
Минотавры и быки играли важную роль в творчестве Пикассо. Разберемся, как через минотавров передаются дикость, агрессия, а иногда — беззащитность.
Это часть интерактивных уроков, подготовленных образовательной платформой Level One в сотрудничестве
с крупнейшими российскими экспертами.
Еще 500 уроков по 15 направлениям, от истории
и архитектуры до здоровья и кулинарии на levelvan.ru/plus
посмотреть все уроки
Автор урока
Алина Аксёнова
Историк искусства, автор книг «Искусство ХХ века. Ключи к пониманию» и «История искусства
Просто о важном», более 9 лет проводила лекции и экскурсии в ГМИИ им. Пушкина.
Делимся правильными ответами по прошлому заданию
1–2. Ольга Хохлова
3–4. Мария-Тереза Вальтер
5–6. Дора Маар
7–8. Франсуаза Жило
9–10. Жаклин Рок
Тем, кто хочет лучше разобраться в творчестве и личной жизни Пабло Пикассо, предлагаем пройти бесплатный мини-практикум «7 женщин Пикассо».
Отличная возможность закрепить знания и узнать новые интересные факты о художнике.
Телеграм-канал
Level One
Вдохновляющие посты, новые запуски и подарки только для подписчиков
подписаться
Пабло Пикассо
1. Пикадор, 1889
2. Коррида, 1900
3. Пикадор, 1900
4. Коррида, или смерть матадора, 1933
5. Коррида, 1934
Разбираемся в образах быка и минотавра в творчестве Пикассо. Они тесно связаны между собой — бык участвует в корриде, а минотавр — герой греческого мифа. Коррида — национальное развлечение испанцев.
Вот что коррида значила для Пикассо
Детское впечатление. Пикассо с детства бывал на корридах. Даже написанная в восьмилетнем возрасте картина «Пикадор» посвящена этой жестокой забаве.
Метафора 20 века. Через личные образы Пикассо передает дух времени. Коррида — образ всего 20 века с его войнами и революциями.
«Коррида, или смерть матадора». Бык и матадор здесь одновременно играют роли жертвы и палача, а исход их схватки может быть любым.
Пабло Пикассо
1. Минотавр бегущий, 1928
2. Обложка для журнала «Минотавр», 1933
3. Минотавр, увозящий на тележке лошадь и жеребенка, 1936
4. Бюст Минотавра перед окном, 1937
5. Сирены и Минотавр, спасающий женщину, 1937
В 1930-х годах в работах Пикассо появляется образ минотавра — получеловека-полубыка. Он показан в разных ситуациях и с разным отношением автора.
Какой смысл Пикассо вкладывал в этот образ
Животное начало. Минотавр — дикий, агрессивный. Это то звериное, что живет в каждом человеке. Пикассо признавал, что минотавр во многом автопортретный персонаж.
️ Палач и жертва. Минотавр опасен, но в мифологическом сюжете он стал жертвой Тесея. Поэтому в некоторых работах Пикассо показывает его беззащитным, нежным и трогательным.
«Минотавр, увозящий на тележке лошадь и жеребенка». Образ передает ситуацию в личной жизни Пикассо: лошадь и жеребенок — это его жена Ольга и сын Пауль, жертвы дикости минотавра. Сам минотавр-Пикассо тащит их на телеге, как прошлое, которое не может отпустить.
Пабло Пикассо
1. Минотавр, увозящий на тележке лошадь и жеребенка, 1936
2. Занавес к балету «Парад», 1917
Пабло Пикассо
1. Минотавр с мертвой лошадью у пещеры перед девушкой в вуали, 1936
2. Минотавромахия, 1935
3. Минотавр, атакующий амазонку, 1933
4. Минотавр и женщина за занавеской, 1933
Перед нами еще несколько работ Пикассо, посвященных минотавру и его отношениям с миром.
«Минотавр с мертвой лошадью у пещеры перед девушкой в вуали». Мертвая лошадь — символ жертвы. Минотавр выходит из лабиринта с умирающей лошадью на плече — так подчеркивается близость палача и жертвы. Напротив, как будто из другого мира, на него смотрит девочка, которая олицетворяет нежность и чистоту.
«Минотавромахия». В центре композиции — женщина-матадор на лошади. Она атакует огромного минотавра. Слева девочка держит свечу и цветы, будто пытаясь таким «оружием» защититься от зла. Мужчина спасается, карабкаясь по лестнице. Зрители сверху смотрят на происходящее словно из другого мира, не принимая никакого участия.
️ Минотавры из «Сюиты Воллара». Амбруаз Воллар очень любил технику офорта и заказал Пикассо серию из сотни графических работ. Среди них были и связанные с минотавром. Например, в работе «Минотавр, атакующий амазонку» он дикий и необузданный, а в «Минотавр и женщина за занавеской» — тихий и нежный.
Кубизм
Аналитический кубизм (1909-1912) — стиль живописи, который Пикассо разработан с Жоржем Браком, используя монохромные коричневатые и нейтральные цвета. Оба художника разбирали объекты и «анализировали» их с точки зрения формы. Картины Пикассо и Брака на этот раз имели много общего. Синтетический кубизм (1912-1919) был дальнейшим развитием стиля, в котором вырезанные бумажные фрагменты, часто обои или части газетных страниц вставлялись в композиции, ознаменовав первое использование коллажа в изобразительном искусстве.
В Париже Пикассо развлекался с выдающимся кругом друзей в кварталах Монмартр и Монпарнас, в который входили Андре Бретон, поэт Гийом Аполлинер, писатель Альфред Жарри, и Гертруда Стайн. В 1911 году Аполлинера арестовали по подозрению в краже Мона Лизы из Лувра. Он указал на своего друга Пикассо, которого также вызвали на допрос, но позднее освободили.
Рекомендуемые иллюстрации:
1909, Femme assise («Сидящая женщина»), холст, масло, 100 × 80 см, Государственные музеи Берлина, Новая национальная галерея
1909-1910, Figure dans un Fauteuil («Сидящая обнаженная»)
1910, La Femme au pot de moutarde («Женщина с горчичницей»), холст, масло, 73 × 60 см, Муниципальный музей, Гаага. Выставлялась на Armory Show, в Нью-Йорке, Чикаго и Бостоне в 1913 году
1910, Girl with a Mandolin (Fanny Tellier) («Девушка с мандолиной (Фанни Телье)»), холст, масло, 100,3 × 73,6 см, Музей современного искусства, Нью-Йорк
1910, Портрет Даниэля Анри Канвейлера, Чикагский институт искусств.
1910-1911, Guitariste, La mandoliniste («Женщина, играющая на мандолине»), холст, масло
Прибл. 1911, Le Guitariste («Гитарист»). Воспроизведенена в манифесте Альберта Глеза и Жана Метценже Du Cubisme («О кубизме») в 1912 году
1911, «Бутылка рома», холст, масло, 61,3 × 50,5 см, Музей искусств «Метрополитен», Нью-Йорк
1911, Le poète («Поэт»), масло, льняной холст, 131.2 × 89,5 см (51 5/8 × 35 1/4 футов), Музей Соломона Гуггенхайма, Коллекция Пегги Гуггенхайм, Венеция
1911-1912, «Скрипка», холст, масло, 100 × 73 см (овал), Музей Крёллер-Мюллер
1913, «Бутылка, кларнет, скрипка, газета, бокал», 55 × 45 см. Эта картина из коллекции Вильгельма Уде была конфискована Французским государством и продана на аукционе в «Отеле Друо» в 1921 году.
1913, Femme assise dans un fauteuil (Eva) («Женщина в рубашке, сидящая в кресле (Ева)»), 149,9 × 99,4 см, Коллекция Леонарда Лаудера, Музей искусств «Метрополитен»
1913-1914, Tête («Голова»), вырезанная и вставленная цветная бумага, гуашь и уголь на картоне, 43,5 × 33 см, Шотландская национальная галерея современного искусства, Эдинбург
1913-1914, L’Homme aux cartes («Игрок в карты»), масло, холст, 108 × 89,5 см, Музей современного искусства, Нью-Йорк
1914-1915, Nature morte au compotier
1916, L’anis del mono («Бутылка Анис дель Моно»), холст, масло, 46 × 54,6 см, Институт искусств Детройта, штат Мичига
Работы послевоенного периода (1945 — 1960e)
«Череп, книга и керосиновая лампа» 1946«Франсуаза, Клод и Палома» 1951«Клод (сын Пикассо)» 1948«Палома и Клод» 1950«Палома Пикассо» 1956«Портрет Франсуазы» 1946«Портрет сидящей женщины» 1960«Портрет Сильвет» 1954«Рыцарь, паж и монах» 1951«Женщина с зелеными волосами» 1949«Женщина в кресле» 1948«Палома с целлулоидной рыбой» 1950«Голубь» 1949
В 1961 году именитый художник, которому на тот момент было 80 лет, женился на 34-летней Жаклин Рок. В это время в творчестве Пикассо преобладали портреты Жаклин, которая была с живописцем до самой его смерти 8 апреля 1973 года в городе Мужен (Франция). Великий живописец скончался на 93-ом году жизни, будучи мультимиллионером. О смерти он высказывался так: «Я все время думаю о Смерти. Она всего лишь женщина, которая никогда не покинет меня».
Пабло Пикассо покоится у своего замка Вовенарг. Еще при его жизни, в 1970 году в Барселоне, был открыт Музей Пикассо, куда картины передавал сам художник. Позднее в 1985 году наследники живописца открыли Музей Пикассо в Париже.
Военный период
В годы испанской революции и войны Пабло Пикассо находится в Париже. Художник в 1937 году создает полотно «Герника» в черно-белых тонах по заказу правительства Испании для Всемирной выставки в Париже. Небольшой городок на севере Испании был полностью стерт с лица земли весной 1937 года немецкой авиацией. Народная трагедия нашла отражение в собирательных образах погибшего воина, скорбящей матери, разрубленных на части людей. Символом войны у Пикассо становится изображение быка Минотавра с большими безразличными глазами. С 1992 года полотно хранится в музее Мадрида.
Картина Пабло Пикассо «Герника»
В конце 30-х годов появляются картины «Ночная рыбалка на Антибах», «Плачущая женщина». Во время войны Пикассо не эмигрировал из оккупированного немцами Парижа. Даже в стесненных бытовых условиях художник продолжал работать. В его картинах «Натюрморт с бычьим черепом», «Утренняя серенада», «Бойня» и скульптуре «Человек с ягненком» появляются темы смерти и войны.
Пабло Пикассо был вундеркиндом
Родной город Пабло Пикассо — Малага.
Родился будущий гениальный художник в 1881 году в Малаге на юге испанского побережья. Маленький Пабло вначале научился рисовать, а лишь потом говорить. В подростковом возрасте мальчик даже превзошёл своего отца, который был учителем рисования. Легенда гласит, что папа отдал свою палитру и кисти сыну и поклялся, что больше никогда к ним не прикоснётся. Пикассо поступил на учёбу в художественную школу в Барселоне. Обычно сдача вступительных экзаменов занимала целый месяц. Пабло управился за один день. Когда Пикассо был уже знаменит, он заявлял, что в юности он рисовал «как Рафаэль». После этого он добавлял: «Правда мне потребовалась вся моя жизнь, чтобы научиться рисовать как ребёнок».
Маленький Пабло со своей сестрой.
Пабло Пикассо был вундеркиндом.
Наиболее известные работы Пабло Пикассо, написанные им в ранний период (до 1900)
«Портрет матери» 1896
«Знание и милосердие» 1897
«Первое причастие» 1896
«Автопортрет» 1896
«Матадор Луис Мигель Доминген» 1897
«Испанская пара перед гостиницей» 1900
«Босоногая девочка. Фрагмент» 1895
«Человек на берегу пруда» 1897
«Человек в шапке» 1895
«Бульвар Клиши» 1901
«Портрет отца художника» 1895
Следующий период в творчестве Пабло Пикассо называют «голубым». В 1901 — 1904 гг. в палитре Пикассо преобладали холодные цвета — в основном голубой и его оттенки. В это время Пикассо поднимал темы старости, бедности, нищеты, характерным настроением картин этого периода были меланхолия и печаль. Художник отображал человеческие страдания, рисуя слепых, нищих, алкоголиков и проституток и т.п. — именно они были главными персонажами «голубого» периода.
Рождение кубизма
Ещё одна цитата из Пикассо: «Я рисую предмет так, как представляю его, а не так как вижу». В этой фразе выражена вся суть кубизма, созданного Пикассо в сотрудничестве с Жоржем Браком. Мировую славу принёс Пикассо именно кубизм, оказавший огромное влияние на развитие всего искусства XX века
Известный историк искусства Джон Голдинг писал, что «кубизм, совершивший полный и радикальный переворот в живописи, вероятно, самое важное и значительное явление в искусстве со времён Ренессанса»
Само название этого направления появилось случайно. Это слово впервые произнёс критик, написавший в насмешку, что на своих картинах Брак всё уменьшает до «маленьких кубиков».
Пикассо и Брак приняли этот термин, несмотря на то, что предметы на картинах художников-кубистов разложены не на кубы, а скорее на грани. Самым революционным в кубизме стал отказ от традиционного для европейской живописи изображения объектов в одном ракурсе. Теперь для изображения предмета одновременно использовались разные точки зрения. В результате художник показывал, из чего состоит предмет, а не то, как он выглядит «здесь и сейчас».
Последователи Пикассо и Брака научились разлагать предмет на формы и перемещать их таким образом, что их картины были не раскрытым в мир окном, а плоскостью, выражающей восприятие предмета художником.
Сюрреализмъ[]
Въ 1925 начинается одинъ изъ самыхъ сложныхъ и неровныхъ перѣодовъ въ творчествѣ Пикассо. Послѣ эпикурейскаго изящества 1920-хъ («Танецъ») Пикассо создаетъ атмосферу конвульсій и истеріи, ирреальный міръ галлюцинацій, что можно объяснить, отчасти, влияніемъ поэтовъ-сюрреалистовъ, проявившимся въ нѣкоторыхъ рисункахъ, стихотвореніяхъ, написанныхъ въ 1935, и театральной пьесѣ, созданной во время войны. На протяженіи нѣсколькихъ лѣтъ воображеніе Пикассо, казалось, могло создавать только монстровъ, нѣкихъ разорванныхъ на части существъ («Сидящая купальщица», 1929), орущихъ («Женщина въ креслѣ», 1929), раздутыхъ до абсурда и безформенныхъ («Купальщица», рисунокъ, 1927) или воплощающихъ метаморфическіе и агрессивно-эротическіе образы («Фигуры на берегу моря», 1931). Несмотря на нѣсколько болѣе спокойныхъ произведеній, которыя являются въ живописномъ планѣ наиболѣе значительными, стилистически это былъ весьма перемѣнчивый періодъ («Девушка передъ зеркаломъ», 1932). Женщины остаются главными жертвами его жестокихъ безсознательныхъ причудъ, возможно, потому, что самъ Пикассо плохо ладилъ со своею собственною женой, или потому, что простая красота Маріи-Терезы Вальтеръ, съ которою онъ познакомился въ мартѣ 1932, вдохновляла его на откровенную чувственность («Зеркало», 1932). Она стала также моделью для нѣскольких безмятежныхъ и величественныхъ скульптурныхъ бюстовъ, исполненныхъ въ 1932 въ замкѣ Буажелу, который онъ пріобрёлъ въ 1930. Въ 1930—1934 именно въ скульптурѣ выражается вся жизненная сила Пикассо: бюсты и женскіе ню, въ которыхъ иногда замѣтно влияніе Матисса («Лежащая женщина», 1932), животные, маленькія фигуры въ духѣ сюрреализма («Мужчина съ букетомъ», 1934) и особенно металлические конструкціи, имеющія полуабстрактныя, полуреальныя формы и исполненные порой изъ грубыхъ матеріаловъ (онъ создаётъ ихъ съ помощью своего друга, испанскаго скульптора Хуліо Гонсалеса — «Конструкція», 1931). Наряду съ этими странными и острыми формами, гравюры Пикассо къ «Метаморфозамъ» Овидія (1930) свидѣтельствуютъ о постоянствѣ его классическаго вдохновенія.
Русскій балетъ[]
В 1917 Жанъ Кокто уговаривает Пикассо поѣхать съ нимъ въ Римъ для исполненія декорацій къ балету «Парадъ» на музыку Эрика Сати для Сергѣя Дягилева. Сотрудничество Пикассо съ Русскими балетами (декораціи и костюмы для «Треуголки», 1919) воскрешаетъ въ нёмъ интересъ къ декоративизму.
Въ этой компаніи Пикассо знакомится съ балериною Ольгою Хохловой, которая станетъ его первою женой. 12 февраля года они женятся въ русской церкви въ Парижѣ, свидѣтелями на ихъ свадьбѣ были Жанъ Кокто, Максъ Жакобъ и Гійомъ Аполлинеръ. У нихъ рождается сынъ Поль (4 февраля 1921).
Эйфорическая и консервативная атмосфера послевоеннаго Парижа, женитьба Пикассо на Ольге Хохловой, успѣхъ художника въ обществѣ — всё это отчасти объясняетъ этотъ возвратъ къ фигуративности, временный и притом относительный, поскольку Пикассо продолжаетъ писать въ то время ярко выраженныя кубистическія натюрморты («Мандолина и гитара», 1924). Наряду съ цикломъ великаншъ и купальщицъ, картины, вдохновленные «помпейскимъ» стилемъ («Женщина въ бѣломъ», 1923), многочисленные портреты жены («Портретъ Ольги», пастель, 1923) и сына («Поль в костюме Пьеро») являютъ собою одни изъ самыхъ пленительныхъ произведеній, когда-либо написанныхъ художникомъ, даже при томъ, что своею слегка классическою направленностью и пародійностью они нѣсколько озадачили авангардъ того времени.
Сервис
Персонал в зале вначале работал командой. Молодые люди и девушка демонстрировали знакомство с меню, про аллергию спрашивали, приборы меняли, салфетки и грязную посуду убирали, за водой следили. Но потом что-то в сервисе переключилось, и посыпались огрехи. Сотрудники начали периодически куда-то исчезать, что-то упускать и путать. К столам они подходили всё реже, про воду забывали, новое вино после вскрытия бутылки попробовать не дали.
Если сравнивать весну 2015-го с весной 2019-го, то дела в « Паб Ло Пикассо » обстоят заметно хуже. Возможно, это временное явление и к лету ситуация исправится. Но, судя по очень скромной посадке в субботний вечер, ошибкам кухни, неровностям в сервисе, высока вероятность того, что уже в этом году на фасаде дома 2/5/4 могут появиться новая вывеска и другое название.
Ссора двух друзей
Два величайших художника — Пикассо и Шагал — много лет поддерживали дружбу. Но ее разрушил всего один вечер. Это случилось в 1964 году. Пикассо вместе с женой, Франсуазой Жило, пришли на ужин к Марку Шагалу. После нескольких выпитых бутылочек вина Пикассо спросил у Шагала, когда тот собирается возвращаться в Россию. Шагал ответил ему: «Сразу же после Вас, ведь там Вас очень любят, в отличие от Ваших работ. Однако попробуйте там поработать — и посмотрим, что у Вас получится».
Пикассо парировал в ответ: «Полагаю, что Вас волнует вопрос бизнеса, и Вы не отправитесь туда, если у Вас там не будет финансового интереса». Так закончилась дружба двух великих гениев.
Биография Пикассо содержит уникальные факты, отмеченные в книге рекордов Гиннеса. В 1998 году Пабло был признан одним из самых плодовитых мировых художников. За 78 лет своего творчества он создал 147 800 произведений искусства (картин, гравюр, книжных иллюстраций, скульптурных и керамических работ).
Представить себе невозможно, но его картина «Алжирские женщины» была продана на аукционе «Кристи» в 2020 году за 179 365 000 долларов.