Паломничество на остров Киферу, Антуан Ватто, 1717

Молодость в Париже

   Как трудно было в ту пору быть независимым! Жизнь парижского художника, даже удачливого, все равно не была свободной: приходилось искать покровительства и денежной помощи состоятельных любителей искусства, иначе не удавалось прокормиться. Хорошо, если меценат действительно разбирался в живописи, не был самодуром или капризным упрямцем.

  Ватто повезло: ему старались помочь люди достойные, чутко угадавшие необычный талант в хрупком, нескладном, часто болевшем юноше. Художник и торговец картинами Мариэтт, живописцы Одран и Жилло, коллекционер Кроза и многие другие были искренне привязаны к Ватто, ценили его дар.

  Но сколько раз художник покидал гостеприимный кров, предпочитая ни с чем не сравнимую свободу! Он вовсе не был легким человеком, этот блистательный поэт легкомысленных празднеств. Антуан часто искал одиночества, много размышлял, и мысли его были невеселыми.

Жан-Этьен Лиотар (1702-1789)

Жан-Этьен Лиотар. Автопортрет. 1868. Частная коллекция.

Личность Лиотара загадочна. А его жизненный путь полон белых пятен. Например, до сих пор биографы гадают, почему он одевался как турецкий поданный.

Но известно, что он был 13 ребёнком в семье и получил первое образование, как миниатюрист. После были годы странствий,  о которых мало что известно.

Но именно в это время он открыл для себя пастель. Эта техника прославила его на всю Европу.

Одна из первых зрелых работ мастера  — «Три грации». 

Жан-Этьен Лиотар. Три грации. 1737. Рейксмузей, Амстердам.

Здесь можно воочию увидеть, за что мастер так любил пастель. Мягкие линии, плавные цветовые переходы, реалистичное изображение деталей и, конечно, нежный колорит.

Сам художник упоминал, что живопись – это зеркало всего прекрасного, и только пастель позволяет реалистично передавать восхитительный окружающий мир.

Глядя на эту пастельную картину, сложно возразить мастеру.

Казалось бы, до «галантного века» Ватто рукой падать, а Лиотар предлагает нам совсем другую красоту. Парадный портрет и декоративность отметены в сторону.

Мастер отказывается от фона, чтобы его герои не смогли «спрятаться» за пышные витиеватые декорации. Придворным дамам не всегда был по вкусу такой вот прямолинейный подход.

Самым известным полотном Лиотра является «Прекрасная шоколадница».

Жан-Этьен Лиотар. Шоколадница. 1745. Пастель, пергамент. 82,5х52,5 см. Дрезденская галерея.

Личность прекрасной героини породила немало мифов. О части из них я рассказываю в статье про эту картину.

Взгляд модели в сторону разрушает все каноны классического портрета. Нейтральный фон делает изображение ещё более рельефным.

После эпохи рококо, когда портреты отличались манерностью и изобилием деталей, «Шоколадница» Лиотара стала просто откровением. Фотографическая правдивость обескураживала и восхищала публику.

Рассказ о мастере был бы не полным без какого-либо «королевского портрета». Например, Портрета Георга, Принца Уэльского (позже — Георга III).

Жан-Этьен Лиотар. Портрет Георга, Принца Уэльского (позже Георга 3). 1754. Национальная галерея Шотландии, Эдинбург.

Молодой юноша предстаёт перед нами в пол-оборота. Мы не видим пышных одежд, атрибутов королевской принадлежности

Зато сразу наше внимание привлекает румянец на щеках героя: перед нами всего лишь юноша, хоть и принц

Лиотар — это пример независимости и правдивости в искусстве. От современников нам осталась любопытное изречение, которое многое говорит об этом художнике: «Он наблюдал, как работают другие, и делал всё по-своему!»

История одной картины

Ватто Антуан. Галантные празднества

Автопортрет. Гравюра Л. Крепи с утерянного оригинала Ватто. 1727
Школа изящных искусств, Париж

«Картина
Ватто – это самая правда, сияющий свет, симфония красок и, в то
же время, удивительная поэзия, какое-то вознесение обыденной житейской
прозы в горние сферы сказки», — так высказывался о творчестве великого
французского живописца Александр Бенуа. Жан Антуан Ватто (1684-1721)
принадлежит к числу самых любимых художников в мировом искусстве. Это
не значит, что Ватто был баловнем судьбы, наоборот, он много пережил
и перечувствовал. Любовь к нему особенно ценна тем, что заслужена постепенно,
подтверждена временем.

Антуан Ватто является основателем жанра «галантных празднеств». В 18 столетии художники всех европейских школ обращались к написанию «сцен собеседования». Беседы на различные темы считались искусством в высшем свете. В Англии подобные «сцены собеседования» получили название «conversation pieces», в Италии – «conversazioni». «Галантные празднества» во Франции созданы воображением Ватто, впечатлениями от реальной действительности – мира человеческих чувств, театра, музыки. К ним относится «Паломничество на остров Киферу» (1717, Лувр, Париж), за которое Ватто получил звание действительного члена Королевской Академии живописи и скульптуры.

Автор создал эту картину, как и другие, на основе рисунков с натуры. Всё, что Ватто видел вокруг себя, всегда зарисовывал на листах маленьких альбомов. До наших дней дошло 563 листа. После смерти художника их выгравировали, чтобы они не погибли. Мастер ценил красочную технику рисунка, поэтому использовал тонированную бумагу и варьировал тона сангины в сочетании с чёрным мелом и свинцовым карандашом, учитывал силу нажима при штриховке. Всё в данной композиции – содержательность мотива, красота жестов и поз – извлечено из набросков.

«Паломничество на остров Киферу»(1717, Лувр, Париж)

Персонажи «галантного празднества» Ватто одеты по моде того времени. Костюм играет большую роль в данной работе, т.к. придаёт каждой фигуре и сцене определённую эмоциональную выразительность. Одежда помогает охарактеризовать внутреннее состояние героев, сложную гамму душевных чувств. Цвета приглушённые и одновременно праздничные, краска нанесена тонким слоем, лёгкими мазками кисти, едва коснувшейся холста. Формы больше намечены, чем обрисованы. Это гораздо важнее для Ватто, чем мимика лиц, которые словно в тени. Хрупкое письмо и язык намёков подходит теме произведения. Ведь в любви всё невесомо и призрачно – речь, замершая на полуслове, или внезапно брошенный взгляд могут сказать влюблённому и всё, и ничего. Прекрасное чувство может быть и печальным, и радостным, но несмотря ни на что, каждый хочет вновь ощутить и пережить его – совершить путешествие на Киферу.

Кифера – остров Любви, куда, по преданию, вышла из вод после своего рождения богиня Венера. Живописец переносит всех персонажей в нереальный мир, к которому они стремятся в своём воображении от прошлого к будущему. Картина Ватто – путешествие «по островам Любви, куда нам нет возврата», — так писал о «Паломничестве» француза русский поэт Вячеслав Иванов. Здесь показан синтез мечты и реальности, мифа и современности.

Действие разворачивается как кинолента, последовательно рассказывающая о прогулке влюблённых. Автор выступает как режиссёр, внезапно остановивший превосходно продуманное театрализованное представление в самый важный момент драматического развития взаимоотношений и характеров персонажей. Какой смысл вкладывал в содержание сам художник? А это навсегда останется тайной «манеры Ватто», особое обаяние которой именно в недосказанности всего изображённого им. «Паломничество на Киферу» сравнивают с самой волшебной музыкой – музыкой Моцарта. Амуры направляют шествие влюблённых справа налево по линии, волны которой напоминают переливы мелодии. «В материальном искусстве Ватто чудесным образом сумел выразить то, что казалось доступным только музыке», — говорил Камиль Моклер.

Мастера последующих эпох использовали отдельные моменты живописи Антуана Ватто, однако, в целом, его художественный мир остаётся вневременным, неповторимым и глубоко индивидуальным.

Интересные факты из жизни художника

Ватто был очень популярным живописцем и жил довольно богато. Деньгами он не дорожил и не считал их.Однажды к нему заявился парикмахер и предложил новый парик — из натурального человеческого волоса.

— Какая красота! — восхитился художник. — Какая естественность! Он хотел расплатиться с парикмахером, но тот вежливо отказался от денег, сказав, что почтет за честь отдать этот парик великому живописцу, если получит хотя бы один или, может быть, парочку его эскизиков. Ватто тут же с небывалой щедростью насовал ему пачку эскизов, и, довольный сделкой, парикмахер ушел.

Но Ватто все не мог успокоиться. Ему казалось, что он надул бедного человека. Через неделю после этого случая один друг, придя к нему в мастерскую, застал Ватто у мольберта — он начал новую картину в обход всех заказов. — Хочу отдать тому бедолаге-парикмахеру, — заявил он другу. — Мне все кажется, что я его обманул. Другу стоило больших трудов отговорить художника от этого похвального намерения.

Жан Батист Симеон Шарден картины с названиями

Автопортрет	Атрибуты искусства и награды, которые им соответствуют		Гувернантка
Девушка за чисткой овощей	Девушка с ракеткой и воланом	Канарейка	Карточный дом II
Мальчик-половой в погребе	Молитва перед обедом	Мыльные пузыри	Натюрморт с атрибутами искусств
Натюрморт с виноградом и гранатами	Натюрморт с дичью и охотничей собакой		Разносчица

Мало о ком из художников будут вспоминать, что он любил все вокруг себя так, как Жан-Батист Симеон Шарден (Jean Baptiste Siméon Chardin)
. Его страстный поклонник, французский философ Дени Дидро так отзывался о мастерстве этого живописца:

Говорят, что Шарден никогда не покидал Парижа. Он родился в квартале Сен-Жермен-де-Пре в 1699 году, здесь же и прожил до самой смерти.

Способности к живописи привели Шардена в мастерскую Ноэля Куапеля, где он выполнял всякую мелкую художественную работу: помогал мастеру изображать детали, аксессуары, фон на полотнах. Но это помогло Шардену научиться замечать мелочи и рисовать самые разнообразные предметы. Поэтому неудивительно, что его привлек жанр натюрморта.

Начинал Шарден с изображения овощей, фруктов, плодов и разнообразных предметов быта. И делал это так мастерски, что некоторые его работы даже принимали за полотна видных голландских мастеров натюрморта. Но это не льстило молодому художнику, и он продолжал совершенствовать свое мастерство.

Слава пришла к Шардену в 1728 году после «Выставки дебютантов», которая проходила в Париже на площади Дофина. Он представил серию своих полотен, среди которых был натюрморт «Скат». Детально прорисованная тушка подвешенного над столом обитателя морских глубин настолько впечатляет, что можно почувствовать запах выпотрошенной рыбы. А это и есть вершина таланта натюрмортиста.

Мимо картины не смог пройти почётный член французской Академии живописи и Никола де Ларжильер. Позднее именно по его рекомендации Шарден тоже стал членом Академии.

Художник не ограничивался натюрмортом. Ему нравилась тихая жизнь и быт простых людей, поэтому постепенно он пришел к бытовому жанру. Эти работы отличались простым и уютным содержанием, но в них осталась тяга к мелким деталям и аксессуарам из натюрморта. Рисуя обыденную жизнь третьего сословия в мягких, выразительных тонах и реалистической манере, Шарден, сам того не зная, способствовал зарождению нового течения в искусстве.

Запечатлеть реальный момент из жизни – эту задачу Шарден старался исполнить в своем творчестве. Одна из его самых известных картин «Молитва перед обедом» не пестрит яркими красками, но при этом излучает добро и умиротворение.

На ней изображен частый сюжет того времени: мать усаживает заигравшихся дочерей за стол и следит, чтобы румяные девочки прочитали молитву. Сюжет разворачивается в рамках небольшой комнаты. По ее убранству мы понимаем, что это семья среднего достатка. Белые цвета подчеркивают душевную чистоту семейства и невинность девочек. А мягкие коричневые оттенки придают теплоту этому маленькому парижскому дому.

На картине «Мальчик с юлой» Шарден показал живость юного характера. Мальчик оторвался от скучных учебников, чтобы поиграть с юлой – об этом нам рассказывают детали на картине. Лицо ребенка полно живого интереса к происходящему, а игра света и его живая мимика придают полотну непосредственность и правдивость.

На позднем этапе творчества Шарден проявил себя, как потрясающий портретист. Лица его героев почти всегда выглядят достойно и умиротворенно. Шарден умел передать эту уверенность и спокойствие зрителям. И это было очень ценно, потому что именно спокойствия и стабильности так не хватало жителям Франции в конце XVIII века.

Сам художник был живым примером гармоничного существования с окружающим, что ясно отражено в его автопортрете. На нем мы видим: мужчину в платке, который спокойно смотрит через пенсне на зрителя. В его взгляде – мудрость, приобретенная за долгие годы творчества.

Жан-Антуан Ватто (1684-1721).

Жан-Антуан Ватто. Автопортрет. 1721. Музей Конде, Франция.Антуан Ватто — первый и главный сочинитель эпохи рококо. Переехав в Париж, бывший баталист и поклонник Рубенса, сразу «нащупал» свою тему – высшее общество и занятия аристократов.

Герои Ватто танцуют, музицируют, отдыхают, гуляют в парке. Завидные сцены беззаботной жизни.

Однако во всем этом улавливается ироничный взгляд художника. Чувствуется и двусмысленность, и меланхолия, а порой и грусть.

Взгляните на картину «Затруднительное предложение».

Жан-Антуан Ватто. Затруднительное предложение. 1716. Эрмитаж.

На первый взгляд в сюжете нет ничего интригующего. На фоне природы, будто на сцене, отдыхает компания аристократов. Звуки гитары, неспешные разговоры. Но присмотритесь внимательнее: перед нами мнимая идиллия!

Молодой юноша в синем камзоле пытается остановить девушку, порывающуюся уйти. Пунцовые щёки дамы говорят о возмущении, обиде.

Остальные девушки не смотрят на рассорившуюся пару, но человек в красном всё понимает. Его лёгкая усмешка с долей ехидства говорит, что он в курсе всех событий. Но он не собирается вступаться за девушку. Наоборот, ему доставляет удовольствие наблюдать за ее реакцией.

Неловкая ситуация, которая поначалу казалась обыденной пасторалью. Так что картина в стиле рококо тоже может быть многослойной.

В историю живописи Ватто вошёл, как талантливый колорист. Тончайшие оттенки и наслоения коричневых, сиреневых, жёлтых, розовых тонов – всё это фирменное цветовое решение художника.

Рассмотрим «Паломничество на остров Киферу». Эта картина стала переломной в жизни Ватто. Она принесла ему славу и признание. 

Антуан Ватто. Паломничество на остров Киферу. 1717. 129 × 194 см. Лувр, Париж.

На картине изумительно выстроена композиция. Персонажи расставлены просто гениально: они будто танцуют, то устремляясь вглубь картины, то приближаясь к зрителю. 

В конце жизни Ватто создаёт ещё одно удивительное полотно – «Вывеска лавки Жерсена».  

Жан-Антуан Ватто. Вывеска лавки Жерсена. 1720. Шарлоттенбург, Германия.

Ватто создал эту картину в качестве вывески для реальной лавки своего друга. Поэтому какое-то время этот шедевр висел на улице, над дверью в эту лавку.

Казалось бы, это просто бытовая сцена. Посетители рассматривают картины. Но у Ватто же всегда что-нибудь ещё заложено.

Вот и тут он показывает закат эпохи Короля-Солнце, Людовика XIV. Аллегорически, конечно — портрет Людовика убирают в ящик.

Вот так Ватто умел передавать смыслы с помощью изящных и малозаметных поз и жестов.

И в этом сквозит все та же меланхолия: ведь именно при этом правителе расцвело искусство. Именно в эту эпоху Ватто состоялся, как художник.

Плодотворный период художника длился всего 12 лет! Но за это время он успел получить признание, вырастить последователей и дать старт новому стилю в искусстве (рококо).

Антуан Ватто. Паломничество на остров Киферу. XVIII век.

Антуан Ватто. Паломничество на остров Киферу. 1717. 129×194 см. Лувр, Париж.

«Паломничество на остров Киферу» Ватто погрузит Вас в мир легкого флирта и любовной неги.

Ещё никогда живопись не была такой воздушной и вибрирующей, как в эпоху рококо. И основы этого стиля заложил как раз Ватто. Непринужденные сюжеты. Цвета легких оттенков. Тонкие и мелкие мазки.

Молодая пара позирует художнику в ближайшем парке. Он просит их то обняться, то изобразить милую беседу, то неспешно прогуляться. Ватто говорит, что изобразит 8 влюблённых пар.

Несмотря на всю легкость сюжета и техники, Ватто долго работает над картиной. Долгих 5 лет. Слишком много заказов.

Галантные сценки Ватто очень понравились французам. Ведь так приятно окунуться в атмосферу простых радостей. Не думать ни о спасении души, ни о том, чтобы поразить потомков. Жить сегодняшним днём и наслаждаться легкой беседой.

О художнике

Антуан Ватто родился в 1684 году в Валансьене в семье кровельщика. Известно, что по прибытии в Париж Ватто был нанят помощником для создания грубых копий религиозных картин. Примерно в 1705 году Ватто устроился в студию Клода Жилло, который специализировался на комедийных сценах дель арте, и который, в свою очередь, познакомил его с Клодом Одраном III, дизайнером орнаментов. Работа под руководством этих двух влиятельных мастеров позволили Ватто создать свой уникальный зрелый стиль, который со временем перенял влияние театральной тематики и дизайна. Не имея академического образования, Ватто при этом удалось принять участие в конкурсе за Римскую премию Королевской академии живописи и скульптуры. Это было в 1709 году. Молодой талант занял второе место, но, к его большому разочарованию, так и не был отправлен учиться в Италию (вмешались внутренние распорядки академии).

Портреты Антуана Ватто

О биографии Ватто мало что известно. Но некоторая информация об особенностях его нрава дошла до наших дней. Например, известно, что Ватто был человеком нервным. Характер имел довольно сдержанный, уединенный и имел всего несколько верных друзей. Частая смена места жительства и студии, в которой он работал, объясняется и неугомонным темпераментом, и небрежностью холостяцких привычек (Ватто, к слову, ни разу не был женат). В 1717 году Ватто был принят в Академию живописи. Его новаторская вступительная работа — «Паломничество на остров Киферу» — не вписывалась ни в одну из установленных категорий в академической иерархии. Но это не помешало Ватто быть принятым в академию. Впервые в истории живописи Ватто поступил в Королевскую академию с беспрецедентным титулом «художник галантных праздников», а его картина была официально квалифицирована как fête galante.

Каналетто (1697-1768).

Каналетто. Автопортрет. XVIII век. Частная коллекция.

Каналетто был основателем школы ведуистов. Нет, это никакое не религиозное течение. А всего лишь живописный жанр, который предполагает детальное изображение городского пейзажа.

Такой подход к пейзажу был в новинку в те времена. И именно метод Каналетто оказал наибольшее влияние на все последующие поколения ландшафтных художников.

Начинал Каналетто с изображений повседневной жизни венецианских улиц. И уже в первых его работах есть точность рисунка, владение композицией, знание архитектуры.

Вот, к примеру, полотно «Гранд-Канал».

Каналетто. Гранд-Канал. 1730. Галерея Уффици, Флоренция.

Зрителя буквально обдаёт солнечным светом, свежим воздухом. Взгляд устремляется вглубь пейзажа, немного «спотыкаясь» о гондолы.

А здания вокруг – это уже не бездушные театральные декорации, а полноценные герои картины. Удивительная передача света и тени! Ну как тут не вспомнить об импрессионистах?

Каналетто много работал на натуре, что в то время было редкой практикой. Много экспериментировал с расположением элементов на полотне. И активно применял камеру-обскуру, чтобы достичь документальной точности в изображении.

Каналетто. Вестминстерское аббатство. 1749. Музей Вестминстера.

Но художник не всегда точно переносил на холст изображение реального мира. Если ему казалось, что композиция недостаточно гармонична, он смело изменял вид архитектурных построек. По принципу «Я художник, я так вижу».

В 1746 году Каналетто переехал в Англию, где быстро завоевал любовь публики.

На картине «Вестминстерское аббатство» композиция, конечно, вольная. Если Вы сделаете фотографию с того же места, то у Вас так много всего в кадр не уместится. 

Но зато сколько за счёт этой свободы появляется симметрии и гармонии! Ни одно точное фото не способно передать величавость собора так, как это сделал Каналетто!

Посмотрите ещё на одну знаменитую картину художника «Скуола Сан-Марко».

Каналетто. Скуола Сан-Марко. 1765. Музей Тиссен-Борнемисы, Мадрид.

Художник подбирает необычный, драматичный цвет неба. Здание написано невероятно тонкой линией. Рассветные лучи мягко обволакивают Скуолу. Потрясающее сочетание красоты природы и архитектуры. В этом весь Каналетто!

В конце жизни мастера мода на подобные пейзажи прошла. Он был забыт. Но его влияние на искусство уже не ослабеет никогда. Ведь Каналетто заложил основы совершенно новой эстетики городских пейзажей.

Антон Рафаэль Менгс (1728-1779).

Антон Рафаэль Менгс. Автопортрет. 1773. Галерея Уффици, Флоренция.

Антон Рафаэль Менгс (1728-1779) также подустал от излишней пышности рококо, но не стал идти неведомыми тропами.

Он призывал объединить выверенность классических канонов античного искусства с лучшими находками мастеров Возрождения. Нужно взять всё лучшее у лучших. Что может быть проще?

Что ж, публика была только «ЗА». Самые знатные люди эпохи позировали Менгсу. Например, Курфюстр Фридрих Кристиан.

Антон Рафаэль Менгс. Курфюстр Фридрих Кристиан. 1751. Дворец Вайсенштайн.

Работа явно выполнена в классическом стиле. Никакой излишней драматизации барокко, скрупулёзной фотографической точности реализма и экспериментов со световыми эффектами импрессионизма.

Герой портрета выглядит, как идеальный представитель своего сословия. Дорогое одеяние, уверенный взгляд, гордая осанка, правильные черты лица. Немного полноват, но тогда это было признаком достатка.

Современники называли портреты Менгса слишком холодными. Но он всего лишь следовал точным правилам композиции, светотени и перспективы.

«Вкус к совершенству» Менгс демонстрирует и в своих религиозных картинах. Посмотрите на работу мастера «Рождество».

Антон Рафаэль Менгс. Рождество. 1772. Прадо, Мадрид.

Кажется, что перед нами картина эпохи Ренессанса. Нет, это Менгс. Живописец считал, что художники Возрождения обладали безупречным вкусом. И нет ничего плохого, чтобы им подражать.

Композиция «Рождества» выполнена в ренессансном стиле – чёткое разделение на мир земной и мир небесный. Позы, конечно, несколько наиграны. Но зато фигуры очень удачно расположены в пространстве. Также цвета идеально подобраны под стать сюжету.

Если бы Менгс жил в XVI веке, то однозначно был бы записан в список величайших художников Ренессанса. Наравне с Рафаэлем и Тицианом. Но этого не случилось, так как он просто шел по их стопам. Пусть и очень мастерски.

Но однажды Менгс перестарался. И чуть ли не был записан в мошенники. Не то, что в великие мастера. И связана эта история с его знаменитой работой «Юпитер целует Ганимеда».

Антон Рафаэль Менгс. Юпитер целует Ганимеда. 1758.Национальная галерея, Рим.

Именно эта картина навсегда рассорила Менгса с его учителем Иоганном Винкельманом. Последний принял картину за античный подлинник: настолько точно скопировал Менгс стиль древних мастеров.

Более того, он даже внёс полотно в свою искусствоведческую книгу, чем сильно навредил своей репутации, когда обман раскрылся.

Что за авантюрные мысли обуревали Менгса так поступить, неизвестно. Но правду об авторстве он открыл только перед смертью.  

Как бы не ругали Менгса за «холодность и неискренность», но всё же невозможно не признать его достижения. Менгс сначала консервировал классические традиции в живописи, а затем перерождал их в обновлённый стиль — неоклассицизм.  

Творчество Ватто

Большое влияние на творчество оказали произведения Рубенса, которые Антуан изучал в Люксембургском дворце. Желая попасть в Рим, Антуан Ватто решает поступить в художественную академию. В 1710 году он вернулся в Париж как творчески зрелый художник. Много своих произведений мастер посвящает военной тематике.

Не менее знаменита картина «Капризница», написанная в 1718 году. Сущность сцен картин художника раскрывается не только прямым сюжетом, а в основном тончайшей поэтичностью, которой они проникнуты.

Ватто был создателем своеобразного жанра, традиционно называемого «галантными празднествами». Сущность этих сцен раскрывается не столько в их прямом сюжетном значении, сколько в тончайшей поэтичности, которой они проникнуты. «Праздник любви» (1717), как и другие картины Ватто, содержит в себе богатую гамму эмоциональных оттенков, которым вторит лирическое звучание пейзажного фона.

В конце 1717 года Ватто заболел туберкулёзом, в те времена это был смертный приговор. Болезнь отобразилась проявлением грусти в его работах. Некоторое время он пытался сопротивляться, даже посещает Великобританию в конце 1719 году, чтобы сменить климат.

Последние дни Антуан Ватто провёл в загородном доме своего друга, он скончался от болезни 18 июля 1721 года. За свои 37 лет он оставил потомкам около двадцати тысяч картин.

Фаюмский портрет молодой женщины. III век.

Фаюмский портрет молодой женщины. III век н. э. Лувр, Париж.

Обычный турист в 98 % случаев не начнёт своей пробежки по Лувру с этого «Портрета молодой женщины». Но он даже не подозревает, насколько эта работа уникальна. Так что не упустите возможности взглянуть на неё.

В III веке нашей эры девушка из знатной семьи сидит перед художником. Она надела самые дорогие украшения. Она думает о смерти. Но для неё в окончании земной жизни нет ничего страшного. Она продолжит жить в загробном мире.

Портрет же нужен на случай, если её душа захочет вернуться в тело. Поэтому художник напишет её реалистично, чтобы душа узнала свою телесную оболочку. Только глаза нарисует большими, так как через них душа залетит обратно.

Этот портрет натолкнёт Вас на мысли о вечном. Ведь девушка смогла себя увековечить. Наши фотографии на это не способны. Через 1800 лет от них точно ничего не останется.

Питер-Пауль Рубенс. Прибытие Марии Медичи в Марсель. XVII век.

Питер-Пауль Рубенс. Прибытие Марии Медичи в Марсель. Из цикла картин «Галерея Медичи». 394×295 см. 1622-1625. Лувр, Париж.

В Лувре Вы найдёте зал Медичи. Все его стены увешаны огромными полотнами. Это живописные мемуары Марии Медичи. Только написанные под её диктовку великим Рубенсом.

Мария Медичи стоит перед Рубенсом в умопомрачительном платье.

Сегодня художник начал писать очередную главу её жизни — «Прибытие в Марсель». Когда-то она приплыла на корабле на родину своего мужа.

Мария Медичи только-только помирилась со своим сыном, королем Франции. И этот цикл картин должен возвысить её в глазах придворных.

А для этого её жизнь должна выглядеть не заурядной, а достойной богов. Только Рубенс может справиться с такой задачей. Кто лучше него изобразит сверкающее золото корабля и нежную кожу нереид? Королевский двор обомлеет от образа реабилитировавшейся матери короля.

Попахивает дешевым романом. Художник был скован в самовыражении. Но Мария Медичи поставила условие: её «роман» должен быть написан только рукой Рубенса. Никаких учеников и подмастерьев.

Так что хотите увидеть руку мастера — идите в зал Медичи.

Отражение взглядов Ватто в картинах

  Хотя казалось бы, все, что он создавал, лучилось тонкой улыбкой, было полно лукавой радостью, беззаботной задумчивостью. У Ватто и задумчивость могла казаться беззаботной.

   Он жил в пору, когда скептическая мысль передовых людей эпохи подвергла беспощадному анализу всё, что ещё недавно казалось незыблемым. Власть короля, религия, сам государственный уклад представали теперь в истинном и неприглядном виде.

  Начинающийся век Просвещения во всем сомневался. Кумиры падали с пьедесталов. Люди разуверялись в прошлом, не доверяли настоящему, не надеялись на будущее. Надежды у современников Ватто были тревожными, зыбкими и неясными. Сомнительные добродетели короля Людовика XIV были осмеяны, но до решительных социальных перемен было ещё далеко.

  “Алчность к деньгам соединилась с жаждою наслаждений и рассеянности; имения исчезали; нравственность гибла; французы смеялись и рассчитывали, и государство распадалось под игривые напевы сатирических водевилей”, — писал о Франции того времени А.С.Пушкин.

  Как много в этих словах того, о чем говорил в своих картинах Ватто, — и жажда рассеянности, и пошатнувшаяся нравственность, и насмешливые спектакли.

Леонардо да Винчи. Мона Лиза. XVI век.

Леонардо да Винчи. Мона Лиза. 1503-1519. Лувр, Париж.

Если Вы пойдёте в Лувр утром в будний день, то у Вас есть шанс разглядеть «Мону Лизу» поближе. Она того стоит. Потому что это первая картина, создающая иллюзию живого человека.

Флорентийская дама сидит напротив Леонардо. Он непринужденно болтает и шутит. Все для того, чтобы она расслабилась и хотя бы немного улыбнулась.

Художник уверил её супруга, что портрет жены сложно будет отличить от неё живой. И правда, как он интересно растушевал линии, наложил тени в уголки губ и глаз. Создаётся ощущение, что дама с портрета сейчас заговорит.

Часто у людей возникает недоумение: да, кажется, что сейчас Мона Лиза задышит. Но таких реалистичных портретов полно. Возьмите хоть работы Ван Дейка или Рембрандта.

Но они жили 150 лет спустя. А Леонардо был первым, кто «оживил» человеческое изображение. Этим Мона Лиза и ценна.

О картине читайте в статье «Загадка Моны Лизы, о которой мало говорят».

Ян Ван Эйк. Мадонна канцлера Ролена. XV век.

Ян Ван Эйк. Мадонна Канцлера Ролена. 1435. 66×62 см. Лувр, Париж.

Если Вы видели до Лувра репродукцию «Мадонны Канцлера Ролена», оригинал Вас сильно удивит.

Дело в том, что Ван Эйк тщательно проработал все детали. Как будто это не картина, а ювелирное украшение. Вы увидите каждый камешек в короне Мадонны. Уже не говоря о сотнях фигурок и домиков на заднем плане.

Наверняка Вы думали, что полотно огромное, иначе как можно уместить все эти детали. В реальности же оно небольшое. Примерно по полметра в длину и ширину.

Канцлер Ролен сидит напротив художника и тоже думает о смерти. О нем говорят, что он так много людей сделал бедными, что к старости построил для них приют.

Но он верит, что у него есть шанс попасть в рай. И поможет ему в этом Ван Эйк. Напишет его рядом с Мадонной, применив все свои новаторства. И масляные краски, и иллюзию перспективы, и потрясающие ландшафты.

В попытке найти заступничество у девы Марии, канцлер Ролен увековечил себя.

А мы тем временем снимаем шляпу перед Ван Эйком. Ведь он первым со времен фаюмских портретов начал изображать своих современников. При этом не условно, а с передачей их индивидуальных черт.

Заключение

Лувр — это место, в котором можно совершить увлекательное путешествие по истории живописи. Вы не только получите эстетическое удовольствие, но и увидите, какие разные задачи выполняла картина в разные эпохи.

В начале нашей эры портрет был указателем для души.

В XV веке картина — это уже пропускной билет в рай.

В XVI столетии живопись — иллюзия жизни.

В XVII веке картина превращается в статусную вещь.

А в веке XVIII она нужна для услады глаз.

5 полотен. 5 эпох. 5 разных смыслов. И все это в Лувре.

***

Если Вам близок мой стиль изложения и Вам интересно изучать живопись, я могу отправить Вам на почту бесплатный цикл уроков. Для этого заполните простую форму по этой ссылке.

Комментарии других читателей смотрите ниже. Они часто являются хорошим дополнением к статье. Ещё вы можете поделиться своим мнением о картине и художнике, а также задать вопрос автору.