Фёдор Рокотов (1735-1808)
Фёдор Рокотов. Автопортрет. 1757. Третьяковская галерея. Wikimedia Commons.
Когда мы говорим о Фёдоре Рокотове (1735-1808), то сразу вспоминаем его русское сфумато. Как и у Леонардо да Винчи, его дамы словно покрыты легкой дымкой.
Фёдор Рокотов. Портрет неизвестной (Дама в розовом). 1764. Третьяковская галерея. Wikimedia Commons.
На самом деле Рокотов и не думал создавать эффект дымки! И уж тем более он не предполагал, что это будет его визитной карточкой.
Да, улыбки и правда у него прекрасны. Лёгкие и скромные. И взгляды у дам спокойные и мягкие. Как будто на этих портретах остались их души.
Рокотов был невероятным для своего времени колористом. Тончайшая градация оттенков розового на портрете выше создает эффект трепетания воздуха.
Сравните его цветовые решения с тем, что предлагали другие художники той же эпохи.
На картине слева цвет слишком локальный. То есть мало связанный с особенностями фигуры, а уж тем более характером героини. В то время как Рокотов наделяет цвет особой функцией нести послание о своем модели.
Вот дымчатый и горчичный цвета удивительно идут помещице Струйской. Сами по себе оттенки сложные. Да еще так ясно подчеркивают её скромность и обаяние!
Федор Рокотов. Портрет Струйской. 1770-е. Третьяковская галерея, Москва. Wikimedia Commons.
Итак, на этом портрете мы тоже видим иллюзию лёгкой дымки. И создал её не Рокотов, а… время!
Конечно, художник к этому тоже причастен. Выбирал такую некачественную грунтовку, которая со временем проникала в слой краски и как бы размывала её. Так и получался эффект дымки.
К сожалению, такой грунт не может до конца просохнуть, а значит, картины продолжат «таять». Пока не придумали метода, чтобы остановить этот процесс, увы. И однажды шедевры Рокотова исчезнут.
Но не все. Вот портрет Екатерины II. На нем нет никакой дымки!
Фёдор Рокотов. Портрет Екатерины II. 1763. Третьяковская галерея. Wikimedia Commons.
Это более ранний портрет. Рокотов еще использовал стандартную грунтовку. Тем более какие могут быть эксперименты, когда речь идет о портрете самой царицы!
Создание этого портрета было настоящим звёздным часом Рокотова. Ведь очень придирчивой Екатерине II он очень понравился. До такой степени, что в случае создания гравюр она приказала использовать именно образ Рокотова. Таким образом молодой художник переплюнул именитых иностранцев.
Но всё-таки в Москве конкуренция была гораздо ниже. И художник переехал в этот город, став там главным портретистом местного света.
В отличие от Матвеева он прожил долгую жизнь. Воспитал множество учеников, которые подражали его манере. К сожалению, в связи с этим далеко не все портреты до сих пор правильно атрибутированы (то есть их авторство под сомнением).
Но благодаря в том числе и Рокотову портретная живопись в России с тех пор была почти всегда на высоком уровне.
Однако во второй половине XVIII века в России начал развиваться не только портретный жанр. На сцену вышел исторический живописец.
Андрей Матвеев (1702-1739)
Андрей Матвеев. Автопортрет с женой (фрагмент). 1729. Русский музей.Именно с портрета началось развитие светской живописи в России. В связи с этим нельзя не упомянуть Андрея Матвеева. Ведь он первым изобразил человека простого происхождения. То есть самого себя.
Андрей Матвеев. Автопортрет с женой. 1729. Русский музей, Санкт-Петербург. Фото из личного архива автора.
До него изображали только знатных людей. А тут – сын простого разночинца, коим являлся Матвеев
А его супруга была дочерью кузнеца.
Причём обратите внимание, какого высокого качества портрет! Вот сравните с портретом той же эпохи другого художника.
Неизвестный художник. Портрет А.И
Паниной (в замужестве княгини Куракиной). 1715. Тверская галерея. Фото из личного архива автора.
Очевидно, что Матвеев был на голову выше своих коллег в профессиональном плане. И в плане работы со светотенью, и в плане соблюдения пропорций тела.
Конечно, у художника было преимущество. Заметив его большой талант, Петр I отправил учиться его в Голландию и Бельгию. Матвеев был первым русским художником, который получил полноценное академическое образование.
Поэтому ему доверяли написание портретов самых знатных людей страны. Но обратите внимание на особенности вот этого портрета царя.
Андрей Матвеев. Портрет Петра I. 1720-е. Русский музей, Санкт-Петербург.
В нём нет ничего от пышного барокко Рубенса. А именно этому стилю его обучали в Европе. Его портрет лишён чрезмерных деталей, а также атрибутов статуса. Пожалуй, это самый доброжелательный образ Петра I.
В силу своего мягкого и доброго характера Матвеев и в других видел самые положительные качества и подчеркивал их в своих героях. Увы, до нас дошло очень мало станковых работ этого замечательного художника.
Когда он вернулся в России после обучения, Петр I уже умер, а его наследники использовали талант художника кто во что горазд. Да, были заказы на роспись Петропавловского собора и залов Эрмитажа. Но чаще его посылали расписывать кареты и голубятни.
В 37 лет Матвеев ушел из жизни. Скорее, “сгорел” под гнётом бесчисленных заказов.
Однако он успел передать свои знания и навыки молодым коллегам. Именно с него и началась профессиональная светская живопись в России. Тем более продолжила развиваться портретная живопись. Следующий наш герой – один из самых выдающихся портретистов своего времени.
Алёнушка
Сначала Виктор Васнецов даже и не думал писать сказочную Алёнушку, которая потеряла своего братца Иванушку.
Он по инерции, а возможно, под гнётом критики, принялся за бытовой сюжет. Увидел в селе грустную сиротку, находящуюся на грани психического расстройства. Создал несколько эскизов.
Виктор Васнецов. Алёнушка-дурочка. Эскиз. 1881. Третьяковская галерея. Artchive.ru.
Но в чистовом варианте он добавил густой лес позади девочки. Перед ней поместил пруд. Посадил ласточек над головой героини. А саму девочку расположил на живописном камне.
То есть окружающее пространство становилось всё более придуманным и отражающим грусть и потерянность героини, а также надежду на более счастливую жизнь. Тёмная вода и густой лес подчёркивали её подавленное состояние. А вот ласточки – это символ как раз надежды.
Виктор Васнецов. Алёнушка. 1881. Третьяковская галерея. Wikimedia Commons.
Но бедная девочка с картины “Алёнушка-дурочка” (так сам Васнецов назвал работу), с растрёпанными волосами, застывшим взглядом и босыми ногами, не очень понравилась зрителям. Скорее всего, из-за противоречивого сочетания передвижнического образа уязвимого человека на фоне полусказочного пейзажа.
Поэтому она вызвала отторжение и у любителей реализма, и у знатоков русской старины. Павел Третьяков картину покупать отказался.
А вот Мамонтов просто сжалился над Васнецовым и купил “Алёнушку” за скромную сумму – 500 рублей. Да и то, потом её перепродал другому коллекционеру.
Для сравнения, в дальнейшем, когда Васнецов станет очень знаменит, его Алёнушку купит Третьяковская галерея за 8000 рублей! Но это уже после смерти основателя, Павла Третьякова.
И уже после того, как “Алёнушка” окажется доступной широкой публике, отношение к ней изменится. По одной простой причине. С чьей-то лёгкой руки “Алёнушка-дурочка” превратится в сказочную Алёнушку из знаменитой сказки. Передвижнический образ юродивого человека заменится на сказочную героиню. И только тогда картина станет всенародной любимицей.
Ещё более интересные факты о картине читайте в статье “Алёнушка. Секреты шедевра”.
А вот следующая картина Васнецова, написанная примерно в то же время, имела гораздо больший успех с самого начала.
Росписи Владимирского собора в Киеве
В 1885 году В. Васнецов был приглашен расписывать собор в Киеве в числе лучших художников – М. Врубеля, М. Нестерова, А. Сведомского. Взявшись за эту работу, Васнецов посвятил ей десять лет своей жизни. Он вложил в нее всю страсть и «тревогу» своей души, в ней он попытался воплотить свой эстетический идеал создания искусства большого стиля, вернувшегося из замкнутого мира коллекций и музеев туда, где оно могло служить массе простых людей в их повседневной жизни. Уникальный стиль живописца заметен сразу – вот и глаза Алёнушки, а здесь черты богатыря на иконе.
Владимирский собор в Киеве
Крещение Руси. Фреска работы В.М. Васнецова в киевском Владимирском соборе. 1896
Образ Богоматери у Виктора Васнецова
В конце XIX века Васнецов всё больше увлекается религиозной темой, его кисти принадлежат и росписи Спаса на Крови в Санкт-Петербурге и Храма Рождества Иоанна Предтечи на Пресне.
В 1893 году В.М. Васнецов становится действительным членом Академии художеств.
Важно не забывать, что Васнецов был талантливым архитектором. В Москве можно встретить спроектированные им здания
Дом-музей художника в переулке Васнецова, 13. Художник сам придумал проект дома в неорусском стиле, сочетавшем элементы древнерусского зодчества и модерна. Первый этаж выстроен из массивных бревен, крыльцо украшено изразцами, колонками-«дыньками» и рельефами, под карнизом изразцовый фриз, а окна украшает лепнина и резные наличники в виде кокошников. Здесь Виктор Михайлович жил с 1894 г. по 1926 г. Стоит такой теремок и ждёт посетителей, чтобы показать свои богатства — более 25 тысяч экспонатов, включая живопись, антикварную мебель и предметы быта.
Дом-музей В.М. Васнецова
В 1912 году В.М. Васнецову было пожаловано пожизненное дворянство (в официальной формулировке «дворянское Российской империи достоинство со всем нисходящим потомством»).
Художник всегда вел насыщенную работой и скоромную жизнь. У него было 5 детей с супругой, Александрой Владимировной Рязанцевой, которая стала первой женщиной-врачом, что само по себе было редкостью для того времени. До последнего дня В.М. Васнецов жил в тихом переулочке Москвы и был похоронен на Лазаревском кладбище.
В завершение хочется акцентировать внимание на отличительных чертах творчества – это светлый, но строгий образ всех работ художника. Аскетичность и доброта в произведениях живописи возникают как следствие удивительного трудолюбия, глубины мысли и постоянной внутренней работы
Из воспоминаний князя В.Н. Тенишева: «Как-то князь спросил В.М. Васнецова, много ли портретов он написал. Художник ответил: “Нет, немного, но могу с гордостью похвалиться, что ни одного я не написал за деньги, особенно с друзей”».
Иван-Царевич на Сером Волке
Виктор Васнецов. Иван-царевич на сером волке. 1889. Третьяковская галерея.
“Ивана-царевича” Васнецов умудрился создать во время росписи Владимирского собора. То есть этой картине больше повезло, чем “Богатырям”.
Перед нами сказочные герои, которые мчатся через романтический лес. Конечно, ему далеко до реализма. Сложно в настоящем густом лесу представить цветущую яблоню. Ей бы не хватило для этого света. Но для сказочного жанра это очень даже уместно.
Художник заполняет деталями всё пространство. Это и красивые орнаменты на одеждах героев. И цветы яблони с кувшинками. Таким образом, художник создал работу в стиле МОДЕРН.
Именно этому стилю свойственна детализация, декоративность, а также минимальная иллюзия объёма. Как раз мы и не видим здесь никакой глубины за счёт густого леса.
Итак, с этой работы начинается развитие стиля модерн в русской живописи. Ведь она появилась даже до работ Михаила Врубеля, который также внёс свой вклад в развитие модерна. И уже на основе наработок Васнецова и Врубеля этот стиль развили художники нового поколения.
В 1890-х годах “Ивана-царевича” увидел юный Иван Билибин. Он был сильно впечатлён. И в дальнейшем стал иллюстратором, работавшим в сказочном жанре и в стиле модерн. Он создал несчётное количество рисунков для книг и открыток.
Иван Билибин. Открытка с рисунком из серии “Сказка об Иване-царевиче, Жар-птице и о сером волке”. 1902. Из личной коллекции автора.
О развитии модерна в России я рассказываю более подробно на курсе “Дневник Русских Художников XIX века”.
Личная жизнь Васнецова
Художник был женат на девушке из купеческой семьи — Александре Рязанцевой
Она стала, пожалуй, самым важным человеком в жизни Васнецова (в биографии художника этому уделяется особое внимание). Невеста была без приданого, а у Васнецова далеко не всегда были заказы
Однако, несмотря на скромную жизнь, брак художника был очень счастливым, и коллеги любили бывать в гостях у Васнецовых, по-доброму завидуя другу. Супруги прожили вместе сорок девять лет, у них родилось пятеро детей (сыновья Михаил, Борис, Владимир, Алексей и единственная дочь Татьяна). Жили скромно, но весело. Дети унаследовали творческую жилку отца, часто устраивали спектакли, домашнее чтение стихов и прозы. Жена и дети были главным стимулом для художника, чтобы работать больше и все лучше и лучше.
Васнецов очень долго мечтал о собственном доме. В его представлении это должен был быть деревянный терем, как в сказках. И живописцу удалось воплотить его: прямо в центре Москвы он построил деревянный дом, сделанный по образу древнерусского терема. К сожалению, полностью дом не сохранился, сейчас он частично перестроен. Сегодня в нем находится дом-музей Виктора Васнецова. На втором этаже художник обустроил себе мастерскую. Теперь он был абсолютно счастлив. Сам он любил повторять, что успокоение человек может найти только в семье.
После побоища Игоря Святославича с половцами
Сюжетом для известной картины «После побоища Игоря Святославича с половцами» стала битва, вернее ее исход.
На поле лежат тела убитых воинов. Совсем юные и опытные, половцы и русичи – перед смертью все равны. Она помирила их, успокоила. Больше не нужно оружие, но война продолжается. Теперь в бой вступают стервятники, они борются за добычу.
Художник изобразил здесь не только смерть, но и природу, которая продолжает жить, несмотря ни на что. Эта картина стала символом отваги русского народа, Васнецов гордится их подвигом. Пусть в этой битве они не смогли одержать победу, всегда нужно надеяться на лучшее.
Антон Лосенко (1737-1773)
Антон Лосенко. Автопортрет (?). Конец XVIII века. Третьяковская галерея.
Антон Лосенко был одним из первых исторических живописцев в России. То есть он был тем, кто писал картины на библейские, мифологические и исторические сюжеты.
Матвеев, о котором я рассказывала выше, писал не только портреты. Вот, например, его “Венера и Купидон”.
Андрей Матвеев. Венера и Купидон. 1726. Русский музей, Санкт-Петербург. Museumsworld.ru.
Но очевидно, что ему пока не давались сложные ракурсы и обнажённая натура. Мы видим слишком крупную шею у Венеры, разные по длине плечи, а также чрезмерно крупную нижнюю часть тела Купидона.
А вот Антон Лосенко, обучившись во Франции и Риме, с такими задачами уже справлялся.
Антон Лосенко. Каин. 1768. Русский музей, Санкт-Петербург.
Более того, он создал учебное пособие для Академии Художеств о пропорциях человека. В том числе благодаря ему русские художники уже в первой половине XIX века не просто встали на один уровень мастерства с западными художниками. Они смогли поразить европейскую публику. Но об этом позже.
А пока расскажу о других достижениях Лосенко.
Антон Лосенко. Чудесный улов рыбы. 1762
Русский музей, Санкт-Петербург.
Обратите внимание, насколько много фигур на полотне. Художник мастерски располагает большое количество персонажей так, чтобы это выглядело гармонично.
Главный герой Христос находится в центре на возвышении
Он является композиционным центром. Остальные персонажи, по сути, служат его обрамлением. Типичный для классицизма приём.
Мы видим также чёткое разделение на передний и задний фоны
Всё важное происходит на переднем плане. Задний фон очень условен и скорее похож на театральный задник.
Но мы можем отметить еще один важный прорыв
Лосенко создавал картины и на сюжеты из русской истории! Так, он изобразил, как князь Владимир сватается к Рогнеде после захвата города и убийства её близких.
Антон Лосенко. Владимир и Рогнеда. 1770. Русский музей, Санкт-Петербург. Фото из личного архива автора.
Это сюжет из реальной истории. Поэтому мы можем говорить о том, что Лосенко – первый в своем роде.
После него художники создадут немало картин на сюжеты из русской истории. Самые выдающиеся из них мы как раз изучаем на курсе “Дневник Русских Художников XIX века”.
Лосенко умер в 36 лет (да что ж такое!) от водянки. Однако он успел оставить работы, на которые равнялись художники следующего поколения. В том числе наш следующий герой.
Зарубежная Литература XVII-XX веков
Основной соавтор
Jaaj.Club
|
Хорошие книги актуальны во все времена и не стареют. Беллетристика, увидевшая свет в прошлом и позапрошлом веках, вызывает интерес и сейчас. В свободном доступе есть и Шекспир и Ремарк, а также многие другие авторы. Но кроме прочтения книг можно рассматривать отдельные аспекты в сюжете и события из биографии писателей. В данном разделе собраны статьи, которые объединены одной темой — Зарубежная литература 19-20 веков. Но каждая из них — это отдельное небольшое исследование. Вы откроете для себя много нового, погрузившись в их изучение. Мистификация Бранте, дети в сюжетах Шекспира, настоящая русалочка Андерсена и многие другие факты, о которых вы не догадывались. Читайте, удивляйтесь и получайте удовольствие! |
||
|
Читать |
Памятные места
1. Село Лопьял Вятской губернии (ныне Кировская область), где родился Виктор Васнецов.
2. Академия художеств в Петербурге, где учился выдающийся живописец.
3. Лазаревское кладбище в Москве (ныне не действующее), где был похоронен Васнецов.
4. Введенское кладбище, где перезахоронен прах художника.
5. Владимирский собор в Киеве, где содержатся работы Васнецова.
6. Храм Спаса на Крови в Петербурге, где содержатся работы Васнецова.
7. Храм-памятник Александра Невского, в оформлении которого принимал участие Виктор Васнецов.
8. Дом-музей Васнецова в Москве.
9. Государственный Русский музей в Петербурге, где хранятся полотна Виктора Васнецова.
10. Памятник Васнецову в Кирове.
Три царевны подземного царства
Произведение «Три царевны подземного царства» написано по сюжету русской народной сказки о трех царевнах в 1881 году. Правда, Васнецов взял на себя смелость и немного ее переделал.
Подразумевалось, что картина будет украшать кабинет правления Донецкой железной дороги, поэтому художник добавил нового персонажа – угольную царевну. К сожалению, работу не приняли, так как посчитали ее неподходящей для служебного помещения.
Каждая царевна представляет собой какую-то отрасль: медную, золотую и угольную. Картина имеет много символов и знаков, русская народная сказка приобретает другой смысл.
Описание картины Виктора Васнецова «Автопортрет»
Свой первый «Автопортрет» художник Васнецов создал в 1873 году. Мастер кисти к написанию любого портретного изображения подходил очень серьезно, он был уверен, что в портрете не стоит ничего придумывать, просто нужно полностью видеть человека. Вот он и создал автопортрет в своем видении себя.
Холст написан в то время, когда автору исполнилось двадцать пять лет. Из репродукции на нас смотрит строгим взглядом немножко грустный молодой человек с аккуратно постриженной бородкой. Темно-русые волосы хорошо обрамляют скулистый, слегка худощавый облик. Напряженные скуловые желваки подчеркивают бледность впалых щек
Но нужно обратить внимание, что это не признак какой-то немощи или усталости, ведь из холста на нас смотрит сильный молодой человек. Есть в портрете что-то вдумчивое, подчеркивающее глубину внутреннего мира художника
Очень хорошо подчеркнул мастер и свое призвание художника. Это видно по одежде, в которую он облачен. Коричневая накидка художника выделяет фигуру на темном фоне полотна, а креативности костюму придает повязанный бант, выглядывающий из-под снежно-белого воротничка рубашки. Эта опрятность свидетельствует об аккуратности художника.
Надо сказать, что образу мастера, смотрящего на нас сквозь года, присущи одновременно и некая самодостаточность, и сдержанность. По его уверенному взгляду видно, что этот человек благородный и мудрый мастер живописи. Добрые серо-голубые глаза и светло-русая борода завершают светлый облик великого художника.
Кажется, что душа этого человека похожа на певчую птичку, которую заперли в клетке и накрыли какой-то тканью. Мы не можем ее видеть, не можем слышать ее удивительного голоса, но сильно поражаемся несказанной внутренней естественной красоте, которая скрыта за невидимой накидкой.
Античная живопись в картинах Г. Семирадского
Генриху Ипполитовичу Семирадскому пришлось буквально пробиваться в искусстве, так как и семья была против его художественного поприща, и в Академию художеств двадцатилетнего молодого человека брать не хотели по причине уже солидного по меркам образовательного заведения возраста. Тем не менее, упорство и талант помогли юноше все же стать учеником и с большим успехом завершить академию
Писал он в академическом стиле и особое внимание уделял античной истории и мифологии. Хотя мастер творил в общепринятом стиле, его достижением стало совмещение природы и античности, что заставило древние мотивы звучать по-новому
Слияние античных персонажей с природой, а также виртуозное владение техниками изображения света рождало на свет оригинальные произведения, которые вызывали восторг у зрителей.
Г. Семирадский. «Танец среди мечей». 1881 г.
Однако творчество Семирадского было по нраву отнюдь не всем. Многие критиковали его за неестественность и сумбурность композиций, которые художник порой собирал, словно конструктор из однотипных героев. Известный коллекционер Павел Третьяков даже принципиально не хотел покупать работы художника, полагая их слишком далекими от истинной русской живописи. Однако это не мешало славе картин Семирадского: одни из них уходили в царскую семью, а некоторые в конце концов все равно попали в Третьяковскую галерею. Среди его известных картин жанра исторической живописи назовем «Христос у Марфы и Марии», «Танец среди мечей», «Светочи христианства. Факелы Нерона», «Грешница» и другие.
Г. Семирадский. «Грешница». 1873 г.
«Богатыри»
В.М. Васнецов работал над картиной более 20 лет (1881–1898). Когда 23 апреля 1989 года она была завершена, её сразу же приобрел для своей галереи П.М. Третьяков. И даже после этого художник иногда приходил в зал с палитрой и что-то доделывал на полотне.
Первый карандашный эскиз, возникший в 1971 году, очень понравился В.Д. Поленову, а простосердечный Виктор Михайлович даже хотел его подарить. Поленов предложил известную сделку: «Ты даешь мне слово, что эскиз этот будет наброском к большой картине. Когда напишешь ее, подаришь мне этот эскиз, но не раньше». Художник выполнил все условия.
Первый карандашный набросок «Богатыри», 1871
Исследователи полагают, что основному варианту предшествовало не менее 13 пейзажей, набросков и этюдов. Васнецов тщательно прорабатывал характеры былинных персонажей, уделял много внимания цвету и свету.
Одним из прообразов для Ильи Муромца стал крестьянин Владимирской губернии Иван Петров, которого художник изобразил на этюде в 1883 году. Других натурщиков Васнецов находил прямо на улице, просил позировать ему извозчиков и кузнецов. Сила персонажа показана через детали: даже палица «сорока пудов» не сгибает правой руки, а коня может удержать только цепь.
Самый опытный из товарищей, Добрыня Никитич – собирательный образ отца, дяди и самого художника, сравните! Есть версия, что натурщиком был Поленов. Прототипом Алёши Поповича стал сын Саввы Мамонтова, Андрей.
Для В.М. Васнецова эта картина была одной из самых главных в творчестве. Работая над ней, он чуть не отказался расписывать Владимирский собор в Киеве. Однако успел всё.
Богатыри. В.М. Васнецов. Холст, масло. 1881—1898
Картины Васнецова и особенности его творческого метода
Несмотря на сформировавшийся в итоге единый и наиболее узнаваемый среди зрителей стиль произведений Васнецова, художник работал в разных жанрах и сферах художественной деятельности. В его ранних работах превалирует бытовая тема («С квартиры на квартиру», 1876; «Преферанс», 1879).
Однако позднее он посвящает почти все свои работы сказочно-былинной тематике. Герои его произведений — это персонажи русских народных сказок: богатыри, Аленушка, Кощей Бессмертный, Снегурочка, Царевна-Лягушка и другие.
В 1880-е годы он создает, пожалуй, самые известные свои произведения: «Витязь на распутье» (1882), «Аленушка» (1881), «Ковер-самолет»(1880).
Одно из своих самых масштабных станковых произведений — «Богатыри» — Васнецов писал около двадцати лет — с 1881 по 1898 год.
К концу 1890-х художник все больше увлекается религиозной тематикой. Он занимается монументальной живописью во Владимирском соборе в Киеве, храме Спаса-на-Крови в Санкт-Петербурге, а также росписью храма Рождества Иоанна Предтечи на Пресне.