Какой же миф изобразил Рембрандт ?
Долго спорили, действительно ли на картине Рембрандта изображён сюжет из мифа про Данаю. Ведь нет главного атрибута: золотого дождя.
К тому же Даная смотрит вперёд, а не вверх, откуда по легенде на неё снизошёл Зевс.
Отгадку нашли опять-таки благодаря рентгену. Изначально в 1634 году дождь был! А Даная со служанкой смотрели вверх.
Но по какой-то причине Рембрандт изменил не только внешность Данаи. Но и заставил ее смотреть вперёд, а не вверх. А вместо дождя на девушку полился свет.
Мне очень нравится версия искусствоведа Сергея Андронова. Рембрандт решил спустя 13 лет написать другой момент мифа.
Сначала он изобразил стандартную сцену, которая запечатлена и у Тициана, и у Джентилески. Пришёл Зевс в виде золотого дождя. Даная встречает его, закинув голову.
Во второй версии 1648 года Рембрандт изобразил уже прощание женщины с божеством. Дождь прошёл, остался лишь свет.
В этом случае легко объяснить, почему Купидон изображён с таким страдающим лицом. Он один знает, что Зевс уже не вернётся к женщине.
Номер 17A (1948) — Джексон Поллок — 233 млн
| Автор картины | Джексон Поллок (1912–1956) |
| Когда написана картина | 1948 г. |
| Техника | Масло на ДВП |
| Размеры произведения искусства | 112 х 86 см |
| Цена картины | 233 млн долларов |
Абстрактная экспрессионистская работа Джексона Поллока «Номер 17А» написана в 1948 году. Инвестор хедж-фонда Кеннет С. Гриффин купил ее у Дэвида Геффена в сентябре 2015 года за 200 млн долларов, что на тот момент делало ее самой дорогой картиной мира, а затем одолжил ее Художественному институту в Чикаго. В настоящее время она входит в пятерку самых дорогих когда-либо проданных картин в мире со скорректированной ценой с учетом инфляции в 233 млн.
Эта знаменитая картина представляет собой капельную роспись, которая выполняется путем разбрызгивания краски по горизонтально уложенной масляной краской поверхности на древесноволокнистой плите. Автор нарисовал ее через год после того, как капельный метод Поллока представил публике. Картину опубликовали в августовском номере журнала Life за 1949 год, что помогло ему начать карьеру художника.
Живопись
В начале творческой биографии Веласкес имел репутацию художника, изображающего на своих холстах бедных крестьян и простолюдинов. Наиболее известными работами того периода считаются «Старуха, жарящая яйца», «Двое юношей у стола» и «Завтрак».
Диего Веласкес с поразительной точностью представлял на полотнах людей и окружавшие их предметы, делая упор на контрастном освещении фигур переднего плана и плотности письма. Подавляющая часть картин была выполнена с применением темного фона, который придавал им некоей выразительности и безвоздушности.
В 23-летнем возрасте Веласкес отправился в Мадрид с рекомендательным письмом к архиепископу Хуану Родригесу де Фонсеке. Архиепископ ознакомился с письмом, после чего представил Диего придворному герцогу Оливаресу.
«Старуха жарящая яйца»
Тогда же Оливарес заказал у молодого мастера свой портрет. Когда работа была завершена, герцог был впечатлен талантом Веласкеса, вследствие чего помог ему познакомиться с монархом Филиппом IV. Уже в следующем году его поселили в Мадриде, заверив, что другие живописцы никогда не станут писать портреты короля.
Первый портрет Филиппа IV Диего создал в 1623 г. Правитель сразу рассмотрел в нем талант, поскольку сам обучался рисованию. Позднее он занял 1-е место в конкурсе живописцев, организованном королем, темой которого было изгнание мавров.
В результате, Веласкес удостоился должности камергера и стал придворным художником, имея все условия для полноценной жизни. В начале 1630-х годов он начал писать портреты королевской семьи и приближенных Филиппа IV. За годы творческой биографии он создал свыше 40 портретов монарха.
Любопытно, что кисти живописца принадлежит несколько работ с изображением королевских шутов и карликов, к которым он относился с уважением и состраданием. Тогда же Веласкес стал автором знаменитой картины «Христос на кресте», изобразив Мессию сразу после его мученической смерти.
В конце следующего десятилетия монарх отправил его в Италию, с целью покупки для королевской коллекции шедевров итальянской живописи и скульптуры. В Ватикане ему оказал теплый прием папа Иннокентий X, заказавший ему собственный портрет.
Спустя 3 месяца Диего Веласкес закончил работу, которая поразила весь Рим. Сам понтифик восторженно воскликнул – «Слишком правдиво!», после чего наградил автора золотой цепью и папской медалью. Одновременно с этим, мастера включили в состав Римской академии. Тогда же он завершил трудиться над картиной «Венера с зеркалом».
Домой Веласкес вернулся весной 1651 г., представив Филиппу приобретенные предметы искусства. В последующие годы биографии он приступил к написанию самых выдающихся произведений в своей карьере – «Менины» и «Пряхи».
Портрет папы Иннокентия X
Каждая из этих работ была наполнена глубоким подтекстом благодаря детализации, позам персонажей, их расположению и освещению. Данные полотна до сих пор являются предметом жарких дискуссий среди искусствоведов. Специалисты выдвигают разные версии относительно их сюжета и подтекста.
Последние портреты королевских особ кисти Веласкеса, создавались незадолго до кончины мастера. Они считаются одними из лучших произведений живописца. Например, в «Инфанте Маргарите Австрийской», техника Диего достигла своего пика: мигающие пятна цвета на широких поверхностях создают практически импрессионистический эффект 3-мерного пространства.
Гравюры
Рембрандт был выдающимся гравёром. Техника гравюры появилась в начале XVI века, и он стал первым художником, оценившим её огромные возможности. Гравюра «Доктор Фаустус» демонстрирует зрителю эти возможности, дающие право гравюре соперничать с «полноценной» картиной. Для создания гравюры на металле металлическая пластина покрывается слоем кислотоустойчивого лака, который затем процарапывается иглой. Готовую пластину опускают в кислоту,вытравливающую процарапанное изображение. Остальные части гравюры при этом остаются защищенными слоем лака. Затем лак счищают, смазывают пластину типографской краской и помещают в типографский пресс, делая её отпечаток на бумаге. Другой гравировальный метод — создание изображения непосредственно на металле, не покрытым лаком. Такая техника называется «сухой иглой». Рембрандт часто совмещал обе техники в пределах одной гравюры, но есть у него и несколько работ, выполненных исключительно «сухой иглой».
И это далеко не полная характеристика эволюции Рембрандта. Менялся сам художественный мир, эволюционировала вся система в совокупности составляющих её элементов. Ещё несколько примеров. Его ранние картины построены на принципе активного действия, борьбы, а поздние, в большинстве своём, — созерцательны. На ранних автопортретах художник изображает себя в картинных позах и необычных роскошных нарядах, поздние же лишены этой театральности. С годами Рембрандт всё меньше интересуется отделкой поверхности картины, сосредоточиваясь на характерах людей и их внутренних переживаниях.
Всё это роднит Рембрандта с ведущими художниками XX века. Современники же художника, как водится, страдали некоторой эстетической слепотой. Уже при жизни Рембрандт был хорошо известен — славу ему принесли его портреты и гравюры. Они пользовались спросом, но при этом далеко не все считали Рембрандта большим мастером. Некоторые критики находили его зрелый стиль слишком грубым. Их смущало то, что художник творит без оглядки на классические образцы «высокого искусства», а его принципиальный отказ от рафинированной техники раннего периода вызывал лишь недоумения. Известно высказывание, описывающее картины Рембрандта как «навоз, стекающий с холста через раму». Уже в XIX веке Майкл Брайан в классическом для своего времени «Справочнике по художникам и гравёрам», 1816 год, писал о Рембрандте: «Его фигуры примечательны, прежде всего, не своей красотой, а искажениями; они выглядят скорее вульгарными, чем грациозными».
МАСТЕР «ЗОЛОТОГО ВЕКА»
Гений Рембрандта настолько ярок, что художник признан не только выдающимся голландским живописцем XVII века, но и одним из величайших художников всех времён и народов.
Основу наследия Рембрандта составили портреты и картины на религиозные темы. Но список жанров, в которых он работал, этим далеко не исчерпывается. Художник писал исторические, мифологические и аллегорические полотна, пейзажи, жанровые сцены и натюрморты. Некоторые из картин Рембрандта настолько оригинальны, что не вписываются в традиционную жанровую систему. Кроме этого, Рембрандт был превосходным гравёром и рисовальщиком. Если переходить на цифры, то он оставил нам около 400 картин, почти 300 гравюр и более 1000 рисунков.
Под руководством своего первого наставника, Якоба ван Сваненбюрха, Рембрандт освоил лишь азы мастерства. Истинным учителем он считал Питера Ластмана (1583-1633). В молодости Ластман побывал в Италии, где навсегда влюбился в работы мастеров эпохи Ренессанса. Он считал, что для создания великой картины требуется, прежде всего, значительный исторический или мифологический сюжет. Рембрандт тоже любил сюжетную живопись, чем отличался от большинства своих голландских современников, привязанных к окружающей жизни. Особенно его привлекала библейская история, которую он знал буквально наизусть.
Биография Веласкеса
Диего Веласкес появился на свет 6 июня 1599 года в испанской Севилье. Он воспитывался в семье Хуана Родригеса и его жены Иеронимы. У своих родителей он был старшим из 8 детей.
Еще в детские годы биографии Диего стал проявлять прекрасные художественные способности. В результате, он начал обучаться живописи у Франсиско де Эрреры Старшего, но вскоре стал учеником Франсиско Пачеко.
Именно у Пачеко юный Веласкес приобрел первые технические и эстетические навыки. В возрасте 17 лет он уже состоялся как независимый художник, войдя в состав городской корпорации живописцев. Тогда же, он задался целью работать при дворе короля.
Описание и особенности картины
Рембрандт с особым трепетом подошёл к работе над «Саскией в образе Флоры». На ней великий творец изображает свою будущую жену. Картина пропитана романтичностью и нежностью. Юная Саския предстаёт перед смотрящим в невинном, лёгком образе своей молодости. На ней Рембрандт искусно прописывает красивые одежды, несоответствующие моде семнадцатого века. Вероятнее всего, художник сам придумал наряд, вдохновившись роскошной коллекцией тканей.
Рембрандт мастерски прописывает ткань, ее блеск, украшения в виде камней и узоров, расположенных на пышных рукавах, жемчуг на груди и интересные пряжки на руке. На голове «Саскии в образе Флоры» покоится венок из нежных цветов — это придает картине ощущение праздника и чего-то торжественного. Также эта деталь подчеркивает то, какую роль Рембрандт отводит возлюбленной в картине — Саския предстает в образе богини весны и цветов, Флоры. Автор играет со светом и насыщает картину солнечными лучами, которые создают таинственную мозаику чувств. Лицо красавицы открыто и светло. Это позволяет понять, что она любима и что девушка служит для Рембрандта музой, вдохновляя его.
Детали «Саскии в образе Флоры»:
- Картина была написана маслом на холсте;
- Жанр «Саскии в образе Флоры»: портретная живопись;
- Размеры картины:125×101 см.
- Работа Рембрандта хранится в государственном Эрмитаже.
В «Саскии в образе Флоры» автор использует новый метод наложения красок — он чередует тонкие, прозрачные и густые мазки. Подобную технику можно заметить у Питера Ластмана — творческого учителя Рембрандта. Однако в своей работе «Саския в образе Флоры» он меняет детали и манеру, с которой прописывает то ткани, то нежную кожу. В то время творец сформировал свой индивидуальный стиль. Героиня портрета «Саския в образе Флоры» облачена в златотканую одежду. В роскошных одеяниях хрупкая девушка будто бы тонет, а жезл, который находится в ее руке, и венец, собранный из множества цветов, делают ее образ сказочном как у принцессы. «Саския в образе Флоры» является не столько портретом супруги автора, сколько портретом его истинной любви.
Цветовая палитра
Рембрандт в портрете «Саския в образе Флоры» для фона использовал темные оттенки зелёного. Саму героиню он наделяет нежным, белесым сиянием кожи и одевает ее в наряд золотистого и серебряного цвета. Присутствует в картине и пару ярких оттенков — цветы с малиновыми, желтыми и голубыми лепестками.
Сюжет картины
На портрете «Саския в образе Флоры» автор изображает прекрасную девушку с задумчивым, но в то же время счастливым выражением лица. Она вошла во взрослую жизнь, она больше не ребенок и теперь перед ней стоит трудная задача. Ей необходимо все осмыслить, принять все перемены. Образ Флоры Рембрандт подчеркивает с помощью таких деталей, как: цветочный головной убор и жезл. Любимая супруга наполнила жизнь творца светом и счастьем.
Контекст
«Саския в образе Флоры» является красноречивым свидетелем горячей и пылкой любви живописца к своей любимой. Женщина была для него не только творческой музой, но и утешением, в котором он так нуждался в пору неудач и забот. Саския часто играла роль модели Рембрандта. Он писал ее как цветущую и радостную, как элегантную или чопорную. Для него супруга стала лучиком света, перевернувшим жизнь творца, его душевное состояние и настроение. Женщина сыграла в жизни художника решающую роль — она сделала его счастливым. Именно чувства Рембрандт старался передать через портрет «Саския в образе Флоры».
Где находится картина сейчас
«Саския в образе Флоры», написанная кистью Рембрандта, хранится в городе Санкт-Петербург, в государственном Эрмитаже.
Последние годы жизни: картина «Менины»
Давайте в подробностях разберем самую знаменитую картину, которую Веласкес создал уже в поздний период творчества — «Менины».
Это часть интерактивных уроков, подготовленных образовательной платформой Level One в сотрудничестве
с крупнейшими российскими экспертами.
Еще 500 уроков по 15 направлениям, от истории
и архитектуры до здоровья и кулинарии на levelvan.ru/plus
посмотреть все уроки
Автор урока
Ольга Хлопонина
Кандидат культурологии, преподаватель Московского Гуманитарного университета
Диего Веласкес
1. Портрет королевы Марианны Австрийской, 1650
2. Портрет инфанты Марии Терезии с часами, 1652
3. Портрет Филиппа IV, 1656
4. Портрет принца Фелипе Просперо, 1659
В этой части обсудим последний период творчества Веласкеса после его возвращения из Италии в Мадрид.
Что художник делал в последние годы своей жизни
Продолжал много работать. Писал портреты придворных, членов королевской семьи, самый известный из которых — «Менины».
Получил посвящение в Орден Сантьяго, то есть рыцарское звание — самую ценную и значимую награду. Это произошло за год до смерти.
В 1659 году поехал на остров Файзамес руководить подготовкой к династическому браку между дочерью Филиппа IV Марии Терезии и королем Франции Людовиком XIV. Напряженная работа подорвала здоровье Веласкеса: в какой-то момент художник почувствовал себя плохо, его спешно привезли в Мадрид.
Художник умер в 1660 году в возрасте 61 года. У смертного одра Веласкеса присутствовал Филипп IV. На надгробии написали «Живописцу истины» — за удивительный талант писать правду, не издеваясь, не приукрашивая и не выпячивая недостатки.
Телеграм-канал
Level One
Вдохновляющие посты, новые запуски и подарки только для подписчиков
подписаться
Диего Веласкес. Менины, 1656
Мы добрались до самой известной картины Веласкеса — «Менины». Художник не только показал удивительное мастерство живописца, но и наполнил картину личным отношением к семье монарха.
Изображение очень реалистично. Поэт Теофиль Готье, подойдя к «Менинам», воскликнул: «А где же картина?!»
В центре картины — инфанта Маргарита и две фрейлины-менины. Одна из них подает принцессе бокал с водой, другая застыла в легком реверансе. Поднесение питья принцессе было регламентировано строгим дворцовым этикетом.
Рядом находятся карлик и карлица. Немка Мария Барбола стоит неподвижно и смотрит на зрителя. Мальчик Николосито Пертусато играет с собакой. Его детская непосредственность противопоставлена сдержанным аристократическим манерам Маргариты. Веласкес будто намеренно сравнивает двух детей из разных слоев общества.
Сам Веласкес тоже вписан в картину. Это единственный достоверный автопортрет художника.
Зритель смотрит на происходящее глазами короля и королевы, участвующих в сцене, но не включенных в картину. Их отражения видны в зеркале на дальней стене.
Сюжет картины можно истолковать по-разному. Возможно, художник пишет портрет Маргариты, работа над которым прервана неожиданным появлением короля и королевы. Или маленькая инфанта с фрейлинами вошла в тот момент, когда королевская чета позировала художнику? Веласкес снова загадывает загадку без ответа.
О придворных карликах и шутах
Диего Веласкес
1. Дон Себастьян де Морра, 1645
2. Портрет придворного шута Эль Примо с книгой в руках, 1645
Диего Веласкес. Пряхи, или Миф об Ариадне, 1657
Теперь рассмотрим картину Веласкеса «Пряхи, или Миф об Арахне».
Легенда рассказывает о лидийской девушке Арахне, которая славилась своим искусством рукоделия. Возгордившись, она вызвала Афину, покровительницу прядильщиков и ткачей, на состязание. Сотканный Арахной платок с изображением любовных утех божественных обитателей Олимпа разгневал Афину, и богиня превратила девушку в паука.
Веласкес снова использует прием «картина в картине». На переднем плане мастерская, в которой работают пряхи. На заднем плане нарядные дамы рассматривают гобелен с изображенной сценой похищения Европы — похожая работа Тициана находилась в королевском хранилище искусства. Считается, что слева Афина приняла облик старой ткачихи, а Арахна справа повернулась к нам спиной.
Олимп перемещен в земную реальность, хотя и не смешивается с ней. Разница подчеркивается контрастом света и полумрака, дорогой одежды и простых нарядов ткачих. Обычная бытовая сценка приобретает характер священного ритуала.
«О подражании статуям»
Основное различие между жизнью нашего века и жизнью древних — праздность и отсутствие физических упражнений; ведь ясно, что еда и питье не способствуют укреплению тела. Потому-то появляется отвислый живот, ожирение от постоянного обжорства, дряблые ноги и руки, истощенные собственным безделием. В древности же, напротив, все ежедневно упорно трудились в палестрах и гимнасиях, причем даже до седьмого пота, до полного изнеможения.Piles R. de. Cours de peinture par principes. Paris, 1708, p. 139
Показатель статуса
«Только публичным женщинам разрешается ходить и посещать церкви в оголенном виде. Каждый супруг должен был бы удержать жену от такого оголения, иначе он обязан заплатить несколько сот дукатов, без различия, благородного ли он происхождения или нет».
«Сорок лет тому назад в Лондоне не было и двенадцати галантерейщиков, торговавших вычурными шляпами, бокалами, поясами, мечами и кинжалами, а теперь каждая улица, от Тауэра до Вестминстера, переполнена ими и их лавками, сверкающими и сияющими стеклом».
Эдуарда Фукса«По мнению Брантома, величественно сложенная женщина заслуживает глубочайшего преклонения. Она должна быть высокого импозантного роста, обладать пышной прекрасной грудью, широкими бедрами, крепкими ягодицами — как Венера Каллипига, — полными руками и ногами, «способными задушить гиганта».
«Брантом говорит по поводу любовной авантюры величественной по своему телосложению женщины: «Вот почему полные женщины заслуживают предпочтения хотя бы ради только их красоты и величия, ибо за эти последние, как и за другие их совершенства, их ценят. Так, гораздо приятнее управлять высоким и красивым боевым конем, и последний доставляет всаднику гораздо больше удовольствия, чем маленькая кляча».»
Венера Каллипига«Таковы женщины Рубенса, созданные им для бессмертной жизни в лице трех Граций»Нинон де Ланкло
Портрет мадам Монтеспан (ателье Пьера Миньяра)Портрет Нинон де Ланкло. 19 век. Антуан Жан Батист Купе (ок. 1784 — 1852)
«Изящная, превосходно сложенная брюнетка с цветом лица ослепительной белизны, с легким румянцем, с большими синими глазами, в которых одновременно сквозили благопристойность, рассудительность, безумие и сладострастие, ротиком с восхитительными зубами и очаровательной улыбкой, Нинон держалась с необыкновенным благородством, но без гордости, обладая поразительной грацией манер»
Портреты Мартена Сулманса и Опьена Коппита (1634) — Рембрандт ван Рейн — 197 млн
| Автор картины | Рембрандт ван Рейн (1606 – 1669) |
| Когда написана картина | 1634 г. |
| Техника | Масло на холсте |
| Размеры произведения искусства | 209 х 135 см |
| Цена картины | 197 миллионов долларов |
«Портрет Мартена Сулманса» и «Портрет Опьена Коппита», написанные Рембрандтом в 1634 году, приобретены как пара за 197 млн долларов, что стало новым рекордом цены проданных им работ в мире. Пара дорогих картин создана в память о свадьбе пары.
Несмотря на то, что картины написаны отдельно, они всегда выставлялись как набор.
Поскольку они созданы как пара, вполне уместно всегда показывать их вместе, и когда семья Ротшильдов решила продать эти редко встречающиеся шедевры, их купили два музея. Рейксмузеум в Амстердаме и Лувр в Париже совместно купили два произведения в 2016 году и по очереди демонстрируют их, чтобы широкая публика могла увидеть их.
Les Femmes d’Alger («Версия O») (1955) — Пабло Пикассо
| Автор картины | Пабло Пикассо (1881 – 1973) |
| Когда написана картина | 1955 г. |
| Техника | Масло на холсте |
| Размеры произведения искусства | 114 х 146 см |
| Цена картины | 210 миллионов долларов |
Les Femmes D’Alger (версия «O») художника в стиле кубизма Пабло Пикассо куплен за поразительные 179,4 миллиона долларов США на аукционе Christie’s в мае 2015 года. Скорректированная цена с учетом инфляции теперь составляет 210 млн. Говорят, что на него повлиял шедевр «Женщины Алжира в их квартире» работы уважаемого художника Эжена Делакруа.
Пикассо на протяжении всей своей карьеры написал 15 различных версий этого произведения, последняя из которых, «О», закончена в 1955 году.
Покупка, как и многие другие, осталась неизвестной, но некоторые представители мира искусства считают, что владельцем стал Хамад бин Джассим бин Джабар Аль Тани, бывший премьер-министр Катара. Первоначально набор дорогих произведений искусства Пабло Пикассо полностью купили Салли и Виктор Ганцы. Галерея Сайденберг позже приобрела у пары десять картин.
Виллем де Кунинг «Обмен», 300 млн. долл. США
Interchange (обмен) 1955 год. Написана маслом на холсте, 200.7 х 175.3 см. Частная коллекция Кеннет С. Гриффин. В настоящее время отдана в аренду и красуется в художественном Институте Чикаго.
Завершённый в 1955 году, «Обмен» Виллема де Кунинга был продан за 300 млн. долларов США в сентябре 2015 года – присоединившись к «Nafea Faa Ipoipo» Гогена, проданной за семь месяцев до этого, став одной из самых дорогих картин, когда-либо перешедших к другому владельцу. Картина, проданная Фондом Дэвида Геффена Кеннету Гриффину за 300 млн. долларов США, запечатлевает динамизм посредством жестового движения и была предоставлена в аренду различным учреждениям, включая Чикагский институт искусств.