Джорджоне

Юдифь и Олоферн (картина Караваджо) — Википедия

Материал из Википедии — свободной энциклопедии

«Юдифь и Олоферн» (итал. Giuditta e Oloferne) — картина итальянского художника Микеланджело да Караваджо, написанная в 1599 году по мотивам ветхозаветной книги Иудифи.

Согласно легенде, Олоферн был полководцем армии Навуходоносора, вторгшейся в Иудею. Вавилоняне осадили город Ветулию, в котором жила целомудренная и богобоязненная молодая вдова Юдифь. Надежды для горожан не было никакой. Надев красивые одежды и взяв с собой служанку, она отправилась в стан врага и сделала так, что Олоферн проникся к ней доверием. Когда в один из вечеров он заснул пьяным, она отрезала ему голову и вернулась в родной город. Вражеская армия, оказавшись без начальника, в панике разбежалась. Юдифь вернулась к своей прежней жизни и до конца соблюдала безбрачие.

Юдифь убила Олоферна за то, что тот напал на её народ и пытался заставить евреев поклоняться Навуходоносору. Он был язычником, и Юдифь совершила убийство во славу своего единственно истинного бога. Это делало её поступок очень актуальным на фоне контрреформации, восстановления инквизиции и подавления ереси католической церковью. В то время Юдифь была примером в глазах многих религиозных фанатиков, а в современных Караваджо памфлетах, призывавших к убийству еретиков, Юдифь представлялась образцом добродетели.

Черты лица Юдифи на картине Караваджо выражают не триумф или страсть, а скорее решимость и отвращение. Она убивает беззащитного Олоферна без применения большой силы, стараясь держаться подальше от своей жертвы. Художник изобразил свою героиню не в шикарном барочном платье, как это сделал несколько лет спустя Кристофано Аллори, а одел её в лучшие одежды, какие могла себе позволить современная ему «женщина из народа». Возможно, моделью для Юдифи послужила любовница Караваджо Маддалена Антоньетти, которая, согласно полицейскому отчёту 1605 года, «околачивалась на Пьяцца Навона», что было эвфемизмом для занятия проституцией.

Большинство художников изображали Юдифь уже после убийства, с головой Олоферна в руках. Караваджо, напротив, запечатлел сам момент обезглавливания, когда голова наполовину отделена от тела, но жертва всё ещё жива. Глаза Олоферна вылезли из орбит, рот замер в крике. Караваджо был зачарован процессом обезглавливания, которое тогда было привычной формой казни для преступников из аристократической среды. Есть предположение, что художник присутствовал на казни Беатриче Ченчи, убившей своего отца, и именно знакомство с обезглавливанием, которому подвергли Беатриче, позволило ему написать с такими натуралистическими физиологическими подробностями свою «Юдифь». Кроме этой картины Караваджо посвящает обезглавливанию «Жертвоприношение Исаака» (1603), «Обезглавливание Иоанна Крестителя» (1608) и «Давида и Голиафа» (1610). Есть версия, что лицо Олоферна — это автопортрет, в котором художник выражал мазохистские желания быть жертвой насилия.

• «Жертвоприношение Исаака» (1603)

• «Обезглавливание Иоанна Крестителя» (1608)

• «Давид и Голиаф» (1610)

• Hibbard, Howard. Caravaggio. — New York, 1983.
• Hinks, Roger. Michelangelo Merisi da Caravaggio, his life, his legends, his works. — London, 1953.
• Röttgen, Herwarth. Il Caravaggio, ricerche e interpretazioni. — Roma, 1974.
• Rose-Marie & Rainer Hagen. What Great Paintings Say. — Taschen, 2005. — Т. 1. — С. 302—307. — ISBN 978-3-8228-4790-9.

Описание

Джудит занимает середину картины, она стоит, одетая в розовую тунику с изысканной драпировкой, удерживаемую на талии завязанным поясом, поверх белой рубашки, складки которой выступают за вырез, и украшенной крестообразной брошью. Ее зачесанные назад волосы, разделенные пробором посередине, зачесаны назад и скручены, змеевидные локоны, оставленные свободными, ниспадают по обе стороны ее лица. Ее правая рука аккуратно положена на рукоять, она держит вертикально большой меч, нить которого скрыта внизу складками ее туники. Ее опущенный взгляд направлен на обезглавленную опухшую голову Олоферна, которую она топчет (концом голой ноги) рядом с растениями и травой на земле.

За кирпичной стеной сразу за Юдифью, на которую она опирается левым локтем, с правой стороны картины стоит ствол дуба; пейзаж занимает нижнюю часть картины слева и показывает вдалеке город с башнями, расположенный у подножия гор, покрытый голубоватой глазурью .

Венский сецессион

В 1897 году Климт стал соучредителем объединения Венский сецессион. Отвергая традиционно консервативную художественную традицию, Климт и его единомышленники задумывали это движение как освободительное. Они ставили под сомнение правила классического искусства, поскольку оно не могло описать то, что было за пределами реальности, и художникам требовалось больше свободы для самовыражения. Сецессион должен был дать возможность экспериментировать, развиваться, обмениваться идеями.

К Венскому сецессиону примкнули все молодые и талантливые художники того времени. Альфред Роллер, например, считается одним из отцов-основателей австрийского модерна (который в немецкоязычной среде называется югендстилем). Он был не только президентом сецессиона, но и главным художником Венской оперы и руководил Венской художественно-промышленной школой. Он же разработал сецессион-шрифт, который часто можно встретить на венских плакатах эпохи модерна.

Коломан Мозер выставлялся в Австрии и Германии, а до этого какое-то время преподавал живопись у детей австрийского эрцгерцога Карла Людвига. Йозеф Хоффман, ученик знаменитого Отто Вагнера, долгое время являлся главным архитектором Вены. Йозеф Мария Ольбрих — известный архитектор, построивший здание, где проходили выставки сецессиона.

За теоретическую базу архитектурного стиля сецессиона отвечал Отто Вагнер. Многие из более молодых представителей кружка были его учениками. Вагнер вёл курсы в Академии художественных искусств Вены и разрабатывал новую концепцию «практической полезности». Суть её состояла в сочетании простых геометрических форм и орнаментов — именно поэтому архитектуру сецессиона иногда называют «квадратным стилем».

Афиша первой выставки сецессиона работы Густава Климта. (commons.wikimedia.org)

В живописи представители сецессиона далеко не всегда использовали исключительно прямые линии. Но суть оставалась той же — искусство из музейного становилось прикладным. Коломан Мозер работал над дизайном почтовых марок, керамических изделий и мебели. Карл фон Хазенауэр помогал Отто Вагнеру проектировать Венскую железную дорогу. А Густав Климт создавал полотна для украшения актового зала в главном здании Венского университета, а также помогал декорировать залы для показов мод.

Ранние работы участников Венского сецессиона были в основном выдержаны в стиле ар-нуво. Повлияло на них также английское и восточное искусство. Создавая кружок, венские художники вдохновлялись опытом Берлинского и Мюнхенского сецессионов. В Берлине несколько молодых художников, в том числе Франц Скарбина и Макс Либерман, создали отдельное объединение ещё в 1892 году. Причиной раздора был отказ комиссии Союза берлинских художников выставлять картины Эдварда Мунка. В том же году был создан и Мюнхенский сецессион. Вскоре Мюнхен превратился в столицу современного искусства, там работали Пабло Пикассо, Василий Кандинский, Пауль Клее и Анри Матисс.

Свою первую выставку художники провели в 1898 году. Специально для неё Ольбрих построил выставочный зал, известный под именем Дом сецессиона. Белоснежное здание венчает купол из золочёных ягод и лавровых листьев. Такой же орнамент рассыпан и по фасаду здания. Золото, цвет, волны были отличительными чертами югендстиля. Главный вход здания украшен лозунгом «Der Zeit Ihre Kunst — Der Kunst Ihre Freiheit» («Эпохе — своё искусство, искусству — своя свобода»). Это фраза известного критика Людвига Хевеши, который одним из первых сообщил о создании сецессиона. Самой известной выставкой объединения стала 14-я по счёту, посвящённая Бетховену. На ней в 1902 году была впервые показана знаменитая фреска «Бетховенский фриз» работы Густава Климта. Это один из лучших шедевров венского югендстиля.

В 1905 году в Венском сецессионе произошёл раскол. Группу покинул Густав Климт, а вместе с ним и несколько других художников, в том числе и Карл Молль. Но кружок не распался и продолжил свою работу. В поздние годы сецессион отошёл от принципов ар-нуво и находился под влиянием функционализма, а потому поддержал идеи Ле Корбюзье и немецкого Баухауса.

Менины

Английское название: The Maids of Honor

Художник: Диего Веласкес

Год: 1656

Менины (1656) — Диего Веласкес

«Менины», считающаяся одной из самых важных картин, изображает в центре пятилетнюю Маргариту Терезу. Маргариту окружают горничные, телохранитель, два гнома и собака. Слева Веласкес изображает себя с кистью, в связи с чем BBC назвала этот шедевр «первой в мире фотобомбой». Над головой принцессы находится зеркало, на котором изображены ее отец и мать, король Испании Филипп IV и Мариана Австрийская. Они кажутся на месте зрителя. Веласкес, возможно, изображает сцену, в которой он рисует королевскую чету. «Менины» была описана как олицетворение «теологии живописи» и «Истинная философия искусства». Диего Веласкес считается одним из самых влиятельных художников в истории Европы, а «Менины» считается его высшим достижением. Это одна из самых известных картин в западном искусстве и ,безусловно, самая известная живопись эпохи барокко.

Юдифь, обезглавливающая Олоферна

Самая известная художница 17-го века Джентилески была первой женщиной входившей в состав Академии художеств во Флоренции. Картинами с яркими, порой жестокими, библейскими сюжетами восхищались как другие члены академии, так и коллекционеры. Данная композиция на тему Юдифь не единственная. Две наиболее известные версии находятся в Каподимонте  и Уффици.

На художественный стиль Джентилески повлиял популярный на тот момент караваджизм, а так же основатель этого направления — Караваджо, который являлся другом отца художницы, а также создал собственную работу на тему данной библейской истории.

Считается, что в молодости, женщина была изнасилована одним из помощников своего отца — Агостино Тасси (1578-1644), который был жестоким, неприятным человеком. Некоторые источники утверждают, что мужчина был виновен в изнасиловании своей сестры и убийстве жены. Однако, за заслуги в области живописи, был помилован герцогом Тосканы, после двенадцати месяцев тюрьмы. Поэтому, многие арт-критики рассматривают «Усекновение головы Олоферна» как автобиографический эпизод.

Описание работы

Юдифь Караваджо

Данная картина основана на ветхозаветном сюжете, в котором главная героиня представляет традиционный пример добродетели и целомудрия. Юдифь обезглавливает Олоферн, одержимая желанием отмщения за город и народ. Мотив мести перекликается с эпизодом из биографии художницы. Популярный, среди барочных художников, сюжет показывает женщину, торжествующую над тираном. Джентилески использовала себя в качестве модели для Юдифь, а Тасси лег в основу фигуры Олоферна.

В отличие от аналогичной работы Караваджо, Джентилески создает гораздо более бурную, болезненную и драматичную сцену, будто героиня борется за жизнь и прикладывает максимум физических усилий, чтобы убить врага. Работа полна жесткости и насилия. Ужаса атмосфере предает реалистичность, достигающаяся за счет изображения потоков крови и мечу, который будто в действительности проходит сквозь хрящи и вот-вот распилит позвоночник.

Картина запоминается также благодаря богатому исполнению одежд и постельного белья. Джентилески мастерски использует светотень, которая придает объем всем фигурам

Светлые части акцентируют внимание на ключевых деталях полотна

Считается, что картина была написана для Козимо II Медичи (1590–1621), человека, который помиловал Тасси, и была завершена в Риме. Благодаря своей природе, работа была спрятана в тихом уголке дворца Питти, а через восемь лет после создания переехала в Неаполь.

Суд Парижа

Художник: Питер Пауль Рубенс

Год: 1639

Суд Парижа (1639) — Питер Пауль Рубенс

Картина Суд Парижа изображает древний миф. Согласно греческой мифологии, Эриде, богине раздора, не разрешили присутствовать на свадьбе Пелея и Фетиды. Получив такое оскорбление, она выбросила свадебный подарок за дверь. Этим подарком было золотое яблоко с гравировкой «Самой прекраснейшей из них». Три богини Афродита, Гера и Афина боролись за это «Золотое яблоко раздора», каждая утверждала, что является самой справедливой и, следовательно, законным получателем яблока. Париж, троянский принц, был выбран Зевсом принять решение. Сэр Питер Пауль Рубенс, самый влиятельный фламандский художник эпохи барокко, создал несколько версий Парижского суда, и эта версия в Национальной галерее, пожалуй, самая известная из них. В мифе Париж отдал Золотое яблоко Афродите, так как она подкупила его, пообещав, что он женится на самой красивой смертной женщиной в мире. Это заставило Геру сильно завидовать Парижу, что в конечном итоге повлияло на исход Троянской войны.

Описание картины Караваджо. Юдифь, убивающая Олоферна.

Картина Караваджо «Юдифь, убивающая Олоферна». Размер картины 145 х 195 см, холст, масло. Этот библейский сюжет о Юдифи и Олоферне привлекал очень многих художников. А история примерно такая. Когда войско Навуходоносора осадило маленький город Ветилую, который мешал пройти к Иерусалиму, после пятидневной осады города жители решили сдаться, но молодая вдова Юдифь,убедила всех что сомжет решить проблему с божьей помощью.

Она пришла во вражеский лагерь к военачальнику Олоферну и сказала, что знает способ, как взять город. Но для этого нужно подождать – ей должно быть знамение от Бога, и как только она его увидит, то сообщит.

Олоферн, да и все ассирийцы были поражены красотой Юдифи. Ее приняли как дорогую гостью, всячески ублажали, а Олоферн и вовсе потерял голову от любви – пока в переносном смысле. На третий день Олоферн устроил для Юдифи пир, надеясь добиться расположения красавицы, но не рассчитал силы и напился. Вот такого, спящего и пьяного, и убила наша героиня, отрубив ему голову его же мечом. Наутро, увидев военачальника без головы, ассирийская армия была просто потрясена. Иудеи воспользовались этим смятением во вражеском лагере и разгромили войска царя Навуходоносора.

Юдифь, убивающая Олоферна. (Фрагмент)

Юдифь, убивающая Олоферна. (Фрагмент)

Юдифь, убивающая Олоферна.

Описание картины Микеланджело Меризи да Караваджо «Юдифь и Олоферн» Картины художников

Олоферн был предводителем армии известного завоевателя Навуходоносора. Один из городов Ветилуя была осаждена врагами. В этом обреченном на поражение городе и жила Юдифь. Она отличалась невероятной набожностью и целомудрием.

Спастись было невозможно. Тогда Юдифь выбрала лучший наряд и смело пошла прямо к врагам. Она полностью завоевала доверие Олоферна. Однажды он крепко заснул, так как перед этим много выпил. Юдифь спокойно отрезала его голову. Армия осталась без начальника. Началась невероятная паника, и все попросту разбежались. Юдифь стала жить, как и раньше. Она так и не вышла замуж.

Юдифь убила Олоферна именно потому, что он был язычником. Она сделала это во имя бога. Этот поступок стал действительно актуальным тогда, когда католическая церковь начала подавлять всяческую ересь. Юдифь была примером

для фанатиков религии.

Караваджо изобразил Юдифь очень мастерски. На ее лице невозможно прочитать триумф победы или же страсть. Можно лишь увидеть, что она решительна и при этом испытывает отвращение. Героиня одета в лучший наряд, который был доступен для женщин из простого народа.

Обычно героиня изображалась уже после того, как она совершила это убийство. Она держала отрезанную голову. Художник запечатлел тот момент, когда происходит это ужасное событие. Голова еще держится на теле. Она не совсем отрублена. У Олоферна глаза абсолютно выкатились из орбит, а рот замер в ужасном крике. Художника зачаровывает сам процесс

Картина натуралистически передает подробности обезглавливания. Мельчайшие подробности физиологического характера шокируют. Этому же способствую яркие краски, использованные художником для того, чтобы придать картине максимальную живость.

Если до Караваджо живописцы уделяли внимание подвигам, художник первым решил сосредоточиться на убийстве. Зритель видит страшную и невероятно суровую сторону этого события

Прислал: Фомина Анастасия . 2017-10-08 22:03:35

Климт. Знаковые работы.

Поцелуй

Поцелуй

Самая известная из всех картин Густава, основа движения Сецессиона и одна из самых прекрасных работ раннего периода творчества художника. Поцелуй изображает двух обнявшихся влюбленных в цветочном поле. Представленная в 1908 году картина взволновала искусствоведов, а галерея Бельведер (Вена) сразу же приобрела шедевр в свою коллекцию.

Портрет Адели Блох-Бауэр

«Портрет Адели Блох-Бауэр I», завершенный в 1907 году, является первым из двух портретов Адель, жены влиятельного промышленника. Последняя картина из так называемой серии «Золотого периода» должна была быть передана в дар галерее Бельведер после смерти Адели, но её муж не отдал шедевр. Во время нацистской  оккупации Австрии, картина была конфискована. В конечном итоге в 2006 году портрет был куплен Рональдо Лаудером для Новой галлереи в Нью-Йорке за 135 миллионов долларов.

Девы

Написанная маслом на холсте, картина «Девы» изображает девушку, окруженную шестью обнаженными женщинами. Завершенная в 1913 году, работа имеет несколько различных интерпретаций, касающихся основной фигуры. В основном эксперты сходятся на том, что Климт изобразил процесс превращения в женщину юной девы, о чем свидетельствуют спирали на драпировке, символизирующие плодородие, и прикрытые ноги, указывающие на половую зрелость. Аллегорическую картину можно увидеть в Национальной галерее в Праге.

Даная

Даная — дочь мифического короля Акрисия Аргоса, пришедшего к дельфийскому оракулу. Оракул сказал правителю, что тот однажды будет убит своим ребенком. Чтобы обезопасить себя Акрисий заточает дочь в бронзовой камере, чтобы не дать ей возможности забеременеть. Однако девушку в виде золотого дождя посещает Зевс. Климт «захватил» именно этот момент, на что четко указывает золото между ног Данаи. Картина, завершенная в 1907 году, сегодня располагается в Вене.

Три возраста женщины

Завершенная в 1905 года картина «Три возраста женщины» (иногда называемая «Матерь и ребенок») изображает трех женщин на различных этапах жизни. Картина была представлена публике в 1910 году в Венеции. Два года спустя приобретена Национальной галереей современного искусства в Риме, где находится до сих пор.

Юдифь и голова Олоферна (Юдифь I)

Картина изображает библейскую вдову Юдифь, держащую отрубленную голову. Красивая женщина пришла в лагерь своих врагов, чтобы обольстить генерала и убить его, когда представится возможность. Картина, завершенная в 1901 сегодня находится в галерее Бельведер.

Портрет Фрицы Ридлер

Один из самых знаменитых портретов Климта ценен своим балансом между натурализмом и ощущением объемности

Геометрия кресла и стены дополняет композицию и акцентирует внимание на лице героини. Как и многие другие работы Густава (завершена в 1906 году) хранится в галерее Бельведер

Надежда II

Окрашенная в 1907–08 году, «Надежда 2» изображает беременную женщину с обнаженной грудью. Голова героини согнута к животу, возле которого расположен череп, как символ опасности для будущего ребенка. У её ног три женские молящиеся фигуры. Шедевр сегодня хранится в музее современного искусства (Нью-Йорк).

Бетховенский фриз

Серия работ на штукатурке, посвященная композитору Бетховену, по праву считается одной из самых известных и значимых произведений Густава.

Жизнь и смерть

Окрашенная в 1910 году, работа является аллегорией жизни и смерти. Смерть представлена в виде человеческого скелета в темной мантии, представляющая угрозу как для старых, так и для молодых. Общее впечатление от картины, однако, положительное. Смерть может прятаться за углом и без разбора забирать души, но она бессильно против бесконечного жизненного цикла. Шедевром можно полюбоваться в музее Леопольда (Вена).

«Золотой мальчик»

Густав Климт родился 14 июня 1862 года. Его мать Анна мечтала стать оперной певицей, но не смогла реализоваться. Отец Эрнст занимался гравюрой и ювелирным делом, однако зарабатывал мало — семье с 7 детьми не хватало денег на самое необходимое, приходилось часто переезжать. По воспоминаниям одной из сестёр Густава, на Рождество не всегда был хлеб на столе, не то что подарки.

Уже в детстве проявился талант Густава. Когда ему исполнилось 14 лет, ему предложили полную стипендию в Венской школе искусств и ремёсел. Климт был прилежным учеником и старательно осваивал академический рисунок. Впоследствии эти знания помогут ему стать одним из самых востребованных декораторов интерьеров в Австрии.

Густав Климт в 1887 году. (commons.wikimedia.org)

Полноценную профессиональную карьеру Густав Климт начал в 1880 году, когда вместе с братом и другом создал «Товарищество художников». Среди первых заказов были крупномасштабные фрески для домов обеспеченных венцев. Хотя эти произведения были выполнены в академическом стиле и изображали классические сюжеты, в них уже чувствовались те перемены, которые должны были произойти в австрийском искусстве, всё громче были цитаты ар-нуво.

Занавес Карлсбадского городского театра. 1886. (commons.wikimedia.org)

После так называемого академического этапа Климт переключился на портреты и стал одним из самых востребованных мастеров в Австрии.

Портрет Сони Книпс. 1897—1898. (commons.wikimedia.org)

В 1892 году скончался отец Климта. Это событие настолько сильно потрясло его, что некоторое время он был не в состоянии работать. Чтобы прийтий в себя, забыться, художник отправился в Италию. Именно в эту поездку он познакомился со знаменитыми фресками в Равенне, которые определили дальнейшее развитие искусства.

Мозаика в базилике Сан-Витале в Равенне. (commons.wikimedia.org)

Женщины Тициана

Тициану принадлежит создание образа прекрасной венецианки (Belle Veneziane). О красоте девушек из Венеции ходили легенды, им посвящали литературные произведения, в их честь писались живописные полотна. Тициан, как и его современники Пальма Веккьо, Лоренцо Лотто, Якопо Тинторетто и Паоло Веронезе, создавали поэтико-эротические идеализированные портреты женщин. Эти картины не являются непосредственным изображением конкретной красавицы. Задачей было не достижение портретного сходства, но провоцирование у зрителя эротического влечения. Красивое тело воспринималось как зеркало прекрасного существа.

Так, на картине «Виоланта», названной так по цветку фиалки в декольте, красавица великолепно одета, её распущенные волосы сияют. Пальцы сложены в жест «V», что можно интерпретировать как Virtus, то есть добродетель.

«Виоланта», 1514−1520. (wikipedia.org)

В Венеции было создано довольно мало портретов конкретных женщин. Дамы, как правило, были исключены из политики, а потому редко появлялись на официальных портретах. Личность же тех женщин, чьи изображения сохранились до наших дней, остаются тайной.

«Молодая девушка в меховой накидке», 1534−1536. (wikipedia.org)

Безусловно, Тициан писал портреты женщин на заказ, например, жён регентов при дворах. Однако нередко моделями ему служили не непосредственные заказчицы, а портреты, выполненные другими художниками. Доходило до курьёзов. Например, Изабелла д’Эсте была уже в почтенном возрасте, когда обратилась к Тициану за портретом. Художник, основываясь на предыдущих картинах, изобразил 60-летнюю женщину как 20-летнюю.

Портрет Изабеллы д’Эсте, 1534−1536. (wikipedia.org)

В это время живопись стремится превзойти не только другие виды искусства, но даже отражения. Зеркала, считавшиеся своего рода конкурентами художников, необходимо было приручить. И один из способов, как сделать это, — превратить их в предмет живописи. Кроме того, включение зеркала в композицию позволяет изобразить героя полотна со всех сторон — как если бы это была трёхмерная скульптура, а не двухмерная картина.

«Молодая женщина за туалетом», 1515. (wikipedia.org)

Идеализированные герои были решительны, целомудренны, добродетельны, скромны и непременно красивы. Ведь красивое тело, как и в античной традиции, подразумевает красивый ум.

Несколько сюжетов были наиболее популярны. Например, история Лукреции. Замужняя женщина, она была изнасилована. Не перенеся позора, она покончила с собой, чтобы спасти честь семьи. Так она стала воплощением добродетели и символом моральных устоев Венецианской республики.

«Лукреция и её муж», 1515. (wikipedia.org)

Ещё один популярный сюжет — Юдифь, спасающая город от захватчиков. Вдовая красавица отправилась в стан врага, где встретилась с их предводителем Олоферном. Напоив военачальника и обольстив, Юдифь затем отрубила ему голову. Противоположный по характеру, но близкий по сюжетной композиции — миф о Саломее, обезглавившей Иоанна Крестителя. Последний публично обличал Иродиаду, жену царя Ирода и мать Саломеи. Юная девушка должна была отомстить за мать.

«Саломея с головой Иоанна Крестителя», 1515. (wikipedia.org)

Особую любовь Тициан питал к истории Марии Магдалины. Он неоднократно писал её как прекрасную девушку, раскаивающуюся в грехах. Считается, что мастер очень любил это полотно и, умирая, держал его в руках. Как и Магдалина, он раскаивался на смертном одре в прегрешениях.

«Мария Магдалина», 1515. (wikipedia.org)

С распространением книгопечатания в Венеции в 16-м веке вырос интерес к древнему искусству и культуре. Полотна на исторические и мифологические сюжеты были самыми популярными. Тициан при выборе сюжетов опирался на «Метаморфозы» Овидия и тексты других античных авторов. В каждом случае художник предпочитал момент, близкий к кульминации. Драматургия усиливалась с помощью цвета.

«Даная», ок.1545. (wikipedia.org)

«Венера и Адонис», 1555−1557. (wikipedia.org)

«Венера наказывает Амура», ок.1556. (wikipedia.org)

Анализ

Альбрехт Дюрер, Мечта доктора

Фидий, Афродита Урания

По словам Джейни Андерсон, для модели своей Юдифи Джорджоне ссылается на репертуар ломбардских скульптур или даже эллинистических скульптур с Венерой, опирающейся на ногу черепахи , известной как Афродита Урания , Фидиасом .

Однако очевидно, что Джорджоне заимствует тело героини у Альбрехта Дюрера и его соблазнительной Венеры в гравюре «Сон доктора» .

Эта открытая нога, массивная и обнаженная, подчеркивает соблазн, примененный Юдифью к Олоферну, чтобы сделать ее убийство возможным.

Растительность на переднем плане, переданная с большой точностью, и обработка складок одежды отражают знания художника и изучение немецких гравюр, в частности, Мартина Шонгауэра .

Леонардо вдохновляет пейзаж, голубоватые дали которого явно вызывают его сфумато .

Подробности.

Главный художник императора

В Болонье в 1530 году Тициан был представлен императору Священной Римской империи Карлу V. По случаю встречи художник выполнил портрет монарха в полный рост в натуральную величину, что было тогда не принято. Это полотно, увы, утраченное, оставило неизгладимый след в душе монарха, он больше не желал позировать кому-либо, кроме Тициана. Положение придворного художника подразумевало не только привилегии, почести и титулы, но также множество заказов. Венецианский мастер стал самым востребованным художником Европы. Когда императором Священной Римской империи стал сын Карла V Филипп, Тициан сохранил место при дворе.

Карл V. (wikipedia.org)

Филипп II. (wikipedia.org)

В 1530—1540-х Тициан находился под влиянием маньеризма. С этим направлением в искусстве его познакомили флорентийский скульптор и архитектор Якопо Сансовино и тосканский литератор Пьетро Аретино, которые прибыли в Венецию в 1527 году. Трое друзей были неразлучны, что стимулировало интерес Тициана к маньеризму. Воочию он увидел этот стиль в Риме во время своей поездки в середине 1540-х. Там же Тициан встретился с Микеланджело.