Критика
Но если современники с восторгом отзывались о «Венере Урбинской», то через некоторое время к картине стали относиться скептически. Сегодня, разумеется, творение Тициана признано одним из шедевров мировой живописи, но далеко не все известные люди разделяли восторги публики. Так, например, уже упомянутый мной Марк Твен писал:
Венера напоминает куртизанку, однако раскрытые сундуки могут говорить о приданом девушки
Да уж, мнений о «Венере Урбинской» очень много. Одни считают картину чудесным вдохновляющим творением, другие – просто непристойным рисунком, созданным великим мастером. Но, что интересно, именно критический отзыв Твена позволяет понять, в чём заключался замысел Тициана. Он хотел создать картину, которая бы у каждого человека вызывала определённые эмоции. И это ему удалось.
Судьба художника
Венецианский титан Возрождения, получивший прозвище Божественный. Тициан воспевал жизнь и чувственную красоту. Во многом благодаря ему колористика стала такой, какой мы ее знаем сегодня. Если бы не его гений, то работы художника назвали бы дерзостью и богохульством. Но никто не мог остаться равнодушным перед силой таланта Тициана. Его картины полны жизни, силы, динамики. Полотна на религиозные сюжеты буквально сияют и прославляют бога. Портреты изображают сложные психологические типажи. А мифологические сюжеты полны неги и чувства покоя и гармонии в слиянии с природой.
В 1527 году Рим был захвачен и разграблен. Искусство отреагировало на это меланхоличными сюжетами и мрачными красками. Мрак грядет, спасения нет — примерно такие настроения царили в итальянском искусстве. Тициан же продолжал писать человека сильного, борца.
Для своей эпохи он прожил неприлично долгую жизнь. И скончался то ли от чумы, то ли от старости — нет единого мнения. В пользу второй версии говорит тот факт, что похоронен художник не на чумном кладбище, а со всеми полагающимися почестями в венецианском соборе Санта-Мария Глориоза деи Фрари.
Контекст
Картина получила свое нынешнее название в 1693 году. До этого искусствоведы на основе различных вариантов толкования сюжета и символики именовали полотно «Красота приукрашенная и неприукрашенная». До XX века никто особенно не обращал внимания на свадебную символику. Да и герб венецианской семьи на колодце не замечали. Но вот особенно внимательные исследователи разглядели, что владелец герба — Николо Аурелио. Его женитьба на Лауре Багаротто, молодой вдове из Падуи, была предметом пересудов. Причина тому —непростое прошлое невесты.
Первый муж Лауры — падуанский аристократ Франческо Борромео в разгар военного конфликта Венецианской республики со Священной Римской империей выступил на стороне императора. Но Падуя подчинялась Венеции, потому Борромео был арестован и, вероятно, казнен по приговору Совета десяти как изменник. В тюрьму и ссылку попали многие родственники Лауры. Ее отец Бертуччо Багаротто, профессор университета, был повешен на глазах у жены и детей по тому же обвинению, в его случае несправедливому.
Разрешение на брак высокопоставленного венецианского чиновника со вдовой и дочерью государственных преступников обсуждала комиссия во главе с дожем, и оно было получено. Не исключено, что картина, заказанная у самого престижного художника Венеции, должна была добавить браку респектабельности в глазах сограждан.
По одной из версий, колодец — это мраморный саркофаг. Рельеф на мраморе изображает избиение Адониса ревнивым Марсом — юноша погиб от рук бога войны. Это не только указание на трагически закончившуюся любовь богини Венеры, но и напоминание о печальном прошлом Лауры Багаротто.
Сюжет
В истории с сюжетом и названием этого полотна нет ничего точно определенного. Современное наименование появилось много позже самой картины, а о том, кто и зачем изображен, и вовсе в товарищах-искусствоведах согласия нет. Две основные версии не отменяют одна другой, скорее, напротив, дополняют мозаику смыслов.
Итак, начнем с земного. Считается, что полотно написано по заказу секретаря Совета десяти Николо Аурелио, который собирался жениться на Лауре Багаротто. Картина должна была стать подарком молодой жене. На картине свадебной символики в избытке. Девушка одета в белое платье; на голове у нее — миртовый венок (растение Венеры, символизирующее любовь и верность); рукой она прикрывает чашу (в таких сосудах женихи вручали венецианским невестам свадебные дары); на ней — пояс и перчатки (первое — символ супружеской верности, второе — атрибут свадебного наряда, который женихи дарили на обручение в знак серьезности намерений).
Пожелание многочисленного потомства — конечно, в образе кроликов. А похожая на невесту богиня Венера благословляет этот союз. Купидон здесь — посредник между богиней и женщиной. Пейзаж также символичен: с одной стороны, дорога в гору — трудный путь благоразумия и верности, с другой, — равнина, означающая телесные утехи.
Если вы вдруг успели подумать, что Лаура Багаротто выглядела так, как женщина на картине, то вы ошиблись. Если бы это был портрет, тогда и обнаженная Венера написана с Лауры, что в те времена повредило бы репутации порядочной женщины. Тициан создал идеализированный образ новобрачной.
А теперь о возвышенном. Обнаженная Венера — небесная, она олицетворяет стремление к истине, богу. Одетая Венера — земная, ее образ говорит, что на человеческом уровне истину можно познать через чувства. В контексте философии Возрождения истина и красота тождественны.
Мы видим, что Венеры равноценны. То есть для человека в равной степени важны и земное, телесное, и небесное, духовное. Ведь и через первое, и через второе можно познать истину. Венера земная держит цветы в подоле, что означает сочетание нескольких типов любви.
Указано на полотне и что происходит с человеком, для которого любовь — лишь телесные наслаждения. На мраморном колодце мы видим изображение коня (символ страсти) и сцену наказания. Человека, погрязшего в бренных радостях, ждет кара.
Буше, Франсуа. Все картины художника
Франсуа Буше, первый живописец кророля
Франсуа Буше является ярким представителем эпохи рококо и мастером художественных искусств во французской живописи начала 18 столетия. Творчество Буше крайне тяжело охарактеризовать только в одних оттенках и ракурсах, так как его изобразительная деятельность распространяется не только на картины, а ещё и на гравюру и декорирование. Будучи придворным художником короля, Франсуа, неоднократно поручали наиболее ответственную работу в сфере творческой занятости такую как: декорирование книг, создание неповторимых костюмов и образов для Парижской оперы, участие в исполнении уникальных интерьеров. Франсуа Буше предстает перед нами неким экстремалом своего времени, ибо вкус его неповторимого искусства основан исключительно на импровизации, нежели на приобретенном опыте. И все эти черты находят своё отражение, как в его картинах, так и в прочих художественных работах.
В своих художественных композициях Буше неоднократно затрагивает мифологию наряду с пасторалями и аллегориями. Благодаря столь неординарному смешению появляются образы, насквозь пронизанные сентиментальностью, чувственностью и даже некой неестественной слащавостью.
Отличительной особенностью картин Франсуа Буше являются светлые и жемчужные тона, в которых выполнены все картины художника. Окутывая весь сюжет картины некой дымкой, художник придает им ещё больше таинственности и прозрачности, которую он всегда и стремился изобразить на своих картинах. Буше – любитель мифологической тематики. В его картинах не присутствует правдивость и реалистичность. Вся композиция картин проникнута однообразием, но она крайне тонко детализирована и идеальна в каждом штрихе.
Немного вникнув в конкретные факты из жизни художника, стоит упомянуть его поездку в Рим. Данное событие имеет особый характер, ведь оно косвенно повлияло на всё творчество Франсуа Буше. Автор известнейших картин, посетил Италию для глубоко изучения творчества и жизненного пути найизвестнейших художников, таких как Альбано, а также Пьетро да Кортоне. Кортоне стал основополагающим элементом последующего творчества Буше. Картины автора стали напоминать полотна которые вышли из под кисти уважаемого и наследуемого им Пьетро. Но несмотря на ярое увлечение и почитание Кортоне, Франсуа не растерял своей самобытности, а лишь подчеркнул отдельные детали своих полотен, которые по мнению критиков и современников автора стали более чётко выверенными, приобрели недостающий сильный стержень и мужество, смешанное с лёгким, характерным для автора в будущем, холодком.
Тонкая душевная организация первого художника короля, чётко прослеживается в каждой из его легендарных работ. Образцом колоритности и просвещённости в глубинах самых разномастных сфер Буше, можно назвать работу «Геркулес и Омфала». Знатоки изобразительного искусства, неоднократно указывали на яркий отблеск фламандских мотивов в этом произведении, а соответственно и в глубоком восприятии мира художником. Выразительные черты и мимолётные, иногда незаметные для обычного наблюдателя выразительных образов, детали, говорят о недюжей наблюдательности Франсуа. Только проникнутый сутью вещей и их самыми малейшими особенностями творец полотен, способен добиться и создать неповторимые и наполненные характерами образы существ, героев Эллиады, а также знатных персон мифологии и этноса.
Франсуа Буше пережил и острый кризис своего творчества. Ближе к концу восемнадцатого столетия, автор глубоко прочувствовал и перенёс на себе деградацию аристократии. Аристократическое общество того времени напоминало Франсуа жалкую пародию, насмешку над былым строем. Писатель попал во времена пережитков и это разительно изменило его подчерк. Картины автора стали жёсткими, не свойственно ему холодными и по мнению некоторых ценителей «неживыми». Как и в пережитках аристократии, на полотнах появился напускной пафос, жёсткие элементы насмешек и превосходства, высокомерие. Изящество, хрупкость образов и их характеров – полюбившиеся почитателями автора элементы, ушли в небытие, скрылись под пылью переживаний и смутной скорби автора о былых временах и устоях культурной жизни общества. Рококо, присущий Буше, исказился до неузнаваемости и безобразности. Тем самым, в который раз картины автора отразили его внутреннюю душевную боль, переживания и тонкость творческой натуры.
Венера и грации обманывают Марс. Жак-Луи Давид
Картина «Венера и грации обманывают Марса (Марс, обезоруживаемый Венерой и тремя грациями)» Жак-Луи Давида хранится в Королевском музее изящных искусств, Брюссель. Размер оригинала 308х262см. Произведение «Марс, обезоруживаемый Венерой и тремя грациями», датируемое 1824 годом, явилось последним произведением французского живописца Жака Луи Давида. Эта работа сразу была определена критикой как смесь романтизма, реализма и идеализации с явным переплетением с классицизмом, но по сути дела до сих пор не разгадана, столько в ней разного и в чем-то несовместимого. На картине изображены три грации, являющиеся спутницами Венеры. Одна из граций забирает у Марса щит, одним из значений которого является целомудрие. Этим действием Марс лишается целомудрия, идя на поводу у своих чувств. Также грация забирает лук, являющийся символом проявления надежности, что лишний раз доказывает потерю Марсом твердой опоры. Вторая грация забирает у Марса шлем, который не только означает защиту и сохранение, но и является атрибутом бога Марса как бога войны. Исходя из того, что он добровольно отдает эти предметы, можно сказать, что Марс теряет свою прежнюю сущность, то есть то рациональное, разумное и рассудительное начало, которое характеризовало его как истинного воина. В левой руке Марс держит свой меч, протягивая его грациям. Символ меча означает власть, лидерство, силу и защиту. Это можно интерпретировать как то, что Марс добровольно отказывается от своего доминирования над всеми, начиная поддаваться власти Венеры, власти чувственного начала. Третья грация подает Марсу амфору и килик. О предназначении этих предметов именно богу войны можно судить по устремленности взгляда грации на Марса. Амфора и килик могут свидетельствовать только о том, что грация предлагает богу войны вино. Вино — устойчивый символ откровения и истины. Это свидетельствует о том, что ему предлагают полностью обнажится как физически, так и духовно. Рядом с амуром лежит лук с парой разнонаправленных стрел. На ногах Марса сидит пара голубей. На ложе восседает пара людей, противоположных по полу. Таким образом в произведении воплощается идея о воссоединении мужского и женского, Марса и Венеры, разума и чувств. Тога почти спала с плеч Марса, копье почти выпало из правой руки, Амур почти полностью развязал сандаль на ноге Марса, Венера почти надела венок на голову Марсу, тело Марса находится в неком переходном состоянии — он либо почти лежит, либо почти сидит. Из этого можно сделать вывод, что Марс поддался власти Венеры, но это действие еще не завершено.
Историческая справка
Исследователи пришли к выводу, что картина «Любовь небесная и Любовь земная» была создана живописцем для Никколо Аурелио, занимавшего должность секретаря Совета десяти в Венецианской республики. Фамильный герб на фонтане, выполненном в виде саркофага, подтверждает личность заказчика. Картина должна была стать подарком к торжественному событию: бракосочетанию Никколо Аурелио с молодой вдовой Лаурой Багаротто.
Британский историк искусств, Чарльз Хоуп, анализируя картину Тициана, утверждал в одной из своих исследовательских работ (1976 год) о том, что на холсте изображена невеста, облаченная в белое платье. Рядом с героиней сидит богиня любви Венера и маленький Купидон. В искусствоведческих кругах долгое время не утихали споры относительно сюжета произведения, эксперты выдвигали разные версии, пытаясь расшифровать, кто именно запечатлен на картине.
Несмотря на попытки прийти к единому мнению, до сих пор вопрос об идейном содержании произведения и центральных фигурах остается предметом для дискуссий.
История картины
Точный год создания «Рождения Венеры» документально не зафиксирован. Существует мнение, что работа закончена в 1484-м. Неизвестно, для кого создавался шедевр. Некоторые специалисты считают, что художник создал его для Лоренцо ди Пьерфранческо Медичи, поскольку многие факты указывают на то, что кузен герцога Флоренского долго владел этим полотном. Доказательств заказа картины именно для вышеназванного дворянина не существует.
Создавать образ для любой картины нелегко. Изобразить прекрасное лицо без модели достоверно практически невозможно: тени, блики играют на коже по-разному. В связи с этим, существует мнение, что основным прототипом лика Венеры стала обычная девушка Симонетта Веспуччи. Она родилась в городке Портовенере, расположившемся на территории Лигурийского побережья. Символично, что город, чье название переводится как Порт Венеры, – родина прекрасной дамы, вдохновившей Боттичелли на создание образа богини красоты.
Боттичелли имел доступ в круг деятелей интеллектуального общества Флоренции. Здесь существовала возможность познакомиться со многими творческими личностями, например, Анджело Полициано, поэтом того времени. Именно Анджело создал великолепное стихотворение «Рождение Венеры», возможно, подарившее вдохновение художнику.
Когда взгляд останавливается на изображении Зефира и жены божества северного ветра Хлориды, возникает вопрос о прототипе данного образа. Лишь в нескольких оригинальных текстах Гомера и Овидия можно встретить их описание. Данные манускрипты были не очень известны Боттичелли, поскольку образцы оригинальных текстов отсутствовали в библиотеках Флоренции.
Закончив картину, мастер передал полотно заказчику. Позже картину покрыли лаком, превратившимся в коричневый налет, скрывший нежные краски. Реставрацию, восстановившую шедевр в полном великолепии, закончили в 1987 году. Избавившись от грязного оттенка лака, полотно снова радует взоры ценителей прекрасного.
Желающим посетить место для культурного досуга, где находится картина «Рождение Венеры», придется посетить Флоренцию. Найти Галерею Уффици легко, ведь достаточно спросить о местонахождении местных жителей.
Судьба художника
Боттичелли был человеком странным, по мнению его современников. Он не гнался за богатством, жил в мире своих фантазий и образов. У него не было ни семьи, ни дома. Но была красота, воплощённая на полотне, и этого для художника было более чем достаточно. Он превращал жизнь в искусство, и искусство становилось для него жизнью.
Боттичелли покровительствовали Медичи, известные ценители искусства. Слава о художнике быстро распространилась за пределы его родной Флоренции. Даже папа Сикст IV, решивший расписать капеллу в своём римском дворце, лично выбрал Боттичелли для руководства работами.
Сандро Боттичелли. (Wikimedia Commons)
Современникам нравилась певучесть линии, ритм и гармоническое сочетание малейших нюансов. Выбирая классические сюжеты, Боттичелли отказывается от канонических композиций и сам «режиссирует».
В последнее десятилетие 15-го века художника постигла череда неудач. Причин тому было несколько, как это обычно и бывает. Силы художника подтачивала болезнь ног. Мода на искусство менялась. Ко всему прочему против Боттичелли сыграло его следование заветам Джироламо Савонаролы — монаха, призывавшего отказаться от прелестей земной жизни. Обвинение монаха в ереси, признание виновным и сожжение на костре в какой-то мере сломили дух живописца.
Скончался Боттичелли на 66-м году жизни во Флоренции, где и сегодня на кладбище церкви Всех Святых покоится его прах.
Сюжетная линия произведения искусства
Гуманистический сюжет картины, открывает зрителю мифологический подтекст, где астрологическое значение Венеры и Марса олицетворяется влюбленными молодыми людьми. Моральный аспект картины во всевластии Венеры над свирепостью Марса. Нежный и ласковый образ Богини любви подавляет негативную предрасположенность Бога войны.Известно, что единственный ребенок Богини любви Венеры — это купидон или как его еще называют Амур. Боттичелли не изобразил его на полотне, но многие видят в сатирах и взгляде Венеры некий подтекст к пробуждению и зачатию ребенка. Это спорное трактование, но оно обсуждается и по сей день.
На деревянной основе композиции запечатлены:
- Венера (Богиня Любви);
- Марс (Бог войны);
- сатиры или фавны.
Рождение Венеры в мировой живописи – Ярмарка Мастеров
Доброго времени суток, дорогие рукодельницы!
Сегодня подумала о том, насколько у людей разное восприятие одних и тех же образов, и как тяжело придится сейчас детям — ведь на них выливается такой поток визуальной информации. Ведь когла читаешь книгу, то мысленно представляешь ее героев, обстановку, одежду, когда же смотришь фильм — то простора для фантазии уже не остается.
Представим на минуточку ситуацию — миф «Рождение Венеры» был бы не рассказан словами, а дошел бы до нас в виде комикса. Тогда бы мы себе точно предсатвляли -как выглядит Венера! Слава, богу, такого не случилось:)
И мы можем на картинах разных художников лицезреть таких различных Венер.
Наиболее известно — полотно Сандро Ботичелли
А сам миф звучит, кстати, так:
Рождение богини Афродиты (Венеры), было необычным: оно случилось, когда Гея, богиня земли, устав от измен своего супруга Урана, попросила младшего сына Кроноса облегчить свою судьбу. Тот оскопил отца серпом. Схватив отрезанные гениталии левой рукой (с которой с тех пор связаны плохие предзнаменования), он зашвырнул их вместе с серпом в море близ мыса Дрепан. Плодоносная сила Урана была настолько велика, что от капель крови, упавших на землю, родились эринии, гиганты и мелии (нимфы ясеня), а капель крови (вариант — крови в сочетании семенем), упавших в море — богиня Афродита.
Кровь Урана, в тот момент ещё бывшего верховным богом, попав в море, образовала белоснежную пену, из которой появилась на свет Афродита. Отсюда её эпитет — Пенорожденная.
Посмотрите на работы разных авторов
Вильям Бугро
Франсуа Буше
Амори Дюваль
Жан-Леон Жером
Александр Кабанель
Франсуа Эдгар Пико
Одилон Редон
Жан Огюст Доминик Энгр
Константин Маковский
Почти во всех картинах есть и пена, и ракушка.
А моя самая любимая Венера тоже написана Константином Маковским
Так и видишь, как Венера потягивается, зевает, оглядывается вокруг и смотрит на мир:)
Но как бы то ни было, и мифы, и картины дарят нам вдохновение и радость творчества.
Описание картины «Рождение Венеры»
Простор неба, моря, бесконечность мира открывается перед взором зрителя. Нежные краски указывают на раннюю пору, когда ночь еще только отступает, а день не успел раскинуть над миром свой яркий полог.
Подбирая оттенки для создания картины, автор остановил выбор на нежных, весенних красках. Основная палитра включает множество оттенков голубого и синего. Насыщенно-синий край неба постепенно переходит в нежно-голубой. Морская синь прочерчена нежными, мелкими волнами, лишь слегка покачивающими раковину-челнок.
Центральной фигурой картины Сандро Боттичелли «Рождение Венеры стала сама богиня красоты. Нежнейшая, прекраснейшая из античных богинь восстает из морской пены, плывет в морской раковине по гребням волн. Тень кротости, легкой печали слегка затемняют взор прекрасной юной девы, которая старается прикрыть свою наготу ладонью и великолепными волосами, локонами которых весело играет ветерок
Изящная фигура приковывает внимание. Беззащитность, потерянность, непонимание причин появления в мире проскальзывают в движениях, взгляде, выражении лица
Увидев Венеру, хочется защитить девушку, покориться и стать надежной опорой богине. Неудивительно, что красотой ее сражен северный ветер, без памяти влюбленный в жену.
Путь богини облегчает Зефир, являющийся западным ветром. Он подгоняет к берегу волшебный челнок с новорожденной девой, придерживая обвившую его тело руками и ногами любимую жену Хлориду. Аккуратными дуновениями божество северного ветра мягко направляет движение морской раковины, вынуждая последнюю плавно приблизиться к кромке берега.
Господство над водами Средиземного моря Зефир получает в весеннюю пору, что указывает на появление новой богини весной.
Талло, пора цветения и весеннего возрождения природы, подтверждает эту теорию. С нежностью и любовью во взгляде, прелестница приготовила пурпурный плащ, расшитый цветочным орнаментом. Решение принять прекрасную богиню, укрыть от нескромного взгляда, поддержать дается Талло легко, движения грациозны, облик наполнен материнской мягкостью. Легкое касание раковины к суше побуждает деву весны потянуться к новоприбывшей, накинуть плащ и принять в свою обитель.
Присмотревшись к нежному лицу Венеры, можно заметить сходство с изображениями Мадонны. Именно так ее изображали иконописцы Италии. Поза героини резко отличается от церковного образа, как и непосредственно фигура. Изящная и нежная богиня больше напоминает творение древнегреческих мастеров, ценивших идеальные пропорции тела, скромность в творениях.
Единение двух культур в образе Венеры получилось идеальным. Античность и христианство тут отказались от противостояния, дополнили друг друга. Искусство живописца, создавшего картину, поражает тонкостью работы, богатством образа, изысканностью центральной фигуры.
Символы и особенности образа (описание картины)
Образ богини на картине «Рождении Венеры» соответствует всем канонам красоты. Главная героиня полотна отличается изяществом и грацией. Она слегка приподнимает ногу, чтобы сделать шаг, ступив из своей ракушки на землю. В этот миг ветер осыпает её цветами.
В локонах Венеры словно запутались солнечные лучи. Более всего меня поражает ощущение света и тепла, что буквально передаётся от шедевра. Возникает чувство, что весь мир радуется появлению богини, что принесла с собой любовь.
Венера. Фрагмент картины
По мнению искусствоведов, в картине Боттичелли старался показать культурную взаимосвязь различных эпох. Так, например, изящное тело богини указывает на родство с Античностью, напоминая древние скульптуры. А вот её нежное лицо ближе к христианским временам и изображениям Богоматери.
А вот позу богини, стыдливо прикрывающей интимные части тела, Боттичелли заимствовал из древней скульптуры. Этот силуэт очень напоминает «Венеру Капитолийскую», которую датируют III-II веками до нашей эры. Не исключено, что источником вдохновения художника мог стать гомеровский гимн, посвящённый богине.
Мраморная статуя «Венера Капитолийская», II век до н. э.Местонахождение: Капитолийский музей (Палаццо Нуово), Рим, Италия
Не женщина – богиня
Как вы уже поняли, Тициан прекрасно справился с заказом, и вскоре герцог получил своё полотно. Картина в ту пору считалась образцом совершенства. Что интересно, некоторые живописцы тоже писали обнажённых женщин, однако в свой адрес получали целый шквал критики.
Проблема заключалась в том, что изображать следовало именно богиню (о чём должно было говорить и название полотна). Если же картина демонстрировала публике обыкновенную, так сказать, «смертную» женщину, то автора осуждали и вообще считали аморальной личностью.
В случае с «Венерой Урбинской» Тициану удалось избежать критики – по крайней мере, от своих современников. На переднем плане картины мы видим молодую обнажённую женщину, которая олицетворяет саму богиню любви и красоты.
Рядом с богиней можно заметить маленькую собачку, которую некоторые искусствоведы считают символом страсти и плотских утех. Правда, на мой взгляд, животное здесь добавлено для колорита и подчёркивания богатой обстановки, в которой находится богиня. Если посмотреть на комнаты, то не возникает сомнений, что перед нами – женщина, обладающая немалыми богатствами. Кроме того, позади красавицы можно заметить двух служанок, которые возятся с нарядами хозяйки.
Тициан «Венера Урбинская», 1538 годМестонахождение: Галерея Уффици, Флоренция, Италия
Марс, разоруженный Венерой и три грации (картина)
Возможно и эта картина украшала изголовье брачного ложа. Но за каждым персонажем картины этот островок разный. Марс, обольщённый Венерой, сладко спит. Перед нами супруги, но живущие каждый в своем мире.
Давно уже рассвело. Это дугообразное построение обеих фигур соединяет их только в нижней зоне картины
Обратим внимание на композицию картины. Море из которого появилась Венера, видно на дальнем фоне
Чахотка.
Одно имя Ареса (МАРСА) вызывало у греков ужас, хотя в облике бога, его носившего, не было ничего внушающего отвращение. Нетрудно заметить, что сюжет картины интерпретируется разнообразно. Обе Венеры схожи в изображении любовных сцен, пикантных и притягательных. Диагонали обоих тел встроены в плотную систему бегущих линий, помогающих ощутить глубину пространства картины. При этом его спящая фигура не горизонтальна земле, а изображена дугообразно. В знаменитой Венере и Адонисе из испанского музея Прадо правок нет (только в ноге Венеры). Конечно же нет. Их любви мешала страсть последнего к охоте.
Один из фавнов нахально дует Марсу в ухо из морской раковины. Основным символом такого виртуального будущего становится ребенок. Как противоположность полностью одетой Венере Марс изображен обнаженным. Является одним из самых знаменитых художников венецианской школы.
Солнце уже высоко, но она не торопится будить обнаженного красавца, спящего рядом. Фривольная тема, представленная драматическим образом на полотне, с присущей всем венецианским художникам склонностью к чувственному восприятию. Вспомним «Генеалогическое древо» семьи. Все пять картин изначально принадлежали королеве Швеции Кристине (1648 г. ), позднее стали частью Орлеанской коллекции. Левая рука Венеры, собрав волну легкой ткани платья, готова обнажить (задрать подол), в то время как безвольная правая рука Марса символизирует обратное. Запрокинув голову, Бог войны погрузился в глубокий сон.
Описание картины «Марс и Венера или Аллегория мира»
Марс абсолютно обнажен, только узкая накидка прикрывает его интимное место. Паоло Веронезе. Марс и Венера с Купидоном и лошадью, 1570-е гг. Именно данный вывод был сделан сотрудниками испанского музея Прадо в 2014 году. Во время свидания они оказались в ловушке, – и тут появился Гефест и при виде барахтавшихся в сети любовников начал хохотать. Но прежде всего картина олицетворяет чувственность.
В образе Венеры Боттичелли создает текст о полноценной женщине, вбирающей в себя главные смыслы мира – терпеливое ожидание, рост, созревание, плодоношение. Сюжет картины представляет собой мифологическую тему, где главными участниками становятся античные Боги или древние языческие Божества.
Она пристально смотрит в противоположный край картины, где расположился ее супруг – Марс. Боги и люди презирали этого жестокого и неистового бога брани. Казалось бы, трудно найти лучшего композиционного положения для фигур любовников.
Роллинг Стоунз ГитаристПьер СераПрянишников Илларион Михайлович КартиныКустодиев БОписание Картины Моление О Чаше