Описание
Работу над натюрмортом Петров-Водкин Петров-Водкин Кузьма Сергеевич Знаменитый российский и советский живописец, график, теоретик искусства, писатель и педагог. Заслуженный деятель искусств РСФСР…. называл «одной из острых бесед живописца с натурой». И не случайно натюрморт в его творчестве — самостоятельная тема.
Художник заставляет зрителя пережить встречу со знакомыми вещами, увидеть мх неожиданно, по-новому. В работе «Черемуха в стакане» (1932) на синей плоскости стола ярко выделяется оранжевый журнал. Контрастное сочетание дополнительных цветов подчеркивает девственную нежность белой черемухи. Кажется, от кружевной ветки, поставленной в стакан с чистой прозрачной водой, исходит прохлада и свежесть. Белизна черемухи находит отклик в цвете блюдца и конвертов. Радостна гармония этих ясных открытых красок.
Сами предметы собраны как будто случайно. Действительно, что общего между черемухой и журналом, между чернильницей и спичечным коробком, между блюдцем и письмами? Но все эти различные и «отдельные» вещи ведут между собой оживленный разговор. Они связаны единым пространством. В передаче его Петров-Водкин Петров-Водкин Кузьма Сергеевич Знаменитый российский и советский живописец, график, теоретик искусства, писатель и педагог. Заслуженный деятель искусств РСФСР…. отклоняется от правил обычной перспективы. Стол по отношению к стоящим на нем предметам как бы «вздыблен», увиден сверху. Художник, так сказать, понимает, что тарелка или чернильница находятся за стаканом с веткой черемухи. Но одновременно он «не мирится» с этим. И его зрение как бы стремится возвратить предметы, уходящие в глубину пространства. Усилием воли художника все они словно бы удерживаются на уровне картинной плоскости. Не убывающая по мере удаления предметов интенсивность их цвета, граненность их формы способствуют этому впечатлению. В картине создается действие двух противоположно направленных сил. Она становится изобразительно напряженной. Трудный, встречающий противодействие «уход» предметов в пространство обновляет ощущение его реальности. Так мы начинаем замечать упругость воздуха, когда идем против ветра.
Особенности передачи пространства у Петрова-Водкина Петров-Водкин Кузьма Сергеевич Знаменитый российский и советский живописец, график, теоретик искусства, писатель и педагог. Заслуженный деятель искусств РСФСР…. подвергались критике как проявление формализма. Действительно, в творчестве ряда учеников художника они приобретали самодовлеющий характер, использовались без достаточного понимания, формально. И, несомненно, было ошибкой Петрова-Водкина Петров-Водкин Кузьма Сергеевич Знаменитый российский и советский живописец, график, теоретик искусства, писатель и педагог. Заслуженный деятель искусств РСФСР…. вводить свои глубоко индивидуальные принципы в систему преподавания. Однако для самого художника эти принципы не были отвлеченной догмой. Между прочим он говорил: «…никогда не называйте мою перспективу сферической. Сферическая перспектива эта привешена к моей школе, потому что некоторые из учеников шли буквально в смысле сферического разрешения. Может быть, это есть отход от итальянской перспективы, которая у нас была. Я ищу живую видимость
Мне важно двуглазье, которое уширяет пространство. У меня нет механического, фронтального смотрения, которого требует итальянская перспектива
Сферичность я не строю. Я работаю… над живым смотрением». Особое построение пространства в творчестве художника являлось фактически средством преображения мира, средством раскрытия отношения к изображаемому. Отклонение от правил классической перспективы у Петрова-Водкина Петров-Водкин Кузьма Сергеевич Знаменитый российский и советский живописец, график, теоретик искусства, писатель и педагог. Заслуженный деятель искусств РСФСР…. осмысленно. Оно выполняет определенную образную роль
«Криволинейность» пространства, наклонность вертикалей дают нам возможность замечать то, что мы устаем замечать, поскольку наше внимание притупляется абстрактной «правильностью» обычной перспективы
1918 год в Петрограде (1920)
Другое название этой картины — «Петроградская Мадонна». Это одно из самых известных и значимых полотен Петрова-Водкина.
В центре картины на фоне бурлящего революционного города изображена молодая женщина с младенцем на руках. Её поза, тревожное выражение лица, поворот головы, белоснежный платок, зелёное платье и красная накидка напоминают Богородицу. Две фигуры матери и дитя очень символичны.
Многие критики считают этот образ символом революционной России, символом коренного перелома исторических событий. На фоне разрухи и полного хаоса, образ женщины с грудным ребёнком возникает, как надежда на будущее, как продолжение жизни.
10
Завтрак аристократа
Янина БЕЛОШАПКИНА
Павел ФЕДОТОВ ЗАВТРАК АРИСТОКРАТА (Не в пору гость) 1849–1850. Государственная Третьяковская галерея, Москва
Картина принадлежит к числу лучших творений Федотова, написанных в пору расцвета его таланта. К этому времени художнику удалось окончательно овладеть рисунком, техникой масляной живописи и в какой-то степени избавиться от своей привязанности к обилию мельчайших деталей, иногда загружавших повествование.
Довольно часто Федотов обращался к теме обмана, надувательства, показного благополучия, привлекая внимание зрителя к тому, что за прекрасным фасадом может скрываться неприглядное нутро. В названии одной из его графических работ звучит полуироничный-полугорестный вздох художника: «Эх, русская барыня, напоказ живешь!» Так же, напоказ, живет и персонаж картины «Завтрак аристократа»
Сколько таких обедневших, но горделивых и чванливых аристократишек приходилось встречать Федотову!
Молодой человек с бутербродом. Этюд к картине «Не в пору гость». 1849 Государственный Русский музей, Санкт-Петербург
Заслышав же шаги гостя в передней, он как-то неуклюже и даже воровато пытается прикрыть от посетителя свою более чем скромную трапезу. Как можно допустить, чтобы кто-то проведал о настоящем положении дел? Нет, все должны считать его богатым и ни в чем не нуждающимся.
Нежданного гостя мы не видим, но тем сильнее акцент на главном персонаже, тем острее воспринимается напряженная поза светского хлыща, угловатый жест его рук.
При всем при том нельзя сказать, что картина решена в карикатурном ключе, что было характерно для ранних графических работ Федотова. Даже при изображении фигуры аристократа художник не прибегает к гротескным приемам, но не теряет при этом выразительности.
Как ни странно, в этой картине носителем положительного начала выступает предметный мир, созданный художником с любовью и тщательностью.
Интерьер написан великолепно — в лучших традициях «малых голландцев», его вполне можно рассматривать как великолепный образец «картины в картине».
Реальный мир реальных вещей противопоставлен призрачному порождению гордыни главного героя, которому приходится жить во лжи, выдавая желаемое за действительное. «На брюхе — шелк, а в брюхе — щелк» — это народное изречение Федотов вспоминал, работая над своим полотном.
В техническом решении «Завтрака аристократа» чувствуется отзвук влияния Карла Брюллова, что в общем-то неудивительно. В те годы Брюллов еще оставался властителем дум не только зрителей, но и художников, даже довольно известных.
Серия » Подсолнухи Арля»
— Винсент Ван Гог, Общая переписка: Том III, Галлимар, Париж, 1990 г.
Эскиз идеи триптиха, письмо Тео Ван Гогу.
В Август 1888 г., , Винсент Ван Гог создал картину, изображающую вазу с двенадцатью подсолнухами, а также вазу с четырнадцатью подсолнухами, согласно его описаниям, но в которой соответственно четырнадцать и пятнадцать цветов. Для удобства и уважения предпочтительно использовать названия, которые он сам дал своим картинам . Эти две последние картины из серии лета 1888 года художник всегда считал подвесками; Позднее он даже подумал о том , чтобы поставить их в рамку рядом с «Берсёзом» (Августин Рулен) , чтобы создать триптих, символизирующий благодарность.
Несмотря на то , что это третья из его натюрмортов в холст , масло подсолнечника в вазе, он подводит итог в письме к своему брату Тео , датированный22 августа 1888 г. : «У меня есть 3 холста в процессе: 1) 3 больших цветка в зеленой вазе, светлый фон (холст из 15), 2) 3 цветка, цветок в семени и с листьями и кнопка на королевском синем фоне (холст из 25), 3) двенадцать цветов и бутонов в желтой вазе (холст из 30). Таким образом, последний из них ясен и, я надеюсь, будет лучшим. Я, наверное, не буду останавливаться на достигнутом. » . К сожалению, поскольку цветы поблекли, Винсент больше не будет создавать новую сюжетную композицию. Он будет вызывать только повторения двух последних букетов, нарисованных вЯнварь 1889 г..
Серия 1888 г. была изготовлена в таком порядке:
Поль Гоген и подсолнухи
Поль Гоген, Винсент Ван Гог, рисующий подсолнухи , 1888 г.
Первоначально Ван Гог разработал эту серию с целью украсить свою студию, которой он собирался поделиться с Полем Гогеном . «В надежде жить в нашей мастерской с Гогеном, я хотел бы сделать украшение для мастерской. Ничего, кроме больших подсолнухов. Наконец, если я выполню этот план, будет дюжина панелей. Таким образом, все это будет симфонией синего и желтого цветов. Я работаю там каждое утро с восхода солнца. Потому что цветы быстро вянут, и вы должны делать все за один присест. «
Поль Гоген переехал в Желтый дом с Винсентом Ван Гогом из23 октября 1888 г.. Он будет впечатлен двумя последними полотнами с подсолнухами, которые Винсент наконец повесил в своей комнате. К большому удовольствию голландского художника: он скажет о последнем на желтом фоне, что это «идеальная страница в стиле Винсента» . У этих двух художников иногда очень разные концепции искусства, что порождает между ними много споров и приводит к уходу Поля Гогена.25 декабря 1888 г.. Несмотря ни на что, он по-прежнему восхищается этой серией и в письме просит у него холст с желтым фоном… в чем Ван Гог ему отказывает.
Устроив и доставив Гогену «удовольствие определенной силы» , Ван Гог, тем не менее, нарисует в конце января копию каждого из оригиналов комнаты Гогена с целью обмена с ним «абсолютно равноценные повторы. . и тому подобное «. Он пишет это Тео в своем письме28 января 1889 г.что, между прочим, говорит нам, что Ван Гог имеет «2 доказательства» каждого, как и в случае с Колыбельной . Поэтому у него нет другой копии на этот день: «Я думаю, что уже сказал вам, что вдобавок у меня есть холст« Колыбельная », именно тот, над которым я работал, когда меня прервала болезнь». Из этого у меня также есть сегодня 2 доказательства. »
Два повтора, нарисованные для Гогена:
Седьмой холст Подсолнухи или третьего повторения, копия версии Национальной галереи, допрошенных многими экспертами , начиная с середины 1990-х годов, поэтому не окрашены Ван Гога до этой даты, вопреки тому , что «поддержал его защитники , которые, пренебрегая Подсчет Ван Гога предполагал достижение вДекабрь 1888 г..
Ваза с пятнадцатью подсолнухами , без даты, Музей Сомпо, Токио, Япония
Последний пленэрист России
Обобщенный образ русской природы в картине Игоря Эммануиловича Грабаря «Февральская лазурь» (1904 г.) понравился публике, назвавшей мастера «последним пленэристом Руси». Талантливый живописец, нашедший собственный стиль, продолжил и развил все самое лучшее, что проявилось в творчестве Серова, Левитана и других известных пейзажистов.
Он достиг предельной цветовой насыщенности, нанося густые мазки плотным слоем. А написание картины с низкой точки — необычный прием, придающий творению удивительный эффект. Автор не старается перенасытить полотно светлыми красками, а темные проталины и грязноватый снег говорят о скором приближении весны. Все цвета, которые используются мастером, сливаются в единую палитру ярких и пастельно-прозрачных оттенков. Грабарь слышит музыку весны и чувствует легкую грусть расставания с любимой порой. Притягательное полотно, раскрывающее поэтический мир русской зимы, поднимает настроение, и именно такого чувства добивается художник, рисующий родную землю.
Известные картины И. Грабаря
За свою жизнь И. Грабарь написал множество картин. На этом счету и натюрморты, и портреты, а также пейзажи и др. Описание некоторых вы сможете прочесть ниже:
«Иней». Картина написана в 1905 году это одна из этих прекраснейших картин в галереи картин жанра пейзаж Грабаря. В данной картине видна вся любовь художника к зимней атмосфере. Грабарь мелкими мазками оживляет природу, заставляя увидеть все оттенки зимы. Среди белоснежного снега виднеются стволы березок и пара небольших елочек, ветви берез покрыты инеем. Именно он придает картине загадочный шарм.
И.Грабарь картина Иней фото
«Яблоки». Игорь окончил написание картины в 1905 году. В ней прослеживается немудреный мотив русской деревни. Она была написана в период, когда на художника начинает влиять русская природа и вообще атмосфера загорода. Картина «Яблоки» — это натюрморт, написанный в стиле импрессионизма. В ней присутствуют все тонкости исконно русской души. Челок знающий Россию с уверенностью скажет, что ее написал художник любящий русскую природу.
И.Грабарь картина Яблоки фото
«Хризантемы». Написаны «Хризантемы» в 1905 году. Цветы излучают некую солнечную атмосферу. Техника написания картины сделала изображаемые хризантемы пушистыми и приятными для взгляда и размышлениями над сие творением. На переднем плане изображены приборы на белой скатерти. Хоть это и летний натюрморт, на нем присутствует большое количество оттенков белого. В заднем плане преобладает синие цвета, поэтому желтые цветы на мгновение переливаются зеленым оттенком.
И.Грабарь картина Хризантемы фото
В Егорьевской гимназии
В Катковском лицее
Университетские годы
В Академии художств
Мюнхенские годы
«Мир искусства»
Грабарь в Москве
Музейная деятельность
Возвращение к живописи
Популярные сочинения
- Сочинение Есть совесть — есть и стыд Любой человек в жизни опирается на набор каких-то моральных критериев. Одними из таких критерий являются совесть, достоинство, доброта, честность, стыд. Все эти определения неразрывно между собой близки.
- Сочинение Любовная лирика Тютчева 10 класс Федор Иванович Тютчев — отечественный русский лирик, писатель, публицист, поэт. Поэт всегда отличался философскими взглядами на жизнь. У него большинство произведений о любви
- Русская природа в лирике Фета — сочинение 6, 10 класс В одном из поздних высказываний Фет говорил про то, как он не представляет возможным писать о чем-то другом помимо красоты или любви. Если говорить о красоте, то чаще всего Фет
Тема: «Описание картины Стожарова В.Ф. «Натюрморт с яблоками»
Подробнее
Подробнее
Подробнее
Подробнее
Подробнее
Подробнее
Подробнее
Подробнее
Подробнее
Подробнее
Дорогой друг-читатель! Этот учебник состоит из двух книг. Перед тобой первая книга. Для того чтобы тебе легче было работать с учебником, в нём есть условные знаки, показывающие, к кому обращено каждое
Подробнее
Сесина Ольга Евгеньевна Муниципальное бюджетное учреждение культуры дополнительного образования «Екатеринбургская детская художественная школа 3 имени А.И. Корзухина» Свердловская область, г. Екатеринбург
Подробнее
КГБОУ ШИ 2 Рязанова М.С., учитель русского языка и литературы Русский язык Конспект урока по русскому языку в 6 классе. Тема: Сочинение по картине К.Ф. Юона «Зимнее солнце» или «Пейзаж с лыжниками» Тип
Подробнее
Подробнее
Незабудки, индивидуальное занятие по рисованию картины шерстью
08.11.14 у меня в гостях была Альфия.
Вместе с ней мы рисовали волокнами шерсти, шелка и вискозы натюрморт. В качестве источника вдохновения Альфия предложила несколько картинок, выбор пал на незабудки (картина Калашниковой Ольги Викторовны «На старом окне», 40х40см х.м.2004).
Т.к. времени было мало, для занятия выбрали маленький формат 21х30см. Оригинальное фото картины пришлось обрезать, работали в итоге с фрагментом:
Итог работы — картина шерстью без стекла:
Под стеклом:
Картина и фотография, по которой работали:
Незабудки (слева — источник вдохновения, фрагмент картины Калашниковой О.В.; справа результат индивидуального занятия — картина из шерсти и шелка, работа Альфии.
сопутствующие публикации
Кузьма Петров-Водкин. «Селедка», 1918 г.
Натюрморты Петрова-Водкина – документальная летопись эпохи. Их уникальность заключается в минимальном наборе предметов на столе, в игре с зеркальными поверхностями и ярких красках. На картине «Селедка» изображен скромный обед 1918 года — две картофелины, кусок хлеба и селедка на столе. Искусствоведы полагают, что красная скатерть символизирует «революционные будни».
В натюрмортах художник часто использовал зеркальные предметы – стаканы, самовар, чайник или просто зеркала. Его работы светлые и радостные, в них видно непосредственное восприятие мира и натуры художником. Среди известных работ с изображением еды также «Розовый натюрморт. Ветка яблони», «Натюрморт со стаканом, фруктом и фотографией», «За самоваром», «Фрукты».
Архитектор, искусствовед и руководитель Третьяковской галереи
Игорь Грабарь. Зимний вечер (фрагмент). 1903. Государственный Русский музей, Санкт-Петербург
Игорь Грабарь. Иней. Восход солнца (фрагмент). 1941. Иркутский областной художественный музей имени В.П. Сукачева, Иркутск
Игорь Грабарь. Сентябрьский снег (фрагмент). 1903. Государственная Третьяковская галерея, Москва
Талант мастера проявился не только в живописи и графике, но и в архитектуре. Екатерина Захарьина, вдова знаменитого врача Григория Захарьина, предложила Игорю Грабарю возвести в их имении больницу-мемориал в память об умершем сыне. Он с увлечением принялся за проект. Инженеры-конструкторы и строители по проекту Грабаря построили большую современную больницу с несколькими корпусами, домами для врачей и операционной. После завершения проекта он хотел вновь заняться архитектурой, но пришлось выбирать между зодчеством и наукой: на тот момент он вел обширную работу над многотомной «Историей русского искусства». Грабарь стал редактором и автором нескольких ключевых разделов в многотомнике для издательства Иосифа Кнебеля. Он собирал архивные материалы по всей стране и практически не занимался живописью. «Эта «История искусства» есть в сущности почти уже история русской культуры. Мне хотелось бы выпустить 12 томов… Нужен занимательный рассказ, близкий к описанию жизни и быта в разные эпохи, иллюстрированный произведениями искусства»,
— писал он.
Первый выпуск «Истории» вышел в 1908 году, всего же до 1915 года было выпущено восемь томов. Книги успешно публиковались, но работу над многотомником остановили: во время Первой мировой войны издательство Кнебеля разгромили, многие стеклянные негативы были утрачены безвозвратно. Грабарь писал: «Ведь потому-то я и вынужден был прекратить выпуск «Истории», что все негативы — до 20 000 штук — снятые под моим руководством, а в значительной степени и мною лично, были уничтожены. Среди них были не сотни, а тысячи драгоценнейших уник, документов, ныне уже не восстановимых, ибо я исколесил всю Россию, весь Север, все значительные усадьбы в центральных губерниях».
После этого события художник несколько месяцев не мог работать. Монументальный труд «История русского искусства» стал важным этапом в отечественном искусствоведении.
Игорь Грабарь. На озере (фрагмент). 1926. Государственный Русский музей, Санкт-Петербург
Игорь Грабарь. Рябины (фрагмент). 1924. Государственный музей-заповедник «Ростовский Кремль», Ростов, Ярославская область
Игорь Грабарь. Осень. Рябина и березы (фрагмент). 1924. Нижегородский государственный художественный музей, Нижний Новгород
В 1913 году Игорь Грабарь возглавил Третьяковскую галерею. В своих письмах он говорил, что согласился на эту должность, чтобы изучать искусство художников не через стекло, «а вплотную, на ощупь, с обстоятельным исследованием техники, подписи, всех особенностей».
Он провел масштабную перепланировку экспозиции музея, что вызвало дискуссии в газетах и даже на заседаниях Государственной думы. Стены в залах галереи до прихода Грабаря были от пола до потолка загружены картинами, без какой-либо логики — «крошечные этюдики рядом с огромными холстами».
В основу новой экспозиции Грабарь положил новаторские для того времени монографический и исторический принципы. Сотрудники музея провели перепланировку части залов, убрали щиты и перегородки. Частная коллекция превратилась в музей европейского типа. Преобразования поддержали деятели искусства: художник Илья Репин говорил, что «была проделана огромная и сложная работа на славу галереи Павла Третьякова ».
Грабарь составил и первый научный каталог галереи: под его руководством проверили и заново описали более четырех тысяч экспонатов. Он также приобрел для Третьяковской галереи картины классиков русского искусства Ореста Кипренского и Павла Федотова , а также полотна «новейших» художников — Ильи Машкова, Кузьмы Петрова-Водкина . Игорь Грабарь пробыл директором галереи до 1925 года.
Сочинения по картинам 5-9 класс
Иллюстрация к «Сказке о Золотом петушке» Билибина
Картина известного русского художника Ивана Билибина, который один из первых рассмотрел проблему иллюстраций детской литературы. На сегодняшний день сложно представить себе книжку без картинок. Самые лучшие иллюстрации были нарисованы еще во времена развития детской литературы, но до сих пор пользуется популярностью.Эта картина является частью цикла сказки А.С. Пушкина «Сказка о Золотом…
Иллюстрация к былине «Вольга» Ивана Билибина
Билибин постоянно тяготел к иллюстрированию разного рода былин и сказаний. «Иллюстрация к былине Вольга» выполнена в орнаментальном графическо-декоративном исполнении, которая полностью основана на мотивах былин и преданий русского народа.Иллюстрация выполнена тушью подцвеченного акварелью, при этом стоит отметить, что Билибин смог выработать свой неповторимый стиль, основной для которого стали…
Иллюстрация к сказке «Белая уточка» работы Ивана Билибина
Иллюстрирование «Белой уточки», ровно как и еще шести сказок, знаменательно тем, что Билибин смог разработать и активно внедрить в свое творчество особую технику рисунка – тушь, подцвеченную акварелью.Билибин был приверженцем использования русского орнамента в оформлении своих произведений. В связи с этим он часто посещал российские глубинки, где подмечал особенности местного фольклора,…
Иллюстрация к сказке «Сестрица Аленушка и братец Иванушка» работы Ивана Билибина
Каждый из нас помнит чудесные русские сказки, которые он читал в детстве. Со временем они совершенно изменялись. Люди рассказывали их друг другу, добавляя что-то свое и этим существенно обогащая общее содержание. Сказки сначала не публиковались. Лишь в 17 веке, во второй его половине стали появляться книжки, которые именовались лубком.В них можно было лишь обнаружить отдельные иллюстрации с…
Описание иллюстрации Ивана Билибина к сказке «Иван-Царевич и жар птица»
Перед нами иллюстрация к знаменитой сказке. Билибин – настоящий мастер, сумевший передать особую красоту этого удивительного жанра. Сказки позволяют нам погрузиться в мир полный чудес. В нем травы. Звери и птицы умеют разговаривать. Человек их прекрасно понимает.Жар-птица – истинное волшебство. С такой героиней не сравниться ни одна птица. Ее перья поражают причудливыми отсветами. Перо может…
Описание картины И. Грабаря Февральская лазурь
И.Грабарь один из русских художников-живописцев 19-20 веков, его учителями были такие известные личности как И.Репин и П.Чистяков. Больше всего мастер любил изображать на своих полотнах несравненную красоту родных русских земель.Художник очень трепетно относился к истинно русскому дереву — березе, и именно ее очень часто можно встретить на чудесных пейзажах Грабаря. Его любимым занятием были…
Описание картины Сальвадора Дали «Мадонна Порт-Льигата»
Будучи некогда неверующим, психика Гения кардинально изменилась, и он обратился в веру. Эти изменения сразу же выразились в его творчестве – странные образы объединились с христианскими мотивами в купе с мистицизмом.Он сотворил две версии полотна «Мадонна Порт-Льигата». В лике Богоматери прослеживаются черты его любимой супруги Галы, которую он старался изображать на многих своих полотнах….
Сочинение И. К. Айвазовский “Радуга”
Иван Константинович Айвазовский – знаменитый русский живописец-маринист. В картине “Радуга” нашли отражение романтическое мировосприятие мастера, его восхищение необъятной, вечно изменчивой стихией моря. В центре внимания художника – тема кораблекрушения. Зрительно полотно можно разделить на две части. Задний план более мрачен, преобладают темные краски. Высокие пенящиеся волны подчеркивают…
Сочинение по картине «Май 1945» А. и С. Ткачёвых
Художники братья Ткачёвы, Сергей Петрович (1922) и Алексей Петрович (1925) приобрели значительную известность ещё в середине прошлого века. Художники имеют многочисленные награды и звания. Ещё с 1948 г. они начали писать картины вместе, в две кисти — такое бывает не так часто, особенно соавторство на столь продолжительный период. Военная тема занимает значительное место в творчество…
От импрессионизма к реализму
И только с 1924 года мастер вновь обращается к живописи, увлекаясь не только пейзажным, но и портретным жанром. Работающий в лучших традициях реалистической живописи, он стремится к правде жизни и изумительно передает натуру. Его работы на многочисленных выставках по достоинству оцениваются критиками, считающими, что полотна художника Грабаря Игоря Эммануиловича заслуживают отдельного внимания.
Однако сам автор не стесняется называть некоторые свои творения откровенными неудачами. Именно так он отзывался о работах «Туркестанские яблоки» и «Красные яблоки на синей скатерти». А вот зрители увидели в них контраст фактур, противопоставление холодного оттенка теплому и по достоинству оценили пластику объемов.
Живописец работает и над камерными полотнами своих родственников и коллег. Так, он создал изумительный «Портрет В. М. Грабарь, жены художника», впечатляющий «Портрет академика С. А. Чаплыгина». Отличающиеся реализмом и безукоризненной передачей света, картины Грабаря Игоря Эммануиловича всегда вызывали восхищение его преданных поклонников.
В 1937 году он создает двухтомную монографию о Репине — своем любимом авторе. Вскоре его награждают за работу Сталинской премией.
Умер художник в 1960 году в Москве.