Венеция картина айвазовского. «венеция» - картина айвазовского: описание и краткая характеристика

Итальянский период в биографии Айвазовского

И.К.Айвазовский работал в Италии с величайшим вдохновением. Тут он создал примерно 50 своих больших картин. На выставках в Риме, Неаполе они вызывали значительный интерес, прославив необычайно талантливого автора. Критики того времени утверждали: никто до этого не мог показать освещение, воздух, водную гладь так живо и столь правдиво. Особенного восхищения заслуживают морские пейзажи кисти Айвазовского. Знаменитый маринист владел важнейшим даром — восхищаясь красотой натуры, запоминать типичные моменты и затем изображать их понятным языком. И.К.Айвазовский – великий мастер, способный разглядеть особенную прелесть в окружающей природе, передать собственные эмоции зрителю.

Сюжет полотна

На картине Лунная ночь на Капри нарисовано ночное море в штиль. Яркая луна освещает зыбкие темные волны, парусники и моряков, находящихся в это время в море. Работа Айвазовского Лунная ночь на Капри написана с изяществом. Плавные, легкие линии создают романтический образ великолепия морской тиши, слегка потревоженной легким дуновением ветра. Основным персонажем пейзажа является море, уснувшее под лунным светом. На картине Лунная ночь на Капри написаны следующие детали и объекты:

темно-синие волны, взволнованные легким морским бризом;
ночное небо с белыми облаками;
яркая луна, освещающая ослепительным волшебным светом водную ширь;
большое судно с поднятым парусом;
маленькая шлюпка, пришвартовавшаяся к борту корабля;
три небольших парусника вдалеке;
лодка, с находящимися в ней людьми;
высокая линия гор вдалеке.

Большой парусник, изображенный Айвазовским на картине Лунная ночь на Капри, вероятно, прибыл на знаменитый красивейший остров. Тихое, гористое побережье освещено лунным сиянием. Маленькая шлюпка, возможно, привезла местных купцов, предлагающих морякам провизию. Большая лодка на холсте Лунная ночь на Капри заполнена людьми. Они внимательно рассматривают прибывшее судно. Может быть, хотят увидеть главного пассажира корабля. Маленькие парусники на картине Лунная ночь на Капри – это скорее всего рыбаки, вышедшие на промысел. Пушистые летние облака обрамляют ночное небо. Тихая, лунная ночь на Капри волшебна и красива.Картина Лунная ночь на Капри написана маслом, на холсте размером 3628,5 см.

Черты импрессионизма: от Веласкеса до Делакруа и Коро

Посетители выставки 1874 года восприняли стиль импрессионистов как революцию, но на самом деле его возникновение вовсе не было резким. Черты этого течения встречаются ещё у Эль Греко и Диего Веласкеса в 16−17 веках: они пытались передать освещение в определённый момент и изобразить движение с помощью пробелов между мазками. Тем не менее, они любили использовать открытый чёрный цвет. В одно время с Веласкесом творил Питер Пауль Рубенс, тонко передававший свет и тень. Чистого чёрного цвета на его полотнах нет.

Однако гораздо более сильно на импрессионистов повлияли художники 19-го века. Здесь стоит говорить о вкладе представителей барбизонской школы, особенно Шарля-Франсуа Добиньи, и близких к ней художников: Камиля Коро, Гюстава Курбе и Эжена Будена. Черты импрессионизма в их работах появились примерно в середине века. Барбизонскую школу окрестили по названию деревни Барбизон в лесу Фонтенбло, где жили несколько её представителей. В окрестностях деревни работали многие художники (не только из этой школы), создавая свои пейзажи на пленэре.

Барбизонец Добиньи известен лирическими равнинными пейзажами. Ему нравилось изображать воду и небо, ему была важна работа с натуры, и для неё он даже устроил себе плавучую мастерскую, в которой писал, поднимаясь по течению реки Уазы. Добиньи усердно работал со светом и добился больших успехов в воспроизведении изменчивого воздуха, улавливал мельчайшие оттенки цвета.

Много внимания освещению уделял и Коро. Он старался передать его как можно более естественно, перенеся на полотно атмосферу происходящего так, чтобы не потерять материальность предметов. Коро несколько раз мог переписывать один этюд ради того, чтобы свет и оттенки получились наиболее натурально. Для него очень много значила близость человека к природе. В его работах много серых тонов, которые он получал не из чёрного и белого цветов (их он не использовал), а с помощью смешения многих ярких красок. Коро стал любимым живописцем Альфреда Сислея.

Камиль Коро. «Воспоминание о Мортефонтене», 1864. (Wikimedia Commons)

Гюстав Курбе, мастер пейзажа, прошёл путь от романтизма к реализму. Он никогда не работал на пленэре, но умел изображать открытое пространство с помощью цветовых пятен, а также контраста между яркими красками и затемнёнными фрагментами. Курбе преподавал и говорил своим ученикам, что они должны изображать то, что видят и чувствуют — это главная идея импрессионизма. Наибольшее влияние он оказал на Эдуарда Мане.

В отличие от Курбе, Эжен Буден не представлял своего творчества без работы на открытом воздухе. Небо и море — его любимые сюжеты. На своих полотнах ему удавалось удивительно точно передавать реальные соотношения цветов. Буден часто рисовал пастели и акварели, а не только писал маслом по холсту. Этот художник был дружен с импрессионистами и принял участие в их первой выставке в 1874 году. Именно привил Клоду Моне любовь к работе на открытом воздухе.

Более того, во время франко-прусской войны 1870−1871 годов Моне, Сислей и Писарро были в Англии, где изучали творчество Констебла, Тёрнера и Крома. Потом импрессионисты вспоминали, что эти великие английские пейзажисты сильно повлияли на их стиль.

Эжен Делакруа создал свои первые акварели с импрессионистским чертами ещё в 1830-е гг. Поэтому, если следовать строгой хронологии, о нём стоило бы говорить ещё перед упоминанием барбизонской школы. Однако многие исследователи считают Делакруа наиболее близким к импрессионистам среди всех предшественников этого течения, и из-за этого мы описываем его творчество последним. Действительно, уже во времена работы над акварелями 30-х годов этот художник понимал различие между естественным цветом предметов и теми красками, которые им придаёт освещение. Он, можно сказать, предвосхитил картину Моне «Впечатление. Восход солнца» (1872), написав своё полотно «Море в Дьеппе». Журналист Жюль Лафорг сравнил мазки Делакруа и Моне, заметив, что оба художника передают движение в своих работах вибрирующими мазками.

Эжен Делакруа. «Море в Дьеппе», 1852. (Wikimedia Commons)

Репродукция «Айвазовский — Неаполитанский залив в лунную ночь»

Хотите сделать вашу картину неповторимой? Закажите дополнительные услуги!

Сатиновый холст PREMIUM-класса

Изображение, напечатанное на сатиновом холсте будет выглядеть максимально насыщено и ярко. Высочайший уровень качества, при котором картина смотрится очень реалистично. Стоимость услуги от 1000 рублей (в зависимости от размера картины).

Пример работ смотрите здесь!

Обработка холста художественным гелем

Картина фактически отрисовывается художником мелкой кистью, тем самым создается впечатление нарисованной маслом картины. Добавляется эффект глубины изображения. Стоимость данной услуги от 1000 рублей (в зависимости от размера картины и сложности исполнения).

Пример работ смотрите здесь!

Картина с часовым механизмом

Покупая модульную картину, дополненную неповторимыми оригинальными часами, Вы приобретаете для себя необыкновенную и индивидуальную по великолепию своему картину, которую может позволить себе не каждый, она будет радовать Вас и ваших близких. Стоимость данной услуги составляет 800 рублей.

Пример работ смотрите здесь!

Ручная работа маслом

Картина полностью пишется художником в ручную маслом. Используется дорогостоящие материалы, что придаст Вашей картине элегантность и статус «дорогой композиции». Стоимость данной услуги от 5000 рублей (в зависимости от размера картины и сложности исполнения).

Пример работ смотрите здесь!

«Чесменский бой», Айвазовский

Год написания: 1848Размер: 193 × 183 смМестонахождение: Картинная галерея им. И. К. Айвазовского, Феодосия

Вариант 1 — Кратко

9 предложений/ 102 слова

Батальное полотно Ивана Айвазовского «Чесменский бой» посвящено одному из главных сражений русско-турецкой войны, состоявшемуся в 1770 году. На картине художник изображает самый разгар битвы.

Спереди и по центру видны статные русские корабли. К одному из них — флагману «Три иерарха» направляется шлюпка с боеприпасами. В глубине бухты полыхают подбитые снарядами турецкие суда. Пламя, которым объяты корабли, высокими столпами поднимается прямо в небо, а густой серый дым перемешивается с пеленой грозных туч. Среди облаков над морем призрачно светит луна.

Всюду в воде видны корабельные осколки, а также упавшие за борт люди. Особенно выделяются фигуры нескольких турецких солдат, пытающихся спастись, схватившись за обломок мачты.

Вариант 2 — Подробно

20 предложений/ 244 слова

«Чесменский бой» Ивана Айвазовского — это батальное полотно, посвящённое одному из главных сражений русско-турецкой войны, состоявшемуся в Эгейском море. Битва продлилась целых три дня (с 5 по 7 июля 1770 года) и закончилась победой русский войск.

На картине изображён решающий момент сражения, когда перевес сил уже находится на стороне российского флота. Поэтому в глубине бухты можно заметить горящие турецкие корабли. Их корпуса разрушены взрывами и объяты ярким пламенем, которое поднимается к небесам. В воздухе кружат осколки, а по воде плывут обломки деревянных мачт.

Чёрный дым от горящих судов перемешивается с седой пеленой облаков, ещё больше разгоняя в зрителе ощущение тревоги. Сквозь небольшой просвет среди туч над морем бледно светит луна, озаряя своим зеленоватым блеском тёмные воды.

В центре полотна изображены несколько русских судов. Их статные силуэты грациозно возвышаются над волнами. Белые паруса одной из шхун торжественно подняты.

На переднем плане справа можно увидеть часть флагмана российского флота, носящего название «Три иерарха». В его сторону движется шлюпка с боеприпасами. Слева довольно крупно изображены потерпевшие кораблекрушение турецкие солдаты, которые пытаются выжить, хватаясь за плывущие по воде обломки мачты. Эти люди выглядят очень напуганными. Они беспомощно протягивают к небу свои смуглые руки.

Полотно написано в тёмных красках ночи, поэтому и люди, и корабли кажутся на нём объятыми полутьмой. Лишь только яркое зарево пожаров нарушает общий колорит, придавая картине динамичность. Несмотря на тревожность изображаемых событий, в этой работе Айвазовского отчётливо заметны торжественные нотки. Художник гордится непобедимостью российского флота, восхищается силой и стойкостью соотечественников, ведущих нелёгкую борьбу с неприятелем.

см. также:Все сочинения-описания картин

Сатурн, пожирающий своего сына

Испанское название: Saturno Devorando a su hijo

Художник: Франсиско Гойя

Год: 1819–1823 гг.

Сатурн, пожирающий своего сына (1823) — Франсиско Гойя

Среди самых известных работ Франсиско Гойи его «Черные картины», изображающие напряженные, захватывающие темы, отражая как его страх перед безумием, так и его мрачный взгляд на человечество. Эти работы были написаны Гойей в виде фресок на стенах своего дома и перенесены на холст спустя годы после его смерти. Этот тревожный портрет Сатурна, поглощающего одного из своих детей, является самой известной из 14 темных картин Франсиско Гойи. Эта картина была одной из шести картин, украшавших его столовую. Шедевр основан на римском мифе о том, что титан Сатурн съел своих детей, поскольку было предсказано, что один из его сыновей свергнет его, точно так же, как он сверг своего отца Целуса. Пророчество сбылось, поскольку его жена Опс обманула Сатурна и спасла одного из их сыновей.

Свобода, ведущая народ

Французское название: La Liberté guidant le peuple

Художник: Эжен Делакруа

Год: 1830

Свобода, ведущая народ (1830) — Эжен Делакруа

Свобода существовала как богиня во многих культурах и во время Французской революции во Франции появилось множество аллегорических олицетворений свободы. С тех пор фигура Свободы рассматривается как символ Франции и Французской Республики. Эта картина напоминает о Июльской революции 1830 года, в которой был свергнут король Карл X Франции. Она показывает Свободу как богиню и крепкую женщину из народа. В одной руке она держит флаг Франции, а в другой — огнестрельное оружие. «Свобода, ведущая народ» — очень влиятельное художественное произведение. Среди прочего, картина послужила источником вдохновения для Статуи Свободы и скульптуры Виктора Гюго, известного романа «Отверженные». С момента своего создания картина также служила республиканским и антимонархическим символом. Шедевр ведущего французского художника-романтика «Свобода, ведущая народ» возглавляет список самых известных картин движения романтизма.

Художники-импрессионисты: в чём особенности их стиля?

Цель художника-импрессиониста — не изображение самой действительности, в своей работе он передаёт собственное впечатление от того, что видит, атмосферу происходящего в определённый момент

Он всегда обращает внимание на игру света и движение воздуха, отказывается от чёрного и белого цветов, ведь в реальности они никогда не встречаются в чистом виде

Для импрессионистов было важно писать свои полотна с натуры, на открытом воздухе. Они использовали короткие отдельные мазки, что придавало их картинам вибрацию и движение.

Они использовали короткие отдельные мазки, что придавало их картинам вибрацию и движение.

Название течения родилось благодаря попытке журналиста Луи Леруа иронизировать над стилем импрессионистов в своём фельетоне в газете «Le Charivari». Поводом употребить это слово стала картина Клода Моне «Впечатление. Восход солнца» (от фр. «Impression, soleil levant»). Постепенно пренебрежение Леруа забыли, и слово «импрессионизм» превратилось в термин, точно передающий суть творчества его представителей.

Клод Моне. «Впечатление. Восход солнца», 1872. (Wikimedia Commons)

Плот Медузы

Французское название: Le Radeau de La Méduse

Художник: Теодор Жерико

Год: 1819

Плот Медузы (1819) — Теодор Жерико

Méduse был французским военным кораблем, который участвовал в наполеоновских войнах. Несмотря на то, что он устоял в боях, в июле 1816 года он разбился о песчаную отмель, когда перевозил людей в Сенегал. 400 человек на борту были эвакуированы; из них 151 — на плот. Этим людям на плоту пришлось пережить ужасное испытание. Многие были смыты в море штормом; другие восстали и были убиты офицерами; оставшиеся в живых занимались каннибализмом. Когда припасы заканчивались, раненых бросали в море. После 13 дней в море плот был найден и в живых осталось всего 15 человек. Событие превратилось в международный скандал. Теодор Жерико тщательно изучил инцидент, прежде чем создать этот шедевр. Плот Медузы оказался чрезвычайно влиятельным во французском искусстве; считается культовым произведением французского романтизма и увековечил инцидент, который изображает.

Мане, Ренуар и другие

Среди самих импрессионистов главную роль в формировании этого стиля сыграл тот человек, который всегда называл себя «независимым» художником, и имя ему Эдуард Мане. Его полотна «Завтрак на траве» и «Олимпия» шокировали публику ещё в 1863 году в Салоне Отверженных, где были выставлены картины, не принятые официальным салоном. Эти две работы Мане можно назвать программными. Он, как и все импрессионисты, имел классическое образование и обучался академической живописи, но в этих двух картинах отошёл от её стандартов, и именно это шокировало зрителей. Мане называли сумасшедшим, например, из-за того, что в работе «Завтрак на траве» он изобразил обнаженную даму среди парадно одетых мужчин. «Олимпию» возмущённые зрители несколько раз повреждали. Эти полотна поняли, пожалуй, только Эмиль Золя и Шарль Бодлер. Другая поразительная картина Мане, более ранняя «Музыка в Тюильри», тоже подверглась жёсткой критике. Публика не поняла тонкую градацию цвета, назвав её «мешаниной красок», в то время как именно она вместе с обобщением форм создала взаимосвязь изображённых людей и предметов со средой, в которой они находились, и это прекрасно послужило передаче атмосферы схваченного Мане момента. Он писал то, что видел, работая с натуры, придавая огромное значение естественному освещению, выражая своё впечатление от увиденного на холсте, и Мане можно назвать главой течения импрессионистов, пусть он и не хотел связывать себя с их группой.

Эдуард Мане. «Музыка в Тюильри», 1861. (Wikimedia Commons)

Пьер Огюст Ренуар достиг необычайного мастерства в жанре портрета. Он прекрасно отражал настроение модели, особенно это касается картин, изображающих женщин и детей. Этот художник больше других импрессионистов заботился о технике своей работы. Он писал то мелкими, плотными мазками, то длинными, полупрозрачными, положенными с пробелами. Часто эти приёмы соседствуют на одном полотне. Его картины запоминаются своей жизнерадостностью. Ренуар очень любил работать на открытом воздухе и творил до последних дней своей жизни, несмотря на сковавший его тело ревматизм, поразивший, в том числе, кисти рук.

Золотым временем импрессионизма в творчестве Клода Моне стали 1870-е годы. Именно он добился наибольшего успеха в передаче изменчивого естественного освещения. Этот мастер работал практически только на пленэре, создавая пейзажи, и с течением времени он всё реже изображал на них людей. Моне одним из первых начал писать серии картин, показывающих одно и то же место, но в разное время суток или года, после смены погоды. Так появились циклы изображений Руанского собора, вокзала Сан-Лазар в Париже, мостов Лондона. Такие серии помогли Моне научиться передавать свежие, яркие, естественные краски и тончайшие нюансы освещения.

Среди импрессионистов-пейзажистов стоит выделить Альфреда Сислея с его целостностью и тонким лиризмом творчества. Он любил изображать гармонию природы, очень большое значение на своих полотнах придавая небу, глубоко разрабатывая его оттенки и освещение: небеса никогда не были для этого мастера только фоном и даже могли служить главным выразителем настроения всего полотна. Постоянно работая на пленэре, художник научился переносить на полотно всю глубину открытого пространства с его струящимся воздухом. С развитием стиля Сислея спокойствие его пейзажей стало сменяться энергичностью, а цвета становились более контрастными.

Альфред Сислей. «Мост в Вильнёв-ла-Гаренн», 1872. (Wikimedia Commons)

К сожалению, расцвет импрессионизма не был долгим: громко заявив о себе в 1870-е гг., к началу 1890-х это течение сошло со сцены, уступив место постимпрессионизму, представители которого были заняты поисками нового в искусстве.

Населённые пункты у побережья залива

Издавна люди стремились строить города возле водоёмов, чтобы обеспечить жизнедеятельность водой

Ну а побережье Неаполитанского залива всегда пользовалось повышенным вниманием из-за богатой морской флоры. Поэтому на протяжении многих веков оно было густо застроено городами и сёлами

Самым крупным городом залива является Неаполь, в честь которого его назвали. В переводе с латинского его название означает «Новый город». Он является центром области Кампанья и расположен на западном побережье Аппенинского полуострова, в 190 км к юго-востоку от Рима. Этот город является главным портом, центром торговли и национальной культуры на юге Италии.

Помимо Неаполя вдоль бухты Неаполитанского залива расположились города Поццуоли, Торре-Аннунциата, Кастелламаре-ди-Стабия, Торре-дель-Греко и Сорренто.

Торре-Аннунциата — юго-восточный пригород Неаполя, находится у южного подножия Везувия. Название города происходит от названия построенных в 1319 году часовни и больниц, посвящённых Деве Благовещения. Он дважды разрушался извержениями вулкана в 79 и 1631 годах. В 1997 году город стал объектом Всемирного наследия ЮНЕСКО. В наши дни Торре-Аннунциата известен как курорт и термальный спа с небольшим портом.

Телега для сена

Художник: Джон Констебль

Год: 1821

Телега для сена (1821) — Джон Констебль

Самым влиятельным английским художником-романтистом, предпочитающим пейзаж, был Джон Констебль. Телега для сена изображает сельскую сцену на реке Стор между английскими графствами Саффолк и Эссекс. Это район, где родился Констебль, изображенный в его самых знаменитых шедеврах и ставший известен как Страна Констеблей. В центре картины — деревянная повозка, или большая телега, которую тянут через реку три лошади. Действие происходит недалеко от Флэтфордской мельницы, принадлежавшей отцу Констебля. Левый берег находится в Саффолке, а пейзаж на правом берегу — в Эссексе. Телега для сена почитается как одна из величайших пейзажных романтических картин, а также одна из лучших когда-либо созданных английским художником. В опросе 2005 года, организованном BBC, эта картина была признана второй по популярности картиной в британской галерее после «Боевого Темера».

История создания

Картина писалась в разные года, но при этом, Айвазовский старался всегда сделать ее по одному шаблону. Именно данная работа позволяла экспериментировать с тенями, и играть со светом. Цвета, кстати, выбирались только в холодном спектре, так как выполнять на его фоне картины было практически нереально. Художники долго тренировались, прежде чем выбрать для себя новые приемы изобразительного искусства. И так как Айвазовский закончил художественную академию, стажируясь во Франции, его попытка изменить саму форму картины базировалась на учении мастеров того времени. Картина стала визитной карточкой художника, его пропуском в большой мир живописи. Так итальянские критики увидев работу, сделали для нее несколько колонок в тематических газетах той эпохи.

Об авторе

Родился Иван Константинович Айвазовский 29.07.1817г. в Феодосии в семье небогатого торговца-армянина. С детства Иван занимался искусством: виртуозно играл на скрипке и прекрасно рисовал. Окончив гимназию в Симферополе, живописец в 1833 году был направлен на обучение в Академию художеств в Санкт-Петербург. Обучаясь в Императорском учебном заведении, Айвазовский проявил уникальный талант. Его пейзажи высоко оценивали критики искусств, награждая всевозможными медалями. В 1838 году благодаря особым успехам в живописи, молодого художника досрочно выпустили из Академии и направили в Крым на 2 года, для продолжения развития творчества.

После окончания работ в Крыму, в 1840 г. Айвазовский отправился в Италию, где провел 2 года, занимаясь изучением работ великих мастеров и написанием картин. Полотно Лунная ночь на Капри пейзажист написал в итальянской командировке. Затем живописец посетил некоторые европейские страны, и в 1844 году прибыл на родину.

Необыкновенный талант был оценен при жизни художника. Он был многократно награжден орденами и медалями за выдающиеся успехи в области искусства, имел чин действительного тайного советника и потомственное дворянство. Живописью пейзажист занимался до последнего дня своей жизни. Умер Айвазовский 02.05.1900 г. в Феодосии, оставив незаконченным очередную картину.

Интересные факты

Картина «Буря на море ночью» осталась в тени более известных произведений прославленного мариниста, однако искусствоведы ценят ее лаконичную, но эффектную композицию и мягкую, золотистую гамму оттенков не менее высоко, чем более знаменитые полотна. Напоследок — несколько интересных фактов об Айвазовском и его творчестве:

Картины этого мариниста обладали таким удивительным магнетизмом, что некоторые художники подозревали, что Айвазовский крепит за холсты лампы, или использует особые краски.
Со своим вторым учителем из Академии, французом Таннером, Айвазовский рассорился потому, что, вопреки запрету, отправил свои картины на выставку. Некоторые современники считали, что преподаватель позавидовал успеху ученика.
Айвазовский не любил изображать на своих картинах людей: он практически не писал портретов и даже некоторые человеческие силуэты на его масштабных полотнах, по мнению искусствоведов, написаны другими художниками.
«Буря на море ночью», как и подавляющая часть других произведений мариниста, была написана не с натуры, а по памяти.

Айвазовский писал картины на самые разные темы – горные и степные пейзажи, сюжеты из истории и Библии. Но основу и главную ценность его творчества составляют именно морские пейзажи – такие, как «Буря на море ночью».

Цитаты Клода Моне

«Когда вы начинаете рисовать картину, постарайтесь забыть, какие объекты перед вами: дерево, дом, поле или что-то ещё. Просто подумайте: «Вот маленький синий квадратик, здесь продолговатый розовый, а здесь – жёлтая полоса», и нарисуйте их так, как они вам видятся, чтобы создать своё собственное простое видение пейзажа».
«Моя единственная заслуга в том, что я рисовал непосредственно природу, пытаясь передать мои впечатления от самых мимолётных эффектов, и я очень сожалею о том, что моя картина послужила названием для целой группы, в которой фактически не было ничего импрессионистского».
«Искусство – это всегда одно и то же: транспозиция Природы, которая требует как силы воли, так и тонкого восприятия».
«Для меня пейзаж не существует сам по себе, поскольку его вид меняется каждый момент; однако его оживляет окружение – воздух и свет, которые постоянно меняются… Для меня только окружающая атмосфера придаёт объектам их истинную ценность».
«Прошло много времени с тех пор, как я верил, что можно воспитать у публики вкус».
«Когда я вижу природу, я чувствую, что могу запечатлеть всё, – а потом, когда ты работаешь, это ощущение исчезает!»
«Я хотел бы рисовать, как поёт птица.»

«венеция» — картина айвазовского: описание и краткая характеристика. венеция картина айвазовского

Итальянский период в биографии Айвазовского

Сюжет полотна

Черты импрессионизма: от Веласкеса до Делакруа и Коро