Художник иван крамской (1837

Цитаты Клода Моне

• «Когда вы начинаете рисовать картину, постарайтесь забыть, какие объекты перед вами: дерево, дом, поле или что-то ещё. Просто подумайте: «Вот маленький синий квадратик, здесь продолговатый розовый, а здесь – жёлтая полоса», и нарисуйте их так, как они вам видятся, чтобы создать своё собственное простое видение пейзажа».
• «Моя единственная заслуга в том, что я рисовал непосредственно природу, пытаясь передать мои впечатления от самых мимолётных эффектов, и я очень сожалею о том, что моя картина послужила названием для целой группы, в которой фактически не было ничего импрессионистского».
• «Искусство – это всегда одно и то же: транспозиция Природы, которая требует как силы воли, так и тонкого восприятия».
• «Для меня пейзаж не существует сам по себе, поскольку его вид меняется каждый момент; однако его оживляет окружение – воздух и свет, которые постоянно меняются… Для меня только окружающая атмосфера придаёт объектам их истинную ценность».
• «Прошло много времени с тех пор, как я верил, что можно воспитать у публики вкус».
• «Когда я вижу природу, я чувствую, что могу запечатлеть всё, – а потом, когда ты работаешь, это ощущение исчезает!»
• «Я хотел бы рисовать, как поёт птица.»

Реализм (лат. геalis — вещественный)

Реализм возник в противовес художественным принципам, которые идеализировали действительность. Поэтому основной задачей художников-реалистов стало максимально точное и объективное изображение действительности. Вместо улыбающихся нарядных дам и кавалеров, окруженных роскошной обстановкой, объектами живописцев стали люди с реальными эмоциями, со всеми недостатками внешности и жизненной обстановкой или неброские пейзажи.

Так на картинах появились изможденные бурлаки, крестьяне, мещане и их быт (в работах И. Репина, Н. Богданова-Бельского, Б. Кустодиева, В. Перова, А. Архипова), поражающие правдивостью военные сцены (в трудах В. Верещагина, А. Боголюбова), вожди и политики в новом ракурсе (на гигантских полотнах И. Глазунова). Так родились подлинные русские пейзажи И. Шишкина, Е. Волкова, А. Куприна, С. Герасимова, И. Левитана, В. Поленова, А. Саврасова и других прославленных художников.

Чтобы показать правду жизни, художнику-реалисту требовалось глубинное постижение жизни, понимание ее сущности и умение видеть всю ее красоту. Это означало постоянные наблюдения и виртуозное мастерство изображения окружающего мира.

В России этот стиль был основным для художников-передвижников. Но у ряда мастеров реализм приобрел индивидуальные черты. Например, у М. Нестерова возник так называемый нестеровский пейзаж, у К. Сомова это галантный стиль, М. Клодт соединил эпический пейзаж с жанровой сценой, В. Третчиков перешел к гиперреализму.

В рамках реализма возник и соцреализм, выражающий идеалы социалистического общества. В этом направлении работали А. Дейнека, А. Самохвалов, А. Волков, С. Герасимов и другие. А внутри него родился «суровый стиль», представители которого не желали работать в навязанной обществом тематике и демонстрировали свои идеалы, свое видение советской жизни (Г. Нисский, В. Попков и пр.).

Примеры картин известных русских художников в стиле реализма и соцреализма

Картина И. Репина «Бурлаки на Волге» в стиле реализма. 1872–1873 гг.

Картина И. Шишкина «Утро в сосновом лесу» в стиле реализма. 1889 г.

Картина М. Нестерова «Осенний пейзаж» в стиле нестеровского пейзажа. 1906 г.

Техника письма и жанры

Мастера импрессионизма первыми отказались от контурного изображения в пользу коротких мазков, лишь символически очерчивающих границы. Разноцветные мазки должны были создавать игру света и иллюзию движения

Цвет здесь имеет большее значение, чем прорисовка деталей, которой внимание почти не уделялось

Характерным является совмещение нескольких техник живописи, эффект отражения одними объектами других.

Важным новшеством было изобретение красок в тубе и отказ от палитры для смешивания цветов. Необходимые оттенки получались при смешивании красок непосредственно на холсте. Зачастую новый слой краски наносился на еще не просохший старый.

Для передачи оттенков использовался весь спектр цветов радуги и все тонкости их удачного совмещения.

Чтобы понять, что изображено на картине импрессиониста, часто следует отдалиться на определенное расстояние, поскольку вблизи обилие оттенков сливается в беспорядочную мозаику.

Отсутствие необходимости в палитре и особых приспособлениях делало художника свободным от мастерской, поэтому импрессионисты часто писали на пленэре, запечатлевая всё увиденное. Это несколько объясняет частый выбор жанра пейзажа, в том числе городского.

Не избегали импрессионисты и портретов, зачастую изображая людей на фоне природы или урбанистических объектов. Натюрморты в импрессионизме встречаются, но реже.

Неутешное горе

1884. Холст, масло. 228х141. Третьяковская галерея

Картина производит сильное впечатление, благодаря тому, что автор сумел избежать изображения сильных эмоций. Именно сдержанность в проявлении чувств делает атмосферу работы такой насыщенной и искренней.

Перед зрителем женщина в траурном платье. Заплаканные глаза полны тоски и горя. Одна рука сжимает платок, мокрый от слез, другая — обессиленно свисает вдоль тела.

Цветы, сложенные в коробку, вплетенные в венок — раскрывают причину неутешного горя. В доме похороны.

Героиня бледна, но спокойна. Все слезы выплаканы, все истерики позади. Ее задумчивый взгляд наполнен таким смирением, ощущением своей беспомощности перед случившимся, что сердце зрителя невольно сжимается от сочувствия.

Украшенный цветами ковер, контрастируя и, одновременно, гармонируя с погребальными цветами, усиливает атмосферу скорби.

Фоном картины служит обычная жилая комната: мебель, картины на стенах (ясно видно морской пейзаж, который несет символическую нагрузку), погасший светильник (символично подчеркивающий смерть человека), стол, книги. В полуоткрытую дверь проникает свет. За дверью пустота. Свет может говорить о том, что со временем горе отступит, но если даже и так, то чувство одиночества и опустошенности останется с героиней навсегда.

Автор использует цветовой контраст, выбирая для фона золотисто-оранжевый, чтобы выделить черный цвет платья скорбящей героини. От этого впечатление безутешного горя становится еще ощутимей и яснее. 

Эдуард Мане (1832—1883).

Андрей Аллахвердов. Эдуард Мане. 2017. Личная коллекция художника Allakhverdov.com

Мане был старше большинства импрессионистов. Он был их главным вдохновителем.

Сам Мане на роль лидера революционеров не претендовал. Он был светским человеком. Мечтал об официальных наградах.

Но признания он ждал очень долго. Публика желала видеть греческих богинь или натюрморты на худой конец, чтобы красиво смотрелись в столовой. Мане же хотел писать современную жизнь. Например, куртизанок.

В результате появился “Завтрак на траве”. Два денди отдыхают в обществе дам лёгкого поведения. Одна из них как ни в чем ни бывало сидит рядом с одетыми мужчинами.

Эдуард Мане. Завтрак на траве. 1863. Музей д’Орсе, Париж.

Сравните его “Завтрак на траве” с работой Тома Кутюра “Римляне во времена упадка”. Картина Кутюра произвела фурор. Художник мгновенно прославился.

“Завтрак на траве” обвинили в вульгарности. Беременным абсолютно серьезно не рекомендовали на неё смотреть.

Тома Кутюр. Римляне времён упадка. 1847. Музей д’Орсе, Париж. artchive.ru.

На картине Кутюра мы видим все атрибуты академизма (традиционной живописи XVI-XIX вв.). Колонны и статуи. Люди аполлоновской внешности. Традиционные приглушённые цвета. Манерность поз и жестов. Сюжет из далекой жизни совсем другого народа.

“Завтрак на траве” Мане – другого формата. До него никто не изображал куртизанок вот так запросто. Рядом с респектабельными горожанами. Хотя многие мужчины того времени так и проводили свой досуг. Это была реальная жизнь реальных людей.

Мане пробовал считаться со вкусами публики. Писал портреты на заказ. Но из этого ничего не вышло.

Однажды изобразил одну респектабельную даму. Некрасивую. Он не смог польстить ей с помощью кисти. Дама была разочарована. Ушла от него в слезах.

Эдуард Мане. Ангелина. 1860. Музей д’Орсе, Париж. Wikimedia Commons.

Поэтому он продолжал экспериментировать. Например, с цветом. Он не пытался изобразить так называемый природный колорит. Если серо-бурая вода ему виделась ярко-синей, то он и изображал ее ярко-синей.

Это, конечно, раздражало публику. «Ведь даже Средиземное море не может похвастаться такой синевой, как вода у Мане» – язвили они.

Эдуард Мане. Аржантей. 1874. Музей изящных искусств, Турне, Бельгия. Wikimedia Commons.

Но факт остаётся фактом. Мане вкорне изменил предназначение живописи. Картина становилась воплощением индивидуальности художника, который пишет так, как ему заблагорассудится. Забыв о шаблонах и традициях.

Новаторства ему долго не прощали. Признания дождался только под конец жизни. Но оно уже было ему не нужно. Он мучительно угасал от неизлечимой болезни.

Произведения

• 1865 – «Натюрморт с хлебом и яйцами»
• 1867 – «Пейзаж с источником»
• 1867 – «Похищение»
• 1869 – «Завтрак на свежем воздухе»
• 1870 – «Купание»
• 1870 – «Убийство»
• 1874 – «Дом отшельника в Понтуазе»
• 1877 – «Вечно женственное»
• 1877 – «Мадам Сезанн в красном кресле»
• 1884 – «Натюрморт с суповой чашей»
• 1890 – «Мужчина с трубкой»
• 1900 – «Натюрморт с черепами»
• 1906 – «Садовник Валье»

Поль Сезанн
родился 19 января 1839 года в старинном французском городке Экс-ан-Прованс. Единственный сын грубоватого и жадного отца, Поль, в детстве практически не имел отношения к живописи, но в других областях получил весьма неплохое образование. Учеба давалась ему легко и результативно. Он постоянно получал школьные награды по латыни и греческому, по математике.

Рисование и живопись входили в курс обязательных дисциплин, но в молодые годы Поль не снискал на этом поприще особых лавров. Примечательно, что ежегодный приз по рисованию в колледже достался однокласснику молодого Сезанна – будущему классику Эмилю Золя. Стоит отметить, что крепкую детскую дружбу два выдающихся француза сумели пронести через всю жизнь. Да и выбор жизненного пути практически полностью определился дружеским советом Эмиля.

В 1858 году Сезанн сдает экзамены на бакалавра в университете Экса, поступив в действующую при вузе юридическую школу. Совершенно лишенный интереса к юриспруденции, молодой Поль был вынужден сделать это по настоянию своего властного родителя. Два года он «промучился» в этой школе, и за это время в нем твердо сформировалось решение посвятить себя живописи.

Сыну и отцу удалось достичь компромисса – Луи Огюст оборудовал сыну мастерскую, где тот, в перерывах между юридической практикой, мог посвящать время изучению художественного мастерства под руководством местного художника Жозефа Жибера.

В 1861 году отец все же отпустил сына в Париж для настоящего обучения живописи. Посещая Ателье Суисс, впечатлительный Поль Сезанн под влиянием здешних художников быстро отошел от академической манеры и занялся поиском собственного стиля.

Ненадолго вернувшись в Экс, Поль затем снова последовал за своим другом Золя в столицу. Он пытается поступить в Эколь-де-Бозар, но экзаменаторы сочли представленные им работы как слишком «буйные», что, впрочем, было не так уж далеко от действительности.

Впрочем, 23 года – это возраст, полный надежд, и не слишком огорченный Сезанн продолжил писать. Ежегодно он представлял свои творения в Салоне. Но требовательное жюри отвергало все картины художника. Ущемленное самолюбие заставляло Сезанна все глубже погружаться в работу, постепенно вырабатывая свою собственную манеру. Некоторое признание вместе с другими импрессионистами пришло к Сезанну в середине 70-х годов. Несколько богатых буржуа приобрели несколько его работ.

В 1869 году женой Поля становится Мария-Гортензия Фике. Они прожили вместе сорок лет. Сезанн с женой и сыном Полем постоянно переезжали с места на место, пока, наконец, в 1885 году Амбруаз Воллар не организовал персональную выставку художника. Но долги, связанные со смертью матери, вынуждают художника продать фамильное имение. На рубеже веков он открывает собственную студию, продолжая одновременно неутомимо работать, пока 22 октября 1906 года пневмония не прерывает его сложный и плодотворный жизненный путь.

Другие работы художника

Арка на запад от Этрета

Впечатляющие меловые скалы близ Этрета, на побережье Нормандии, манили к себе художников ещё с XVII века. Моне приезжал сюда каждый год с 1883 по 1886 и написал здесь более 60 полотен, на шести из которых изображен один и тот же вид самой большой арки, известной как Маннпорт.

Терраса в Сент-Адресс

Один из ранних шедевров Моне. Картина написана в тот период, когда страдающий от нужды художник был вынужден оставить Париж и вернуться в отцовский дом в Сент-Адрессе. На картине изображены отец Моне, его тётка и кузина. В тот период Моне ещё стремился к строгому построению картины: она чётко прописана и тщательно выверена по композиции.

Дама с зонтиком, повернувшаяся налево

Картина Клода Оскара Моне «Дама с зонтиком, повернувшаяся налево» — это настоящий Моне в его лучших проявлениях. Моделью для этой картины послужила Сюзанна Гошеде. Художник написал картину, парную этой, на которой Сюзанна повернута направо. Ранее он написал похожую картину со своей первой женой Камиллой, но «Дама с зонтиком, повернувшаяся налево» оказалась самой удачной.

Поле маков у Аржантёя

На картине «Поле маков», представленной на первой выставке импрессионистов, изображены жена Моне Камилла и их сын Жан в поле неподалёку от дома в Аржантёе. Как и на многих других работах Моне, Камилла нарисована с зонтиком в руке, и его изящные очертания придают картине особое впечатление.

Девушка с распущенной косой

Иван Николаевич Крамской к 12 годам закончил Острогожское училище с похвальными листами по всем предметам. В том же возрасте потерял отца, который трудился писарем городской думы.

После 16 лет представился случай объехать с харьковским фотографом половину России в качестве ретушера и акварелиста. Фотограф снимал в Острогожске войсковые учения и, познакомившись с Иваном, позвал его с собой.

• В 1857 году, в 20 лет Иван Крамской решил подать документы В Академию художеств в Петербурге, успешно сдал экзамены, и был принят в число студентов Академии.
• Во время учебы подрабатывал в фотоателье, искусно ретушируя фотографии.
• В 1863 году, накануне своего выпуска из Академии, Крамской возглавил знаменитый «бунт 14», когда 14 выпускников академии возмутились тем, что им запретили писать конкурсную картину на свободную тему, отказались принять участие в соревнованиях за Большую золотую медаль и покинули Академию.

Под руководством Крамского они организовали «Артель художников», которая просуществовала до 1870 года. С 1871 года Крамской увлекся идеей об организации нового художественного объединения, куда вошли художники Москвы и Петербурга.

Организация впоследствии получила название « Товарищество передвижных художественных выставок» В это время Крамской подружился с Павлом Третьяковым, став главным советником знаменитого мецената и исполнителем многих его заказов.

Отношения с «Товариществом» сохранялись в течение 10 лет. В начале 1880-х годов на Крамского обрушились многочисленные обвинения со стороны других передвижников и в том, что он «предал идеалы», приняв заказ на выполнение портретов членов царской семьи, и в роскоши, в которой он якобы погряз, и даже в том, что он носит модные красные чулки.

Крамской чувствовал себя оскорбленным, извинения поступили в его адрес лишь через семь лет после его смерти, в 1894 году.

Ушел из жизни Крамской за работой, у мольберта. В последний свой день он писал портрет доктора Раухфуса. С 1884 года из-за болезни сердца, он жил и лечился под наблюдением русских врачей в небольшом французском городке, а в свободное от процедур время учил рисованию свою дочь Соню, на рубеже веков она стала очень востребованной художницей.

Текстура холста, качественные краски и широкоформатная печать позволяют нашим репродукциям  Ивана Крамского не уступать оригиналу. Холст будет натянут на специальный подрамник, после чего картина может быть оправлена  в выбранный Вами багет.

По пути импрессионизма

Смелая выставка не оправдала надежд, люди не поняли нового направления в искусстве, и общество было распущено уже к концу 1874 года. Отличительной особенностью картин, написанных в духе импрессионизма, является то, что на полотно следует смотреть с некоего отдаления, а не подходя к нему вплотную.

Городские обыватели не понимали этого, а поэтому и не постигли всей сути нового направления, картины казались им размазанными и нечеткими. Картину Моне «Бульвар Капуцинок» на той выставке даже продырявили тростью прямо на глазах у автора. Казалось бы, трость должна быть атрибутом джентльмена, и предназначена она вовсе не для порчи картин. Возможно, дело в том, что на выставку пришли не только джентльмены.

Клод Моне «Бульвар Капуцинок», 1873 годМестонахождение: Художественный музей Нельсона-Аткинса, Канзас-Сити, США

Стоит напомнить читателям, что название «импрессионизм» происходит от английского слова «impression», что означает «впечатление». Кстати, французский репортер Луи Леруа, который написал разгромную статью о прошедшей выставке импрессионистов, а в особенности об одной из моих любимых картин Моне «Впечатление. Восходящее солнце» высказался так :

Возможно, ему стоило писать статьи на другие темы, а не браться за роль искусствоведа, если он не мог увидеть очевидного. На мой взгляд простого любителя красоты, на картине Моне можно увидеть не только нежный рассвет, но, если приглядеться, ещё много интересного. Тем не менее, именно благодаря Луи Леруа импрессионизм стал называться импрессионизмом и уже без негативного окраса.

Клод Моне «Впечатление. Восходящее солнце», 1872 годМестонахождение: Музей Мармоттан-Моне, Париж, Франция

Моне сочетал цвета на своих полотнах не просто по наитию, он изучил вдоль и поперек оптическую теорию немецкого физика-оптика Германа Гельмгольца. Эта теория заключается в том, что чисто белого и черного цвета нет в природе, но существуют 7 главных цветов и тысячи их оттенков.

Этим и пользовался Моне при написании своих полотен. Он ловил определенный свет в определенный сезон года, поэтому мог создавать одну картину в течение нескольких лет, работая, например, по полчаса в день летом, так как осенью свет падает на холст уже не так.

Клод Моне «Вид на равнину Аржантёя», 1872 годМестонахождение: Частная коллекция

Модернизм (итал. modernismo — современное течение)

Модернизм часто путают с модерном, однако это разные понятия. Если модерн — это конкретный стиль, то модернизмом называют большое количество течений, которые пошли вразрез с действующими до этого художественными стилями и были направлены на поиск нового. К модернизму относятся экспрессионизм, импрессионизм, футуризм, кубизм и прочие течения.

В этом смысле модернизм близок авангардизму. Их основные отличия сводятся к тому, что сторонники модернизма фактически устроили бунт против художественных традиций внутри искусства и занимались поиском новых художественных средств, а авангардисты бунтовали против традиций в целом и занимались поиском искусства нового вида, поиском самого предмета этого искусства (вместо изображения предметов окружающего мира перешли к беспредметному искусству). Среди русских художников в этом стиле работали, например, И. Бродский, Р. Фальк, Н. Фешин, П. Филонов.

Примеры картин известных русских художников в стиле модернизма

Картина Р. Фалька «Мужчина в котелке. Портрет Якова Каган-Шабшая». 1917 г.

Картина Н. Фешина «Обливание». 1911-1914 гг.

Картина П. Филонова «Пир королей». 1913 г.

Реализм в философии

Это концепция, что реальность (и материального и абстрактного) существует в мире независимо от нашего восприятия.

Критический реализм

Это раздел философии, который различает между тем миром, что человек воспринимает и тем, что является реальностью. Человек воспринимает не реальность, а лишь его точки зрения, это его мир, который является «воспринимаемым».

«Невоспринимаемые» структуры творят «воспринимаемые» события, и человеческий мир можно постичь, лишь если люди познают эти «невоспринимаемые» структуры.

Реализм и номинализм — какая между ними разница?

Сторонники реализма в философии утверждают, что универсалии (абстрактные понятия) так же реальны, как и материальное.

Сторонники номинализма утверждают, что универсалии не существуют так же, как и материальное.

СЕРИИ КАРТИН

Несмотря на то, что художники во все времена создавали ряд набросков одной сцены, до Моне не было ни одного, кто написал бы один и тот же объект несколько раз при различном освещении и разных погодных условиях. Картины Моне представляют целые серии, изображающие стога сена, тополя, собор в Руане, вид Лондона с Темзы и, наконец, кувшинки.

Лондонские пейзажи Моне, написанные в 1899-1901 годах, с их рассеянным светом и рассеянным цветом, — это виртуозные, драматичные произведения искусства, по которым можно проследить эволюцию стиля художника к почти абстрактной манере. Они показывают постепенное продвижение художника к объекту, который он будет писать во все оставшиеся годы жизни, создавая свои сады и превращая их в редкостные произведения искусства.

Конструктивизм (лат. constructivus — конструктивный)

Этот стиль относится к авангардизму. Впервые он возник в СССР, когда после революции шел непрерывный поиск новых форм. Конструктивисты фактически отказались от живописи ради нее самой и провозгласили производственное искусство, приносящее практическую пользу народу. Так авангардистские рисунки перешли на спецодежду, спортивную форму, ткани, фарфор и иные вещи.

Среди русских художников яркими представителями конструктивизма являются А. Родченко, В. Степанова, Л. Попова, а также И. Чашник, С. Делоне, В. Ермилов и другие.

Примеры картин известных русских художников в стиле конструктивизма

Эскизы спортивных костюмов В. Степановой.

Фарфоровая чашка, созданная по эскизам И. Чашника.

Работа В. Ермилова «Дизайн комнаты отдыха в Харьковском Дворце пионеров и октябрят». Около 1934 г.

Иван Крамской. Страдающая красота

И. Крамской. «Девушка с распущенной косой» (1873)

Главная героиня с картины Ивана Крамского «Девушка с распущенной косой» столь прекрасна, что поначалу не понимаешь: вид у нее, пожалуй, не столь здоров, как хотелось бы… Желтоватая кожа лица под ярким солнечным светом кажется совсем пергаментной; на лице застыла печать пережитых (или все еще переживаемых) мучений…

Иван Крамской пошёл дальше своих современников: он не хотел вводить в свои картины нищету или же болезни, которые зачастую и приводили к трагическим исходам; социальная сторона вопроса вообще не интересовала его.

В предсмертном лике он видел лишь покой и умиротворение.

Художник чувствовал, что только в таком — пограничном — состоянии человек способен заглянуть внутрь себя, отгородившись от повседневных забот, и открыть душевную красоту.

Я же, в свою очередь, замечу, что в таком состоянии человек способен полностью пересмотреть свой взгляд на жизнь, утратить прежние иллюзии и стать мудрее…

Обе они пережили предательство человека, которому всецело доверяли: Наташа – Анатоля Курагина, Марианна – Уиллоби. Обе получили серьёзную моральную травму, подкосившую их также и физически.

Однако они не умерли, но вышли из болезни умудренными опытом и ещё более прекрасными, нежели были прежде.

Мне кажется, я различаю в девушке с распущенной косой те же следы моральной травмы; на её измученном болезнью лице проступает понимание своей беды и принятие её.

Столь прекрасная девушка — и столь печальная…

Как бы мне хотелось, чтобы солнце вновь улыбнулось ей. Окрасило румянцем щеки. Заиграло в волосах…

• Поставьте ????, если статья показалась Вам интересной.
• Если  же Вам понравились заметки, добро пожаловать на мой канал:)
• Иван Крамской. Прекрасные утопленницы

Пьер Огюст Ренуар. Ах, эти танцы!..

Романтизм (фр. romantisme — романтика)

Классицизм не удовлетворял ряд художников не только консервативными методами, но и тем холодом, той избыточной рассудочностью, которая веяла от работ мастеров классической школы. В противовес этому возникли художники-романтики, выдвинувшие на первое место эмоции. В своих картинах они говорили о любви и ненависти, передавали страхи, радость и множество других эмоций. На их полотнах рождались поражающие своей красотой пейзажи, восхитительные девушки или самые невероятные сюжеты.

Все это выражалось с помощью яркой палитры и высокого мастерства. Например, у И. Айвазовского это бушующие моря, флотилии грациозных кораблей, у А. Куинджи это наполненные дивным светом пейзажи, у Н. Дубовского — эпические пейзажи, у О. Кипренского — чувственные портреты, у А. Кравченко — динамические жанровые сцены.

Примеры картин известных русских художников в стиле романтизма

Картина И. Айвазовского «Девятый вал». 1850 г.

Картина А. Куинджи «После дождя». 1879 г.

Картина О. Кипренского «Бедная Лиза». 1927 г.

Картина Н. Дубовского «Притихло». 1890 г.

Примитивизм (лат. primitivus — первый)

Этот стиль подразумевает упрощение изображения, создание рисунка, который близок исполнению ребенка. Но если ребенок рисует так из-за неумения, то многие художники прибегали к примитивизму намеренно. Это помогало им упростить чрезмерно усложнившуюся жизнь. Например, примитивные картины Н. Пиросмани не были напыщенны (как работы многих академистов), не содержали чрезмерно глубоких смыслов (как живопись авангардистов), потому казались простыми и душевными.

Прогресс во многом сделал человека рабом, лишил его естественной свободы, против чего и выступали примитивисты. Среди них были в первую очередь Н. Пиросмани и Л. Гудиашвили. У И. Машкова кроме чисто примитивистских сюжетов было интересное сочетание примитивизма с реализмом, у Н. де Сталя примитивизм сливался с абстракционизмом.

Примеры картин известных русских художников в стиле примитивизма

Картина Н. Пиросмани «Бездетный миллионер и бедная с детьми».

Картина Л. Гудиашвили «Кутеж кинто с женщиной». 1919 г.

Картина Н. де Сталя «Лежащая обнаженная». 1953 г.

Картина И. Машкова «Натюрморт с цветами». Около 1912 г.

Полесовщик

1874. Холст, масло. 84х62. Третьяковская галерея

Недобро, с тревогой смотрит с полотна на зрителя лесник. Даже позируя художнику, герой не расстается со своим привычным оружием — крепкой дубиной. Атмосфера портрета напряженная.

Внимание зрителей привлекают глаза героя. В них подозрительность, сила, укор

Дело охраны леса связано с постоянным риском. Перед нами человек, который привык рассчитывать только на себя, привык рисковать. Он и сейчас выглядит готовым к отражению нападения.

Рыжая запущенная борода, холщовый халат, обветренное лицо — все детали выдают нам образ одинокого человека, живущего в лесу. Так мог бы выглядеть сказочный леший, лесной хозяин. Став моделью, герой попал в непривычную для себя ситуацию. Он не знает, чего ожидать от художника. Поэтому взгляд испуганный, а поза напряженная.

Темный фон, в котором едва угадывается лесная чаща, позволяет зрителю разглядеть героя, не пропуская ни одной мелочи. Перед нами тот тип русского человека, из которых свое войско формировали Разин и Пугачев. 

Пасечник

1872. Холст, масло. 63х49. Третьяковская галерея

Солнечное утро на пасеке, колоритный, почти сказочный пасечник терпеливо ждет, пока его подопечные пчелы закончат сбор нектара с полевых цветов, чтобы выкосить «ненужные» и лишние растения.

Хозяин пасеки полон терпения, лишен всякой суетности. Его трогательное отношение к пчелам — результат многолетнего опыта общения с медоносными подопечными, врожденное чувство гармонии с природой, бережное к ней отношение

О характере героя говорят некоторые детали, на которые художник обращает внимание зрителей: нательный крест (большой, крестьянский), ключ на поясе (говорит об аккуратности, даже педантизме), коротко стриженная борода (чтобы не могли запутаться пчелы), аккуратно расчесанные волосы, безупречно чистая одежда. Перед нами человек, живущий по особым законам, скорее всего, вдали от других людей

Он привык к одиночеству, находит в ней особенную прелесть.

Солнечный свет концентрируется на руках и лице пасечника. Пасека за его спиной выглядит загадочным городком. Тропинка, композиционно разделяющая картину на две части, одновременно обозначает границу пчелиного царства и присутствие человека в этом особенном пчелином мире.

Сочинения по картинам 5-9 класс

• Иллюстрация к «Сказке о Золотом петушке» Билибина
  (683)

  Картина известного русского художника Ивана Билибина, который один из первых рассмотрел проблему иллюстраций детской литературы. На сегодняшний день сложно представить себе книжку без картинок. Самые лучшие иллюстрации были нарисованы еще во времена развития детской литературы, но до сих пор пользуется популярностью.Эта картина является частью…

• Иллюстрация к былине «Вольга» Ивана Билибина
  (564)

  Билибин постоянно тяготел к иллюстрированию разного рода былин и сказаний. «Иллюстрация к былине Вольга» выполнена в орнаментальном графическо-декоративном исполнении, которая полностью основана на мотивах былин и преданий русского народа.Иллюстрация выполнена тушью подцвеченного акварелью, при этом стоит отметить, что Билибин смог выработать…

• Иллюстрация к сказке «Белая уточка» работы Ивана Билибина
  (698)

  Иллюстрирование «Белой уточки», ровно как и еще шести сказок, знаменательно тем, что Билибин смог разработать и активно внедрить в свое творчество особую технику рисунка – тушь, подцвеченную акварелью.Билибин был приверженцем использования русского орнамента в оформлении своих произведений. В связи с этим он часто посещал российские глубинки,…

• Иллюстрация к сказке «Сестрица Аленушка и братец Иванушка» работы Ивана Билибина
  (644)

  Каждый из нас помнит чудесные русские сказки, которые он читал в детстве. Со временем они совершенно изменялись. Люди рассказывали их друг другу, добавляя что-то свое и этим существенно обогащая общее содержание. Сказки сначала не публиковались. Лишь в 17 веке, во второй его половине стали появляться книжки, которые именовались лубком.В них…

• Описание иллюстрации Ивана Билибина к сказке «Иван-Царевич и жар птица»
  (1112)

  Перед нами иллюстрация к знаменитой сказке. Билибин – настоящий мастер, сумевший передать особую красоту этого удивительного жанра. Сказки позволяют нам погрузиться в мир полный чудес. В нем травы. Звери и птицы умеют разговаривать. Человек их прекрасно понимает.Жар-птица – истинное волшебство. С такой героиней не сравниться ни одна птица. Ее…

• Описание картины И. Грабаря Февральская лазурь
  (589)

  И.Грабарь один из русских художников-живописцев 19-20 веков, его учителями были такие известные личности как И.Репин и П.Чистяков. Больше всего мастер любил изображать на своих полотнах несравненную красоту родных русских земель.Художник очень трепетно относился к истинно русскому дереву — березе, и именно ее очень часто можно встретить на…

• Описание картины Сальвадора Дали «Мадонна Порт-Льигата»
  (538)

  Будучи некогда неверующим, психика Гения кардинально изменилась, и он обратился в веру. Эти изменения сразу же выразились в его творчестве – странные образы объединились с христианскими мотивами в купе с мистицизмом.Он сотворил две версии полотна «Мадонна Порт-Льигата». В лике Богоматери прослеживаются черты его любимой супруги Галы, которую он…

• Сочинение И. К. Айвазовский “Радуга”
  (676)

  Иван Константинович Айвазовский – знаменитый русский живописец-маринист. В картине “Радуга” нашли отражение романтическое мировосприятие мастера, его восхищение необъятной, вечно изменчивой стихией моря. В центре внимания художника – тема кораблекрушения. Зрительно полотно можно разделить на две части. Задний план более мрачен, преобладают…

• Сочинение по картине «Май 1945» А. и С. Ткачёвых
  (899)

  Художники братья Ткачёвы, Сергей Петрович (1922) и Алексей Петрович (1925) приобрели значи­тельную известность ещё в середине прошлого века.

  Художники имеют многочисленные награды и звания. Ещё с 1948 г. они начали писать картины вместе, в две кисти — такое бывает не так часто, особенно соавторство на столь продолжительный период.
  Военная тема занимает…

• Сочинение по картине 3. Е. Серебряковой «За туалетом. Автопортрет»
  (588)

  Судьба талантливой художницы Зинаиды Васи­льевны Серебряковой сложилась счастливо и одно­временно трагически. Родившись в семье Лансере-Бенуа, в которой было несколько поколений талантли­вых архитекторов, скульпторов, художников, Зинаида Васильевна не могла избрать иного занятия, не свя­занного с искусством. Счастливое детство, юность,…

Экспрессионизм (лат. Expressio — выражение)

Истерзанные революциями и войнами 20-го века люди, испытывали тяжелейшие эмоции. У художников этого поколения возникла острая необходимость выражения этих эмоций, демонстрации своих страхов, разочарования, ощущения изуродованности мира. По этой причине картины экспрессионистов часто создавались с помощью темных или кричащих тонов, с помощью грубых мазков и искаженных линий. Сами сюжеты могли передавать боль, отчаяние или крик художника. Так, у Х. Сутина эта боль и ощущение уродливости мира выражались через изображение многочисленных туш животных, темно-красные оттенки, у Ю. Анненкова — через изломанные линии и темные тона, у А. Явленского — через кричащие тона и угловатые формы. Еще интереснее работы М. Ротко, который изображал только цветовые поля, но с их помощью выражал сильнейшие эмоции и вызывал аналогичные эмоции у зрителей.

Примеры картин известных русских художников в стиле экспрессионизма

Картина Х. Сутина «Бычья туша». Около 1923 г.

Картина А. Явленского «Женщина с зеленым веером». 1912 г.

Картина М. Ротко «№ 1 (Королевский красный и голубой)». 1954 г.

Выше мы рассмотрели лишь основные стили, в которых работала большая часть известных русских художников. Заметим, что для многих из них характерны продолжающие течения с приставками «нео», «пост», «прото» и другими (неопримитивизм, постмодернизм, протоимпрессионизм и т.д.). Возникали они либо по причине того, что данный стиль требовал для дальнейшего развития чего-то нового, либо на волне возрождения интереса к нему.

Также нужно учитывать, что многие русские художники не творили в одном стиле. Они экспериментировали с разными направлениями, смешивали их друг с другом или брали их отдельные элементы. Все это приводило к индивидуализации стилей и рождению новых направлений. Кроме названных выше к ним можно отнести, например, кинетическое искусство А. Певзнера, мистический сюрреализм П. Челищева, нонконформизм Е. Чубарова, концептуализм И. Кабакова и другие стили.

Работа А. Певзнера «Два конуса в одной плоскости» в стиле кинетического искусства. 1936 г.

Инсталляция И. Кабакова «Человек, улетевший в космос из своей комнаты» в стиле концептуализма. 1985 г.

Картина Е. Чубарова «Танец» в стиле нонконформизма. 1981 г.