LiveInternetLiveInternet
Мазаччо
Изгнание из рая — Мазаччо. 1427. Фреска. Музей: Фреска в капелле Бранкаччи
Человек, впервые в жизни увидевший эту фреску, вряд ли отнесет ее к XV веку, уж очень современным смотрится сам стиль исполнения. Экспрессивная манера письма, яркие цветовые пятна и выразительные фигуры с правильными очертаниями и строением тел, отсылают нас скорее к современным экспериментам в области искусства, чем к эпохе раннего Возрождения. Тем не менее, это так — фреска написана во времена тотального царствования «бесплотной» готики, когда нагота считалась постыдной и стыдливо прикрывалась драпировками или традиционными «фиговыми листьями».
Фреска мастера — это воплощение неприкрытого горя, внезапно постигшего двоих людей, до этого не знавших никаких бед. Отражение библейского предания, «Изгнание из рая» изображает именно тот момент, когда Адам и Ева изгнаны из Эдема. Райская жизнь для них закончилась, они прокляты и отвергнуты богом, а впереди их ждет только полная трудов и лишений жизнь.
Неудивительно, что Ева буквально вопит от горя и ощущения собственного бессилия. Ее образ наиболее впечатляет, потому что художник буквально несколькими мазками сумел отразить массу выразительных и сильных человеческих чувств — боль, горе, страдания, недоумение, сомнения в своей будущности, стыд. Кроме этих чувств, Ева впервые в своей жизни ощутила позор собственной наготы, которая в Эдеме ее нисколько не смущала. Она мучительно пытается прикрыться руками, страдая еще и от того, что именно она стала причиной, пусть и косвенной, грехопадения и изгнания.
Адам не стыдится своей наготы, от стыда и горя закрыв лицо руками. Его тело сотрясают рыдания, заставляя горбиться молодого и сильного мужчину. Хотя сам сюжет предполагает изображение Адама и Евы в обнаженном виде, смелость художника в подробных и реалистичных изображениях человеческих тел не пришлась по вкусу зашоренным церковникам. Как и в большинстве аналогичных случаев, изображения пытались с ложной стыдливостью прикрыть традиционными зелеными веточками.
Благодаря простоте изображения и почти полного отсутствия декора на заднем плане все внимание смотрящего на фреску сконцентрировано именно на трех фигурах — Адама, Евы и ангела с карающем мечом в руках, изображенного парящим над ними. Становится понятно, что путь назад им заказан — врата рая плотно закрыты, а охраняющий их ангел недвусмысленно поднял меч высоко над собой
Особую тревожность происходящему придает алый цвет платья ангела — это открытая угроза и предостережение.
Удивительный для столь раннего периода Возрождения реализм изображения человеческих тел и мастерство в отражении сильных эмоций заставляют лишний раз пожалеть, что сам мастер умер в таком молодом возрасте. Кто знает, останься он жить, не затмило ли его мастерство большинство из его известных современников?
muzei-mira.com
«Воскрешение Лазаря». Караваджо
В 1608 году Караваджо бежал с Мальты. Он и там умудрился повздорить и оказаться в тюрьме. Его приютил в Сиракузах старый друг и ученик, который и помог осуществить побег с острова рыцарей. Тут же новость облетела Сицилию, и на прославленного художника обрушились заказы. Он получил заказ для церкви святой Лючии. Сразу откликнулся на него, тем более, что был без средств к существованию. Он написал «Погребение святой Лючии», которая считалась покровительницей Сиракуз, достаточно быстро, всего за два месяца. Но многим картина показалась мрачной, серой и скупой в колорите. Поэтому, как только Караваджо получил гонорар, он отправился в Мессину, тем более, что мальтийские рыцари напали на его след.
В Мессине Караваджо познакомился с успешным и состоятельным купцом Джовани Баттиста де Ладзари, который предложил художнику что-нибудь для него написать. Караваджо, как было тогда принято, написал образ святого покровителя заказчика — обратился к теме воскрешения Лазаря.
Мрачные катакомбы, два человека держат тело Лазаря, умершего четыре дня назад. Караваджо обычно писал с натуры, поэтому и здесь он нанял людей, чтобы те позировали ему. Он даже велел принести ему выкопанное тело недавно убитого юноши. И хотя натурщики категорически отказывались держать в руках тело, Караваджо настоял на своем. Говорят, он даже пригрозил им клинком.
«Воскрешение Лазаря» (1609)
Мощная и огромна пустота. Луч света, который прорезает пространство. Свет, который, как прожектор, высвечивает действующих персонажей, который противопоставлен тьме и пустоте и сам является действующим лицом полотна — отличительная особенность Караваджо. Свет скользит по фигурам Христа, Лазаря, его друга, Марии и прямо сейчас, в эту секунду этот неземной свет воскресит к жизни оплаканного брата. Могильщики ухватились и едва удерживают плиту, которую только что отвалили от гроба. Они отвернулись, не желая смотреть смерти в глаза. На землю выкатились кости, череп, спали погребальные пелены с Лазаря. И вот его рука, будто отозвавшись на слова: «Лазарь, выйди» — уже тянется к свету. Смятение, горе, любопытство, недоумение на лицах присутствующих. Нет ликования, нет понимания, что чудо уже случилось, так неожиданно и вопреки законам природы оно вошло в их жизнь.
А зритель вновь участник реальных событий, такой же недоумевающий и растерянный, сопричастный и неравнодушный. Одни биографы говорят, что, увидев недоумение на лице заказчика и его знакомых, пришедших взглянуть на картину, раздосадованный реакцией Караваджо выхватил кинжал и полоснул им по холсту.
Другие утверждают, что заказчик был очень недоволен, и Караваджо в отчаянии снял изображение и написал картину заново.
В 1609 году картина была подарена мессианскому братству крестоносцев. Она пострадала во время землетрясений на Сицилии в 1693, 1783, 1908 годах, но ее удалось отреставрировать. В дошедшей до наших дней картине, которую художник написал за год до смерти, Караваджо предстает человеком, жаждущем истины и доказательств, миссионером и проповедником, искренне верящим в Воскресение из мертвых.
Иоанн Креститель (иногда называемый Иоанном в пустыне ) был предметом по меньшей мере восьми картин итальянскогохудожника эпохи барокко Микеланджело Меризи да Караваджо (1571–1610).
История Иоанна Крестителя рассказана в Евангелиях . Иоанн был двоюродным братом Иисуса , и его призвание состояло в том, чтобы подготовить путь к пришествию Мессии . Он жил в пустыне Иудеи между Иерусалимом и Мертвым морем , «его одежда из верблюжьего волоса и кожаный пояс на чреслах его; и пищей его были акриды и дикий мед». Он крестил Иисуса на Иордане и в конце концов был убит Иродом Антипой, когда призвал царя изменить его злые пути. Иоанна часто изображали в христианском искусстве: его можно было узнать по чаше, тростниковому кресту, верблюжьей шкуре и ягненку. Самой популярной сценой до Контрреформации было крещение Иисуса Иоанном, или же младенец-Креститель вместе с младенцем Иисусом и Марией, его матерью, часто дополняемый собственной матерью Крестителя, Святой Елизаветой . Один Иоанн в пустыне был менее популярен, но не безвестен. Для юного Караваджо Джон неизменно был мальчиком или юношей, одиноким в пустыне. Этот образ был основан на заявлении в Евангелии от Луки о том, что «дитя росло и укреплялось духом и находилось в пустынях до дня своего явления Израилю». Эти работы позволили религиозно относиться к частично одетым юношам, которых он любил рисовать в то время.
Помимо этих работ, показывающих одного Джона, в основном относящихся к его ранним годам, Караваджо написал три великие повествовательные сцены смерти Джона: великую казнь на Мальте и две мрачные Саломеи с его головой, одну в Мадриде и одну в Лондоне .
Индивидуальный стиль
Картина Мазаччо «Троица» стала самым ярким выражением стилистики мастера. Эта фреска написана для церкви Санта-Мария-Новелла. Время ее написания достоверно не установлено. Композиция построена внутри арки, свод которой уходит в глубину. Если смотреть снизу вверх, то можно увидеть восхождение к вечному спасению. На переднем плане — саркофаг со скелетом, который напоминает о скоротечности земной жизни. Затем две фигуры заказчиков на коленях. Молитва для них является спасением. Деву Марию и Иоанна Богослова связывает Христос, которого поддерживает Бог-Отец и Святой дух, витающий над ними голубем. Точка схода находится в ногах Христа, на них рукой указывает Мария.
В доминиканской церкви эта сцена понимается как утверждение воскресения в качестве единственного ответа на смерть: воскрес Христос, воскреснем и все мы. Считается, что это — самая известная картина Мазаччо.
Расцвет карьеры и смерть
В 1424 году обрели настоящую популярность. Художник стал членом гильдии Святого Луки, организации, объединявшей флорентийских мастеров, и начал сотрудничать с Мазолино. Последний был очень известен — его техника нравилась современникам, а стиль аристократической готики с нарядной религиозной сказочностью был одним из ключевых для первой половины пятнадцатого века, поэтому сотрудничество с ним было удачей для Мазаччо. Картины молодого подмастерья повлияли на творчество известного мастера Мазолино — уникальная ситуация, когда ученик изменил манеру работы учителя. К сожалению, талантливому флорентийцу не суждено было прожить долго — как и отец, Томмазо умер в 27 лет. Причина гибели неизвестна — предположение историка Вазари о возможном отравлении было впоследствии опровергнуто, а других документов об этом событии не сохранилось. Известно лишь, что это произошло в Риме и что собратья-художники посчитали это сокрушительной потерей — соответствующую отметку можно найти в записях Брунеллески.
Экспрессионизм XV века
Квинтэссенцию отчаяния и страха мы увидим уже гораздо позже. В конце XIX века. У Эдварда Мунка.
Справа: Эдвард Мунк. Крик (фрагмент). 1887. Национальный музей Осло. Wikimedia Commons.
По сути, Мунк, пусть и 5 столетий спустя, пришёл к тому же самому. Он изобразил сам Страх, само Отчаяние.
А Мазаччо изобрел такой стиль, как экспрессионизм, еще в XV веке, задолго до того же Мунка с его “Криком”.
И вот уже кажется: логичнее было бы искусству развиваться вот так, от Фра Анджелико к Мунку. И в этой цепочке Мазаччо видится ближе к правому краю.
Но… Мазаччо — гениальный художник, который смог заглянуть далеко в будущее. Поэтому он нарушает логику и встаёт в самом начале этой исторической цепочки. Слева.
Он создал образ как будто из другой эпохи. А его современники не смогли осознать его новаторства до конца. И только мы с вами сейчас можем взглянуть на его Еву и сказать: «Как же это гениально!»
***
Если Вам близок мой стиль изложения и Вам интересно изучать живопись, я могу отправить Вам на почту бесплатный цикл уроков. Для этого заполните простую форму по этой ссылке.
Комментарии
других читателейсмотрите ниже . Они часто являются хорошим дополнением к статье. Ещё вы можете поделиться своим мнением о картине и художнике, а также задать вопрос автору.
Перейти на главную страницу
Человеческие эмоции прародителей
Начнём с интересного сравнения.
Как вы думаете, какая из этих работ создана раньше?
По логике вещей фреска Мазаччо младше. Ведь у него мы видим более объемные фигуры людей, которые испытывают очень реалистичные эмоции.
На фреске справа герои скорее похожи на куклы. Их позы и выражения лиц мало соответствуют происходящему. Да и ангел какой-то уж слишком спокойный: ни внятного прогоняющего жеста, ни строго взгляда.
На самом деле обе фрески созданы примерно в одно время! И работу Мазаччо мы сравнивали с фрагментом «Благовещения» Фра Анджелико.
Фра Анджелико. Благовещение. 1426-1430. Музей Прадо, Мадрид. Wikimedia Commons.
Его герои как будто не знают, что такое отчаяние и стыд. Они скованны и растерянны.
А вот Адам и Ева Мазаччо испытывают очень сильные эмоции. Это настоящая драма, которая заставляет нас сопереживать.
Лицо женщины сильно искажено. Она не может и не хочет сдерживать отчаяние и боль. Черты ее лица скорее похожи на маску. Как будто перед нами и есть само Отчаяние. А не женщина, его испытывающая.
Мадонна Кассини (1426)
Несмотря на свои небольшие размеры, всего 24×18 см, картина «Мадонна Кассини» является настоящим шедевром. Её обнаружили случайно среди ценностей, которые гитлеровцы пытались вывезти из Италии в конце своего падения. На обороте картины стоит штамп с гербом кардинала Антонио Кассини. Это и дало соответствующее название картине.
На каноническом золотом фоне изображена Мадонна с младенцем Иисусом. Картина написана в готическом стиле. Но это только на первый взгляд — стоит только приглядеться к позе Марии и малыша, как сразу становится видно, насколько изображение отличается от канонических готических мадонн.
Мазаччо изобразил Марию нежной матерью, которая играет со своим ребёнком, щекочет его за шейку. А младенец реагирует на щекотку, пытаясь поймать руку матери. Лицо Мадонны печальное. Она как бы предчувствует будущее, которое суждено её сыну.
Картина поражает тонкостью письма, выразительностью. На головке младенца выписана каждая кудряшка. Мелкие детали свивальника и одежды поражают тонкостью и мастерством исполнения. Несмотря на канонический золотой фон, лица и фигуры людей выглядят объёмными.
Художественные достоинства
Фрески Мазаччо в часовне Бранкаччи считаются шедевром ренессансной живописи, их отличают чёткость линий, жизненная конкретность в изображении персонажей и способность проникать в характеры изображаемых лиц.
Кроме того, великий Мазаччо прожил всего 27 лет, и именно этот цикл остался его главным произведением.
Важным достоинством работ Мазаччо стало то, что он обратил особое внимание на достоверную анатомию своих персонажей, применив полученные им знания из античной скульптуры — поэтому его люди кажутся обладающими реальными, массивными телами. Кроме того, он помещает свои фрески в реальное архитектурное окружение, обращая внимание на расположение окна в капелле, и написав предметы так, будто они освещаются из этого источника света
Кроме того, он помещает свои фрески в реальное архитектурное окружение, обращая внимание на расположение окна в капелле, и написав предметы так, будто они освещаются из этого источника света. Поэтому они кажутся трехмерными: этот объем передан посредством мощной светотеневой моделировки
Вдобавок, люди соотнесены по масштабу с пейзажным фоном, который также написан с учетом световоздушной перспективы
Поэтому они кажутся трехмерными: этот объем передан посредством мощной светотеневой моделировки. Вдобавок, люди соотнесены по масштабу с пейзажным фоном, который также написан с учетом световоздушной перспективы.
Основной темой фресок, по рекомендации заказчика, стало житие апостола Петра и первородный грех. Фрески расположены в два ряда по боковым и задней стенам капеллы (третий ряд люнет утрачен). По низу расположена панель, подражавшая мраморной облицовке.
ТОП-5 лучших картин Адама и Евы в райском саду
1.Фрагмент росписи потолка Сикстинской капеллы «Сотворение Адама». Художник Микеланджело. 1508-1512 г. Картина изображает сцену создания человека и является четвертой из девяти композиций, размещенных на потолке. Бог Микеланджело написан в стиле античности. Справа от него находится Ева. Слева – Адам. Творец протягивает ему руку, чтобы передать энергию жизни. До этого касания фигура Адама обездвижена, в ней пока нет жизненной искры.
2.«Сад Земных наслаждений». Художник Иероним Босх. 1500-1510 г. Триптих – знаменитое произведение художника. Левая часть картины изображает Рай, справа – Ад. Посредине находится земная жизнь, в которой люди устремлены только к низшим удовольствиям, художник включает символы сладострастия, иных грехопадений. В Аду Босха играет праздная музыка, за столом сидят скупые картежники, горделивые едоки.
3.«Адам и Ева». Художник Рафаэль Санти. 1509-1511 г.
Фреска находится в Апостольском дворце г. Ватикана. Картина повествует о сюжете грехопадения. Змей-искуситель изображен Рафаэлем наполовину ребенком. Фигуры Адама и Евы противоположны, однако вместе образуют гармонию. Богатство природы Райского сада художник передает через буйство флоры и фауны, частично прикрывающее наготу обитателей Эдема.
4.«Адам и Ева изгоняются из Рая». Художник Марк Шагал. 1961 г. Картина повествует о сцене изгнания людей из сада Эдем. Залитый синевой Райский сад, из которого уходят, опустив головы, Адам и Ева. Сопровождает их херувим. Господь показан как Солнце, щедро дарующее всем теплоту и свет.
5.«Эдем». Художник Лукас Кранах I . 1530 г. На полотне Лукаса изображен Эдем, в котором есть всё для вольготной жизни людей и животных. На заднем фоне виднеется большой водоем без видимых краев. В саду бегают дикие звери, посажена темно-зеленая трава, растут высокие деревья.
Таким образом, фигуры Адама и Евы, а также изображение их жизни остается признанным вектором искусства во все этапы становления человечества. С течением времени менялось количество разных изобразительных приемов, которыми пользовались художники.
Rate this post
The following two tabs change content below.
- Автор
- Последние статьи
Другие персонажи и скрытые символы
Джотто. Поцелуй Иуды. 1303-1305 гг. Фреска в Капелле Скровеньи в Падуе, Италия
Еще один необычный момент. Это то, как Джотто передаёт напряжение людей. Обратите внимания на солдата в чёрном шлеме и красном плаще. Он весь подался вперёд. Он даже не замечает, что наступил на ногу сзади идущего. А тот тоже так сосредоточен, что не замечает боли.
Ещё один красивый элемент в своё творение вносит Джотто. На дальнем плане какой-то человек поднял вверх рог и трубит. Это означает скорое вознесение в Рай.
То есть Иуда ещё не успел поцеловать Христа, а ангел уже трубит об его воскрешении. Перед нашими глазами как бы проносятся все предстоящие страдания Христа. От поцелуя до воскрешения. Необыкновенно.
Джотто считается отцом Возрождения. До него – столетия иконописи. Когда человек был недостоин реалистичного изображения. И вдруг такой прорыв в лице одного мастера! У Джотто человек – главное действующее лицо. Именно такая центричность человека будет основной чертой Возрождения.
Правда произойдёт это только через пару столетий. А вот почему после Джотто Возрождение не наступило сразу, читайте в статье “Фрески Джотто. Между иконой и реализмом Возрождения”. В этой же статье вы найдёте ещё один наинтереснейший факт о фреске “Поцелуй Иуды”.
На тот же сюжет потрясающее полотно создал ещё один мастер. Правда 3 столетия спустя. О нем читайте в статье “Поцелуй Иуды” Караваджо. Необычное послание из прошлого”.
***
Если Вам близок мой стиль изложения и Вам интересно изучать живопись, я могу отправить Вам на почту бесплатный цикл уроков. Для этого заполните простую форму по этой ссылке.
Комментарии других читателей смотрите ниже. Они часто являются хорошим дополнением к статье. Ещё вы можете поделиться своим мнением о картине и художнике, а также задать вопрос автору.
Экспрессионизм XV века
Квинтэссенцию отчаяния и страха мы увидим уже гораздо позже. В конце XIX века. У Эдварда Мунка.
Справа: Эдвард Мунк. Крик (фрагмент). 1887. Национальный музей Осло. Wikimedia Commons.
По сути, Мунк, пусть и 5 столетий спустя, пришёл к тому же самому. Он изобразил сам Страх, само Отчаяние.
А Мазаччо изобрел такой стиль, как экспрессионизм, еще в XV веке, задолго до того же Мунка с его “Криком”.
И вот уже кажется: логичнее было бы искусству развиваться вот так, от Фра Анджелико к Мунку. И в этой цепочке Мазаччо видится ближе к правому краю.
Но… Мазаччо — гениальный художник, который смог заглянуть далеко в будущее. Поэтому он нарушает логику и встаёт в самом начале этой исторической цепочки. Слева.
Он создал образ как будто из другой эпохи. А его современники не смогли осознать его новаторства до конца. И только мы с вами сейчас можем взглянуть на его Еву и сказать: «Как же это гениально!»
***
Если Вам близок мой стиль изложения и Вам интересно изучать живопись, я могу отправить Вам на почту бесплатный цикл уроков. Для этого заполните простую форму по этой ссылке.
Комментарии
других читателейсмотрите ниже . Они часто являются хорошим дополнением к статье. Ещё вы можете поделиться своим мнением о картине и художнике, а также задать вопрос автору.
Перейти на главную страницу
Человеческие эмоции прародителей
Начнём с интересного сравнения.
Как вы думаете, какая из этих работ создана раньше?
По логике вещей фреска Мазаччо младше. Ведь у него мы видим более объемные фигуры людей, которые испытывают очень реалистичные эмоции.
На фреске справа герои скорее похожи на куклы. Их позы и выражения лиц мало соответствуют происходящему. Да и ангел какой-то уж слишком спокойный: ни внятного прогоняющего жеста, ни строго взгляда.
На самом деле обе фрески созданы примерно в одно время! И работу Мазаччо мы сравнивали с фрагментом «Благовещения» Фра Анджелико.
Фра Анджелико. Благовещение. 1426-1430. Музей Прадо, Мадрид. Wikimedia Commons.
Его герои как будто не знают, что такое отчаяние и стыд. Они скованны и растерянны.
А вот Адам и Ева Мазаччо испытывают очень сильные эмоции. Это настоящая драма, которая заставляет нас сопереживать.
Лицо женщины сильно искажено. Она не может и не хочет сдерживать отчаяние и боль. Черты ее лица скорее похожи на маску. Как будто перед нами и есть само Отчаяние. А не женщина, его испытывающая.
«Св. Петр, исцеляющий больных своей тенью»
Эта небольшая фреска также украшает капеллу Бранкаччи. Как и все остальные произведения капеллы, она очень пострадала от пожара 1771 года, но было проведено комплексное реставрирование в 1983 — 1990 годах, которое вернуло работам мастера прежний блеск
Наше внимание она привлекла не столько своим библейским сюжетом, хотя он тоже интересен, а тем, что человек в красной шапочке — это портрет художника Мазолино, с которым продолжительное время сотрудничал Мазаччо. Второй портрет — человек с руками, сложенными, как для молитвы, — это, возможно, сам великий Донателло, и третий, Иоанн, — предположительно брат Мазаччо
Евангельская сцена очень красноречива. Св. Петр с Иоанном за ним идут по улице. Их лица отрешенные. Они нисколько не сомневаются в помощи болящим. Тень Петра, падающая на группу больных, поднимает их на ноги. Вот один, с перевязанной ногой, уже встал, другой еще сидит, но он почувствовал, что его коснулась божественная благодать, третий — ожидает своей очереди.
В капелле свет на фреску падает справа. Соответственно, влево на ней и расположены тени на узкой средневековой улице, где соблюдены строгие законы перспективы: уходящие вдаль дома уменьшаются в размерах. На этом мы заканчиваем рассматривать картины Мазаччо с описанием.
Средневековье
В Средние века в сценах Грехопадения Адам и Ева изображались одетыми в шкуры животных, завернутые в плащи кающихся. Обязательными атрибутами выступал сноп колосьев рядом с Евой и плуг рядом с Адамом.
В знаменитых сценах «Страшного суда» Адам представлен в образе коленопреклонённого старца. Византийская иконография в эпизодах «Распятия» обязательно включала в себя череп или полностью скелет Адама у основания креста на Голгофе. Адама часто помещали рядом со Смертью как символ бренности человечества.
Жизнь Адама и Евы была популярным направлением в искусстве эпохи Возрождения и Барокко.
Караваджо – человек, рисовавший жизнь
«Положение во гроб» (1603)
Отличительной особенностью Караваджо была его откровенность. И прежде всего откровенность в передаче натуры. Он не признавал авторитетов, был непредвзят, принципиально ничего не выдумывал, не создавал отвлеченных романтизированных образов. Он писал как есть, скрупулезно выписывая предметы, которые в момент написания и были главными на картине. Если изображал мифологическое существо, а натурщиком выступал юноша с грязными жилистыми руками, то у античного бога были жилистые, рабочие руки. Если натурщик держал в руках виноград со сгнившими ягодами и пожухлыми листьями, то художник выписывал их такими, как они есть.
Многие биографы Караваджо пишут о нем как о человеке, который «не делал ни одного мазка, кроме как подсказанного жизнью», как о «перевернувшем все представление о том, что украшает живопись».
Караваджо писал то, что знал лучше всего. Воспевал красоту земной жизни, как ее видел. Он и верил лишь в то, что видели его глаза. Может быть, поэтому его картины имеют такую силу воздействия. Зритель чувствует себя вовлеченным участником события
Многие критиковали Караваджо за натурализм, вульгарность, за профанированность его святых. Ведь на полотнах это были простые смертные люди. Еще больше заказчиков возмущало то, что ради этой своей «с натуры» в качестве моделей Караваджо приглашал бродяг, нищих и проституток. Но как иначе мог поступать человек, который жил бок о бок с римской нищетой, знал, что это такое, был частью этого мира? «Вы не просто смотрите на мои картины, вы видите, вы верите в них, вы их чувствует», — говорил он. Да, он действительно по-своему интерпретировал сюжеты священного Писания, нарушая сложившиеся каноны и пренебрегая авторитетами. Бывали случаи, что от его картин отказывались заказчики. Но Караваджо воспринимал Евангельскую весть самым серьезным образом, как то, что касается его самого, является его частью. «Успение», «Мадонна пилигримов» (1603), «Ужин в Эммаусе» (1606), «Положение во гроб» (1602) «Уверение Фомы» (1601), «Мученичество святого Матфея» (1600) и многие другие работы демонстрируют Караваджо как евангелиста от живописи и заставляют содрогнуться от того, насколько близки могут быть события Писания.
Вспыльчивый, грубый, эмоциональный, страстный, неуживчивый, экстравагантный, нетерпимый, наживающий всюду и всегда себе врагов, гениальный… Караваджо всегда носил при себе оружие и часто его применял. Однажды он повздорил с неким Томаззони. Из-за девушки, известной в Риме куртизанки, которая, как говорили, позировала ему для картины «Святая Екатерина». Скрестили шпаги, дуэль была жестокой и кровопролитной. Раненый Томаззони умер от потери крови. О стычке быстро стало известно властям, и Караваджо кинулся в бега, ведь его не просто разыскивали за убийство, за его голову объявили награду.
Скрываясь от наказания, он добрался до Неаполя. Здесь его прятали и опекали покровители, которые обеспечивали ему свободу, но взамен требовали писать картины. Потом художник перебрался на Мальту. Несмотря на причастность к убийству (это было непреодолимым обстоятельством), Караваджо приняли в орден мальтийских рыцарей-ионитов. И он вновь стал писать. Мучимый чувством вины, жаждущий прощения и помилования, на Мальте Караваджо создал серию работ настолько откровенных, беспощадных и драматичных в своей подаче, картин без намека на утешение, что его прямо стали называть величайшим художником современности. Всех особенно потрясло огромное полотно «Усекновение главы Иоанна Крестителя» (1608), где Караваджо впервые поставил свою подпись. Он подписал картину в центре, кровью Крестителя, будто желая, чтобы это смыло с него совершенное преступление.