Густав Клуцис
Густав Клуцис (1895-1938) родился в Латвии и был одним из выдающихся фотографов во время прихода к власти Сталина. Он известен тем, что создал одни из самых известных сталинских пропагандистских работ в режиме фотомонтажа. Имя Клуциса часто ассоциируется с конструктивизмом и русским авангардом. Он начал свое художественное образование в Риге, а затем был призван в русскую армию в 1915 году. В 1917 году он отправился в Москву, где изучал искусство у Казимира Малевича и Антуана Певснера. Окончив государственную художественную школу ВХУТЕМАС, он вернулся в Ригу профессором теории цвета. Однако, несмотря на то, что он делал произведения для советского режима, Клуцис был арестован в Москве, когда он собирался отправиться на Всемирную ярмарку в Нью-Йорке в 1938 году. По обвинению в заговоре латышских националистов расстрелян. Реабилитирован в 1956.
Густав Клуцис. Конструкция, 1921
Кресты
Кресты, так же, как квадраты, были широко употребительными знаками в Европе и Азии от древности до наших дней. Для определённости перечислим страны: Китай, Малая Азия, Иран, Дагестан, Туркмения, Чехословакия, Центральная Европа. С начала Новой эры к этому списку присоединяется Восточная Европа, а затем, по мере распространения христианства, весь Божий мир.
Христианская символика креста достаточно известна. В основе её — мученическая смерть Сына Божия, отдавшего жизнь во искупление грехов рода человеческого. Поэтому в быту словом «крест» обозначают конец какого-либо процесса, мысли, представления и т.д. Поставить крест на своих надеждах, карьере, привязанностях — весьма печально, если не трагично.
Такой смысл читается в крестах Малевича. Черный — это давящая тяжесть, из-под которой невозможно выбраться. Белый — это уход от жизни под сень Креста, поиски спасения в недеянии и молитве. Красно-черный — это картина борьбы жизни и смерти. Красный вертикальный стержень жизни перечёркнут черным горизонтальным бревном. Может ли жизнь существовать под таким гнётом?
Тонкие кресты 1921 — 1927 годов — это памятники на могилах борцов — то ли за правое дело (красный крест), то ли за неправое (черный крест). Как сказал Экклезиаст: «Всему и всем одно: одна участь праведнику и нечестивому, доброму и злому, чистому и нечистому. Это-то и худо во всём, что делается под солнцем, что одна участь всем, и сердце сынов человеческих исполнено зла, и безумие в сердце их, в жизни их, а после того они отходят к умершим» (Эккл.9:2.3).
«Черный круг» (1920-е г.) — это реквием по нашей планете, пророчество о печальном её конце (в случае, если безобразия 20-х годов будут продолжаться). Планета (и вся жизнь наша) уже сдвинулась со своего места и начала движение в никуда, в неизвестность.
Какие выводы можно сделать из этого краткого знакомства с работами стиля статического супрематизма? Изобрёл ли Малевич новые формы, небывалые краски, вложил ли в них новый смысл? Ответ апельсина яснее и кратче: формы и краски унаследованы от глубокой древности, а смысл конкретизировался в зависимости от нового способа экспонирования этих старых символов. Публику особенно возмутило расположение Черного квадрата в «красном углу» — там, где положено вешать иконы. Подвиг Малевича заключался не в изобретении новых форм, а в смелости поступка — он предложил зрителю расшифровывать символические послания.
Л. Миронова,
15.10.2014
Малевич и большевики
Когда пришла революция 1917 года, Казимир Малевич встал на сторону большевиков. Он хотел сотрудничать с новой властью, так как это позволяло ему контролировать культурную и художественную политику. Ему казалось, что большевики позволят авангардистам преобразовать мир. В ноябре 1917 года Малевич был назначен «временным комиссаром для охраны ценностей Кремля», и в его назначении на эту должность кроется доля иронии, ведь он должен был оберегать то, что считал «обломками истории». Летом 1918 года был создан отдел Изобразительных Искусств, в коллегию которого вошли такие известные художники, как Любовь Попова, Надежда Удальцова, Ольга Розанова, , и Казимир Малевич.
Малевичу было поручено реформировать музеи и образование. С приходом новой власти авангардисты задались целью преобразовать методы художественного обучения. Многие академии были превращены в открытые мастерские, в которых педагоги могли выбирать собственную методику образования. Например, Малевич на стенах мастерской развешивал перед студентами лозунги «Ниспровержение старого мира искусств да будет вычернено на ваших ладонях» и «Сожжем Рафаэля». Однако эта свобода быстро закончилась: в сентябре 1918 года большевики провели выборы руководителей открытых мастерских, и авангардисты не сумели занять в них ведущие должности. Авангардистов пригласили украсить город ко дню международной солидарности трудящихся 1 мая 1918 года и к годовщине революции. Малевич отвечал за оформление фасада здания рабочих и солдатских депутатов на Тверской улице.
Однако с 1919 года возмущение большевиков участием авангардистов в руководстве стало усиливаться. Попытки сотрудничества превратились для художников в бесконечные противостояние, которое привело к потере недавно приобретенных привилегий. Тем не менее, в 1919 году Казимир Малевич оставался членом коллегии отдела Изобразительных искусств и занимался преобразованием выставок и музеев. Малевич пытался продвигать свое новаторское видение музея как лаборатории искусства. Он считал, что современный музей должен стать «собранием проектов современности, и только те проекты, которые смогут быть применены к остову жизни или в которых возникнет остов новых форм ее, — могут быть хранимы для времени». Взгляды Малевича были крайне прогрессивными, ведь подобные музеи стали появляться в Европе только после Второй Мировой войны.
Весной 1919 года его идеи были реализованы. Состоялась Государственная выставка, которая целиком была посвящена абстрактному искусству. На ней Малевич впервые представил свою серию работ «Белое на белом». Однако эта выставка не получила должного внимания, и авангардистов обвинили в том, что они монополизируют музейную политику. Работа на государственной службе перестала приносить результаты, и осенью 1919 года Малевич решил переехать из Москвы в Витебск.
На это решение в частности повлиял , который с весны 1919 года преподавал в Витебском народном училище ваяния и зодчества. Малевич познакомился с Лисицким в 1917 году, и в середине октября 1919 года Лисицкий предложил Малевичу работать в Витебском училище и пообещал опубликовать его крупное сочинение «О новых системах в искусстве». Малевич сразу же принял предложение коллеги и написал заявление об уходе из московских мастерских: в Москве ему было все сложнее публиковать свои произведения. Также в отличие от Москвы, в Витебске не было проблем с продовольствием, и работа в училище гарантировала ему стабильную зарплату.
Живопись
Первая картина в технике масляной живописи, принадлежащая кисти Малевича, появилась в Конотопе. 16-летний Казимир на полотне размером аршин на три четверти изобразил лунную ночь и реку с пришвартованной на берегу лодкой. Работу назвал «Лунная ночь». Первое полотно Малевича продано за 5 рублей и утеряно.
После переезда в Курск Казимир Малевич устроился чертежником в управлении российской казенной железной дороги. Живопись стала отдушиной от скучной и нелюбимой работы: молодой художник организовал кружок, в котором собрались единомышленники.
Дом в Еурсе, где жил Казимир Малевич
Через два года после переезда в Курск Малевич устроил первые выставки картин, о чем написал в «Автобиографии», но документальных свидетельств не осталось. В 1899-м Казимир женился, но вскоре семейная жизнь, рутинная работа в управлении и провинциальность города подтолкнули художника к переменам: Казимир Малевич, оставив семью в Курске, отправился в Москву.
В августе 1905 года Малевич подал прошение в столичное училище живописи, ваяния и зодчества, но получил отказ. Казимир не вернулся к семье в Курск, а за 7 рублей в месяц снял комнату в лефортовской художественной коммуне, где обитало три десятка «коммунаров». Через полгода деньги закончились, и Казимир Малевич вернулся домой.
Казимир Малевич за работой
Летом 1906 года он совершил вторую тщетную попытку поступить в столичное училище. Но на этот раз художник перебрался в Москву с семьей: Малевич с женой и детьми жил в снятой матерью квартире. Людвига Александровна работала заведующей столовой на Тверской улице. После ограбления столовой и разорения семья перебралась в меблированные комнаты доходного дома в Брюсовом переулке.
Желание учиться подтолкнуло Казимира Малевича к посещению студии русского художника Федора Рерберга. Три года, начиная с 1907, художник жадно учился. В 1910 году участвовал в первой выставке общества художников «Бубновый валет» – крупном творческом объединении раннего авангарда. «Бубновалетовцы» известны тем, что порвали с традициями реалистической живописи. В объединении Малевич познакомился с Петром Кончаловским, Иваном Клюном, Аристархом Лентуловым и Михаилом Ларионовым. Так Казимир Малевич сделал первый шаг к новому направлению – авангардизму.
Дети
Каротина «Дети» появилась в 1899 году. На ней изображены дети В.А. Серова, двое мальчиков, одному из которых, Саше – 7 лет, а второму, Юре – 5. Они стоят на террасе дачи.
Они очень похожи друг на друга, с темными волосами, которые вьются и падают на лоб, к тому же одинаково одеты. Старший мальчик смотрит на Финский залив, а младший – на зрителя.
Жесты и позы передают характеры детей. Старший брат сосредоточенно наблюдает, а младший мечтательно и задумчиво смотрит вперед.
Серов писал эту картину для себя. У него получилось изобразить детей в естественных позах, а также нарисовать удивительный пейзаж, передающий настроение автора: вечернее небо, водная гладь, тяжелые облака.
Суровый стиль на смену соцреализму
Искусство 1960-1980-х гг. является новым этапом. Идёт разработка нового «сурового стиля», задача которого состояла в воссоздании действительности без всего того, что лишает произведение глубины и выразительности и губительно влияет на творческие проявления. Ему были присущи лаконичность и обобщение художественного образа. Художниками этого стиля воспевалось героическое начало суровых трудовых будней, которое создавалось особым эмоциональным строем картины. «Суровый стиль» был определённым шагом к демократизации общества. Главным жанром, к котором работали приверженцы стиля стал портрет, также развивается групповой портрет, бытовой жанр, исторический и историко-революционный жанр. Яркими представителями этого периода в контексте развития «сурового стиля» стал В.Е. Попков, писавший множество автопортретов-картин, В.И. Иванов сторонник группового портрета, Г.М. Коржев, создававший исторические полотна. Раскрытие сути «сурового стиля» можно увидеть в картине «Геологи» П.Ф. Никонова, «Полярники» А.А. и П.А. Смолиных, «Шинели отца» В.Е. Попкова. В жанре пейзажа появляется интерес к северной природе.
Геологи. П.Ф. Никонов. 1962
Полярники. Братья Смолины. 1961
Александр Михайлович Герасимов — Журнал обо всём
. Это цитата
Русские художники.Герасимов Александр Михайлович
Герасимов Александр Михайлович (12.08.1881 – 23.07.1963)Народный художник СССР, доктор искусствоведения, четырежды лауреат Сталинской премии, первый президент Академии художеств СССР. Родился в городе Козлове (ныне — Мичуринск). В 1915 году окончил Московское училище живописи, ваяния и зодчества и получил звание художника первой степени и архитектора. Учился у известного художника Коровина.
Портрет дочери
В 1918 — 1925 годах А. М. Герасимов жил в Козлове, много рисовал, работал художником-декоратором в театре, организовал «Коммуну творчества Козловских художников».Увлекавшийся в молодости импрессионизмом, он в 20-е годы начинает писать картины в манере социалистического реализма.В 1925 году художник переехал в Москву. За 50 лет творческой деятельности им написано свыше трёх тысяч картин – настоящих шедевров. Александр Михайлович был награждён медалью «Гран-при» в Париже, Золотой медалью в Брюсселе. Его картины демонстрировались в Японии, Германии, США, Франции. Талант художника получил мировое признание.
Полдень.Теплый дождь
Умер А. М. Герасимов 23 июля 1963 года, похоронен в Москве на Новодевичьем кладбище. Мичуринцы увековечили память о художнике в названии одной из улиц.Его имя носит художественная школа.В 1977 году в Мичуринске Тамбовской области была восстановлена усадьба А.М. Герасимова, открыт музей его имени и функционирует картинная галерея, крупнейшая в Российской Федерации среди городских картинных галерей. Именно в этой усадьбе А. М. Герасимовым был написан известный пейзаж «Мокрая терраса», иллюстрация которого многие годы публиковалась в учебнике русского языка. По его проекту построен Мичуринский драматический театр в 1913 году. В годы Великой Отечественной войны передал свои личные сбережения в Фонд обороны.
Живопись интересная, умышленно не привожу картины со Сталиным, Лениным и другими деятелями.
Песня скворца
Женский портрет
Женский портрет
Портрет актрисы А.К.Тарасовой
Портрет балерины Ольги Лепешинской
В саду. Портрет Нины Гиляровской
Портрет Мичурина
Придорожные цветы
Иллюстрации в «Тарасу Бульбе»
Самые дорогие картины Малевича
Картины Казимира Малевича появляются на торгах крайне редко, так как в основном они находятся в музеях. На аукционы они попадают в тех случаях, если наследникам удается отсудить их у музеев или музеи вынуждены пойти на продажу части работ из-за бедственного положения. За период с 2000 по 2020 годы было продано на торгах всего 74 произведения художника. Рассмотрим несколько самых дорогих уходов.
Рекорд в продажах картин Малевича связан с работой «Супрематическая композиция». Художник написал ее в 1916 году, но вынужден был расстаться со своим детищем вот по какой причине. В 1927 году он показал картину на выставке в Берлине, однако там же ее и пришлось оставить, так как советские власти отказались продлять ему визу. Поскольку выставка продолжалась еще несколько месяцев, Малевич был вынужден оставить семь десятков картин на попечение Хуго Херинга. Забрать их художнику так и не удалось, так как из-за подозрений в шпионаже его больше не выпускали из СССР, а в 1935 году мастер скончался. В Германии картины едва не уничтожили как дегенеративное искусство, но Херинг успел продать их музею Амстердама, а позже пять из них отсудили наследники Малевича.
К. Малевич. «Супрематическая композиция (Синий прямоугольник поверх красного луча)». 1916 г.
В 2008 году наследники выставили «Супрематическую композицию» на аукционе Sotheby’s и продали за 60 млн долларов. Однако в 2018 году она снова появилась на торгах, на этот раз в аукционном доме Christie’s. Здесь работа была продана за 85,8 млн долларов, став самой дорогой картиной Малевича, когда-либо уходившей с торгов.
Следующие два крупных ухода также связаны с пятью картинами, отсуженными наследниками у музея. Первая из них — это ««Мистический супрематизм (Черный крест на красном овале)». При взгляде на нее многие начинали искать религиозную подоплеку. Однако, как пояснял сам художник, его крест с религией не связан и является производной от базового элемента, то есть от черного квадрата. Если двигать квадрат в разных плоскостях, как раз и получится крест. Квадрат, крест и круг образуют, согласно супрематической теории художника, черный триптих. Последний и посвящен основным формам творения.
К. Малевич. «Мистический супрематизм». 1920–1922 гг.
В 2015 году картина появилась на аукционе Sotheby’s, но не сумела приблизиться к рекорду «Супрематической композиции». При заявленной начальной стоимости в 35-45 млн долларов картина ушла с молотка за 37,7 млн долларов. Тем не менее, эта сумма внушительная и превосходит совокупные продажи картин многих других известных художников.
Вторая картина называется «Супрематизм. 18-я конструкция». Работа была выполнена в 1915 году — в тот самый год, когда Малевич основал супрематизм. И является она одним из ярких символов этого художественного направления. По мнению художника, искусство представляет собой умение создавать конструкции на основании веса, скорости и направления движения. Если мы вернемся к фотографии выставки «0,10», то увидим там ряд картин с аналогичным сюжетом. Это полотно также появилось на торгах Sotheby’s в 2015 году и было заявлено в границах 31,6-47,3 млн долларов. Окончательная цена продажи в итоге составила 33,8 млн долларов.
К. Малевич. «Супрематизм. 18-я конструкция». 1915 г.
Отметим, что за последние 20 лет с аукциона ушло 74 работы Малевича, за которые новые владельцы суммарно заплатили 279,3 млн долларов.
Мы рассмотрели лишь наиболее показательные и дорогие картины художника, что не позволяет составить полное представление о его творчестве. Не удивляйтесь, если увидите подпись Малевича под реалистичным пейзажем, кубофутуристической композицией или работой в стиле импрессионизма. Он был разноплановым художником и пробовал себя в разных направлениях. И супрематизм — лишь наиболее яркое из них.
В нужное время, в нужном месте
Я сторонник версии, что супрематический квадрат не был результатом долгих философских изысканий Малевича. Во всяком случае, не в то время. Он всплыл в его памяти в момент некоего творческого кризиса. Казимир хотел показать что-то необычное на готовящейся выставке, и кубофутуризм на это уже «не тянул».
Малевич начинал с импрессионизма, затем перешёл в кубофутуризм. Это авангардное направление соединило принципы французских кубистов и итальянских футуристов. Казимир Малевич просто не мог не знать его историю. А буквально несколькими десятилетиями ранее во Франции было сразу четыре чёрных прямоугольника.
Квадрат Малевича минимум шестой в череде подобных, и на этом холсте он тоже не первая работа. Сказать, что это было абсолютно оригинальное творение нельзя. Но до Малевича подобные вещи воспринимались либо мистически, либо чаще всего юмористически. Малевич же подвёл под него некую концептуальную философию. Хотя тоже не сразу, а чуть позже. Вот слова самого Казимира Малевича:
«Я не мог ни спать, ни есть. Всё пытался понять, что же я сделал. Но не мог«.
Тем не менее философия супрематизма легла на благодатную почту. Мир трещал и ломался, уже шла Мировая война, европейские империи неслись к своему краху. Во всех сферах общественной жизни происходил поиск и становление чего-то нового.
В иное время эта работа вряд ли осталась бы в истории искусства. С точки зрения академической живописи Казимир Малевич был самоучкой без особого таланта. Он год посещал Киевскую рисовальную школу Н.И.Мурашко, позже несколько раз безуспешно пытался поступить в Московское училище живописи, ваяния и зодчества. Но новое время, новые общественные запросы и, как сейчас говорят, «правильный пиар» сделали своё дело.
Примечания:
- Супрематизм (от лат. supremus — наивысший) — направление в авангардизме, основанное Каземиром Малевичем в 1915 году.
- Телеканал «Культура», Новости культуры, эфир от 11-11-2015 (19:30) — посмотреть репортаж.
- Кубофутуризм — авангардное направление в искустве начала XX века, соединяющее принципы французских кубистов и итальянских футуристов.
- Мария Москвичёва, статья «На «Черном квадрате» нашли отпечатки пальцев Малевича и уникальный рецепт«, портал «МК RU», 19-11-2015.
- «Победа над Солнцем» — постановка художественного объединения «Союз художников» в Санкт-Петербургском театре «Луна-парк» 3 и 5 декабря 1913 года.
- В.В.Поляков, «Победа над Солнцем», портал «Энциклопедия русского авангарда.
- Казимир Малевич, Собрание сочинений в пяти томах, Москва: Гилея, 1995-2004, том 1, стр. 67.
- Там же, стр. 66.
- Альфонс Алле, статья на Википедии.
- Поль Бийо, статья на Википедии.
- Поль Гюстав Доре, статья на Википедии.
- Берталь, статья на Википедии.
- Роберт Фладд, статья в Википедии.
Вам могут понравиться и другие статьи, например:
- Уйти по-английски: истоки появления выражения
- Кириллица — творение Кирилла и Мефодия?
- Франко-прусскую войну выиграл немецкий школьный учитель, но отметил это не Бисмарк
Каземир Малевич
Казимир Малевич (1879-1935) родился в Киеве, большую часть своего детства провел в отдаленной Украине и часто переезжал. Изолированный от культуры, Малевич впитал в себя традиции сельской жизни, которые, как говорят, были с ним на протяжении всей его жизни. После смерти отца в 1904 году он переехал в Москву, где учился в Московском училище живописи, ваяния и зодчества. Он был современником Владимира Татлина, часто выставлялся с ним на выставках. Поворотным моментом в его стиле стало открытие в 1913 году в Москве крупной выставки произведений Аристарха Лентулова. Говорят, что это открыло разум Малевича кубическим формам и принципам, которые он начал включать в свои работы. Основной вклад Малевича в историю искусств пришелся на 1915 году, когда он написал свой манифест «От кубизма к супрематизму». Супрематизм должен был стать его фирменным стилем и очень влиятельным для будущих поколений художников. Среди известных супрематических работ художника — «Черный квадрат» (1915) и «Белое на белом» (1918).
Каземир Малевич. Белое на белом, 1918
Прешественники чёрного квадрата
Альфонс Алле — Битва негров в пещере глубокой ночью
В 1882 году, за три десятилетия до квадрата Малевича, французский журналист, писатель и юморист Альфонс Алле (Alphonse Allais) начал серию монохромных полотен с остроумными названиями. Собственно говоря, он вообще был человеком с хорошим чувством юмора. Алле считается одним из трёх отцов популярного афоризма: «Никогда не откладывай на завтра то, что можешь сделать послезавтра». И, между прочим, два других отца — это Марк Твен и Оскар Уайльд.
Альфонс Алле (1854-1905)
Первым в цикле Алле стало полотно чёрного цвета под названием «Битва негров в пещере глубокой ночью». Только оно не квадрат, а прямоугольник, да и слово «супрематизм» Алле не употреблял. Он воспринимал это как шутку, без претензий на новую философию в искусстве. Однако, судя по его названию и обнаруженной на картине Малевича надписи, последний прекрасно знал это шуточное произведение.
Альфонс Алле, «Битва негров в пещере глубокой ночью», 1882 год
За этим последовало ещё 6 аналогичных полотен, но других цветов, и два из них весьма примечательны. Если помните, Малевич поступил аналогично, и за супрематическим квадратом последовали «Красный квадрат» и «Белое на белом».
Альфонс Алле, «Первое причастие страдающих анемией девушек в снежную пору», 1883 год
Альфонс Алле, «Уборка урожая помидоров на берегу Красного моря апоплексическими кардиналами», 1884 год
В 1893 году Алле снова вернулся к чёрному цвету в работе «Философы ловят черную кошку в темной комнате«.
Поль Бийо — Ночная драка негров в подвале
Альфонс Алле подхватил и развил идею другого француза, своего друга, драматурга и либреттиста Поля Бийо (Paul Bilhaud) . 1 октября 1882 года в Париже открылась выставка «Искусство непоследовательных». Её проводила группа «Салон непоследовательных», основанная в том же году французским писателем и издателем Жюлем Леви. На этой выставке Поль выставил работу под названием: «Ночная драка негров в подвале».
Поль Бийо, Ночная драка негров в подвале, 1882 год
Но и этот чёрный прямоугольник не был первым в истории Французской живописи и иллюстрирования XIX века.
Поль Гюстав Доре — История Святой Руси
Ещё тремя десятилетиями ранее, в 1854 году, другой француз — гравёр, иллюстратор и живописец Поль Гюстав Доре (Paul Gustave Doré) , выпустил книгу-альбом «История Святой Руси».
Поль Гюстав Доре (1832-1883), фотограф — Феликс Надар, 1867 год
Полное название альбома «Живописная, драматическая и карикатурная история Святой Руси на основании текстов хроникеров и историков Нестора, Сильвестра, Карамзина, Сегура и т. д. в 500 рисунках с комментариями». На обложке альбома красовался чёрный прямоугольник с надписью «Происхождение российской истории теряется во мраке веков«.
Поль Гюстав Доре, Происхождение российской истории теряется во мраке веков, 1854 год
Берталь — Вид на Ла-Хог
Ещё десятилетием раньше, в 1843 году, и опять же во Франции появился чёрный прямоугольник Берталя. Шарль констант Альберт Николя д’Арну де Лимож Сен-Санс Берталь (Charles Constant Albert Nicolas d’Arnoux de Limoges Saint-Saëns dit Bertall) был карикатуристом, портретистом и иллюстратором.
Берталь (Д’Арну Шарль Альберт), 1820-1882
Он создал картину «Вид на Ла-Хог (ночной эффект), Жан-Луи Пети» — горизонтальный чёрный прямоугольник, покрытый неясными знаками.
Берталь, Вид на Ла-Хог (ночной эффект), Жан-Луи Пети, 1843 год
Роберт Фладд — Великая тьма
Но ещё за два столетия до этого в Англии 1617 года тоже был свой чёрный квадрат. Его создал врач, философ, герметист-мистик, астролог, музыковед и теоретик музыки Роберт Фладд (Robert Fludd) .
Роберт Фладд (1574-1637)
Он оставил множество сочинений. На странице 26 трактата «Обоих миров, Великого и Малого, метафизика, физика, а также специальная история» есть гравюра чёрного квадрата с белыми полями под названием «Великая тьма«. С каждой стороны этого квадрата написано: «И так до бесконечности«.
Роберт Фладд, «Великая тьма», 1617 год
Однако, сам чёрный квадрат и тут не был придумкой Фладда. В Англии XVII века была традиция печати траурных книг, которые открывались черным четырехугольником с белыми полями вокруг. Позже стало принято печатать его слева на каждом развороте поминальных книг. Самая ранняя известная нам подобная книга выпущена в Лондоне в 1612 году по случаю смерти от тифа принца Генри, сына короля Джеймса I.
Описание и особенности картины
На первый взгляд «Черный квадрат» Малевича трудно назвать не только шедевром, но и вообще произведением искусства. Но это только, если исходить лишь из названия и поверхностного взгляда на картинки черного квадрата. Если изучить описание картины, то можно выявить несколько особенностей супрематического черного квадрата Казимира Малевича. Изображенная фигура на самом деле является не тем, чем кажется.
Черный квадрат на самом деле не черный
Одна из удивительных особенностей этой картины состоит в том, что черный квадрат не такой уж черный. Раньше художники для изображения черного цвета использовали смесь жженой кости. Малевич пошел другим путем – выбрал смешение других красок. Получение новых оттенков из сочетания других – не новое явление, но Казимир использовал приемы, неизвестные всем.
За черным квадратом есть другие картины
На данный момент холст испещрен многочисленными трещинами. За ними просматриваются мазки разных цветов. Полотно с черным квадратом исследовали с помощью различных методов экспертизы, в том числе рентгенограммой. В результате выяснилось, что за данной картиной есть другие. Восстановить их точный вид затруднительно, так как они имеют сложную композицию. Но по очертаниям видно, что одна из них написана в раннесупрематическом жанре, а другая – в кубофутуристическом с использованием разноцветных фигур.
Таким образом наложение картин можно рассмотреть как переход от одних направлений искусства к другим. Этапы плавно переходят один в другой, показывая закономерное их развитие. Позади оставлен футуризм, впереди ожидается новое искусство.
От дальнейшего восстановления скрытых картин эксперты отказываются, мотивируя тем, что это нанесет непоправимый вред внешнему изображению.
Отношение Малевича к своему творению
Малевич представил всем «Черный квадрат» как произведение супрематизма. Данное направление в искусстве он создал сам. У движения были сторонники, но в целом супрематизм стал переходной фазой между футуризмом и конструктивизмом.
О последующем влиянии на искусство художник тогда еще не знал, но позиционировал супрематический черный квадрат как начало истинного движения бытия.
Поясняя, что означает его творение, Казимир Малевич говорил, что картина должна вызывать «переживание чистой беспредметности в белой пустоте освобожденного ничто».
«Черный квадрат» — это политический ход
Казимир Малевич у своих работ в Музее художественной культуры в 1924 году
Казимир Малевич, являясь очень тонким стратегом, знал, как можно найти выход из любого положения, которое постоянно менялось в стране. Большое количество авторов царской России рисовали похожие «черные квадраты», но они были незаметными и малоизвестными. Когда же в 1915 году в свет вышел «Черный квадрат», он смог обрести абсолютно другой и актуальный смысл: автор представил революционное искусство ради блага новой эпохи и нового народа.
Но если рассмотреть более детально «Квадрат», то можно прийти к выводу, что рисунок к искусству и творчеству не относится. «Черный квадрат» был декларацией окончания традиционного искусства. Малевич был большевиком в искусстве и культуре, поэтому шел по стопам новой власти, а власть, соответственно, верила ему. Пока к управлению страной не пришел Сталин, у Малевича было несколько довольно почетных должностей, а в перспективе – будущий комиссар Наркомпроса ИЗО.
Константин Юон
Константин Юон был художником и дизайнером из Москвы, известным своими пейзажными работами. Учился в Московском училище живописи, скульптуры и архитектуры, а затем в мастерской Серова. После своего образования Юон провел много лет, путешествуя по Европе и восторгаясь художественными стилями и творениями, которые он видел. Особенно он был впечатлён импрессионизмом за исследование света и цвета. Считается, что он включил эти подходы и стили в свои собственные пейзажные работы. Однако его более поздние работы показывают более социально-реаличный стиль – здесь уже он включал в свои картины больше крестьян.
Расцвет соцреализма, романтический реализм в советской живописи
Постановлением «О перестройке литературно-художественных организаций» 23 апреля 1932 года были распущены все художественные объединения и создан Союз художников СССР. Творчество попалось в зловещие путы жёсткой идеологизации. Нарушилась свобода самовыражения художника — основа творческого процесса. Несмотря на такой надлом, продолжали свою деятельность художники ранее объединённые в сообщества, но ведущее значение в живописной среде заняли новые фигуры.
Б. В. Иогансон испытал влияние И.Е. Репина и В.И. Сурикова, в его полотнах виден композиционный поиск и интересные возможности в колористическом решении, но картины автора отмечены излишним сатирическим отношением, неподходящим в столь натуралистической манере, что мы можем наблюдать на примере картины «На старом уральском заводе».
Б.П. Иогансен. На старом уральском заводе. 1937
А.А. Дейнека не остаётся в стороне от «официальной» линии искусства. Он всё так же верен своим художественным принципам. Теперь он продолжает работать в жанровой тематике, к тому же пишет портреты и пейзажи. Картина «Будущие лётчики» хорошо показывает его живопись в этот период: романтичная, лёгкая.
Будущие лётчики. А. Дейнека. 1938
Большое количество работ художник создаёт на спортивную тему. От этого периода остались его акварели, написанные после 1935 года.
Живопись 1930-х годов представляет выдуманный мир, иллюзию светлой и праздничной жизни. Легче всего художнику было оставаться искренним в жанре пейзажа. Развивается жанр натюрморта.
Интенсивному развитию подвержен и портрет. П.П. Кончаловский пишет серию деятелей культуры («В. Софроницкий за роялем»). Работы М.В. Нестерова, впитавшие в себя влияние живописи В.А. Серова, показывают человека, как создателя, суть жизни которого — творческий поиск. Такими мы видим портреты скульптора И.Д. Шадра и хирурга С.С. Юдина.
Портрет скульптора И.Д. Шадра. М.В. Нестеров. 1934
П.Д. Корин продолжает портретную традицию предыдущего художника, но его живописная манера состоит в передаче жёсткости формы, более остром, экспрессивном силуэте и суровом колорите. В целом, большое значение в портрете играет тема творческой интеллигенции.
Русский авангард
Новое искусство не избегало в абсолютной мере старых традиций. Живопись, в первые послереволюционные годы, впитала влияния футуристов и авангарда в целом. Авангард со своим презрением к традициям прошлого, что так близко было к разрушительным идеям революции, нашёл себе приверженцев в лице молодых художников. Параллельно с этими течениями в изобразительном искусстве развивались реалистические тенденции, жизнь которым дал критический реализм XIX в. Эта биполярность, назревшая в момент смены эпох, сделала жизнь художника того времени особо напряжённой. Два пути, которые наметились в послереволюционной живописи хоть и являлись противоположностями, тем не менее, мы можем наблюдать влияние авангарда на творчество художников реалистического направления. Сам реализм в те годы был разнохарактерным. Работы этого стиля имеют символический, агитационный и даже романтический облик. Совершенно точно передаёт в символической форме грандиозную перемену в жизни страны произведение Б.М. Кустодиева — “Большевик” и, наполненная патетическим трагизмом и неудержимым ликованием “Новая планета” К.Ф. Юона.
Большевик. Кустодиев. 1920
К.Ф. Юон. Новая планета. 1921
Живопись П.Н. Филонова с его особым творческим методом – “аналитическим реализмом ” — являет собой сплав двух контрастных художественных течений, который мы можем увидеть на примере цикла c агитационным наименованием и значением “Ввод в мировой расцвет”.
П.Н. Филонов Корабли из цикла Ввод в мировой расцвет. 1919 ГТГ
Беспрекословность общечеловеческих ценностей, непоколебимых даже в такое смутное время выражает образ прекрасной “Петроградской мадонны” (офиц. название “1918 год в Петрограде”) К.С. Петрова-Водкина.
1918 год в Петрограде (или Петроградская мадонна). К.С. Петров-Водкин. 1920 ГТГ
Позитивным отношением к революционным событиям заражает светлое и наполненное солнечной, воздушной атмосферой творчество пейзажиста А.А. Рылова. Пейзаж “Закат”, в котором художник выразил предчувствие пожара революции, который разгорится от возрастающего пламени судного костра над минувшей эпохой, представляет один из воодушевляющих символов этого времени.
Закат. А.А. Рылов. 1917
Вместе с символическими образами, организующими подъём народного духа и увлекающими за собой, подобно одержимости, существовало и направление в реалистической живописи, с тягой к конкретной передаче действительности.
По сей день произведения этого периода хранят искру мятежа, способную заявить о себе внутри каждого из нас. Многие работы, не наделённые такими качествами или противоречащие им, уничтожались или были забыты, и никогда не представятся нашему взору.
Авангард навсегда оставляет свой отпечаток в реалистической живописи, но наступает период интенсивного развития направления реализма.