Начало пути
Казимир Малевич родился в Киеве, в польской многодетной семье. У него было четыре брата и четыре сестры. Все его детство прошло в селе. В 1895 — 1896 годах он посещал занятия в Киевской рисовальной школе. Первая картина была написана художником в 16 лет, а затем продана в магазине одним из друзей за 5 рублей. Он неоднократно пытался поступить в Московское училище живописи ваяния и зодчества, но все три попытки закончились неудачно. Каждый раз он вынужден был возвращаться и продолжать работу чертежником в управлении Курской железной дороги. В 1907 году Людвига Александровна, мать художника, снимает большую квартиру в Москве. Казимир Малевич получает возможность общаться с единомышленниками и создавать свои картины в столице.
Свой творческий путь художник начинает с натурализма. Но затем быстро увлекается импрессионизмом, футуризмом и кубизмом. Даже эти, весьма авангардные стили живописи, не дали Казимиру Малевичу возможности рассказать всему миру о переполнявших его философских размышлениях и мыслях о дальнейшем развитии современного искусства. Вскоре он понимает, что необходимо создать еще одно направление в живописи — супрематизм, в котором важны были лишь форма и цвет.
Картины Малевича — от абстракционизма к супрематизму
Понятие авангарда слишком широко и не входит в число тем, освещаемых данной статьей. Достаточно отметить, что под эгидой этого термина традиционно объединяют все течения конца 19-го – первой трети 20-го веков, отрицающие эволюционную преемственность с реализмом.
Абстракционизм – одно из них. Первая картина, как считается, была написана В.Кандинским в 1909-ом году – временной период совпал с началом оформления К.С. Малевича как художника с самостоятельным стилем и концепцией.
Тяготея в своих ранних, уже очень своеобразных, работах к импрессионизму (который вновь начнет играть заметную роль в творчестве художника через десятилетия) и особенно к фовизму.
- «Девушка с цветами» – 1903, «Пейзаж с желтым домом» 1906 – стоят на грани импрессионизма и фовизма,
- «Биркенхайн» 1905 – импрессионизм,
- полотна «Крестьянка с ведрами и ребенком» 1912, «Пейзаж (Зима)» 1909 – чистый фовизм, иногда относимый к неопримитивизму),
Пейзаж с желтым домом, 1906
Малевич в рамках объединения «Бубновый валет» знакомится с работами и теорией Кандинского.
Подражание – не характерная черта творчества Малевича, поэтому явно абстракционистских работ того времени назвать нельзя, однако импульс нового направления проявит себя в будущем.
Весной 1913-го в Москве происходит историческая выставка кубиста Аристарха Лентулова – произведенный ею фурор во многом обусловливает то, что вплоть до 1915-го года Малевич творит, главным образом, в жанре кубофутуризма, иногда алогизма («Голова крестьянской девушки» – 1913, «Композиция с Моной Лизой» – 1914, эскизы к опере «Победа над Солнцем» – в них уже чувствуется влияние абстракционизма и будущего супрематизма).
1915-ый год – год многочисленных операций и кампаний в мире войны и рождения супрематизма в мире искусства. Обобщив (во многом – философски) весь предыдущий опыт русского авангарда, Каземир Северинович разрабатывает авторское направление – то, в котором ему не тесно, в котором наиболее сильно может выразиться его дарование не только как живописца, но и как мыслителя, желающего донести до публики свой взгляд на действительность. Направление оказывается разновидностью изобретенного В.В. Кандинским абстракционизма, а название ему дает сам Малевич – супрематизм.
Этим выражением можно обозначить главный признак, позволяющий отличить супрематизм от любого другого жанра:
в основу композиции всегда (о единичных исключениях – см.ниже) положен квадрат или прямоугольник.
Среди прочих особенностей:
- допускаемые геометрические фигуры включают в себя, помимо квадрата с прямоугольником, круг и прямую линию, реже, в экспериментах – треугольник, эллипсоид;
- геометричность, не связанная с изображением конкретных вещей (беспредметность), обязательна;
- асимметричность может уравновешиваться;
- плоскостность, отсутствие объема;
- использование в основном черного, белого, красного и желтого цветов.
Вышеназванные признаки относятся к супрематизму внешнему: помогая отличить супрематическое полотно от, например, кубофутористического, они не раскрывают его внутреннюю суть. Однако тут потребуются авторские объяснения.
Суммируя их, можно сказать:
Поэтому, с точки зрения философии, возможно, не будет ошибочным сделать вывод о супрематизме как квинтэссенции нового, техногенного и обезличенного, прагматического мира, о предчувствии К.С. Малевичем не только революции 1917-го года и общественно-бытовых изменений по окончании Первой мировой войны, но и более глобальных тенденций, наблюдаемых, в частности, в наше время.
В отличие от других направлений в искусстве, достигавших пика через процесс развития, апофеоз супрематизма, его дух наиболее ярко представлен в первой выставке супрематических работ «Ноль, десять (0,10)», прошедшей в 1915-м году в Петрограде. Именно там впервые можно было увидеть квадрат Малевича, да и не только квадрат.
Описание картины Казимира Малевича «Из космоса»
Картина была написана в 1917 году.
Жанр в живописи: супрематизм.
Малевич признан гением своего дела, который писал не только картины портретного жанра, абстракцию, но и полотна, относящиеся к супрематизму. Это его собственная идеология. Малевич – это основатель супрематизма.
В основе жанра лежит полное отрицание привычного восприятия и игнорирование всех существующих догм. Если раньше полотна художников ценились за реализм и натуральности изображения, то Каземир Малевич сломал ранее сложившиеся вековые правила. Спустя некоторое время супрематизм стали использовать в архитектуре, дизайне стен и посуды. Идея жанра заключается в использование геометрических фигур в роли сюжета.
Супрематизм Малевича разделен на два периода до 1915 года и после. До 1915 года художник использовал в своих сюжетах только квадраты, парящие линии. Вторым этапом супрематизма стали линии, круги, различные геометрические пересечения.
Картина «Из космоса» относится ко второму этапу. Художник написал несколько полотен на тему космоса. Он оказывал на него особенное манящее влияние. Здесь мы видим в сюжете фигуры необычных геометрических форм, перпендикулярные линии.
Полотно написано простым карандашом. Кто знает, что Малевич хотел сказать таким изображением космоса. Возможно это вид Земли и планет, а может загадочный тоннель, по которому с поверхности нашей планеты можно отправиться в неизведанные просторы бездны. Ведь художник часто упоминал в своих разговорах о путешествиях человека в космос, летающих домах, независимости от гравитации.
Каждый воспринимает творчество Малевича по своему, у кого-то работы вызывают полное негодование и отрицание, кто-то его возносит и считает гением 20 столетия. Тайна Малевича не разгаданы до сих пор, великие умы ломают головы, пытаясь понять художника.
Картина находится в частной коллекции.
Самые дорогие картины Малевича
Картины Казимира Малевича появляются на торгах крайне редко, так как в основном они находятся в музеях. На аукционы они попадают в тех случаях, если наследникам удается отсудить их у музеев или музеи вынуждены пойти на продажу части работ из-за бедственного положения. За период с 2000 по 2020 годы было продано на торгах всего 74 произведения художника. Рассмотрим несколько самых дорогих уходов.
Рекорд в продажах картин Малевича связан с работой «Супрематическая композиция». Художник написал ее в 1916 году, но вынужден был расстаться со своим детищем вот по какой причине. В 1927 году он показал картину на выставке в Берлине, однако там же ее и пришлось оставить, так как советские власти отказались продлять ему визу. Поскольку выставка продолжалась еще несколько месяцев, Малевич был вынужден оставить семь десятков картин на попечение Хуго Херинга. Забрать их художнику так и не удалось, так как из-за подозрений в шпионаже его больше не выпускали из СССР, а в 1935 году мастер скончался. В Германии картины едва не уничтожили как дегенеративное искусство, но Херинг успел продать их музею Амстердама, а позже пять из них отсудили наследники Малевича.
К. Малевич. «Супрематическая композиция (Синий прямоугольник поверх красного луча)». 1916 г.
В 2008 году наследники выставили «Супрематическую композицию» на аукционе Sotheby’s и продали за 60 млн долларов. Однако в 2018 году она снова появилась на торгах, на этот раз в аукционном доме Christie’s. Здесь работа была продана за 85,8 млн долларов, став самой дорогой картиной Малевича, когда-либо уходившей с торгов.
Следующие два крупных ухода также связаны с пятью картинами, отсуженными наследниками у музея. Первая из них — это ««Мистический супрематизм (Черный крест на красном овале)». При взгляде на нее многие начинали искать религиозную подоплеку. Однако, как пояснял сам художник, его крест с религией не связан и является производной от базового элемента, то есть от черного квадрата. Если двигать квадрат в разных плоскостях, как раз и получится крест. Квадрат, крест и круг образуют, согласно супрематической теории художника, черный триптих. Последний и посвящен основным формам творения.
К. Малевич. «Мистический супрематизм». 1920–1922 гг.
В 2015 году картина появилась на аукционе Sotheby’s, но не сумела приблизиться к рекорду «Супрематической композиции». При заявленной начальной стоимости в 35-45 млн долларов картина ушла с молотка за 37,7 млн долларов. Тем не менее, эта сумма внушительная и превосходит совокупные продажи картин многих других известных художников.
Вторая картина называется «Супрематизм. 18-я конструкция». Работа была выполнена в 1915 году — в тот самый год, когда Малевич основал супрематизм. И является она одним из ярких символов этого художественного направления. По мнению художника, искусство представляет собой умение создавать конструкции на основании веса, скорости и направления движения. Если мы вернемся к фотографии выставки «0,10», то увидим там ряд картин с аналогичным сюжетом. Это полотно также появилось на торгах Sotheby’s в 2015 году и было заявлено в границах 31,6-47,3 млн долларов. Окончательная цена продажи в итоге составила 33,8 млн долларов.
К. Малевич. «Супрематизм. 18-я конструкция». 1915 г.
Отметим, что за последние 20 лет с аукциона ушло 74 работы Малевича, за которые новые владельцы суммарно заплатили 279,3 млн долларов.
Мы рассмотрели лишь наиболее показательные и дорогие картины художника, что не позволяет составить полное представление о его творчестве. Не удивляйтесь, если увидите подпись Малевича под реалистичным пейзажем, кубофутуристической композицией или работой в стиле импрессионизма. Он был разноплановым художником и пробовал себя в разных направлениях. И супрематизм — лишь наиболее яркое из них.
Описание картины Казимира Малевича «Точильщик»
У этой картины есть дополнение к названию – «Принцип мелькания». В чём он заключается? Видимо, в том, что в разных положениях, слово на стробоскопической фотографии, изображена нога, нажимающая на педаль точильного станка. Точно так же показано движение рук точильщика.
Одна из них подносит нож к станку, другая прижимает лезвие к точильному кругу. И если ещё очертания плеча можно угадать, то понять, где находится голова работающего человека, какое у него лицо – просто невозможно. Угадываются только густые рыжие усы. Видно, Казимир Малевич хотел показать поворот головы мастера.
Критики относят эту картину к стилю, объединяющему футуризм и кубизм, называя его футурокубизмом. Принцип, заимствованный из кубизма – это многократное повторение, если не назвать его нагромождением, однородных предметов. Справа мы видим нечто, похожее на ступени. Слева – какие-то рельсы и бутылочные горлышки, при более пристальном взгляде вдруг превращающиеся в обычные перила с балясинами. Позади фигуры точильщика удаётся разглядеть жёлтый стол. Возле перил – белый вазон.
Единственное, что изображено без повторов и изрезанности линий, – это колесо и точильный круг. Им разве что, при помощи некоторых приёмов, художник придал движение.
О таком искусстве, конечно, можно долго спорить, однако с тем, что эта картина несёт определённое настроение, и оно весьма позитивное – не согласиться невозможно. Такая картина вдохновляет, она – красива. В ней есть главное, что отличает шедевр – эмоции и движение.
В настоящем творении должно быть действие, спрессованное в мгновение. И это Малевичу удалось воплотить в своей картине «Точильщик (Принцип мелькания)». А разве не так мелькают искры раскалённого металла, когда затупившийся нож оказывается в руках мастера? Разве не так мелькает раскрученное колесо?
Торжество неба
Триумф небес, Казимир Малевич, 1907 год. \
«Триумф небес» (Торжество неба) — ранний пример творчества Казимира, отражающий начало его уникальной манеры живописи и художественные тенденции в Российской империи. В эту эпоху декаданс и символизм захватили культурную жизнь как в Москве, так и в Санкт-Петербурге. В 1907 году художник посетил выставку символистской группы «Голубая роза». Это событие настолько вдохновило его, что он создал серию картин, глубоко проникнутых религиозной мистикой. «Триумф небес» стал одной из самых известных ранних работ Казимира, а также одним из самых знаковых произведений русской символики.«Триумф небес» — это набросок фрески, в которой сочетаются народные традиции и православный мистицизм. Окружённые золотым сиянием, мирные небесные жители обитают на зелёном лугу, в то время как ряды фигур с конечностями возвышаются над ними только для того, чтобы их накрыло другое всемогущее существо.
На изучение художником религиозных тем повлияло его собственное католико-православное воспитание и интерес как к восточной философии, так и к крестьянскому искусству и фольклору Восточной Европы. «Благодаря иконописи мне удалось понять эмоциональное искусство крестьянства…которое я всегда любил», — написал однажды Казимир. В своих символических картинах он пытался оценить как высокую, так и популярную культуру, смешивая их воедино.
Кузьма Петров-Водкин. Купание красного коня. 1912 г. 11,7 млн $
Первый вариант, созданный в имении под Хвалынском, представлял бытовую сценку с мальчишками и конями. Второй стал шедевром символизма.
Справочно! На картине изображен жеребец Мальчик, всадник на переднем плане – Сергей Калмыков, ученик Петрова-Водкина.
По одной из версий, животное было сначала гнедым, а потом, вдохновившись новгородскими иконами, художник сделал его красным.
Зритель впервые увидел картину на выставке «Мир искусств» в 1912 г. С 1914 по 1950 гг. полотно находилось в шведском Мальмё, затем вернулось в Россию. В 1961 г. коллекционер К.К. Басевич подарила его Третьяковке.
Рекорд аукционных продаж Кузьма Петров-Водкин установил в июне 2019 года: «Натюрморт с сиренью» (1928 г.) «ушел» на Christie’s за 11,7 млн $.
Валентин Серов. Девочка с персиками. 1887 г. 12 млн $
Живописец с детства бывал в подмосковном Абрамцево. Хозяин дома, купец и меценат Савва Мамонтов, привечал и поддерживал художников. 22-летний мастер работал над картиной больше месяца. Моделью стала дочь Саввы Ивановича – Вера.
Девочка сидит за столом, рядом лежат персики, выращенные в оранжереях имений миллионера, за ее спиной – деревянная фигура гренадера, расписанная Серовым. Третьяковская галерея купила картину в 1929 г.
Художник написал и несколько портретов двоюродной сестры Веры – Прасковьи. В 2012 г. один из них был продан на Sotheby’s в Лондоне за 1,56 млн $. Аукционный рекорд принадлежит другой работе Серова – портрету Марии Цетлиной (12 млн $ в 2014 г. на Christie’s).
Белым на белом
Супрематическая композиция: Белое на белом, Казимир Малевич, 1918 год. \
Сколько оттенков белого может различить глаз? Это был один из вопросов, на которые Казимир попытался ответить своим «Белым на белом» – ещё одной супрематической картиной, которую многие сегодня ассоциируют с художником. Созданное в год после Октябрьской революции 1917 года, это произведение искусства является провокационным и новаторским. Монохромный квадрат появляется на белом холсте, передавая ощущение цвета, глубины и объёма. Критик-конструктивист, который видел картину во время выставки, якобы заявил, что это «абсолютно чистое белое полотно с очень хорошим грунтовочным покрытием и не более того».
Пейзаж с жёлтым домом
Пейзаж с жёлтым домом (Зимний пейзаж), Казимир Малевич, 1906 год. \
Увлечение Казимира популярной культурой и его упрощённое представление форм вместе зажгли в нём желание экспериментировать. Его «Пейзаж с жёлтым домом» — пример интереса художника к импрессионизму. В 1908 году в художественном журнале «Золотое руно» состоялась выставка, на которой в Москву были привезены работы Матисса, Гогена и Ван Гога. Заинтригованный этими новыми стилями искусства, Казимир увидел их импрессионистские корни. Из-за этого он решил погрузиться в неясную и яркую дымку цветов, которая характеризовала одно из самых заметных мировых направлений в живописи.Импрессионизм был не просто этапом в жизни художника, а повторяющимся лейтмотивом. Его пейзаж был одной из его первых попыток создать красочную мозаику точек, которая подчёркивала атмосферу сцены, а не точные формы объектов. Позже, во время своей персональной выставки, состоявшейся в 1928 году, знаменитый художник вернулся к импрессионизму. На этот раз он ссылался и переосмысливал картины Дега, Моне и Сезанна, которыми восхищался. Не случайно Казимир отсчитал начало своего личного художественного пути от первых эскизов импрессионистов, которые он написал в Курске.
«Черный квадрат» (1915)
Идея «Черного квадрата» посетила Малевича в 1913 году во время работы над оперой «Победа над Солнцем». Сама картина появилась в 1915 году. Первый раз она была выставлена на суд зрителей в год своего рождения на Последней футуристической выставке «0, 10». Автор установил картину в «красном углу», доказывая ее «сакральный характер».
Встреча с картиной взмела бурю эмоций. Мирискусник Бенуа негодовал:
Малевич ответил:
Свое творчество художник уподобляет мирозданию. Белый фон означает бесконечность космического пространства, где нет перспективы и тяготения. Сам квадрат является первоформой, из которой рождается абсолютно все. (Все остальные формы, по мнению художника, (круг, треугольник, прямоугольник…) — производные квадрата, появляющиеся из него через определенные манипуляции).
Бытует мнение, что «Черный квадрат» является «черной дырой», ведущей в иные миры или же он представляет собой первичное тело, плывущее в бесконечности. В том и другом случае, «Черный квадрат» — вестник «иного».
Искусствоведы, заметившие трещинки, образовавшиеся от времени в красочном слое холста, утверждают, что до черного цвета художник использовал другие цвета, от которых в конце своего эксперимента отказался.
Квадрат, по мнению Малевича, является элементом, с помощью которого он приобрёл возможность выражать разные ощущения.
писал художник.
Черный квадрат Малевич считает знаком экономии, знаком пятого измерения искусства, «последней супрематической плоскостью на линии искусств, живописи, цвета, эстетики, вышедшей за их орбиту». Художник сводит к минимуму телесность и изобразительность в живописи, оставляя пустой элемент — черную пустоту как знак-приглашение в Ничто или в себя. Он уверен, что в окружающем нас мире нет ничего ценностного, так как все благое находится внутри человека. Его «Черный квадрат» — знак-приглашение к медитации. В нем он видел сущность человеческого бытия и прорыв в неописуемое, но ощущаемое Ничто.
Картина стала своего рода символом нового понимания живописи.
Многие искусствоведы мира называют «Черный квадрат» шедевром, несмотря на то, что философские рассуждения автора попросту вводят людей в заблуждение. Картина «Черный квадрат» останется навсегда предметом жарких споров и будет вызывать различные ассоциации и толкования.
Малевичевский алогизм
Алогизму художника был свойственен футуристический язык, названный в литературе «заумный». Этот язык помог Малевичу начать наступление на одряхлевшие, по его мнению, догмы старого искусства. Основой его метода стал эпатажный прием, аналогичный тем, которые использовали создатели кубизма Пикассо и Брак.
Первое «алогическое» произведение – картина «Корова и скрипка» (1913)
На обороте картины автор сделал надпись:
Его алогическая живопись («Дама на остановке трамвая», «Композиция с Моной Лизой», «Авиатор», «Англичанин в Москве» и др.), построенная на монтаже разнородных элементов, сложившихся в композицию, наполнена особым авторским смыслом.
История развития
В 1915 году русские живописцы Ксения Богуславская, Иван Клюн, Михаил Меньков, Иван Пуни и Ольга Розанова вместе с Казимиром Малевичем решили сформировать группу художников-супрематистов. Вместе они представили свою новую работу публике на «0,10» Последней футуристической выставке картин (1915 год). Их работа представляла множество геометрических фигур, подвешенных над белым или светлым фоном. Разнообразие форм, размеров и углов создает ощущение глубины в этих композициях, делая квадраты, круги и прямоугольники движущимися в пространстве. На выставке были представлены тридцать пять абстрактных картин, которые создал основатель стиля.
Манифест Малевича
Казимир Малевич впервые использовал название супрематизм в Манифесте, который сопровождал «0,10» Последнюю футуристическую выставку. Расширенная версия Манифеста была опубликована в 1916 году под названием «От кубизма и футуризма к супрематизму: Новый реализм в живописи». Казимир Малевич намеревался пойти дальше: он хотел создать новый тип беспредметного искусства, которое позволило бы ему отказаться от всех ссылок на природность и сосредоточиться исключительно на цвете и творчестве в чистом виде.
Три этапа
Малевич проследил развитие супрематизма в три этапа: во-первых, черный, потом цветные, и, наконец, белые. Вершиной должны были стать белые изображения на белом фоне. Супрематическая композиция, автором которой был Казимир Малевич, «Белое на белом» написана в 1918 году, на теперешний момент она находится в Музее современного искусства в Нью-Йорке. Этот белый квадрат завершил серию работ художника, в которую уже входили черный и красный квадраты.
Влияние супрематизма в искусстве было распространено в России в начале 1920 — х годов и сыграло важную роль в формировании стиля конструктивизм – вдохновляющего абстрактного искусства, существующего во всех областях культуры, востребованного по сей день.
Василий Кандинский. Композиция VII. 1913 г. 12,7 млн $
Одно из самых знаменитых полотен в собрании ГТГ, вершина творчества Кандинского до 1914 г. Написана в Германии всего за 4 дня. Этому предшествовала длительная подготовка – около 30 эскизов, акварелей, набросков маслом.
На первый взгляд, «Композиция VII» кажется спонтанной круговертью ярких образов, пятен, линий, форм. Взгляните на нее как на попытку изобразить космос. Пытливому зрителю картина откроет свои библейские мотивы: Всемирный потоп, воскресение из мертвых, Судный день, райский сад.
Кандинский уехал из России в 1921 г. Последнюю «Композицию X» написал в Париже в 1939 году, за 5 лет до смерти. Самая дорогая из проданных на аукционах картин художника – «Импровизация с лошадьми» (1911 г.). На русских торгах Christie’s в Нью-Йорке в ноябре 2017 года она «ушла» за 12,7 млн $.
В тему! В список самых дорогих вещей, проданных с аукционов, входят также манускрипты, рукописи, автомобили, мебель и ювелирные украшения.
Работница
Работница, Казимир Малевич, 1933 год. \
В 1933 году он написал неоклассический портрет «Работницы». Эта пьеса до сих пор сбивает с толку критиков, которые не могут решить, что означает положение женских рук. С одной точки зрения, работница держит руки так, что это наводит на мысль о знакомом положении рук Мадонны. В то время как младенец Иисус отсутствует, выражение лица женщины ошеломленное, её щёки раскраснелись, а лицо побледнело. Работница ярко одета, у неё мозолистые пальцы, а её жесты и поза напоминают знакомую христианскую иконографию.Приспосабливаясь к новым обстоятельствам, Казимир больше не обращался к религиозным темам, которые увлекали его в юности. Вместо этого он выбрал слияние традиций и идей, создавая портреты, отражающие новый стиль социалистического реализма, а также разрывы, возникшие в результате изменений в политике и искусстве. В углу картины всё ещё можно различить подпись художника – чёрный квадрат, та самая пресловутая форма, которая стала тёзкой Малевича и принесла ему всемирную известность.
Описание картины Казимира Малевича «Голова»
Картину можно соотнести к циклу о крестьянах, которая является одной из самых лучших творений художника. Перед зрителем предстает символический портрет человека. Малевич в своем творчестве стремился развить границы традиционного искусства. Цикл «Крестьяне», должен был представляться как графическое изображение обыденной жизни, все трудности и невзгоды низкого сословия. Чем больше художник узнавал традицию народа, тем больше стремился привлечь внимания общества к нуждам крестьянам, но не через жалость, а их силу духа.
Портрет собрал в себе лучшие качества человека. Именно цвета помогают понять глубину изображения:
Красный цвет изначально олицетворяет тяжкий труд людей, внутренняя борьба и конфликты с высшими чинами. Красновато-коричневый оттенок показывает связь с землей. Сразу возникает ассоциация с работой на пашнях, народными обрядами плодородия.
Фоном выбран зеленый цвет, который приводит в гармонию душу человека с природой. Близость крестьянина к ней, естественная красота как физическая, так и духовная.
Геометрически расположенный нос с тремя цветами, показывает многоплановость натуры, которая подвержена как желтый цвет болезненности, синий – чистоту и необычность, белый в середине – гармонию.
Наличие черного оттенка, показывает сомнения, которые есть в каждой личности. Также выражается недолгая жизнь и высокая смертность, возникающая из-за отсутствия лекарств от болезни. Встреча с тяжелыми препятствиями на пути самореализации и саморазвития. Черное и белое равномерно расположены на картине, что создает азиатскую символику инь-янь.
Широкий лоб и близкое расположение глаз изображает человека, не занимающегося высокими науками, а упорно работающего на благо семьи и общества. Высокая шея, тянущаяся вверх, показывает стремление к новому и готовность узнать мир.
Иван Клюн. Пробегающий пейзаж. 1914–1915 гг. 6,38 млн $
Его считали эпигоном Малевича и почти забыли. Коллекционер Георгий Костаки вернул имя художника мировому искусству и подарил Третьяковке несколько его картин. Одна из них, «Пробегающий пейзаж», экспонировалась на последней футуристической выставке «0,10». Это главный клюновский (Иван Васильевич Клюн – художник и теоретик искусства, мастер русского авангарда первой половины XX века) шедевр в собрании ГТГ (Государственная Третьяковская галерея), одно из самых известных произведений художника.
В ноябре 2019 г. на Sotheby’s «Сферический супрематизм» Ивана Клюна был продан за 6,38 млн $.
Интересно! Самый крупный бриллиант Кохинур весит 109 карат. Он венчает британскую корону и считается бесценным.
Ключевые идеи
Термин «супрематизм» значит доминирование, превосходство. В контексте развития живописи – доминирование цвета над остальными свойствами живописи. По мнению Малевича, цвет и краска в супрематизме впервые освобождены от влияний формы, перспективы и других факторов. Цвет – наивысшее и наиболее главное в искусстве передачи объектов на картинах. Супрематизм освободил цвет и воплотил гармонию природы и человека в искусстве.
Супрематистами подчеркивался интерес к абстракции, сведенной к нулевой степени живописи в ее обыденном понимании. Это была точка, за которой живопись не могла развиваться, не переставая быть искусством.
В стиле использовались очень простые мотивы, так как они лучше всего передавали форму и плоскую поверхность полотна картины.
В конце концов, квадрат, круг и крест стал излюбленными мотивами.
Супрематисты выделяли подчеркнутую текстуру поверхности краски на холсте и считали ее одним из важнейших качеств живописи.
Картины в стиле супрематизм могут показаться строгими и серьезными, но очень быстро стиль становился абсурдным. Кубофутуристический стиль можно считать русским ответвлением группы художников, которые смешивали кубизм и футуризм, но не смогли доказать жизнеспособность стиля. Российские формалисты, значительная и влиятельная группа литературных критиков, которые были современниками Казимира Малевича, были против идеи существования языка только в роли простого и прозрачного средства для общения. Они развивали философию условности связи словесных наименований и объектов.
Идея супрематической живописи была направлена на удаление реального мира с полотен картин целиком, оставляя зрителя в размышлениях о модели мира, обозначенного единственной геометрической фигурой, например, в рамках картины «Черный квадрат».
Супрематическое искусство пыталось избавить картину от всех ассоциаций с реальным миром. Только сделав это, искусство может освободиться от морально обанкротившейся общества и достичь чистоты.
Философия супрематизма
Супрематизм – стиль, вошедший в основу художественных экспериментов. Его сущность как высшей ступени искусства, в беспредметности, исключающей всякий разум, осмысленной как чистое ощущение.
Супрематизм, как разновидность абстракционизма, формально можно определить так: набор геометрических фигур, закрашенных локальными цветами и распределенных на белом фоне по законам статики и динамики.
Самый главный элемент супрематических работ художника — квадрат (черный квадрат — «знак экономии»; красный — «сигнал революции»; белый — «знак чистоты человеческой творческой жизни»), хотя использовал он в своих работах прямоугольники, круги, кресты, треугольники, эллипсоиды, трапецоиды.
На первых супрематических работах художника изображены сложные геометрические абстракции.
Малевич пытается осмыслить суть своего нового направления, меняет акценты и тональности в понимании сути супрематизма от эпатажных выпадов (работы 1920-23 гг.) к более спокойным рассуждениям (работы 1927 г.)
убеждает он своих коллег-художников. Основными параметрами супрематизма у него выступает «экономическое начало», энергетика цвета и формы, своеобразный космизм. Малевич ощущает энергетику предмета, формы, цвета. Он работает с ними, организует их в плоскости холста на основе предельной «экономии». «Экономию» Малевич называет «пятой мерой» (пятым измерением искусства), которая выводит его из плоскости холста и даже за пределы Земли. Она помогает преодолеть силу притяжения и выйти из трех-четырехмерного пространства, в котором находится человек, в особые космическо-психические измерения. Знаковые конструкции превратились у Малевича в «живые миры, готовые улететь в пространство» и жить там вместе с другими космическими мирами.
Заниматься живописью профессионально художник начал в 27 лет. Не обладавший «общей культурой» (об этом говорит язык его манифестов), он проявлял потрясающую «переимчивость» и остро ощущал актуальную «новизну». Каждое потрясение от знакомства с работами мастеров побуждало его к анализу чужого метода. В результате создавалось нечто свое, самобытное. Причем свои новые шаги он растолковывал в манифестах. В 1920 годах Малевич ставил на новых картинах ранние датировки, чтобы внести последовательность и логику в свои теоретические учения.
Серией работ «Белое на белом», в которой белые геометрические формы терялись на белом фоне, была «закрыта» вся живопись. В последние годы жизни художник подводил итоги творческого периода 1920-1930 годов. Абсолютизируя логику, которая привела его к исчезновению формы и цвета в живописи, он обратился к современникам:
Работы Казимира Малевича хранятся в Государственной Третьяковской галерее, в Государственном Русском музее, в городском музее Амстердама. Его имя известно всему миру, и этому послужила неординарность художника.
Живя с мыслью о космосе, он провозглашал себя «президентом космического пространства». Художник упорно стремился к преображению мира и к некой власти. Чтение его манифестов производит ошеломляющее впечатление. Их стоит знать, чтобы представить ценности, которым он служил.
Малевич оглашал глобальные идеи, находил им новые смыслы и твердо отстаивал их право на существование.
Уважаемый читатель! Для меня Казимир Малевич – художник-экспериментатор. А что думаете о нем вы? Как вы считаете, в каком возрасте можно начинать знакомство детей с творчеством и манифестами Малевича?