«Сухая кисть»
Эта техника живописи берет начало с эпохи Возрождения, но в современной интерпретации сформировалась в 1980-х и хорошо зарекомендовала себя как коммерческая живопись. «Сухая кисть» представляет собой метод нанесения красок, когда они притираются тонким слоем к полотну. Используется жесткая щетина или синтетическая кисточка, и чем более насыщенным должно быть пятно, тем интенсивней затирка. Аналогом техники «сухая кисть» является методика создания рисунка «от пятна», которую мы преподаем на курсе технологии оптических просветов. Графитовый порошок наносится пятном, поэтому неестественная для глаза штриховка отсутствует, а светотени передаются очень мягко. Подробнее об этом рассказывается в видео.
Техника «сухой кисти» популярна среди уличных художников, потому что позволяет работать быстро и без эскизов. Она чаще всего применяется для рисования портретов и представляет собой нечто среднее между живописью и графикой. В традиционном изобразительном искусстве методика «сухой кисти» может использоваться для нивелирования излишней жесткости мазков и размытия контрастных переходов тонов и цветов.
Становление художника
Четыре года будущий русский живописец постигал основы рисунка и цвета в Академии, а затем продолжил занятия у И. Е. Репина. Его не удовлетворяли изображения передвижников, так как на сломе эпох он не видел в них ничего нового: все те же демократизм и социальное просветительство. Действительность отталкивала его. Сомов погрузился в атмосферу рококо XVIII века, музыку Глюка и Моцарта, в томные гавоты и менуэты, мемуары, поэзию и прозу того времени. Источниками вдохновения для него стали старые альбомы, на страницах которых он находил характерные визуальные приметы поз, походок, жестов, костюмов, причесок.
Не копиистом хотел стать художник. Этот художественный язык мог раскрыть душу современного человека. Тот период времени никак нельзя назвать пуританским. Пример помещен выше: «Силуэт. Поцелуй», который чуть в другом исполнении войдет позже в «Книгу маркизы».
Покрытие лаком
Кроме земляных красок, темнеющих со временем, покрывные лаки на основе смол (канифоль, копал, янтарь) также изменяют светлость картины, придавая ей желтые оттенки. Чтобы искусственно придать старину полотну, в лак специально добавляют пигмент охры или любой другой схожий. Но сильное потемнение скорее вызовет избыток масла в работе. Он может повлечь за собой еще и трещины. Хотя такой эффект кракелюра чаще связан с работой по полусырой краске, что для масляной живописи недопустимо: пишут только по высохшему или еще сырому слою, в ином случае необходимо соскрести его и прописать заново.
Брюллов – Последний день Помпеи
Эмиграция
В 23-м году К. Сомов выехал в США на выставку. Америка не понравилась мастеру, но и в Россию он возвращаться не захотел. В 25-м году он переехал в Париж, где по-прежнему продолжал работать. Он любил и знал этот город. Тягостной ностальгии, по-видимому, не испытывал. Его, как и всех, беспокоила надвигающаяся война, а кроме того, прогрессировала болезнь ног. Но творческая жизнь была оживлена открытием секретов старых мастеров. Живописец успешно работал над натюрмортами. Он внезапно умер в 39-м году накануне войны. Константин Сомов, биография которого в целом сложилась из творческих поисков, был надолго забыт. Его заново открыли в конце XX столетия.
- Две картины К. Сомова побили на аукционах все рекорды стоимости. В 2006 году «Русская пастораль» (1922 год) ушла за два млн четыреста тыс. €
, а через год «Радуга» была куплена за три млн семьсот тыс. €
. - Е. Мартынова («Дама в голубом») умоляла К. Сомова никому не продавать ее портрет. Она не хотела, чтобы любой и каждый мог проникнуть в ее душу. Е. Мартынова просила даже просто сжечь его. Все-таки портрет был продан в ГТГ.
На данной работе Сомова Константина Андреевича, которая была представлена публике в 1905 году, представлен весенний пейзаж. Картина входит в серию из четырех работ, посвященных четырем временам года. Работа написана в стиле модерн.
Когда фотография помогает живописи
В том же 19 веке наряду с противостоянием фотография была и помощницей художников. Для фиксации определенного сюжета, или, чтобы модель не слишком уставала, живописцы делали фото и на его основе строили композицию. Такой подход использовали Иван Шишкин, который нередко нанимал фотографа, чтобы тот делал ему снимки пейзажей, и Илья Репин, применявший фото для разработки поз портретируемых.
Этот подход сильно облегчал задачи художников, рисовавших с натуры, так как помимо поз персонажей и расположения объектов, задавал колористический строй будущего произведения. Фотографии хоть и были черно-белыми, но позволяли понять схему расположения оттенков и предоставляли большой простор для творчества. В этот период пользовалось спросом расцвечивание черно-белых фото, на чем зарабатывали многие начинающие живописцы. Среди них был и молодой Михаил Врубель – в будущем великий русский художник и член Императорской Академии художеств.
В настоящее время с помощью графических редакторов из фотографии можно сделать полноценную картину, но это отнюдь не приводит к новому витку соперничества. Живопись идет своей дорогой и наряду с такими популярными формами ее современного проявления, как кубизм, абстракционизм и поп-арт, становится популярной, казалось, навсегда утраченная техника Старых мастеров. В силу того, что методика способна точно и органично природе передавать любые проявления действительности, к ней все чаще прибегают современные художники. Иметь в своем арсенале столь мощный инструмент не откажется ни один живописец, в каком бы стиле он ни работал. Подробнее о технике Высокого мастерства рассказывается в книге, которую можно скачать по этой ссылке.
голоса
Рейтинг статьи
Лессировочная техника
В отличие от предыдущих методик, техника лессировки (глизаль) основывается на работе полупрозрачными красками – преимущественно акварельными и масляными. При использовании нескольких слоев сочетания всех оттенков остаются видимыми, что вызывает эффект глубины пространства и внутреннего свечения. Цветовые пигменты при этом не смешиваются, а новый слой краски накладывается на уже высохший.
В масляной живописи при помощи тонкой лессировки можно воспроизвести сложные тона и фактуры и визуализировать мельчайшие детали. С помощью акварели хорошо передаются атмосферные и природные эффекты: дождь, дымка, туман, водная гладь, облака и другие. В технологии оптических просветов лессировке отводится одна из ключевых ролей. Глизаль применяется на нескольких этапах (масло, плюс проработка отдельных участков темперными оптическими смесями), в результате чего получаются переливчатые оттенки, а изображение воспринимается как единое целое. Краски на палитре не смешиваются, а мазки отсутствуют – работа ведется «от пятна» в пространстве и с пространством. Результат после проведения большинства этапов лессировки (до финишного нанесения масла) смотрите в видео.
Портрет Елизаветы Михайловны Мартыновой
Позже, когда портрет окажется в ГТГ, его коротко назовут «Дама в голубом». К этому времени, когда писался портрет, то есть в 1897-1900 годы, живописец нашел свой собственный путь в искусстве и был уверен в своих силах. В этом поэтическом облике создается новый образ совершенной женственности, ее вершины, которая никак не совмещена с серой повседневностью или будничной суетой.
На первом плане условного парка около пышно разросшегося кустарника с тронутыми увяданием листьями стоит молодая женщина в старинных кружевах сильно декольтированного платья из поблекшего голубого муара. Она одухотворена неведомой нам трагедией, которая ее надломила. Ее рука с томиком стихов бессильно опущена. Левая рука женщины беспомощно поднесена к груди. Она одинока и тоскует. «Дама в голубом» хрупка, бледна и худощава. Болезненный румянец покрывает ее щеки. Несмотря на стилизацию костюма, она воспринимается как современный человек, у которого духовный мир сложен. Фигура модели с тонкой шеей, приобретает особое изящество на фоне сгустившегося вечера и бегущих по небу сероватых облаков. Откуда в ней такая щемящая тоска, глубокая грусть в глазах, скорбь в нежных неулыбчивых губах? Будущая художница Мартынова была всем знакома как веселый и жизнерадостный человек. Художник Сомов смог увидеть за внешним внутреннее. Через четыре года после написания портрета умрет от туберкулеза.
Замечательно передана утонченность модели живописными средствами: тончайшие красочные нюансы появляются благодаря лессировке, прозрачны голубоватые тени, которые ложатся на лицо и открытые плечи.
Жанровая сцена на дальнем плане и плотный кустарник еще сильнее отгораживают «Прекрасную Даму» от мира.
Комментарии и примечания
Статья опубликована в № 72, 30 мая; № 73, 31 мая; № 74, 1 июня; № 75, 2 июня; № 76, 4 июня 1918 года; везде — с. 4.
Ранее не переиздавалась.
. Походный ящик художника для работ на открытом воздухе.
. Спектр — цветное изображение от луча света, проходящего через прозрачную призму. Солнечный свет представляет собою как бы сложное соединение нескольких различно окрашенных лучей: белые солнечные лучи состоят из семи простых лучей: красного, оранжевого, желтого, зеленого, голубого, синего, фиолетового. Призма преломляет эти лучи, отклоняя их от первоначального направления. При этом равные лучи отклоняются на равные углы — красные всего меньше, а фиолетовые — всего больше. В природе естественный пример — радуга, получаемая вследствие разложения через дождевые капли.
. Кубизм — выражение предмета в более полном состоянии — в кубе. Кубисты пишут предмет не только как видят глаза, но как еще знает художник. Например, рисуя самовар, мы знаем, что внутри самовара есть решетка и труба. Этот первый шаг кубизма далее заменяется просто композицией.
. Кубизм — см. № 75 «Анархии», отд<ел> «Творчество».
. Футуризм — будущее. Так названо было новое направление искусства в Италии поэтом Маринетти.
В основе его лежит скорость наших дней (бег автомобиля, трамвая, поездов и проч<ее>), все есть движение вещей.
. Супрематизм — первенство цвета над вещью. Супрематизм создан в России. Родоначальник его художник Малевич, см. его брошюру «Кубизм, футуризм и супрематизм.
. Импрессионизм — французское течение в живописи: передача впечатления в картине.
. Академия — высшее казенное художественное училище, где преследуется всякое новое течение и где требуют от учащихся работы, которая соответствовала бы только старому.
. Тугендхольд, Мережковский, Бенуа — реакционеры и хулители новых течений. Сперанский и Коган — невежды как в вопросах искусства, так и в новых дерзаниях творчества.
. Малевич допускает неточность, причисляя Рубенса к художникам Возрождения.
. Собранная С.И. Щукиным коллекция западноевропейской живописи XIX — начала XX века, в том числе произведений Сезанна, была открыта для публичного посещения уже в 1907 году — в его собственном доме в Большом Знаменском переулке (не на Воздвиженке, как утверждает Малевич, а на Пречистенке).
. Метцинер — опечатка в газете; имеется в виду Ж. Метценже, один из авторов популярной в России книги «О кубизме» (совместно с Альбертом Глезом, напечатана в России в переводе Е. Низен под редакцией издателя М. Матюшина в его издательстве «Журавль», СПб., 1913). В 1910-е годы фамилия эльзасца Ж. Метценже (J. Metzinger) иногда в русских изданиях транскрибировалась как Метцингер.
. См. статью Малевича «Кубизм» (Анархия, 1918, № 89, 20 июня), опубликованную в настоящем томе.
. Имеются в виду брошюры «От кубизма к супрематизму. Новый живописный реализм». Пг., 1916, и «От кубизма и футуризма к супрематизму. Новый живописный реализм». М., 1916.
. Сперанский — не удалось установить, о ком идет речь.
| Предыдущая страница | К оглавлению | Следующая страница |
Колорит картины
Чтобы достичь гармонии в живописном произведении используют всю силу рефлексов и взаимодополнения цветов. Есть также такие небольшие хитрости, как применение цветного грунта, как принято в итальянской методе, или покрытие картины лаком с пигментом.
Цветные грунты могут быть клеевыми, эмульсионными и масляными. Последние являют собой пастозный слой масляной краски необходимого цвета. Если белая основа дает эффект свечения, то темная придает глубину краскам.
Рубенс – Союз Земли и Воды
Рембрандт писал по темно-серому грунту, Брюллов – на основе с пигментом умбры, Иванов тонировал полотна желтой охрой, Рубенс использовал пигменты английской красной и умбры, Боровиковский предпочитал для портретов серый грунт, а Левицкий –серо-зеленый. Потемнение полотна ждало всех, кто в избытке использовал земляные краски (сиена, умбра, темная охра).
Буше – нежный колорит всветло-голубых и розовых оттенках
После революции
В 1918 году вышло полное издание с эротическими рисунками, которые сделал Константин Сомов, — «Книга маркизы». Иллюстрации к ней очень напоминают Обри Бердслея, только в цвете. Впервые эта книга увидела свет в 1907 году на немецком языке. Расширенная и дополненная, она вышла во Франции в 18-м году, а наиболее полное последнее издание появилось в России. В ней фрагменты из литературных произведений разных авторов «галантного века» были снабжены иллюстрациями, которые сделал русский живописец. Она мгновенно разошлась и сделалась редким раритетным изданием. Поскольку мы не в Индии, где лингамы встречаются на каждом шагу, то приведем одну из наиболее скромных иллюстраций.
Сомов Константин Андреевич работал, гравируя металл, а затем раскрашивал рисунок акварелью. Тонкий вкус Сомова уберег его от порнографии. Очаровательное бесстыдство, фривольность и напряженная чувственность — это все присутствует в книге. Простое перечисление некоторых названий дает понятие о характере рисунков: «Поцелуй», «Настойчивый влюбленный», «Альков». Художник не является прямым иллюстратором текста. Своими рисунками он опередил книгу «Любовник леди Чаттерлей», которая со скандалом вышла в 28-м году.
Великий русский художник Константин Сомов картины
Автопортрет в зеркале
В детской
Дама в голубом (Портрет художницы Е.М.Мартыновой)
Дама у пруда
Заснувшая на траве молодая женщина
Зима. Каток
Летнее утро
Людмила в саду Черномора. На сюжет поэмы А.С.Пушкина Руслан и Людмила
Молодая девушка в красном платье (Девушка с письмом)
Обложка сборника стихов К.Д.Бальмонта Жар-птица. Свирель славянина
Осмеянный поцелуй
Портрет А.А.Блока
Портрет А.П.Остроумовой
Портрет А.С.Пушкина
Портрет Е.Е.Лансере
Портрет писателя и поэта В.И.Иванова
Портрет С.В.Рахманинова
Портрет художника А.Н.Бенуа
Синяя птица
Спящая молодая женщина в парке
Константи́н Андре́евич Со́мов (18 ноября 1869, Санкт-Петербург — 6 мая 1939, Париж) — русский живописец и график, мастер портрета и пейзажа, иллюстратор, один из основателей общества «Мир искусства» и одноименного журнала. Действительный член Академии художеств (1914).
Константин Сомов родился в семье известного музейного деятеля, хранителя Эрмитажа, Андрея Ивановича Сомова. Его мать, Надежда Константиновна (урождённая Лобанова) была хорошим музыкантом, широко образованным человеком.
В 1879-1888 годах учился в гимназии К. Мая вместе с А. Бенуа, В. Нувелем, Д. Философовым, с которыми позже участвовал в создании общества «Мир искусства». Сохранились мемуарные свидетельства о его любовных связях (camaraderie d’amour) с Философовым, Нувелем, М. Кузминым и другими деятелями «Серебряного века».
С сентября 1888 года по март 1897 года учился в петербургской Академии художеств: основной курс — до 1892 года, затем, с октября 1894 года, занятия в мастерской И. Репина. В 1894 году впервые участвовал в выставке Общества русских акварелистов. В 1897 и 1898 годах занимался в Академии Коларосси в Париже.
Сомов принимал самое деятельное участие в оформлении журнала «Мир искусства», а также периодического издания «Художественные сокровища России» (1901-1907), издававшегося под редакцией А. Бенуа.
Сомов известен как мастер книжной графики, создавший иллюстрации к «Графу Нулину» А. Пушкина (1899), повестям Н. Гоголя «Нос» и «Невский проспект» (1901). Ему же принадлежат обложки поэтических сборников К. Бальмонта «Жар-птица. Свирель славянина», В. Иванова «Cor Ardens», титульный лист книги А. Блока «Театр» и др.
Наряду с пейзажной и портретной живописью и графикой работал в области мелкой пластики: выполнил изысканные фарфоровые композиции «Граф Нулин» (1899), «Влюблённые» (1905) и др.
Первая персональная выставка картин, эскизов и рисунков (162 работы) состоялась в Петербурге в 1903 году; в Гамбурге и Берлине в этом же году были показаны 95 произведений. В 1905 году начал сотрудничать в журнале «Золотое руно».
В 1918 году в издательстве Голике и Вильборга (Петроград) вышло наиболее известное и полное издание с эротическими рисунками-иллюстрациями Сомова: «Книга маркизы» («Le livre de la Marquise»), где художник создал не только все элементы оформления книги, но и подобрал тексты на французском языке.
В 1918 году стал профессором Петроградских государственных свободных художественных учебных мастерских; работал в школе Е. Н. Званцевой.В 1919 году состоялась его юбилейная персональная выставка в Третьяковской галерее.
В 1923 году Сомов выехал из России в Америку в качестве уполномоченного «Русской выставки»; в январе 1924 года на выставке в Нью-Йорке Сомов был представлен 38 произведениями. В Россию он не вернулся. С 1925 года жил во Франции; в январе 1928 года приобрёл квартиру на бульваре Эксельманс (фр. Boulevard Exelmans) в Париже.
С 1910 г. Сомов жил почти семейной жизнью со своим другом Мефодием Георгиевичем Лукьяновым (1892-1932), служившим художнику и постоянной моделью для портретов. В последнее десятилетие жизни создал много работ гомоэротического содержания. Скоропостижно скончался 6 мая 1939 года в Париже. Похоронен на кладбище Сент-Женевьев-де-Буа в 30 км от Парижа. Душеприказчиком был Михаил Брайкевич.
Это часть статьи Википедии, используемая под лицензией CC-BY-SA. Полный текст статьи здесь →
Чем привлекает зрителя портрет М. И. Лопухиной?
Владимир Лукич Боровиковский был очень вдумчивым художником
Глядя на его произведения несложно сделать вывод, что он тщательно анализировал композицию и уделял большое внимание мелочам. Не исключение и портрет Марии Лопухиной, где каждый предмет тесно связан с главным персонажем и дополняет характер, подчеркивает настроение, отображает нежность и вскрывает романтичную душу девушки
Единство образа и природы
Подобно тому, как Боровиковский окружал персонажей парадных портретов атрибутикой, подчеркивающей чин и социальный статус главных героев, он окружил юную Марию Лопухину созвучными ее образу природными элементами. Воздушная дымка пейзажа служит пластическим фоном фигуры и ритмически связана с ней. Пейзажные линии вторят очертаниям и осанке позирующей, подчеркивая единство человека и природы.
Боровиковский и ранее использовал при написании портретов элементы пейзажа, но именно в этой работе они приобретают глубинный смысл. Колосья налитой ржи, полевые цветы и нежнейшая зелень подчеркивают «простоту» и мечтательную натуру персонажа. Белые стволы берез символизируют красоту русский души, а старый раскидистый клен намекает на зачатки мудрости у 18-летней девушки. А слева от Марии Ивановны Лопухиной, которая через 5 лет умрет от чахотки, изображены распустившиеся, но уже слегка поникшие розы. Что это? Символ уходящей юности или печальное чутье художника?..
Гармония композиции и противоречивость образа
Усердность и вдумчивость Боровиковского проявляются в любой детали – от тщательной проработки складок одежды до едва уловимых штрихов, наделяющих живые глаза девушки нотками грусти и задумчивости. Томный, мечтательный взгляд, простое белое платье, ниспадающая с плеч шаль, голубой пояс с золотистыми полосками, чуть усталая поза, нежная улыбка и округлые формы Марии удивительным образом гармонируют с пейзажной дымкой, распустившимися бутонами роз и таинственностью темного фона, расположенного с левой стороны за спиной девушки.
Для написания портрета художник выбрал прохладную цветовую гамму, содержащую белый, желто-зеленый, пепельный, лиловый и бледно-голубой оттенки. Краски Боровиковский накладывает плотно, но очень тонко и ровно, добиваясь своеобразной вибрации цвета. Единство всех средств живописного выражения глубоко и полно раскрывают образ, о котором следует сказать отдельно.
Художнику идеально точно удалось отобразить лучшие стороны Марии Лопухиной. Он затронул все качества, присущие популярному в то время сентиментализму и полностью раскрыл образ русской девушки конца 18 – начала 19 века. Глядя на портрет, зритель погружается в водоворот противоположных эмоций. Сначала создается впечатление, что от направленного на вас взгляда графини отдает аристократизмом и высокомерием, но уже через минуту в этом же взгляде вы увидите чистоту, прозрачность, детскую наивность, непосредственность и добродетельную душу. В образе этой юной особы столько поэзии и красоты человеческих чувств, что кажется – на картину можно смотреть вечно.
Осмеянный поцелуй. 1908
Сомов К.А.Холст, масло49 x 58
Русский музей
Из собрания А. А. Коровина в 1920 году
Аннотация
Творчество Сомова неотделимо от организованного в 1898 году в Петербурге художественного объединения «Мир искусства». В его искусстве нашли наиболее законченное выражение черты, присущие изобразительной практике мирискусников, — высокое профессиональное мастерство и тонкий художественный вкус, великолепное знание культуры прошлого, ретроспективная стилизация. Основные особенности творчества Сомова проявились наиболее полно в своеобразных сюжетных картинах о беспечной веселой жизни дворянства XVIII века, представляющих собой изящные любовные сценки в пейзаже и интерьере. Он изображает галантных кавалеров и грациозных дам в старинных костюмах гуляющими в парках, развлекающимися, играющими в любовь. Художник пленен изяществом, рафинированностью, красотой туалетов своих героев, но вместе с тем он показывает присущую им внутреннюю опустошенность и душевный излом, призрачность самого их существования. Характер персонажей и действия, кулисное построение пространства подчеркивают ирреальность происходящего. Работы Сомова отличают стилизация и гротеск, они проникнуты романтической иронией, скепсисом. Показательна для Сомова картина «Осмеянный поцелуй» — пикантная сценка, действующими лицами которой выступают забавные, манерные, похожие на кукол человечки. Большую роль в ней играет пейзаж. Написанный по сделанным ранее натурным этюдам и сохраняющий отчасти в силу этого живое чувство природы, он в то же время содержит декоративное видение формы и цвета.
Биография автора
Сомов Константин Андреевич (1869, Петербург – 1939, Париж)
Живописец, рисовальщик, акварелист, мастер книжной графики.
Академик Императорской Академии художеств (с 1914).
Родился в Петербурге. Учился в Академии художеств у В.П. Верещагина, П.П. Чистякова (1888-1897), в мастерской И.Е. Репина (с 1894). Под влиянием кружка А.Н. Бенуа оставил занятия в Академии. Занимался в Академии Ф. Коларосси в Париже (1897-1899). Член-учредитель общества «Мир искусства», член «Союза русских художников» (1903-1910). В 1917 получил охранную грамоту на свою коллекцию картин, рисунков и фарфора. В 1923 в составе группы петроградских художников уехал в США. В 1925 переехал во Францию и поселился в Гранвилье (Нормандия).
Художник-ретроспективист, нашел свой идеал в образах XVIII века. Маслом и акварелью писал небольшие картины из жизни дворянского мира эпохи ампира и рококо. Исполнил ряд статуэток из фарфора.
Тициан
Продолжительность жизни: 1488/1490 — 27 августа 1576
Национальность: итальянец
Тициан
Тициан — самый важный художник венецианской школы 16-го века. Он был универсальным художником, знатоком портретов; ландшафтных фонов и мифологических и религиозных предметов. За свою долгую карьеру Тициан экспериментировал со многими различными стилями живописи. На самом деле он радикально пересмотрел свой стиль и технику в последние годы. Свободные мазки и тонкость тона в его более поздних работах, не имеют аналогов в западном искусстве. Тициан использует цвета и методы рисования, особенно его акцент на прикосновениях кисти и даже иногда на кончиках пальцев, оказал глубокое влияние не только на художников позднего итальянского ренессанса, но и на будущие поколения западного искусства. Он также известен тем, что изменил историю искусства и покровительства, позволив королям и высшим санам Церкви совершать сексуальные соблазнения так же легко, как распятия. Тициан был провозглашен современниками как «Солнце среди маленьких звезд». Сегодня искусствоведы считают его одним из величайших художников всех времен.
Шедевр: Венера Урбинская (1538)
Венера Урбинская (1538)
Другие известные работы: —
- Успение Богородицы (1518)
- Вакх и Ариадна (1523)
Описание картины Констатина Андреевича Сомова «Осмеянный поцелуй (1908)»
Художник был мастером старой живописи, и подобную технику он имитировал в собственных картинах. Сомов был настоящим профессионалом, имея очень тонкий художественный вкус и прекрасно разбираясь в истории культуры. Основной направленностью мастера было изображение дворянства восемнадцатого века, отличавшегося лёгкой беспечностью, жизнерадостностью, живя беззаботной и счастливой жизнью. На его полотнах можно наблюдать любовные сцены между дамами и кавалерами, отличающиеся изяществом и кокетством. Его герои – грациозные и игривые молодые люди, развлекающиеся в садах и на зелёных лужайках.
Они веселятся и играют, имитируя любовные чувства и флирт. Художник великолепно изображает потрясающие туалеты своих героев, восхищаясь их грациозностью и пышностью. Но в то же время, сами персонажи испытывают определённые душевные муки, будучи опустошёнными и разочаровавшимися. Их существование призрачно, и они словно замерли в одном моменте, который никогда не будет иметь продолжения. Работы Сомова таят в себе романтическую иронию и кажутся слегка рафинированными.
Ирреальность происходящих событий подчёркнута кулисным изображением пространства, то же самое и читается в действии героев. Главными персонажами данной картины является пара дворянского происхождения, которые больше похожи на кукол, чем на людей. Они отличаются некой манерностью, жеманством и несмотря ни на что, кажутся забавными
Огромное внимание художник уделил прорисовке пейзажа, являющегося этюдом, изображающим живую, прекрасную природу. Художник предпочёл изобразить цвета и формы более декоративно, уделив внимание мягкости линий и гармонии всего пейзажа в целом
Полотну присуще утончённое изящество и ощущение мимолётного видения, кажущееся вспыхнувшим и исчезнувшим.
Интересная просьба… — here, there and everywhere…
«Ребята, здравствуйте! Извините, что вторгаюсь в вашу беседу, но мне очень хочется лучше расспросить вас о Эжене Каррьере, я очень люблю каритину «Поцелуй матери», она мистическим образом завораживает, мне кажется в нее влюбляешься с первого взгляда. Я собираюсь взять ее на анализ по искусствоведению, задание очень свободное и я просто хотела бы услышать о том какие эмоции «Поцелуй» вызывает у разных людей, а потом составить «коллаж» из впечатлений разных зрителей и моих собственных. Работа очень тонкая и очень сильная, если будет возможность, напишите, пожалуйста, что думаете о сюжете, колорите, композиции… мне думается, что в работе присутствует необыкновенная динамика, например…(Впрочем я не самый просвещенный пользователь сети, так что если что-то не так извините.)Лера.»
Не долго задумываясь, я написал:
Прочитав название картины на английском («Her mother’s kiss»), я подумал, а почему именно «её»? Это относится к девочке, или мать целует девушку?..
А какие у вас мысли, дорогие друзья? Получится, надеюсь, небольшая дискуссия. Давно я что-то не проводил анализ произведения искусства…
Живопись и фотография – ключевые отличия
Если говорить о времени существования каждого из ремесел, то между изобразительным искусством и технологией записи изображения путем регистрации оптических излучений – целая пропасть. Первое устойчивое фото было получено в 1822 г. французским изобретателем Жозефом Ньепсом, а возраст первого наскального рисунка, созданного доисторическим человеком, оценивается в 35 тыс. лет. Причем, если с фотографией все понятно, то с какой целью первобытные люди рисовали на камнях животных, остается лишь гадать. Быть может для выражения чувств, а может для передачи информации другим племенам – вряд ли когда-либо удастся получить ответ на этот вопрос.
Зато мы точно знаем, что фото было изобретено для копирования статической действительности в моменте, тогда как живопись к 19-му веку эволюционировала настолько, что позволяла художникам воспроизводить в сюжете не только статику, но даже имитировать динамику. Посмотрите, как мастерски Пауль Рубенс в своей работе «Положение во гроб» показал действия каждого персонажа. Несмотря на кажущуюся статичность сюжета легко угадываются действия людей возле тела Спасителя. И даже бездыханный Христос не выглядит умиротворенно – мышцы, мимика, поза и кровоточащая рана показывают все страдания Иисуса, будто он еще жив. Картина выполнена в многослойной технике Старых мастеров, которая позволяет точно передать цвет, объем и фактуру, проработать мелкие детали, сделать динамичные складки одежды и показать всю полноту эмоций персонажей.
| Подробнее о методике и ее применении при создании репродукции картины Рубенса рассказывается в этом видео. |
Таким образом, мы плавно подошли к главному моменту, который отличает изобразительное искусство от фотографии. Фото, пусть и художественное, – это механистическое воспроизведение реальности, а живопись – воплощение идеи художника на полотне. И если основная задача фотографии заключается в трансляции реальности, то цель живописи реализовать фантазию мастера и представить ее в той или иной форме. При этом идеального сходства с местом, предметами, героями может и не быть, как может не существовать и их самих.
Леонардо Да Винчи
Продолжительность жизни: 15 апреля 1452 г. — 2 мая 1519 г.
Национальность: итальянец
Леонардо Да Винчи
Леонардо да Винчи был идеальным человеком эпохи Возрождения, величайшим Вселенским Гением, который, помимо прочего, был художником, математиком, инженером, архитектором, ботаником, скульптором и анатомом. Однако, в течение четырех столетий после его смерти его слава, прежде всего, почивала на лаврах художника. Детальное знание анатомии, света, ботаники и геологии помогло ему создать некоторые из самых известных шедевров в истории. Да Винчи известен тем, что запечатлевает тонкие выражения, благодаря которым его картины выглядят более живыми, чем другие. Он сделал многочисленные вклады в области искусства, включая его пионерские методы, известные как сфумато, плавный переход от света к тени; и чиароскуро, использование сильных контрастов между светом и темнотой для достижения трехмерного эффекта. Да Винчи нарисовал Мона Лизу, самую известную картину в мире. Другие известные работы в его искусстве включают «Тайную вечерю», наиболее воспроизводимую религиозную живопись; и Витрувианский Человек, один из самых воспроизводимых художественных образов. Леонардо да Винчи, без сомнения, самый известный художник эпохи Возрождения.
Шедевр: Мона Лиза (1517)
Мона Лиза (1517)
Другие известные работы:
- Тайная вечеря (1498)
- Витрувианский человек (1490)