Рафаэль (введение)
Хронологически неправильно рассматривать Рафаэля Санти (1483–1520) после Микеланджело, ибо, когда Микеланджело создавал свои последние произведения, Рафаэля уже сорок лет, как не было в живых. Творчество Микеланджело служит связующим звеном между Ренессансом и эпохой барокко, тогда как в творчестве Рафаэля слышится еще чистая речь классицизма.
Однако деятельность Микеланджело служила одной из предпосылок для деятельности Рафаэля. Многие из своих произведений Рафаэль не создал бы, если бы не имел перед глазами великих созданий Буонарроти.
В нем воплотилось все, что мы считаем красивым. Все до него жившие художники были только «прерафаэлитами».
Он не был пионером, не был искателем новых путей, одним из тех загадочных явлений, силы которых бьют, точно из неведомых источников. Нет, он исходил из уже известного и наличного. Он перенимает, подделывается, синтезирует, присваивает себе плоды целого поколения.
Автопортрет
Когда вы посмотрите на автопортрет Рафаэля, то вы, несомненно, почувствуете индивидуальность его стиля. Этот юноша с интеллигентным, симпатичным лицом, с обнаженной шеей и длинными волосами артиста, с чистыми, кроткими, девичьими глазами, напоминающими Мадонн Перуджино, вполне соответствует портрету Рафаэля, нарисованному Вазари: «Когда он представал перед товарищами, исчезало в последних нерасположение духа, испарялись низкие мысли. Это случалось оттого, что его ласковость, его красивая душа побеждали их». Подобно тому как он никогда не пережил ничего печального, так исполнено и его искусство солнечной радостности. Даже в тех случаях, когда ему приходилось изображать ужасы, насилие, резкие драматические моменты, он был кротким и мягким, привлекательным и ласковым. Подобно тому как его портрет производит скорее типичное, чем индивидуальное, впечатление, так устраняет он в своем творчестве все индивидуальное, возводя его в степень типичного. Подобно тому как он никогда не ссорился ни со своими заказчиками, ни со своими помощниками, а, приноравливаясь, исполнял и давал приказы, так и в его искусстве нет никаких диссонансов.
В творчестве Рафаэля преобладает способность воспринимать чужие мысли. Этим объясняется огромное число произведений, созданных им за его короткую жизнь. Его стиль меняется почти с каждым годом. Самый восприимчивый из всех когда-либо существовавших художников, Рафаэль соединяет в своих руках все нити, претворяет ценности, созданные другими гениями, в новое единство стиля. Этот эклектизм носит у него характер гениальности.
Юношеские картины Рафаэля проникнуты сентиментальностью умбрийской школы его учителя Перуджино. Их начинаешь любить не только потому, что они отличаются добросовестной отделкой, но и потому, что они — исповедь красивой души, вкладывающей в заимствованное много нежности. Особенно пейзаж на фоне часто прелестен, например, на «Мадонне Конестабиле», где по лугу тихо струится ручеек, а на горах блестит последний весенний снег.
Триумф Галатеи. Описание картины Рафаэля Санти
Фреска «Триумф Галатеи» — одна из малочисленных росписей великого Рафаэля Санти на мифологическую тему, выполненная целиком лично самим живописцем. Ею украшен вход на римскую виллу одного из богатейших банкиров Италии в эпоху Ренессанса.
Согласно древнегреческому мифу, Галатея была прелестнейшей морской нимфой, влюбленной в сына лесного бога Пана – Акида-Ациса. Ее любовь была взаимной и влюбленный было очень счастливы, но вскоре их радость омрачилась тем, что страшный сицилийский циклоп Полифем влюбился в Галатею.
Полифем признался в любви и стал требовать от нимфы ответных чувств
Галатея отвергла его притязания и тогда разозленный ревнивый циклоп подстерег неосторожного Акида и убил его огромным камнем. Убитая горем Галатея была безутешна, но затем придумала необычный способ, чтобы оставить возлюбленного в мире живых подле себя
Она превратила своего возлюбленного в прекрасную речку. Так двое влюбленных смогли остаться навсегда вместе и именно этот момент избрал великий Рафаэль для своей фрески.
Златоволосая нимфа одета в легкую пурпурную ткань, укутывающую ее тело. Она управляет скользящей по речной глади колесницей, запряженной двумя дельфинами, что больше напоминают двух хищных морских существ из царства Посейдона.
Колесницей для Галатеи послужила огромная раковина-колесница, подобная той, из которой входит на берег богиня красоты и любви Венера на картине другого итальянца – Сандро Ботичелли. Однако у Рафаэля это своеобразная повозка снабжена маленькими колесиками с лопастями, что должно способствовать более быстрому передвижению по воде.
Слева на полотне располагается могучий тритон – наполовину человек, а наполовину морское существо с хвостом и рыбьей чешуей. Это морское творение из мира морского бога сжимает в объятьях кокетливую морскую нимфу.
Позади них еще один тритон сидит на гиппокампе и трубит в огромную морскую раковину, возвещая о победе Галатеи над смертью. В правой части композиции расположены еще три фигуры, в которых воедино соединены черты человека, лошади и рыбы. Они также трубят в трубы, громко ликуют и прославляют победу нимфы.
Перед Галатеей, едва касаясь поверхности воды пролетает Амур. У него нет ни лука, ни стрел, но он указывает на двух хищных дельфинов. А в голубом небе, среди редких облаков, порхают еще три амура с луками и стрелами. Из-за туч выглядывает еще один крылатый бог. Они – как символы вечной неумирающей любви Галатеи и Алкида, любви несущей в мир счастье.
Окруженная морскими существами, Галатея смело правит колесницей, а выражение ее лица говорит о том, что она торжествует.
Автор сочинения: Ирина Шастова
Эдвард Бёрн-Джонс
Эдвард Берн-Джонс
Иллюстратор и живописец, близкий по духу сюжета и подачи к прерафаэлитам. Известен благодаря работе над витражами. Первоначальное образование получил в Школе короля Эдварда.
С 1848 года поступил на дополнительное обучение на вечерние курсы правительственной школы дизайна. С Уильямом Морисом познакомился в стенах Оксфордского университета (1853 г). Вдохновившись идеями Братства бросил богословское направление и занялся углубленным изучением техник рисунка. Свои работы посвящал романтическим легендам Англии.
Черты стиля
Художник отдавал предпочтение акценту на обнаженное мужское тело. Подача перспективы через цветовую гамму создает ощущение плоскостности. Контрастно выраженная игра светотени полностью отсутствует. Упор делается на линии, любимая цветовая гамма золотой и оранжевый спектр.
Основные картины
- «Благовещение»;
- «Зачарованный Мерлин»;
- «Золотая лестница»;
- «Книга цветов»;
- «Любовь среди руин».
Э. Берн-Джонс. Любовь среди руин.
Э. Коли Берн-Джонс. Король Кофетуа и нищенка. 1884
Берн-Джонс. Зачарованный Мерлин
Портрет молодого человека (1513–1514)
Предположительно это автопортрет Рафаэля, так как лицо молодого человека очень похоже на единственный подтверждённый автопортрет художника. Очень красивый молодой человек сидит вполоборота к зрителю. Его длинные каштановые волосы небрежно спадают по плечам из-под лихо надетого берета. Уверенный взгляд, раскованная поза молодого человека говорит о том, что он знает себе цену. Эту картину во время Второй мировой войны нацисты похитили из усадьбы князей Чарторыйских (Польша) и скрыли в неизвестном месте. Долго она считалась утраченной. Только спустя много лет польское правительство подтвердило, что картина находится в безопасности в частной коллекции.
Историческая справка
Представители древней фамилии Бальони являлись фактическими правителями Перуджи и близлежащих территорий в XV – XVI веках. Мужчины влиятельного клана славились любовью к воинскому делу, проявляя блестящие способности в этой сфере. Представителей рода Бальони часто приглашали на службу в разные регионы страны, где они возглавляли частные наемные армии.
Ночью 3 июля 1500 года в Перудже произошло страшное событие, названное впоследствии «кровавым». Грифонетто Бальони вступил в коварный сговор с некоторыми из своих родственников, целью которого было убийство всех мужчин из рода Бальони пока те безмятежно спали после долгих празднований роскошной свадьбы, и захват власти. Итальянский историк эпохи Возрождения, Франческо Матараццо, описал в своей работе «Хроники Перуджи» (1492 – 1503 годы) трагические события, произошедшие с членами знатной семьи и то, как они повлияли на судьбу города. Узнав об участии Грифонетто в кровопролитии, его мать, Аталанта Бальони, осудила сына и отказалась предоставить приют в своем доме. Юноша обратился за поддержкой к Джан Паоло (Джампаоло) Бальони, самому влиятельному члену семьи, успевшему выжить в страшной бойне, убежав тайком из дома во время внезапного нападения. Вскоре сердце Атланты смягчилось, простив Грифонетто она отправилась к нему на встречу, однако застала сына убитым. Юноша погиб от рук самого Джан Паоло (Джампаоло) Бальони и его приближенных. Таков был трагический конец перуджской вендетты.
Спустя несколько лет Аталанта Бальони обратилась к Рафаэлю Санти и заказала художнику написать картину в память о Грифонетто. Произведение живописца должно было украшать семейную капеллу в базилике Сан-Франческо-аль-Прато (церковь святого Франциска) в Перудже. Известно, что Рафаэль работал над картиной в течение двух лет, творческий процесс был разделен на несколько этапов. Художник создал ряд подготовительных рисунков прежде чем приступить к написанию произведения.
Работа «Снятие с креста» стала последней из серии крупных заказов, выполненных Рафаэлем в период, когда он, будучи еще молодым художником, жил и творил в Перудже. К тому времени живописец создал несколько по-настоящему великих произведений, в их число входила алтарная картина «Коронование Девы Марии» (другое название – «Алтарь Одди»), которая сейчас является частью сокровищницы Ватиканской пинакотеки. Это творение мастера также предназначалось для украшения интерьера базилики Сан-Франческо-аль-Прато. Картина была написана по заказу представителей влиятельного рода Одди, являвшихся в то время главными соперниками клана Бальони.
Произведение «Снятие с креста» отражает формирование индивидуального стиля Рафаэля и творческую зрелость художника. Картина находилась в церкви святого Франциска до 1608 года, после она была изъята представителями кардинала Шипионе (Сципионе) Боргезе, который приходился племянником папы римского Павла V.
Дабы не вызывать недовольство жителей Перуджи неутомимый коллекционер произведений искусства заказал написание двух копий картины Рафаэля. Одна из них была выполнена Джованни Ланфранко, а другая – Джузеппе Чезари, известного также под именем Кавалер д’Арпино. Последняя работа до сих пор находится в Перудже.
В 1797 году картина кисти Рафаэля была конфискована французским правительством и отправлена в Париж, где она выставлялась в Лувре. Подлинник работы «Снятие с креста» вновь оказался в коллекции Галереи Боргезе в 1815 году. Пределла (продолговатая невысокая подставка или ступень, на которую устанавливается алтарь), выполненная Рафаэлем, стала частью художественной коллекции одного из музеев в Ватикане.
Рафаэль «Святой Георгий» — Русская историческая библиотека
Рафаэлем были написаны две картины, изображающие бой Святого Георгия с драконом. Обе они относятся к раннему периоду его творчества.
Рафаэль. Святой Георгий и дракон. 1505-1506
Дерево, масло. 28,5 х 21,5. Национальная галерея искусств, Вашингтон
Картины Рафаэля на тему битв Святого Михаила и Святого Георгия с драконом (две в Лувре, и одна в Национальной галерее искусств Вашингтона) связаны друг с другом как темой (вооруженный юноша сражается с драконом) так и стилистическими элементами. Все три эти работы относятся к флорентийскому периоду. Они отражают стимулы, которые Рафаэль, получил от великих мастеров, работавших во Флоренции или выставлявших там свои полотна. В этих трёх картинах Рафаэля преобладает влияние Леонардо да Винчи, чьи сражающиеся воины с картины «Битва при Ангиари» (1505) дали блестящий пример искусства на военную тематику (эта работа Леонардо быстро разрушилась из-за недостатков его экспериментальной техники и теперь более не существует). Но явственная связь и с фламандской живописью – особенно с Иеронимом Босхом (яркий свет, и человекоподобные монстры, которые изображены на картине со Святым Михаилом) – предполагает память Рафаэля об Урбино, где северные влияния всегда были довольно сильными.
Рафаэль. Святой Георгий и дракон. 1505-1506
Эти небольшие панели свидетельствуют о том, что Рафаэль в этот период обобщал уже усвоенные им стилистические приёмы и в то же время намечал живописные задачи для разработки в будущем.
Рафаэль. Святой Георгий, поражающий дракона (Малый святой Георгий). 1503-1505
Дерево, масло. 29 х 25 см. Музей Лувр, Париж
Получив в 1504 орден Подвязки от английского короля Генриха VII, герцог Урбинский Гвидо да Монтефельтро в качестве подарка для британского монарха заказал Рафаэлю картину на тему подвига Святого Георгия. Доставить её в Англию было поручено Бальдассаре Кастильоне, автору известного в те времена трактата «О придворном». До недавнего времени считалось, что Генриху VII была подарена та картина Рафаэля со Святым Георгием, что сейчас хранится в Национальной галерее искусств Вашингтона. Однако сейчас исследователя спорят о том, какую именно из двух картин отправили в Англию.
Святой Георгий – один из самых популярных христианских святых и покровитель Англии. Тема убийства им дракона была излюбленной для художников эпохи Возрождения. Согласно старинной легенде, чудовище поселилось в болоте за стенами одного города и отравляло прохожих огненным дыханием. Чтобы умилостивить дракона, город посылал ему по нескольку овец в день. Когда овец больше не стало, чудовищу стали отправлять сыновей и дочерей местных граждан. Жребий в конце концов дошёл до дочери правителя. Христианин святой Георгий, случайно проезжавший мимо, увидел девицу в слезах, поручил себя Богу и пронзил дракона копьем. Копье Святого Георгия сломалось во время боя, но храбрый рыцарь продолжил битву с драконом мечом. Он убил его и спас от смерти девушку, которая показана на картине Рафаэля бегущей справа.
Рафаэль. Святой Георгий, поражающий дракона (Малый святой Георгий). 1503-1505
Источник изображения
К середине XVI века панель Рафаэля «Святой Георгий, поражающий дракона» стали выставлять в паре с его же «Святым Михаилом». Хотя последний был написан несколько раньше, обе картины имели одинаковый размер и схожий стиль. Это приводило к мысли, что Рафаэль видел в них части одного диптиха.
Личная жизнь
Возлюбленной великого художника была его натурщица Маргерита Лути, получившая прозвище Форнарина.
Девушку можно увидеть на двух его картинах «Донна Велата» и «Форнарина», а её фигуру он рисовал при росписи станцев фресками.
Отец Форнарины был пекарем, проживали они в Риме. Когда сюда приехал молодой Рафаэль, он встретил Форнарину совершенно случайно и сразу влюбился. За 3000 золотых он выкупил девушку у её отца и отвёз на специально арендованную для неё виллу.
Маргарита Лути
До самой смерти художника Форнарина была его натурщицей и главной любовью всей жизни, почти 12 лет они жили вместе, хотя нельзя сказать, что молодая женщина оставалась верной своему Рафаэлю. Когда Санти расписывал виллу банкиру Агостино Киджи, Форнарина закрутила роман с хозяином. Также она частенько была не прочь поразвлечься с учениками Рафаэля.
Об этой красивой истории любви написал картину французский художник Жан-Огюст-Доминик Энгр, она так и называется «Рафаэль и Форнарина».
Точная дальнейшая судьба Форнарины после смерти Рафаэля неизвестна. Существует две версии. По одной, она получила приличное состояние по завещанию, вела распутную жизнь и стала самой знаменитой куртизанкой в Риме. По второй версии, она была пострижена в монахини, где в скором времени умерла.
Римский период творчества Рафаэля (1508-1520)
Роспись Ватиканских фесок принесла Рафаэлю большой успех. В 1511 г Рафаэль начинает работу на вилле Фарнезина для для римского банкира и мецената Агостино Киджи, одного из богатейших людей своего времени (сейчас эта постройка называется виллой Фарнезина в честь семьи Фарнезе, купившей ее в 1579 году.) К украшению виллы были привлечены различные художники, в том числе Балдассаре Перуцци (который был также архитектором) и Себастьяно дель Пьомбо. Многие работы по проектам Рафаэля выполнялись его учениками, однако «Галатею» он написал собственноручно.
Эта фреска была частью серии мифологических сцен, которые Рафаэль предполагал использовать для украшения лоджии и которые так никогда и не были написаны. От этих фресок отказались, по всей видимости, после катастрофического паводка, случившегося на реке Тибр в 1514 году. В результате наводнения все стены виллы отсырели, и стало ясно, что расписывать их фресками лишено смысла, поскольку влага непременно разрушит краски.
Фреска «Триумф Галатеи» проникнута духом античной классики с ее культом чувственной красоты. Художник использовал обработку флорентийским поэтом Анджело Полициано античного мифа о прекрасной нимфе, отвергнувшей любовь великана Полифема.
Согласно мифу Галатея была прекрасной морской нимфой. Она полюбила прекрасного юношу по имени Ацис, но в это время к Галатее воспылал страстью одноглазый гигант Полифем. Когда он увидел влюбленных наедине, то метнул огромную скалу и убил ею Ациса. В своей фреске Рафаэль отходит от точного изложения сюжета и рисует сцену, известную как «Похищение Галатеи».
Окруженная тритонами, нереидами и парящими в воздухе амурами, Галатея мчится по волнам, стоя на раковине, увлекаемой двумя дельфинами. Художнику удалось передать стремительность движения и вместе с тем создать впечатление безупречного равновесия и гармония, вызвавшее всеобщее восхищение.
Колесница Галатеи состоит из гигантских раковин. Они похожи на те раковины, из которых рождается Венера на знаменитом полотне Боттичелли. Правда, свою повозку Рафаэль снабдил еще миниатюрными колесами с лопастями. Слева изображен мощный Тритон (получеловек-полурыба), который бесцеремонно хватает морскую нимфу. Позади него, верхом на лошади, сидит еще один Тритон, трубящий, как в рог, в морскую раковину. Справа расположены три фигуры, в которых сочетаются черты людей, лошадей и рыб. Рафаэль создавал свою фреску по поэме, написанной в XV веке поэтом Полициано, однако позволял себе вольности в некоторых деталях.Два дельфина, везущих колесницу Галатеи, выглядят очень свирепыми созданиями. Вероятнее всего, Рафаэль никогда не видел живого дельфина.
Известный писатель-гуманист, друг Рафаэля Бальдассаре Кастильоне прислал ему восторженное письмо, восхваляя красоту созданного им образа Галатеи. В ответ Рафаэль писал: «Что до Галатеи, то я почел бы себя великим мастером, если бы в ней была хоть половина тех великих вещей, о которых Ваша милость мне пишет. Но в словах Ваших я узнаю любовь, которую Вы ко мне питаете. И я скажу Вам, что для того, чтобы написать красавицу, мне надо видеть много красавиц; при условии, что Ваша милость будет находиться со мной, чтобы сделать выбор наилучшей. Но ввиду недостатка как в хороших судьях, так и в красивых женщинах, я пользуюсь некоторой идеей, которая приходит мне на мысль. Имеет ли она в себе какое-либо совершенство искусства, я не знаю, но очень стараюсь его достигнуть».
Такой творческий метод художника был характерен для всего искусства Высокого Возрождения. Исходя из реальности, Рафаэль вместе с тем стремится поднять образ над обыденностью и приблизить его к идеалу.
В последние годы недолгой жизни Рафаэль был так перегружен заказами, что привлекал к росписи некоторых фресок лоджии Психеи виллы Фарнезины (1517-1518) и лоджий Ватикана своим помощникам и ученикам (Джулио Романо, Дж. Ф. Пенни, Перино дель Вага и др.), обычно ограничиваясь общим наблюдением над работами; в этих произведениях отчетливо проявляется тяготение к маньеризму.
Фреска, по-видимому, привела Киджи в восхищение, ибо он снова обратился к Рафаэлю с просьбой расписать дарованные ему другом Юлием II капеллы в двух римских церквах, построенных при его дяде, Сиксте IV, — Санта Мария дель Пополо и Санта Мария делла Паче.
Смерть художника
Доподлинно неизвестно, от чего умер Рафаэль Санти. Одни источники утверждают, что ему стало плохо после бурной ночи в постели с Форнариной. Современными исследователями его жизни выдвинуто предположение, что художник посетил раскопки и заболел там римской лихорадкой, которая и повлекла его смерть.
Санти умер 6 апреля 1520 года, едва дожив до 37 лет. Его тело захоронено в Пантеоне, гробницу сделали с эпитафией: «Здесь упокоился великий Рафаэль, при его жизни природа боялась быть побеждённой, а после его смерти она боялась умереть».
На планете Меркурий имеется кратер, который назван в честь великого итальянца Рафаэля Санти.
https://youtube.com/watch?v=Y8Ayj31dT5g
Что особенно не любили прерафаэлиты?
- ошибочные эталоны академического образования
- первого президента Академии художеств, сера Джошуа Рейнольдса (1723-1792)
- картину Рафаэля «Преображение»
- творчество П.П. Рубенса
В картине Рафаэля «Преображение» прерафаэлиты увидели пренебрежение простотой и правдой. По мнению У. Х. Ханта, одеяния апостолов были слишком помпезными, а изображение Спасителя — лишено духовности.
Д. Г. Россети, всей душой ненавидя творчество Рубенса, умудрился на страницах труда по истории искусств, напротив каждого упоминания и последнем написать «Плюнуть здесь».
Рафаэль Санти. Преображение
П.П. Рубенс. Пьяный Геркулес
Сэр Джошуа Рейнольдс. Автопортрет
Творческие и художественные приемы прерафаэлитов
Яркие, свежие тона
Для достижения более ярких и свежих тонов художники прерафаэлиты пользовались новой техникой живописи. Они писали маслом по сырому белому грунту или по слою белил. Помимо яркости красок, выбранная техника позволила сделать работы художников еще и более долговечными — работы прерафаэлитов сохранились в первозданном виде до наших дней.
- Чистые краски
- Достоверное отображение природы
Отказавшись от «кабинетной живописи» молодые художники начали писать на природе и придавали большое значение тонкой проработке деталей.
«Я хочу рисовать пейзаж, изображая каждую деталь, какую смогу увидеть» (У. Хант)
- Ориентация на искусство Средневековья и Раннего Возрождения
- Использование в качестве моделей родственников, друзей и людей с улицы, а не профессиональных натурщиков.
Для знаменитой картины Данте Россетти «Леди Лилит» позировала малограмотная девушка Фанни Корнфорт. На картине «Юность Девы Марии» изображены мать и сестра художника Данте Россетти. Для картины «Офелия» художник Д.Э. Милле выбрал момент в трагедии Шекспира, когда Офелия бросившись в реку, медленно погружалась в воду и пела обрывки песен. Сначала художник написал живописный речной уголок, а фигуру девушки он писал уже в зимние месяцы. Элизабет Сиддал в роскошном старинном платье проводила многие часы в ванне с теплой водой. В один момент лампы, подогреваемые воду потухли, но девушка на стала жаловаться и серьезно заболела. Впоследствие отец Элизабет Сиддал выслал художнику счет на оплату лечения дочери.
Символизм
Картинам прерафаэлитов свойственно множество деталей, наделенных определенным смыслом или символом. Например на картине Д.Э. Милле «Офелия» изображено множество цветов. Маргаритки символизируют боль, целомудрие и обманутую любовь, плющ — знак бессмертия и вечного возрождения, ива — символ отвергнутой любви, маки — традиционный символ смерти.
Данте Россетти . Леди Лилит
Д.Г. Россетти. Юность Девы Марии
Д.Э. Милле. Офелия
Художники прерафаэлиты. Основные сюжеты и знаменитые картины.
Если смотреть на творчество прерафаэлитов поверхностно, то первое, что представляется нам при их упоминании, это трагические фигуры рыжеволосых женщин, воплощающих образы известных литературных героинь. Но истинным источником для Братства прерафаэлитов был бунт против эстетических условностей и стремление правдиво и точно изображать действительность.
Джон Уильям Уотерхаус: жизнь и творчество художника
Джон Уильям Уотерхаус (6 апреля 1849 — 10 февраля 1917) — английский художник, творчество которого относят к позднейшей стадии прерафаэлитизма.
Биография Джона Уильяма Уотерхауса
Творчество Джона Уильяма Уотерхауса
Работы художника
Картины Джона Уильяма Уотерхауса
Биография Джона Уильяма Уотерхауса
Родился в Риме, в семье художников. Позднее они переехали в Лондон, где Уотерхаус прожил всю оставшуюся жизнь. Поначалу живописному мастерству его обучал отец, в 1870 году юноша поступил в Королевскую Академию художеств.
В ранних работах художника чувствуется влияние Альма-Тадема и Фредерика Лейтона.
В 1874 году, в возрасте двадцати пяти лет, представил на выставке картину «Сон и его сводный брат Смерть», которая была хорошо встречена критикой и впоследствии выставлялась практически каждый год, вплоть до смерти художника. В
1883 году Уотерхаус женился на художнице Эстер Кенуорти, чьи картины также появлялись на выставках Королевской Академии художеств. У них было двое детей, которые рано умерли, но, несмотря на это, брак был счастливым.
В 1895 году был избран членом Королевской академии. Художник умер от рака в 1917 году. Похоронен на лондонском кладбище Кенсал Грин.
Изображен на британской почтовой марке 1992 года.
Творчество Джона Уильяма Уотерхауса
Одной из самых известных картин Уотерхауса считается «Леди из Шалот», посвященная Элейне из Астолата (она же Лилейная дева) — девушке, умершей от неразделённой любви к рыцарю Ланселоту, персонажу из легенд о короле Артуре и героине поэмы Теннисона «Волшебница Шалот». Уотерхаус создал три варианта картины: в 1888, 1896 и 1916 годах.
Другая героиня художника — Офелия. На первой картине (1889) художник показывает её лежащей на лугу, затем, на картине 1894 года — перед смертью, сидящей у берега озера. На полотне 1910 года Офелия стоит на берегу ручья, придерживаясь за дерево, в готовности сделать последний шаг в воду.
В июне 2006 года картина «Святая Цецилия» была продана на аукционе «Кристис» фонду Ллойда Веббера за 6,6 млн. фунтов стерлингов.
Работы художника
- «Сон и его сводный брат Смерть», 1874
- «Вопрошание оракула», 1884 (галерея Тейт, Лондон)
- «Магический круг», 1886 (галерея Тейт, Лондон)
- «Леди из Шалот», 1888 (галерея Тейт, Лондон)
- «Офелия», 1889, 1894, 1910
- «Улисс и сирены», 1891 (Национальная галерея Виктории, Мельбурн)
- «Цирцея предлагает чашу Улиссу», 1891
- «La Belle Dame sans Merci», 1893
- «Сирена», ок. 1900
- «Хрустальный шар», 1902
- «Борей», 1903
- «Нарцисс и Эхо», 1903
«Срывайте розы поскорей», 1909 «Миранда — „Буря“», 1916
При написании этой статьи были использованы материалы таких сайтов: ru.wikipedia.org
Джон Уильям Уотерхаус: картины художника
Allpainters.ru создан людьми, искренне увлеченными миром творчества. Присоединяйтесь к нам!
Джон Уильям Уотерхаус: жизнь и творчество художника
Другие работы художника
Галатея
Эту фреску Рафаэль создавал как часть общего убранства римской виллы, принадлежавшей Агостино Киджи, одному из богатейших людей своего времени. Многие работы по проектам Рафаэля выполнялись его учениками, однако «Галатею» он написал собственноручно. Эта фреска была частью серии мифологических сцен, которые Рафаэль предполагал использовать для украшения лоджии и которые так никогда и не были написаны.
Освобождение Святого Петра
Станца д’Элиодоро была второй из комнат в папских покоях Ватиканского дворца, которую оформлял Рафаэль. Он приступил к работе в 1512 году и, по всей видимости, завершил её спустя два года. Основные темы росписи связаны с историческими или легендарными событиями, имевшими отношение к папе Юлию II. Очень подходящим для Юлия был и сюжет об освобождении апостола Петра из темницы.
Сикстинская мадонна
Это наиболее известная из картин Рафаэля, посвящённых теме Мадонны с младенцем. Одно время эта работа считалась самой знаменитой картиной в мире. От названия церкви произошло и новое, известное теперь во всём мире, название картины — «Сикстинская мадонна», а прежде она называлась«Мадонна с младенцем, со Святым Сикстом и Святой Варварой». Папа Юлий II подарил эту картину церкви в благодарность за тот вклад, который внесла Пьяченца во время войны с Францией.
Афинская школа
Эту монументальную фреску Рафаэль создал, когда ему было всего 25 лет, и она стала одним из шедевров эпохи Высокого Возрождения. Фреска изображает мир древних философов, чьи идеи вдохновляли художников Ренессанса. Под величественными цилиндрическими сводами вымышленного античного здания мы видим всех выдающихся философов древности, беседующих со своими учениками.
«Преображение» (1516–1520)
«Преображение» Рафаэль начал писать для алтаря Нарбоннского собора, по просьбе кардинала Джулио Медичи, но не завершил её, так как внезапно умер от неизвестной болезни. Картину дописал художник Джулио Романо. Сюжет основан на Евангельском сюжете, когда Иисус Христос решил открыть свою сущность ученикам. С небес апостолы услышали глас Божий, что Христос его истинный Сын. После этого Иисус спустился с апостолами с горы, и к нему обратился несчастный отец с просьбой излечить сына от вселившегося в него дьявола. Рафаэль изобразил Иисуса парящим над всеми, что является символом его Божественности. Чуть ниже, в середине полотна — Апостолы ожидают Христа, а внизу собрались люди, в ожидании чуда исцеления. Верхняя светлая и воздушная часть картины была написана Рафаэлем, а нижняя часть более тёмная другим человеком. Здесь видна рука мастера, писавшего в абсолютно другой манере.
Портрет папы Юлия II (1512)
Существуют два похожих портрета папы Юлия II, один из которых — оригинальное произведение Санти, а другой — копия портрета, выполненная учениками Рафаэля. Современники утверждали, что папа на портрете выглядит, как живой. Красная мантия папы римского смотрится очень контрастно на ярком зелёном фоне. Лицо папы покрыто морщинами и обрамлено седой бородой, его взгляд задумчив и проницателен, но в целом фигура Юлия II ещё полна сил и энергии. Этот человек при жизни вёл активные военные кампании, но в то же время был потрясающим меценатом, поддерживающим творчество Леонардо, Микеланджело и Рафаэля. Через год после написания портрета папа Юлий II умер, но остался жить вечно на картине Рафаэля. Уникальный папа, покровитель искусства эпохи Высокого Возрождения.
ЦЕЛЬС, римский публицист
Следующее свидетельство принадлежит современнику Лукиана – Цельсу (тоже II в.). Цельс – это фактически богохульник, который хулил христианство. Существует знаменитое сочинение Оригена «Против Цельса», в котором приведены цитаты из сочинений этого человека («Против Цельса», гл. 7, стих 9):
«Многие анонимные проповедники, пользуясь каждым удобным случаем, учат в храмах или вне храма без малейшего стеснения. Другие обходят города и места расположения войск, собирают пожертвования и говорят толпе, делая телодвижения, как одержимые духом пророчества. Они обыкновенно выражаются так: я бог, или я сын божий, или я божественный дух, или я прихожу, ибо миру суждено погибнуть, и вы, люди, погибнете из-за своих грехов, но я желаю вас спасти, и вы снова меня увидите возвращающимся с небесными силами. Блажен, кто теперь меня чтит. Всех же других я ввергну в вечный огонь с их странами и городами. Тщетно станут раскаиваться и стенать те, кто не верит в ожидающие их кары. Но я сохраню навек тех, кто мне верит». Все это Цельс вкладывает в уста христианских проповедников, а дальше он пишет уже от себя:
«К таким заманчивым обещаниям они присоединяют и другие – непонятные, фантастические, таинственные, до того безрассудные, что даже ученый не мог бы найти в них смысла. Но они открывают широкий простор произвольным и лицемерным толкованиям любого глупца или обманщика».
ТАЦИТ, римский историк
Следующий классический источник – Тацит, историк Римской империи конца I в. Расцвет его творчества приходится на конец царствования Домициана и царствование Траяна (это уже начало II в.). Вот что пишет он в своих знаменитых «Анналах» (кн. 15, гл. 44), описывая события, относящиеся ко времени царствования Нерона (покончил с собой в 69 г.), – пожар Рима, учиненный Нероном. «Но ни средствами человеческими, ни щедротами принцепса невозможно было пресечь бесчестившую его молву, что пожар был устроен по его приказанию. И вот Нерон, чтобы побороть слухи, приискал виновных и предал изощреннейшим казням тех, кто своими мерзостями навлек на себя всеобщую ненависть и кого толпа называла христианами. Христа, от имени которого происходит это название, казнил при Тиберии прокуратор Понтий Пилат. Подавленное на время это зловредное суеверие стало вновь прорываться наружу и не только в Иудее, откуда пошла эта пагуба, но и в Риме, куда отовсюду стекается все наиболее гнусное и постыдное и где оно находит приверженцев. Итак, сначала были схвачены те, кто открыто признавали себя принадлежащими к этой секте, а за тем по их указаниям и великое множество прочих, изобличенных не столько в зловредном поджоге, сколько в ненависти к роду человеческому. Их умерщвление сопровождалось издевательствами, ибо их облачали в шкуры диких зверей, дабы они были растерзаны насмерть собаками; распинали на крестах; обреченных на смерть в огне поджигали с наступлением темноты ради ночного освещения. Для этого зрелища Нерон предоставил свои сады. Также он дал представление в цирке, во время которого сидел среди толпы в одежде возничего или правил упряжкой, участвуя в состязании колесниц. И хотя на христианах лежала вина, и они заслуживали самой суровой кары, но все же эти жестокости пробуждали сострадание к ним, ибо казалось, что их истребляют не в видах общественной пользы, а вследствие кровожадности одного Нерона».
Невзирая на всю неприязнь к этой «зловредной секте», у Тацита прорываются слова жалости к жертвам неронова гонения. Видимо, именно это дало повод некоторым ученым мужам и здесь подозревать некую интерполяцию: все эти слова, дескать, позднее вставили сами христиане – и все для того, чтобы подчеркнуть, что Христос был на самом деле. Это так называемая долго поддерживаемая искусственная версия «молчания века» – того самого молчания, которым якобы обходили разные историки историческую личность Господа нашего Иисуса Христа. Доводов в пользу интерполяции приводилось великое множество: считалось, что в I в. не могло быть при Нероне «великого множества христиан». Но, скорее всего, это выражение «великое множество» у Тацита имеет переносное значение. Считали также, что Понтий Пилат должен был бы именоваться не прокуратором, а префектом – таково правильное обозначение этой должности в римском своде должностей. Однако новейшая историческая наука доказывает, что эти две должности – взаимозаменяемые. В пользу несомненной подлинности говорят все эти ругательства в адрес христиан, которые обвиняются в ненависти к роду человеческому, в мерзостях и пр.