Бегство в египет (картина тициана)

Давид (1503)

Скульптура библейского героя Давида была создана Микеланджело по заказу гильдии флорентийских торговцев для собора Санта-Мария-дель-Фьоре. Вначале планировалось украсить собор двенадцатью пяти метровыми скульптурами персонажей из библейских текстов. Но многочисленные попытки воплотить в жизнь этот проект никак не осуществлялись, и только в 1501 году гильдия подписала договор с Микеланджело на изготовление скульптуры Давида, ветхозаветного героя, сразившего великана Голиафа одной лишь пращей.

Микеланджело работал над скульптурой более двух лет, и, закончив, представил её на суд великим мастерам и художникам той эпохи — Леонардо, Перуджино, Боттичелли и др. То, что испытали зрители, можно назвать шоком, ведь никто ранее не видел ничего подобного. Это был величайший шедевр, созданный человеком. Как всегда, Микеланджело обошёл все каноны и изобразил Давида не в момент победы над Голиафом, а в момент перед боем. Юный герой сосредоточен, собран и вот-вот готов раскрутить свою пращу. Лицо Давида прекрасно, спокойно и мужественно. Все мышцы на теле напряжены. Фигура Давида величественна и предвещает победу человеческого разума над грубой силой.

Комиссия, которая принимала работу мастера, пришла к единому мнению, что Давид должен находиться на центральной площади города. Так Давид стал символом свободы Флоренции. Сейчас на площади города стоит копия скульптуры, а оригинал находится в Галерее Академии.

На topcafe.su вы также сможете узнать многое о Флоренции и о других красивых городах мира.

4

Хронологические рамки эпохи Ренессанса в Италии

Номер периода	Название	Года	Название периода
1 период	Дученто (от итальянского ducento — двести) — название произошло от сочетания двух слов Ду (то есть 2) и ченто (сто) — это итальянское название XIII века.	1200-е гг.	Проторенессанс (прото – пред)
2 период	Треченто (Трече́нто от итальянского trecento — триста) — принятое в итальянском языке наименование XIV в. — название произошло от сочетания двух слов тре (то есть 3) и ченто (100 — сто)	1300-е гг.	Ранее Возрождение
3 период	Кватроченто название произошло от сочетания двух слов Кватро (то есть 4) и ченто (сто в переводе с итальянского языка). Кватроченто — общепринятое обозначение эпохи итальянского искусства XV века.	1400-е гг.	Высокое Возрождение
4 период	Чинквеченто — название произошло от сочетания двух слов Чинквеченто (то есть 5) и ченто (сто). Чинквеченто в переводе с итальянского буквально пятьсот, а также 1500-е годы) — итальянское название XVI в.	1500-е гг.	Позднее Возрождение

Разобравшись в формировании названия того или иного периода, можно легко атрибутировать произведение, увидев дату его создания. Например, диптих «Мадонна с младенцем», датируется 1340 годом, значит речь идет о треченто или Раннем Возрождении.

Анализ

Состав

Портики и архитектурные рельефы отсылают к символике Древнего Рима , периода, в котором разворачивается этот эпизод. На заднем плане возвышенное здание, от которого видна только задняя часть, может быть Иерусалимским храмом , городом, из которого покидают бегущие люди.

Диагональ, разделяющая слева свет и справа тень, противопоставляет небесный мир света и темный земной мир, и символизирует прошлое и будущее: прошлое — это старая жизнь Марии, будущее темное и неопределенное. .

Просветлены только Дева, младенец и ангел. Это живые существа, которые бегут по суше, как ангел летит по воздуху. Группа движется вправо в соответствии с западным направлением чтения. Жест руки ангела вправо подчеркивает это направление.

Позы, взгляды и выражения

Каждый персонаж представлен с разным и выразительным взглядом: Мари несет ребенка на руках и обеспокоенно оглядывается назад, где таится угроза. Джозеф нерешительным жестом указывает на измученного осла и поворачивается к ангелу, как бы спрашивая, продолжать ли. Ободряющий ангел смотрит вперед и, протянув руку, твердо указывает направление убежища. Господи, он безмятежен и смотрит на зрителя. В отличие от этого пастырь остается растянутым, в позе отдыха и следует взглядом за беглецами. Если картина подлинная, ухмылки, искажающие лица персонажей, свидетельствуют о том, что талант Пуссена снижается, с 1640 года он стал инвалидом из-за дрожи руки.

Одежда

Николя Пуссен решил изобразить ангела в легкой струящейся одежде, отражающей его воздушную натуру. Мэри носит синее платье, покрытое тяжелой белой драпировкой, традиционно называемой Марианскими цветами. Одежда Иосифа, туника и короткое пальто оранжевого цвета.

Это не облачает XVII — го  века, но простой одежде, в подражание античной.

Новый Эрмитаж

Новый Эрмитаж – первое в России здание, специально построенное в 1852 г. для публичного художественного музея. Является частью музейного комплекса Государственного Эрмитажа. Оно известно своим портиком с десятью гигантскими статуями атлантов. К этому времени в музее хранились уже богатейшие коллекции памятников древневосточной, древнеегипетской, античной и средневековой культур, искусства Западной и Восточной Европы, археологических и художественных памятников Азии, русской культуры VIII—XIX веков. К 1880 г. музей посещали уже до 50 000 человек в год.

Новый Эрмитаж

В XIX веке в Эрмитаж начинают систематически поступать произведения русских живописцев. Но в 1895 г. они передаются Русскому музею, который основал император Николай I.

Важными источниками пополнения фондов во второй половине XIX века становятся также дарения и закупки у отечественных коллекционеров. В музей передаются материалы археологических раскопок. К началу XX века в музее хранились уже тысячи полотен, затем в его коллекции появились и новые произведения искусства.

Фигуры на крышках саркофагов

Соскальзывая с покатых крышек гробниц, еле удерживаясь на них, лежат скульптурные аллегории утра и вечера у ног Лоренцо и дня и ночи – у Джулиано. Символам бегущего времени мучительно неудобно. Их мощные с идеальными пропорциями тела – овеществленная истома и скорбь. «Утро» медленно и неохотно просыпается, «День» бодрствует безрадостно и тревожно, «Вечер», цепенея, засыпает, «Ночь» погружена в тяжелый беспокойный сон. Что за птица на капелле Медичи? «Ночь» стопой упирается в сову, которая, если вспорхнет, то разбудит ее.

Камень, который она держит в руке, может выпасть в любой момент и тоже разбудить. Нет покоя «Ночи». Об этом говорит и полная страданий маска в ее руке.

Фигура «Дня» заслуживает внимания, потому что удивляет несогласованность ваяния прекрасного тела и с трудом поворачивающейся к зрителю головы. Тело прекрасно и отполировано, а лицо слегка проступает, образ едва намечен. «День» хранит следы инструментов и художественно недооформлен. Недоработаны фигуры «Утра» и «Вечера». Это создает дополнительную выразительность, тревогу и угрозу. Ваятель не побоялся пойти дальше своего времени, заставляя зрителя додумывать и трактовать скульптуры как угодно. Вот перед вами лицо «Вечера» (капелла Медичи). Фотография подтверждает сказанное выше.

Фигуры не хотят ни жить, ни чувствовать. Все вместе времена суток подтверждают девиз Медичи «Всегда» (Semper), означающий постоянное несение службы. Вместе с фигурами молодых людей аллегории заключены в устойчивую треугольную композицию.

Пьета (1499)

Эта скульптура на тему оплакивания Христа стала новой ступенькой в творчестве Микеланджело. Именно с неё начинается эпоха Великого Возрождения. Она была создана для гробницы кардинала Жана Билэра , но впоследствии была установлена в соборе Святого Петра в Ватикане и изображает момент прощания Девы Марии с Иисусом. Мария держит на руках своего мёртвого сына, только что снятого с креста и оплакивает его, скорбно склонившись над его телом. Лицо Марии прекрасно и скорбно, складки её платья бережно обволакивают обнажённое тело Христа и поражают своей натуральностью.

Микеланджело первый в истории изобразил две фигуры в одной скульптуре, гениально выполнив композицию, в основе которой лежит треугольник. Ранее скульпторы изображали Богоматерь и Христа раздельно. Микеланджело перешагнул традиции и в результате представил публике нечто новое и нетрадиционное. Эта скульптура смотрится очень цельно и грандиозно. Микеланджело выбил своё имя на перевязи платья Марии. Тогда молодому скульптору было всего 23 года, но он уже понимал, какой высоты может достичь его мастерство.

3

Интересные факты о художнике

О жизни Тициана сохранилось немало интересных биографических фактов, хотя многие сведения, полученные преимущественно из воспоминаний современников, не имеют подтверждений подлинности, и носят скорее мифологический характер. Тем не менее о великом живописце известно следующее:

1. Несмотря на отсутствие фундаментального гуманитарного образования, художник входил в высшие интеллектуальные круги Венеции, долгие годы его связывала тесная дружба с Пьетро Аретино (Pietro Aretino), известным итальянским литератором, драматургом и сатириком.
2. Тициану были присущи холодная расчётливость и даже корыстолюбие, благодаря чему он не только никогда не знал нужды, но и сумел заработать приличное состояние.
3. Живописец был очень предприимчив, не раз сам ходатайствовал о получении высоких административных должностей в Венеции и Риме.
4. Если кто-то из заказчиков медлил с оплатой, он заваливал его требовательными письмами (так, невзирая на тёплые отношения, было и с императором Филиппом II).
5. Художник имел славу большого любителя женских прелестей, и часто проводил время в компании венецианских куртизанок. Многие героини амурных похождений художника позировали для его картин. Идеалом красоты была пышнотелая дева с огненными волосами.
6. Венчание с Чечилией Сольдано, служившей ранее экономкой в доме Тициана, и ставшей единственной официальной женой мастера, произошло уже после того, как она родила двоих совместных детей.
7. Тициан отличался основательным подходом и неспешностью в создании своих шедевров. Если работа не получалась, он откладывал её до лучших времён, невзирая на сроки и договорённости с заказчиками, что часто приводило к громким скандалам.

Стиль

Картину часто сравнивают с Преображенский к Рафаэль (сейчас же Ватиканская пинакотека), период казней которого совпал с периодом казни Тициана, начавшийся несколько позже, вероятно, в 1517 году, и вскоре закончившийся после смерти художника в 1520 году. Композиции имеют очевидное сходство, с изолированной главной фигурой в воздухе, а внизу — толпой взволнованных подписчики, которые не полностью освещены.

Алтарь для церкви в г. Мурано, Венеция, Джованни Беллини, 1510–1515.

Сегодня Армянская Апостольская Церковь отмечает один из пяти главных праздников – Успение Пресвятой Богородицы или как его еще называют – праздник освящения винограда. Сам праздник посвящен воспоминанию о кончине Божией Матери Марии и Ее телесного вознесения на небеса. Этот праздник и в католической церкви имеет статус торжества, и в отличие от Армянской церкви, отмечается днем раньше.

Позже, впервые увидев картину, писатель Оскар Уайльд назовет ее лучшей картиной в Италии, с чем нетрудно согласиться.

Тициан Вечеллио. Ассунта: Вознесение Девы Марии, 1518г

История создания

Огромный алтарь был заказан Тициану отцом Джермано, настоятелем церкви Фрари в год победы Венецианской республики святого Марка над полчищами императора Максимилиана. В 1509-м германцы оккупировали все материковые владения Венеции, и лишь к 1516-му году республика смогла вернуть их все под свой контроль, освободив последний из занятых германцами городов – Верону.

Собор Санта-Мария Глориоза деи Фрари. Дата основания – 1250г

Известно, что Тициан не очень хотел браться за это работу, и аванс за неё был вручен ему церковью почти насильно. Проведённый в ХХ веке радиологический анализ показал, что красочный слой картины очень тонок: вероятно, отец Джеромано был настолько скуп, что Тициану, который обычно писал размашистыми и щедрыми мазками, в этом случае приходилось экономить даже на красочных пигментах.

Ассунта Тициана в Соборе Санта-Мария Глориоза деи Фрари

Композиция картины

Картина композиционно разделена на три яруса: нижний (земной), средний (пространство восхождения) и верхний (небесный). По мере удаления от земли меняется цветовая гамма, фон из серо-бежевого становится золотым. В великолепной живописи преобладают градации коричневого, зелёного, красного и золотистого цветов.

Тициан Вечеллио. Ассунта: Вознесение Девы Марии. Фрагмент: лицо Марии

Тициан Вечеллио. Ассунта: Вознесение Девы Марии. Фрагмент: апостолы

Тициан Вечеллио. Ассунта: Вознесение Девы Марии. Фрагмент: Бог-Отец

Впервые в станковой живописи Тициан дает подобный образец героического стиля с монументальной укрупненностью форм, сопоставимой по мощи только с фресками Микеланджело для Сикстинский капеллы.

В 1818 году картину переместили в галерею Академии, где она находилась в течение века, и затем была возвращена во Фрари в 1919 году.

Памятник Тициану в Соборе Санта-Мария Глориоза деи Фрари

Огромный вклад в мировое искусство сделал итальянский живописец Тициан Вечеллио да Кадоре. Признанный лучшим живописцем Венеции еще, когда ему и не было тридцати лет. Поставлен в один ряд с такими художниками, как Рафаэль, Леонардо да Винчи, Микеланджело.

Преимущественно сюжетом его картин выступали библейские и мифологические темы, но и как портретист он также был знаменит.

Своей известной картинно “Вознесение Богородицы” Тициан начинает новый этап в творчестве. Началом картины послужило победоносное завершение войны с германским

Именно этой атмосферой торжества и триумфа Тициан пропитал свое произведение.

Картина имеет три уровня. На первом мы видим апостолов. Они ничем не отличаются от людей. Толпятся, тянут вверх руки, падают на колени, молятся.

У них над головами большое облако, на котором стоит Богородица. Ее сопровождают множество маленьких ангелочков. Она протягивает руки к Богу, который находится у нее над головой в присутствии ангелов.

Верхняя часть картины озарена золотистым ярким светом. Присутствуют на картине

Вся картина яркая, эмоциональная и завораживающая.

Когда был восстановлен новый алтарь Санта Мария Глориоза деи Фрари, то все были просто в восторге от идеально скомпонованного в интерьер храма, огромного полотна. Это было ознаменованием настоящего переворота в искусстве Венеции.

  
Имя анастасий мужское значение кратко

  
Камозин павел михайлович биография кратко самое важное

  
Значение слова мотыга кратко

  
Фототрофы и хемотрофы это кратко

  
Крупные города турции кратко

Дальнейшее развитие Эрмитажа

Императоры Александр I и Николай I уделяют большое внимание дальнейшему развитию музея: они закупают уже не только коллекции, но и отдельные произведения художников. В Риме на распродаже коллекции Джустиниани были приобретены «Лютнист» Караваджо и картина Боттичелли «Поклонение волхвов», которая сейчас находится в Вашингтоне

В 1819 г. была куплена «Мадонна в пейзаже», предположительно кисти Джорджоне. Жозефина Богарне, императрица Франции в 1804-1809 гг., первая жена Наполеона I, подарила Александру I камею Гонзага, а после её смерти была приобретена и вся галерея дворца Мальмезон, происходившая в основном из Касселя. В 1814 г. было приобретено собрание испанской живописи Кузвельта.

Караваджо «Лютнист» (около 1595 г.)

Караваджо «Лютнист»

Это одна из ранних картин Караваджо. В работах этого цикла любовное чувство символически передаётся или через образы плодов (как бы приглашающих зрителя насладиться их вкусом), или музыкальных инструментов: музыка — символ мимолётного чувственного наслаждения. Сам художник считал «Лютниста» наиболее удавшимся ему произведением живописи.

«Камея Гонзага» (III век до н.э.)

«Камея Гонзага»

«Камея Гонзага» — знаменитая камея (ювелирное изделие или украшение, выполненное в технике барельефа на драгоценных или полудрагоценных камнях или на морской раковине) из трёхслойного сардоникса, относящаяся к лучшим образцам античной глиптики (искусство резьбы на цветных и драгоценных камнях). Согласно общепринятому мнению, является самой знаменитой камеей Эрмитажа.

Камея представляет собой парный портрет эллинистических супругов, царей Ливии, Македонии, Фракии и Боспора Киммерийского Лисимаха I и Арсинои II. Парный портрет эллинистических супругов устремлён на Запад. Камея выполнена в III в. до н. э. неизвестным автором в Александрии Египетской.

Именно при Николае I была реализована идея превращения Эрмитажа в публичный музей: в 1852 г. Эрмитаж был открыт для посещения, хотя вход в него все-таки был ограничен – надо было получать специальный пропуск в придворной конторе. Николай I внес также существенный вклад в пополнение картинной галереи Эрмитажа, но при советской власти важнейшие из купленных им полотен были проданы в США. На второй распродаже коллекции Кузвельта был куплен шедевр Рафаэля «Мадонна Альба» и «Три Марии у склепа Христа» Аннибале Карраччи.

В 1845 г. по завещанию Татищева (дипломата и коллекционера) к собранию прибавились диптих Робера Кампена «Троица. Богоматерь у камина», ранний диптих ван Эйка «Распятие. Страшный Суд» и другие работы старых мастеров. Примерно тогда же на аукционе коллекции короля Нидерландов Виллема II были приобретены «Благовещение» ван Эйка, «Пьета» Себастьяно дель Пьомбо и «Снятие с креста» Госсарта. В Венеции купили работы мастеров итальянского Ренессанса, в том числе шедевры Тициана (например, «Несение креста») и Пальмы Веккьо.

Биография художника Джотто ди Бандоне

Тайна рождения Джотто ди Бондоне окутана тайной: однозначно ответить на вопрос «когда» и «где» историки искусства не могут до сих пор. Но общепринятым годом рождения художника считается 1267 год. Скончался Джотто в 1337 году. Таким образом, его творческий путь объединяет период дученто (проторенессанса) – времени, когда Италия только нащупывала ренессансную почву, пытаясь преодолеть каноны готического и византийского искусства, и треченто – раннее Возрождение, в котором закладываются основные художественные особенности итальянского Ренессанса.

В мире искусства хорошо известна легенда, согласно которой Джотто был учеником Чимабуэ – известного мастера проторенессанса. Эта версия впервые была озвучена в книги Джорджо Вазари «Жизнеописания прославленных живописцев, скульпторов и архитекторов»: по его словам, Чимабуэ сразу оценил талант молодого пастуха, рисующего овцу углем на камне, которого Чимабуэ случайно встретил, возвращаясь в город. Правда ли это или же вымысел сейчас сказать сложно, однако, выдающийся талант мастера отрицать не приходится: к первому крупному заказу он приступает, будучи совсем молодым мастером 22 лет от роду.

Повторное открытие картины, приобретение государством и противоречие

Классифицируется как национальное достояние по консультативной комиссии по делам национальных сокровищ , работа была, как таковые, выпущенной вАвгуст 2004 г.30-месячный запрет на выезд с национальной территории и благоприятные налоговые условия для доноров. С11 февраля 2007 г., работа ожидала свидетельства о выпуске, которое могло быть выдано в течение четырех месяцев. В11 мая 2007 г., оставалось найти более 15 миллионов евро. ВИюль 2007 г., Лувр и Музей изящных искусств в Лионе, наконец, смогли собрать необходимые средства для покупки картины. Это будет самая крупная сумма, когда-либо полученная спонсорами для покупки картины во Франции, или около 17 миллионов евро (1 миллион предоставлен мэрией Лиона , 25 000 — регионом Рона-Альпы , 1 миллион — музеем Лувра на собственные средства, в дополнение к 18 покровителям, таким как Gaz de France, который пожертвовал 3 миллиона евро, Total SA , Axa , компании и банки в Лионе, а также частный донор).

Картина «Бегство в Египет» по закону входит в коллекцию Лувра и хранится вФевраль 2008 г.на этой в Музее изящных искусств в Лионе , где родился Жак Серизье, заказавший картину.

Это приписывание Николя Пуссену остается спорным. Два британских эксперта, Энтони Блант и Дени Махон, выступили против Двух французских специалистов, Жака Тюилье и Пьера Розенберга . После долгих лет споров и несмотря на отсутствие убедительных аргументов в пользу того, что эта картина действительно написана Николя Пуссеном , дело гасили из-за отсутствия противников после гибели двух британцев. Покупка картины Лувром и ее передача Музею изящных искусств в Лионе закрыли дело, которое только социолог Бернар Лахир попытался возродить в 2015 году.

Фреска «Бегство в Египет»

Фигура Джотто ди Бондоне важна для истории мирового искусства.

Но в чем проявилось новаторство Джотто и его абсолютно новый подход к живописи? В чем же заключаются изменения, которые вывели итальянскую школу живописи на абсолютно новый уровень, ведь сами фрески – это искусство, которое существовало и в Древнем Египте, и в античном Риме.

Обратимся к одному из известнейших образов кисти Джотто ди Бондоне – фреску «Бегство в Египет» из падуанской Капеллы Скровеньи.

Бегство в Египет

На фреске имеется обрамление: Джотто имитирует инкрустацию цветным мрамором, чтобы создать эффект рамы

Для художника важно показать самостоятельность каждого произведения, поэтому фресковую сцену он видит отдельным произведением, своеобразной картиной, выполненной, однако, в формате монументальной живописи.
Джотто впервые в истории мировой живописи дополняет композицию пейзажем, чтобы работа выглядела более полной, законченной и интересной для зрителя. Художник очень часто думают о том, как же заинтересовать нас с вами и заставить задержаться перед картиной как можно дольше

Скалы с одинокими деревьями – фирменный почерк Джотто. Благодаря введению такого мотива, композиция становится более глубокой и объемной – художник уходит от византийской плоскостности и упрощенности трактовки.
Джотто пытается победить некую застылось и статичность готических и византийских шедевров
Для этого он вводит в композицию мотив движения, который раскрывается здесь дважды:мотив мерного шествия (обратите внимание, что он специально уходит от симметричного расположения стоп, как это было принято в эпохах античности и средневековья: здесь четко прослеживается, что каждый герой идет в своем собственном ритме).
мотив летящего ангела, который, обогнав процессию, поторапливает ее, понимая, что в случае промедления их ждет неминуемая гибель.

Джотто находил важным вдумчиво прописывать детали, которые помогают сделать его работу еще более реалистичной и интересной: лицам он придает индивидуальные, портретные характеристики, складки и драпировки он пишет гораздо более тонко и мягко, пытается натуралистично изобразить ту или иную фактуру (например, каменные разломы скал или ткани плащей).

А еще Джотто был очень тонким колористом, который видел в каждом оттенке свои эмоциональные нюансы. На многих фресках маэстро — невероятно насыщенный синий фон, который придает композициям особую драматичность и затрагивать самые глубинные эмоциональные струны зрителей, переживающих за судьбы героев.

Описание

В центре картины Мария с Младенцем Иисусом на руках идет вправо и оглядывается. Джозеф смотрит на ангела, который ведет их, одной рукой к шее осла, несущего их вещи. Он одет в красное и оранжевое, а Мари — в бело-голубое. Персонаж вытянулся, опираясь на локти, в тени дерева слева с палкой ( пастух  ?).

Обстановка, в которой они развиваются, напоминает лесную сельскую местность, дополненную архитектурными частями: портик , увенчанный вазами прямо над колоннами, виден в мимолетной перспективе в левой части, в самом продолжении удлиненного пастуха.

В центральной части, над головой Иосифа в руке ангела , возвышается угол здания, расширенного справа скалами, маскирующими горизонт (там изображен орел ), затем дерева, которое выглядит как дуб .

Этот горизонт виден только слева от картины, за водоемом, лесами, голубоватыми горами. Небо голубое, за исключением продолжения портика, где развиваются серые облака.

Картины Джотто ди Бондоне

Первой крупной работой Джотто стали росписи верхней церкви Сан Франческо в Ассизи (Умбрия, Италия).

Церковь Сан-Франческо в Ассизи (план и разрез)

Это был очень важный заказ, поскольку храм был построен в честь Франциска Ассизского – одного из самых почитаемых в католической церкви святых, основателя монашеского ордена францисканцев, происходившего из этих мест.

Церковь Сан-Франческо в Ассизи

Работа была начата около 1288 года, и завершена к 1290 году. Такой колоссальный объем фресок сложно было выполнить в такие рекордно короткие сроки, работая в одиночку. Поэтому искусствоведы полагают, что Джотто помогала целая артель художников, которых он обучил манере, абсолютно идентичной своей собственной, что практически полностью исключает возможность явить свету имена этих «рук». В истории изобразительного искусства их принято называть джоттесками (репликами искусства Джотто).

Вид верхней церкви Сан-Франческо

К другим крупным работам Джотто относятся:

• Фрески Капеллы Скровеньи в Падуе
• Фрески в церкви Флорентийского аббатства (итал. Badia Fiorentina) во Флоренции

• Фрески в церкви Святого Креста во Флоренции

Джотто работал не только как монументальный художник (мастер фрески), но и как станковый живописец (станковое произведение – это самостоятельное произведение, выполненное на отдельной доске или холсте). Особую страницу в его творчестве занимают расписные кресты, а также диптихи (таблички-книжки для записи, представлявшие собой две дощечки, внешние стороны которых покрываться разного рода украшениями), а также триптихи и полиптихи – алтарные образы, состоящие из трех или большего числа створок, соответственно.

К самым известным относят:

• Полиптих Барончелли. Около 1334 г. Церковь Санта-Кроче, Флоренция.
• Триптих Стефанески. Около 1330 г. Пинакотека, Ватикан.
• Алтарь Перуцци. 1310—1315 гг. Музей искусства Университета Северной Каролины, Рэйли.
• Расписной крест. Около 1315 г. Лувр, Париж.

Капелла Медичи: описание

В гробнице Медичи человек попадает в совсем иной мир, не тот, что был на улице. Вас охватывает чувство тоски и впечатление, что вы находитесь на площади. Вокруг находятся необработанные фасады домов, потому что темные пилястры, наличники на редких окнах, сами окна, светлые стены этого ансамбля дают тревожное ощущение средневековой улицы и площади. Именно такое пространство, которое включает человека в быстро текущий поток времени, создал Микеланджело. Гробница мастера – это размышление о мере изменчивости, длительности и краткости существования, запечатленное в слиянии архитектуры и скульптуры.