Художественная галерея Уильяма Тернера
На смертном одре Уильям Тернер составил небольшое завещание, отложив сумму для тех, кого он называл разлагающимися художниками. Уильям, однако, не нажил огромного состояния, так как он выставлялся в Королевской академии и то здесь, то там выполнял заказы.
Первоначально Уильям интересовался архитектурой, так как некоторое время работал с ними, но архитектор Томас Хардвик посоветовал ему продолжать рисовать.
Когда талантливый художник в какой-то степени разбогател, он переехал в Лондон, где открыл художественную галерею для демонстрации своих работ. В этот момент его путешествия увеличились, и во время них он написал почти 400 картин, поездка спонсировалась группой дворян. У него было много вдохновения, и он пытался освоить несколько техник рисования, но, в конце концов, он продемонстрировал свою уникальность, используя способы, упомянутые выше.
Его основное внимание было сосредоточено на атмосфере и беспомощности человека перед ней, но не в плохом смысле. Например, в «Метель: Ганнибал и его армейский переход» он создал образ своими масляными красками, чтобы изобразить интересный образ, силу природы и неспособность человечества противостоять ей
Его путешествия очень вдохновили его, и он создал почти 1500 работ, многие из которых были превращены в картины.
В 1819 году он много путешествовал по Европе, в Неаполь, Рим и другую часть Италии
Это было, когда он создал свои знаменитые работы и исследовал изменение того, как он использовал цвет, как это видно на Большом канале в Венеции; проявляя особое внимание к более теплым и холодным тонам, большему количеству краски и множеству слоев красок, демонстрирующих ее истинную красоту
Символизм у старых мастеров и в современном искусстве
Рассмотрим один из голландских цветочных натюрмортов XVII века.
Ян Давидс де Хем. Цветы в стеклянной бутылке на мраморном постаменте. 1670. Национальная галерея, Лондон. Nationalgallery.org.uk.
Круглый край мраморного постамента выступает из темного фона. На нем стоит широкая низкая стеклянная бутылка с букетом садовых и полевых цветов. Помимо цветов, мы видим несколько улиток, паука, бабочку и прочую живность.
Изображение почти фотографическое. При этом мастер тщательно продумал композицию. В картине преобладают округлые формы: край постамента и бутылки, цветы и улитки.
Цветовая гамма также выверена. Например, желтый цвет подсолнуха на самом верху уравновешивается россыпью охристых колосков и цветов жимолости по всему букету. Все это делает картину очень эстетичной.
Помимо живописных достоинств, картина содержит немало символов.
Жан Кальвин, протестантский реформатор, был убежден, что в повседневных вещах всегда есть скрытый смысл, а в каждом изображении должен быть моральный урок.
Это одна из причин, по которой голландские художники наполняли свои картины множеством символов. Тем самым они удовлетворяли запросы публики.
Итак, цветы символизируют бренность. Поэтому Ян де Хем изображает внизу букета частично увядшие растения. Так мастер ещё больше подчеркивает быстротечность времени.
Яркий цветок тюльпана — символ расточительности. Ведь в Голландии XVII века считалось, что выращивание тюльпанов — дело крайне хлопотное и затратное.
Но в то же время в букете мы видим полевые цветы, которые ассоциировались со скромностью и душевной чистотой. А улитка, между прочим, символ грешной души.
И здесь это можно трактовать так: грешной душе (улитке) важно в суетной жизни не забывать о благочестии и скромности. И только тогда бессмертная душа (бабочка) попадет в рай
В конце концов именно бабочка села на подсолнух — символ Творца. Значит, такая душа будет в буквальном смысле рядом с Богом.
Ян де Хем удачно сочетал эстетику и символизм, поэтому он был одним из самых популярных мастеров натюрморта в Голландии XVII века.
Но символизм присутствует и в современном искусстве.
Взглянем на «Маман» Луизы Буржуа (1999).
Луиза Буржуа. Маман. 1999. Национальная галерея Канады, Оттава. Wikimedia Commons.
Перед нами огромный девятиметровый паук. Его тело похоже на стальную клетку, балансирующую на тонких и длинных ногах.
Внутри тела находится сетчатый мешок с 17 мраморными яйцами. То есть перед нами самка паука.
У многих людей скульптура вызывает напряжение и страх, потому что в западной культуре огромный паук — символ угрожающего хищника.
Но в современном искусстве отношение к символам изменилось. Ян де Хем, будучи голландцем XVII века, использовал в своих картинах общепризнанную символику. Тот же паук на его натюрморте обозначал грешную душу (как и все ползающие мелкие существа наряду с улитками и жуками).
В наше же время символ может быть индивидуальным. Луиза Буржуа воспринимала пауков как защищающих и трудолюбивых существ. По словам Буржуа, таковой была ее мать. К тому же она была реставратором античных гобеленов. Так что профессию матери легко связать со способностью пауков плести паутину.
Буржуа говорила: «Паук — это ода моей матери…», подчеркивая положительный смысл этого символа.
Хотя она может вкладывать в этот образ другой смысл из-за его двойственности. Ведь паук — хищное существо, способное парализовать жертву своим ядом.
Возможно, Луиза Буржуа косвенно подразумевала, что влияние матери на ребенка огромно. Она может окружить заботой и любовью. А может нанести серьезную психологическую травму, если не полюбит своего ребенка.
Итак, и в шедеврах прошлых веков, и в современном искусстве много символов. Чтобы интерпретировать такие произведения, зрителю нужна подготовка.
В случае с творчеством де Хема зрителю важно знать общепринятую символику тех времен. В случае со скульптурой «Маман» важно знать личное восприятие объекта художником
В случае со скульптурой «Маман» важно знать личное восприятие объекта художником. Однако в истории искусства есть период, когда тех же представителей флоры и фауны начали изображать совсем с другой целью
Однако в истории искусства есть период, когда тех же представителей флоры и фауны начали изображать совсем с другой целью.
Анекдоты
Техника Тернера для создания этого холста определялась его познаниями в «физической живописи»: короткими кистями и грязной палитрой, упираясь носом в холст, он, казалось, писал глазами и носом.
Для справки, Тернер владел акциями Great Western Railway Company , и во время бурного путешествия на поезде, услышав, что другой конвой идет в противоположном направлении, он высунул бы вашу голову в окно, чтобы лучше наблюдать за симбиозом между дождем и скоростью.
Мост, видимый в левой части стола, помогает сориентировать направление движения конвоя, который идет из Лондона и направляется в сторону Бристоля .
Путешественники сидят на скамейках открытых вагонов, так что это колонна машин третьего класса.
Фантастическое искусство Уильяма Тернера
Как уже упоминалось, нет никаких сомнений в том, что Уильям Тернер произвел революцию в индустрии живописи, оказав сильное влияние на движение импрессионистов. Он уникален в том смысле, что у него много картин, которые мы до сих пор можем пересматривать и восхищаться.
Его самые известные картины до сих пор висят в художественных галереях, а самая обширная коллекция выставлена в Национальной галерее Великобритании. Его картина «Рим с горы Авентин» была описана всеми газетами как совершенно чудесная. Она была продана за 30,3 миллиона фунтов стерлингов на аукционе в 2016 году и стала самой дорогой картиной художника до 20-го века, когда-либо проданной.
Другие известные его картины включают сожжение дома лорда и общины, Дидону, строящую Карфаген, картина Собора Святого Павла, борьба с Темерером, Дождь, пар и скорость, некоторые из его величайших картин. Первый упомянутый примечателен тем, что сам был свидетелем этого. Это было относительно поздно в его карьере, в 1834 году, после того, как он закончил свои путешествия и поселился со своей любовницей.
В 1834 году, 16 октября, в здании парламента вспыхнул пожар, и Дж.М.В. Тернер сделал быстрые наброски, которые оказались одной из его самых известных картин. Norham Castle, Sunrise очарователен, потому что в нем используется одна из фирменных техник Тернера. Вся идея состоит в том, чтобы сосредоточиться на атмосферной идентичности, а не делать архитектуру центром внимания в комнате. Боевой Темерер уважает свое героическое прошлое, поскольку на картине изображена пара его последних отчаянных попыток. Работы Тернера в гравюрах также вызвали огромный интерес в обществе, и он до сих пор оказывает влияние на современных художников.
Чтобы отдать дань уважения Тернеру, многие художественные школы по всему миру представили портреты в цветовой диаграмме и величайшие картины. 2 июня 1999 года город Вестминстер открыл мемориальную доску на месте его рождения на Мейден-лейн, 21, Ковент-Гарден. Путешествие Тернера по Британии, особенно в Уэльс, где он сделал множество набросков для обработки в этюдах и акварелях. Стиль Тернера и его воображение старой живописи продемонстрировали общую историческую живопись и оказали большое влияние на современное искусство. Как и готовые картины молодого Тернера, портреты, написанные художником, сегодня имеют большую ценность на аукционах.
Здесь, в Kidadl, мы тщательно подготовили множество интересных семейных фактов, которые понравятся всем! Если вам понравились наши предложения о фактах художника Уильяма Тернера, то почему бы не взглянуть на почему художники носят белое или австралийская накрашенная дама?
Контекст
В нескольких своих более поздних картинах Дж. М. В. Тернер использует образы прогресса и современной индустрии, которые обычно отвергаются более традиционными художниками, считая эти темы «нехудожественными».
«Дождь, пар и скорость» , «Последнее путешествие смелых» , « Стаффа» и « Дуврский замок» — все это иллюстрации острого интереса Тернера к техническому прогрессу, который тогда работал в свое время как часть первой промышленной революции .
Тернер рисует здесь конец аграрной эпохи, помещая на свой холст плуг на берегу Темзы, который представляет собой контрапункт Великой Западной железной дороги .
Эта работа свидетельствует о его увлечении современностью, промышленной революцией и его увлечении железной дорогой. Их строительство и железнодорожные спекуляции достигли пика в 1844 году. В отличие от Джона Мартина , Джона Раскина , Чарльза Диккенса или Эжена Делакруа , которые видели дегуманизирующую железную дорогу, Тернер настаивал на скорости, которая ему нравилась; на эту тему — анекдот о художнике, которого прозвали «Овер Тернер» из-за его опасного вождения кабриолета.
В то время Англия была далеко впереди в технических инновациях, частью которых был железнодорожный транспорт.
Личная жизнь
Вместе с Тернером жил его отец, который помогал сыну в работе и поддерживал все его начинания. Отец и сын были очень близки. В 1829 году отца не стало – для Уильяма это стало настоящей трагедией, принесшей пустоту. С этих пор он стал время от времени впадать в депрессию. Мать художника окончила дни в специализированной клинике. Любые разговоры об этом выводили Тернера из себя – глубоко внутри он опасался, как бы болезнь матери не сказалась и на его психике (как дурная наследственность).
Тернер никогда не был женат. Его женщинами были вдовы: первая, Сара Дэнби, старше художника на 10 или 15 лет, позже вторая, София Кэролайн Бут, младше на 23 года. В доме второй, Софии, он и встретил старость. Здесь 19 декабря 1851 года художник умер, завещав свои произведения британскому народу. Сегодня многие его работы в коллекции Лондонской галереи Тайт.
Гобелен из Байё (ок. 1077)
Ушедшие в забвение имена женщин, которые тысячу лет назад расшили на 70-метровом полотне события, предшествовавшие нормандскому завоеванию, были не только искусными мастерицами, но и необыкновенными рассказчиками. Стрела, пронзающая глаз короля Гарольда в кульминационный момент этой визуальной эпопеи, представляет собой метанарративный прием, усиливающий свой эффект, как и игла, с помощью которой была умело выткана эта история. Образ раненного Гарольда, ухватившего стрелу, сливается с личностями создателя и зрителя, чей взор тянется дальше, от одной сцены к другой. Один стежок, и вот взоры зрителя, Гарольда и мастерицы становятся единым целым.
Гобелен из Байё. (Wikimedia Commons)
Когда символизм отошел на второй план
В 1840 году Уильям Тернер создал свою работу «Дождь, пар и скорость».
Уильям Тёрнер. Дождь, пар и скорость — Великая Западная железная дорога. 1844. Национальная галерея, Лондон. Nationalgallery.org.uk.
Перед нами большое пространство. Формы почти неразличимы. Художник не использовал линии, а создавал пространство крупными и хаотичными мазками. Слева едва видны каменный мост, группа людей на берегу, справа — пахарь в поле, а на реке — лодка с двумя пассажирами.
Самый четкий объект на картине — поезд, который по железному мосту мчится к зрителю. Мы понимаем, что он движется из-за построенной перспективы и того факта, что задняя часть поезда более расплывчата, чем передняя. Он словно врывается в передний план картины.
С момента пуска первого пассажирского поезда прошло буквально несколько лет. Для людей скорость была в новинку. И художник решил передать ощущение от такой поездки.
Он сам ездил на поезде без крыши. Все расплывалось перед глазами, его окутывал густой дым, пар и влага. То есть Тёрнер попытался передать впечатление цветом и специальным способом нанесения краски.
Здесь нет никаких символов. Доктор Стивен Цукер утверждает, что «картина посвящена самому акту рисования». То есть особое нанесение краски на плоскую поверхность полотна было для художника важнее, чем передача какого-то потаённого смысла зрителю. Сам Тёрнер писал: «Я рисую не для того, чтобы люди меня понимали. Я рисую, чтобы показать, как выглядит конкретная сцена».
Картина Тёрнера на две трети атмосферная, как утверждает все тот же Доктор Цукер. Но все же в ней нашлось место для символики.
Перед поездом бежит… заяц! А он символ скорости.
Таким образом художник тонко затрагивает тему противостояния человека и природы. Ведь заяц неизбежно погибнет в этой схватке. Да, он бежит быстро, но поезд его догонит…
Современники находили поздние работы Тёрнера далекими от величия. Но некоторые художники следующего поколения считали его картины новаторскими.
Клод Моне понял, что Тернер уделяет внимание не форме, а свету. Именно свет способен менять цвет и даже саму форму
Это новаторскую идею Моне уже развивал в своих работах.
Как-то он сказал: «Когда вы идете рисовать, постарайтесь забыть, какие объекты перед вами: дерево, дом, поле или что-то еще. Думайте только, что вот это маленький синий квадратик…, а вот желтая полоска…».
Этот принцип работы особенно легко проследить в его сериях, например, в «Тополях».
Клод Моне. Три тополя. 1891. Филадельфийский художественный музей. Wikimedia Commons.
Мы видим три стройных дерева, вершины которых обрезаны рамой. Внизу вдоль всего рисунка проходит полоса прибрежной травы. Видна часть реки. На заднем плане тоже ряд тополей с дымчатыми кронами.
Художник был в лодке, когда писал эту картину. Перед нами часть мира, которую в этот момент художник увидел перед собой. Никакой символики. Это просто деревья. Просто река. Просто небо.
Моне интересовало только то, как свет образует предметы и в какой цвет окрашивает их. Это мимолетно, потому что через 10 минут солнце переместится по небу. Тогда специфический световой эффект исчезнет, сменившись совершенно другими цветами.
Поэтому художник создал несколько картин с одними и теми же тополями, чтобы запечатлеть разные световые эффекты.
Да, однозначно, что деревья здесь не содержат никакого скрытого смысла. Для Моне, как и для Тернера, это был «акт живописи как таковой» (доктор Зукер).
Клод Моне. Три тополя. 1891. Национальный музей западного искусства в Токио. Artchive.ru.
В заключение важно отметить, что символизм всегда играл большую роль в искусстве. Можно найти множество примеров, когда пейзажи, натюрморты, а также скульптуры наполнены всевозможными символами
Но в то же время есть картины, в которых художник позволял себе экспериментировать только с цветом или формой, избегая всякого символизма.
Но это не значит, что такие работы проще для понимания и предназначены для беглого просмотра. Тот же Моне подталкивает нас воспринимать окружающий мир «здесь и сейчас», находя силу и даже чудо в несущественном.
Поздние работы
С годами техника Тернера совершенствовалась, его величие росло, но вместе с тем приходило неприятие рядовой публики. Поговорим о последних годах творчества Уильяма Тернера и узнаем, как у него появился защитник среди критиков.
Это часть интерактивных уроков, подготовленных образовательной платформой Level One в сотрудничестве
с крупнейшими российскими экспертами.
Еще 500 уроков по 15 направлениям, от истории
и архитектуры до здоровья и кулинарии на levelvan.ru/plus
посмотреть все уроки
Автор урока
Ольга Алешина
Искусствовед, преподаватель истории и истории искусств
Уильям Тернер
1. Вид Большого канала в Венеции, 1835
2. Вид на Рим с Авентинского холма, 1836
3. Меркурий и Аргус, 1836
4. История Аполлона и Дафны, 1837
5. Прощание Геро и Леандра, 1837
️ В 1836 году Тернер выставил в академии три картины: «Джульетта с кормилицей», «Рим с Авентинского холма» и «Меркурий и Аргус». Все они стали объектом резкой критики, их обзывали «странной сумятицей», «нелепицей», «в высшей степени неприятной смесью» и вообще «ребячеством». Похвалил художника только один критик — Джон Рёскин.
Тернер доказал свое превосходство над современниками весной 1837 года. Тогда он представил четыре больших полотна на выставку, устроенную по поводу завершения строительства новых галерей академии. Открывать новое выставочное помещение предстояло самому королю, так что требовалось нечто особенное.
️ Тернер предложил «Большой канал в Венеции» и «Метель, лавину и наводнение — вид в долине Валле-Д’Аоста, Пьемонт». Но особое величие своей манеры продемонстрировал в двух классических сюжетах — «Истории Аполлона и Дафны» и «Прощании Геро и Леандра».
Технику письма этих картин сравнивали с игрой великого скрипача Паганини: «нечто, чего никто до того не делал и больше не сделает». Особое восхищение вызывал диапазон применения чистых цветов.
Телеграм-канал
Level One
Вдохновляющие посты, новые запуски и подарки только для подписчиков
подписаться
Уильям Тернер. Работорговцы выбрасывают за борт мертвых и умирающих — надвигается тайфун, 1840
Поговорим о том, как Тернера не принимали современники — и высмеивали его.
В 1840-е годы Тернер продолжал работать и участвовал в выставках Королевской академии. В это время он создал картину «Работорговцы выбрасывают за борт мертвых и умирающих — надвигается тайфун».
️ Джон Рёскин тут же провозгласил: «Если бы мне пришлось оправдать бессмертие Тернера только одним из его произведений… я выбрал бы это». Зато у критиков, придерживавшихся традиционных взглядов, очередная «нелепость» художника вызвала антипатию.
Вообще Тернер в эти годы сделался популярным объектом сатиры. Юмористический журнал «Панч» опубликовал вымышленный каталог художественной выставки. В перечень картин включили «Тайфун, превращающийся в самум над водоворотом у водопада, Норвегия, с кораблем в огне, во время затмения и при явлении лунной радуги».
🧇 В 1841 году в Лондоне была поставлена пантомима следующего содержания: мальчик, несущий поднос пирожков с джемом, падает в витрину, в которой выставлена картина Тернера. Владелец лавки стряхивает пыль с разломавшихся пирожков, обрамляет их в раму и продает за тысячу фунтов.
Уильям Тернер
1. Дождь, пар и скорость, 1844
2. Морское чудовище на рассвете, 1845
Поговорим о знаменитых картинах, созданных Тернером в последний период жизни.
С 1840 по 1844 год Тернер показал на выставках не менее двадцати трех больших живописных полотен. Он любил работать и не раз повторял: «Единственный мой секрет — это чертовски тяжелый труд, — и добавлял. — Не знаю другого гения, кроме гения упорной работы». Плодом работы этой поры стали его знаменитые полотна: «Дождь, пар и скорость» и «Снежная буря».
Картина «Дождь, пар и скорость» была написана после поездки Тернера по Большой западной железной дороге, связывавшей юго-запад Англии, Западные земли и Южный Уэльс с Лондоном. Считается, что на картине изображен железнодорожный мост Мейденхед через Темзу между городками Тэплоу и Мейденхед.
Зрителю представлен вид на восток в сторону Лондона. Паровоз утром несется сквозь поля. Фантастическая фееричная картина, в которой все контуры сливаются из-за скорости.
Тернер написал эту работу за 25 лет до импрессионистов. Глядя на нее, становится понятно, почему все импрессионисты стремились увидеть его работы.
Тернер все более уходит от формы, пытаясь передать оттенки цвета и воздушные объемы. Это видно на одной из последних его работ под довольно условным названием «Морское чудовище на рассвете».
Уильям Тернер. Метель. Пароход выходит из гавани и подает сигнал бедствия, попав в мелководье, 1842
Отрывок, характеризующий Дождь, пар и скорость
В 12 м и 13 м годах Кутузова прямо обвиняли за ошибки. Государь был недоволен им. И в истории, написанной недавно по высочайшему повелению, сказано, что Кутузов был хитрый придворный лжец, боявшийся имени Наполеона и своими ошибками под Красным и под Березиной лишивший русские войска славы – полной победы над французами. Такова судьба не великих людей, не grand homme, которых не признает русский ум, а судьба тех редких, всегда одиноких людей, которые, постигая волю провидения, подчиняют ей свою личную волю. Ненависть и презрение толпы наказывают этих людей за прозрение высших законов. Для русских историков – странно и страшно сказать – Наполеон – это ничтожнейшее орудие истории – никогда и нигде, даже в изгнании, не выказавший человеческого достоинства, – Наполеон есть предмет восхищения и восторга; он grand. Кутузов же, тот человек, который от начала и до конца своей деятельности в 1812 году, от Бородина и до Вильны, ни разу ни одним действием, ни словом не изменяя себе, являет необычайный s истории пример самоотвержения и сознания в настоящем будущего значения события, – Кутузов представляется им чем то неопределенным и жалким, и, говоря о Кутузове и 12 м годе, им всегда как будто немножко стыдно. А между тем трудно себе представить историческое лицо, деятельность которого так неизменно постоянно была бы направлена к одной и той же цели. Трудно вообразить себе цель, более достойную и более совпадающую с волею всего народа. Еще труднее найти другой пример в истории, где бы цель, которую поставило себе историческое лицо, была бы так совершенно достигнута, как та цель, к достижению которой была направлена вся деятельность Кутузова в 1812 году.
Пейзажное искусство Уильяма Тернера
Джозеф Мэллорд Уильям Тернер, принятый в Королевскую академию художеств в нежном возрасте 14 лет, с гордостью выставляя свои картины на витрине магазина своего отца, через несколько лет поступил в художественную галерею. потом.
Как художник-пейзажист, он был известен своими картинами маслом; он также был известен своим использованием акварели. Его родителями были Мэри Маршалл и Уильям Тернер, парикмахер и производитель париков. Английского художника сравнивают с сэром Джошуа Рейнольдсом, заядлым художником 19 века.
Путешественник почти по натуре, Джозеф Мэллорд Уильям Тернер, уникальность которого была отмечена упомянутыми выше вещами, а его первая картина «Рыбаки в море» (1796 г.) получила высокую оценку по всей стране. В качестве младшего сотрудника Тернер посещал Королевскую академию, а позже повысил свою должность до академика. В этот момент его личная жизнь пошла наперекосяк. Его мать поместили в психиатрическую больницу, и он никогда не был женат, но был в отношениях с Сарой Дэнби.
Он создал почти 1600 картин и эскизов, многие из которых выставлены на обозрение, а многие написанные маслом уничтожены. В какой-то момент он также выступал в качестве английского искусствоведа. Его первая картина маслом не была написана для Королевской академии, а была сделана по его рисункам, сделанным, когда он был моложе, которые, как свидетельствуют свидетельства, были проданы его отцом за несколько шиллингов. К сожалению, многие из них были уничтожены. Он сосредоточился в первую очередь на том, как будет двигаться свет, а различные эффекты атмосферы сделали его стиль рисования совершенно уникальным. Он провел много времени в путешествиях, возможно, в поисках вдохновения, и написал прекрасную картину под названием «Кильмены, вздымающие угли при лунном свете» (1835 г.).
Особенность этой работы и других, которые последуют за ней, заключается в том, что мы упоминали ранее. В 1800-х годах уголь был важным средством производства, и его живопись была большой данью этому. J.M.W. Тернер сделал мелководную реку Тайн, протекающую через поля угледобычи, о которой сказали, что кильмены будут переправляться из шахт в реку, питая ее через устье гавани. Но что делало его по-настоящему ошеломляющим, так это то, как лунный свет отражался от спокойных вод, как на силуэтах сзади сверкали крошечные пятнышки. J.M.W
Картины Тернера привлекли в его работах должное внимание к природе и ее красоте, отсюда его почитание в 19 веке
Его техника рисования также была интересна, учитывая, что когда-то он занимался исключительно британским искусством. Многие из упомянутых выше частей картины были выполнены мастихином, обычно используемым для смешивания цветов на палитре. У Тернера был природный талант к рисованию, так как он рисовал некоторые части более густо, чем другие, чтобы они либо выделялись, либо чтобы свет правильно ловил их.
Эта техника называется импасто, когда наносится густая краска для повышения художественной ценности указанной картины
Его путешествия принесли ему большую пользу, поскольку чудеса мира привлекали его внимание и, в свою очередь, наши сердца с его острым вниманием к деталям и его чудесной работой. Джозеф Мэллорд Уильям Тернер был особенно вдохновлен Венецией и написал там два пейзажных полотна
Иллюстрация развития его художественного стиля показана с разницей почти в десятилетие.
В Венеции: Догана и Сан-Джорджо-Маджоре продемонстрировали активность на Гранд-канале, с двумя представлены важные места, церковь Сан-Джорджо-Маджоре и Догана или Дом Обычаи. В следующем Дж. М. У. Тернер вместо этого изучает атмосферные эффекты. Роль людей принижена, а архитектурные детали размыты. Вместо этого на картине больше тумана, если смотреть на нее так, как можно было бы стоять на этом углу Венеции.
Кумир
В процессе учёбы начинающие художники копируют работы признанных мастеров. Делая это, Тернер рассматривал картины-образцы под углом сегодняшнего переосмысления, через собственное отношение и видение.
Творческие вкусы Уильяма были таковы, что кумиром его в мире искусства стал (1600-1682), французский мастер-пейзажист. Увидев его «Отплытие царицы Савской», Тернер был растроган до слёз. Для себя он решил, что к подобному он и должен стремиться. Подражание Лоррену, внимательное изучение его техники, применение таких же способов живописи стали для Тернера основными приёмами в достижении высот в изобразительном искусстве. Составляя альбом, учебное пособие для начинающих художников, Уильям также опирался на опыт Лоррена, ставшего для него путеводной звездой. Популярность Тернера росла.