Homo Universale
Философия универсального человека, или «homo universale», вертелась за всем этим творческим великолепием. Это не мужчина, не женщина, не вещь, не явление, но всегда нечто большее. Таким образом он репродуцировал своё восприятие гештальта. Характерно, что на одной из выставок, в качестве экспоната, он представлял самого себя. И это не следует рассматривать в качестве чудачества. Он на самом деле не имел понимания чётких человеческих границ личности, мог относиться к себе в качестве предмета, даже делать из этого тип поведения.
Он был гомосексуалистом, который никогда этого не скрывал, но это вовсе не означает, что ему был нужен именно секс с мужчинами. Скорее — он стремился к обмену энергией и вполне допускал платоническую привязанность. Так, он водил дружбу с уличным художником Жаном-Мишелем Баския, но невозможно сказать однозначно, что они были «сладкой парочкой». Энди Уорхол и Баския даже организовали совместную выставку, которая хоть и была воспринята в штыки критиками, но многое значила для Баския. Но это ни о чём не говорит, поскольку истые любовники Уорхола всем известны, но Баския включить в эту среду трудно. Границы личности Уорхол стирал вместе с Джоном Джорно, Билли Неймом, Джедом Джонсоном, Джоном Гулдом и Китом Харингом. Хотя последнее — не точно, не исключено, что и отношения Кита и Энди были более платоническими, хотя сам Кит никогда не скрывал, что является гомосексуалистом.
Восемь Элвисов (1963)
Кому-то может показаться, что картина изображает лишь многократное фотографическое изображение знаменитого певца
Но редакция most-beauty обращает ваше внимание на то, что в этой картине есть тонкий философский подтекст. Каждый образ Элвиса — это отпечаток, и каждый последующий такой отпечаток накладывался на предыдущий
Постепенно они наслаиваются и собираются в правой части картины. Все знают, что жизнь Элвиса Пресли, культового певца, оборвалась в самом расцвете лет от употребления наркотиков. Эта картина — размышление о страхе смерти, образе жизни, славе и забвении даже самых выдающихся современников. Для картины Уорхол взял кадр из фильма, в котором снимался молодой певец. Первоначальный вариант картины предполагал 16 изображений, но Энди Уорхол оставил лишь 8, создав параллельно двойного и тройного Элвиса. В 2009 году «Восемь Элвисов» ушли к тайному покупателю за $100 млн.
5
Вполне профессиональный коммерческий художник
Энди Уорхол иногда производит впечатление бездаря, который каким-то скандальным чудом умудрился пройти на Олимп американской славы через чёрный вход искусственно фабрикуемой скандальности. Это совершенно не соответствует действительности. В детстве, прикованный к постели болезнью, он вырезал картинки из различных журналов, делал коллажи, которые раскрашивал. Получались своеобразные детские произведения. Главное в них было, чтобы мальчику нравилось. Эта тенденция перевеса субъективного над общепринятым сохранилась в течение всей жизни. Ему нравится тоже самое, что и всем людям, но только он умудрился превратить детский экстаз созерцания картинок из журналов, обёрток от леденцов и банок из-под супа в особый вид экзистенциального искусства.
Он с трудом окончил среднюю общеобразовательную школу и поступил в Техническую школу Карнеги, которая на тот момент ещё не была институтом, но уже входила в число престижных образовательных заведений США. В 1949 году художник получает диплом бакалавра и начинает работать по специальности. Он оформлял витрины, создавал различные рекламные материалы и открытки, а потом работает иллюстратором в популярных изданиях, таких как Vogue, Harper’s Bazaar и подобных. Кроме этого иллюстрирует самоучитель испанского языка, что превращает его в один из наиболее популярных учебников того времени. Так что недостатком профессионализма Энди Уорхол никогда не страдал. Как и коммерческой востребованностью своего таланта. Если бы творчество Энди Уорхола никак не вышло в ранг искусства, то он всё равно был бы одним из наиболее богатых художников своего времени. Достаточно сказать, что дизайн банок напитка Кока-кола образца 1960 года — это его работа. Так что художественные произведения создавались для души, а лучше сказать, — в силу потребности психики.
Ссылки [ править ]
- ^ Aaserud, Энн . «Адельстин Норманн» . В Хелле, Кнут (ред.). Норск биографиск лексикон (на норвежском языке). Осло: Kunnskapsforlaget . Проверено 15 апреля 2010 года .
- ^ a b Северные пейзажи: регион и принадлежность на северной окраине Европы , Майкл Джонс, Кеннет Олвиг, стр. 392, доступ осуществлен в апреле 2010 г.
- ^ a b c Edvard Munch: Behind the Scream , Sue Prideaux, p.135-7, 2007, ISBN 978-0-300-12401-9 , по состоянию на апрель 2010 г.
- ^ a b Sch., CW (1925). «Норманн, Эйлерт Адельстен» . В Chr. Blangstrup (ред.). Salmonsens Konversationsleksikon (на датском языке). XVIII (2-е изд.). Копенгаген: Дж. Х. Шульц. п. 226 . Проверено 15 апреля 2010 года .
- ^ a b c d Художники и живопись девятнадцатого века: словарь , том 1977, часть 2, Джеральдин Норман, стр.160, по состоянию на апрель 2010 г.
- ^ a b c Адлстин Норманн. Архивировано 17 сентября 2016 г. в Wayback Machine , Burlington.co.uk, по состоянию на апрель 2010 г.
- ↑ a b Галерея Адельстина. Архивировано 23 сентября 2009 г. в Wayback Machine , Будё , Норвегия.
- ^ Villa Normann , nrk.no, по состоянию на апрель 2010 г.
Беспокойный датчанин
Но и славы издателя популярного журнала Фрейхену тоже оказалось мало, и он начал осваивать новое поле работы. Стремительно набирающий популярность кинематограф испытывал дефицит остросюжетных сценариев — романтичные истории и «комедии положений» уже успели наскучить публике, а до освежающей волны гангстерских боевиков было еще далеко. Тогда Фрейхен начал работать над киносценариями, первым из которых стал фильм «Эскимос», снятый по его одноименной книге.
В 1932-33 годах Фрейхен нанялся в Metro Goldwyn Mayer и организовал им съемки на Аляске. Он одновременно выступил сценаристом, переводчиком и кастинг-менеджером, а также сыграл в «Эскимосе» роль главного злодея — капитана промыслового судна, который вторгается в размеренную и счастливую жизнь молодой эскимосской семьи. Все диалоги в фильме были озвучены на эскимосском языке с английскими субтитрами, а главные роли сыграли местные аборигены, продемонстрировавшие в фильме традиционные способы охоты, рыбной ловли и древние обычаи инуитов.
В начале 1930-х тематика арктических приключений была на пике моды. «Эскимос» получил «Оскара» за лучший монтаж и собрал внушительную кассу в США и Канаде. Первый успех подтолкнул Фрейхена к созданию собственной кинокомпании, которая консультировала разные студии по поводу арктических путешествий и периодически продавала им готовые сценарии приключенческих фильмов.
Фрейхен с головой погружается в общественную жизнь — он возглавляет Федерацию бокса Дании, регулярно устраивает светские вечера и окружает себя многочисленной толпой поклонников и поклонниц. В 1938 году он основывает «Датский клуб путешественников», где в глубоких креслах вокруг камина заседают суровые мужчины с сигарами и травят байки о своих приключениях. Процедура принятия новых членов была очень простой — претендента подводили к Фрейхену, сурово восседающему во главе стола и вопрошали его: «Великий Петер, ты принимаешь этого человека в наш клуб?». Если в ответ раздавался одобрительный стук деревянного протеза о пол — значит, можно начинать праздновать.
В рамках этого клуба Фрейхен организовал несколько путешествий в Норвегию, Швецию и даже Южную Африку, где члены клуба охотились на слонов и знакомились с бытом местных племен.
Он дважды побывал в Советском Союзе — в 1928 и 1937 годах, где сдружился со знаменитым советским полярником Отто Шмидтом и принял участие в двух его арктических экспедициях.
Активная жизненная позиция, авторитет среди датчан и харизматичная манера общения позволили Фрейхену завоевать доверие членов датской королевской семьи, высокопоставленных политиков и бизнесменов — впереди его ждала насыщенная и безбедная жизнь. Если бы не одно «но».
Энди Уорхол «Банки с супом Кэмпбелл»: описание картины
Картина, прославившая Энди Уорхола на весь мир и принёсшая ему славу как художнику, была создана в 1962 году. «Банки с супом Кэмпбелл» появились после долгих и безуспешных попыток Уорхола в мир искусства. Переехав в Нью-Йорк в самом конце 40-х и все пятидесятые напролёт проработав в глянцевых журналах и оформляя витрины магазинов, Уорхол зарабатывал около сотни тысяч долларов в год — безумные по тем временам деньги, — и не чувствовал себя счастливым
Его некоммерческая выставка 58-го года прошла незамеченной, а критики, соизволившие обратить на Уорхола внимание, отмечали, что коммерческому художнику не место среди богемы
Всё изменилось в начале 60-х, когда Энди, уставший от работы и бесплодных попыток заявить о себе, взял отпуск и начал изображать то, что он на самом деле знал и любил. Первые эксперименты с темой и формой не принесли успеха, но когда от сложного Уорхол обратился к действительно простому — тому самому супу в банках, — его работа возымела оглушительный успех.
В создании цикла из 32 полотен, на которых отображены все выпускавшиеся на тот момент в Америке вариации «Кэмпбелл»-супа, Энди Уорхолу помогла мать: она, использовавшая жесть с банок для собственных поделок — цветов, — беспрекословно ходила в магазин, собирая всё новые вкусы.
А Уорхол рисовал. Работа заняла почти год, основной техникой для исполнения Энди выбрал шелкографию, но на тридцати двух полотнах встречаются элементы гравировки и других не-живописных стилей. Воображение потрясает полное отсутствие украшений и каких-либо изменённых элементов: «Банки…» — это 32 полотна, на которых на светлом фоне с почти фотографической точностью изображены банки консервированного супа.
Выставка-презентация работ состоялась в июле 62-го в галерее «Ferus». Именно от этой даты можно с уверенностью вести отсчёт взлёта популярности и признания поп-арта в США, поскольку успех «Банок с супом Кэмпбелл» был по-настоящему впечатляющим. Зрители и критики в один голос заговорили об обществе потребления, чрезмерной одинаковости окружающих их товаров, погоне за «концентратами» — быстрыми и совершенно бездушными вещами, воплощением которых стал обыкновенный, так любимый Уорхолом суп.
На фоне успеха «Банок» Энди Уорхол создал и другие работы в том же направлении — в том числе, знаменитые «Зелёные бутылки кока-колы». Поп-арт начал привлекать всё больше внимания, в нём начали видеть настоящее искусство — возможно, упрощённое и гротескное, но, тем не менее, точно отражающее современную жизнь.
растение
Рыбацкая деревня в Северной Норвегии
Полночь в Норвегии
Норманн пробовал по множеству тем
Однако основное внимание в его работах сосредоточено на пейзажах Согн-ог-Фьордане и Нурланда. В частности, он был известен своими фьордовыми пейзажами с полуночным солнцем
Чаще всего он рисовал сцены туристических зон Согне-фьорда, Нэрёй- фьорда и Ромсдаль- фьорда, что и принесло ему известность. В своих пейзажах он использовал гребные и парусные лодки в стандартной комплектации, а также пароходы в качестве персонала, помимо отдельных фигур, а в ранних работах 1870-х годов также были четко обозначены туристы. Рабочий мир местного населения, который был очень важен для художников, испытавших влияние норвежского национального романтизма, почти не учитывался в выставленных на продажу картинах Нормана.
Он также рисовал сцены из своего дома на севере Норвегии и с Лофотенского архипелага . Его фотографии не снабжены информацией об показанных местах и обычно не датированы, что затрудняет их присвоение. Предполагается, что многие из его больших картин впервые были написаны в студии.
Норманн использовал собственные фотографии в качестве шаблонов для своих картинок. В отличие от своих коллег Ганса Даля или Фемистокла фон Эккенбрехера , его стиль живописи значительно изменился в течение его жизни и под влиянием импрессионизма становился все более мимолетным и неполным. Он перешел от приглушенных цветов своего раннего творческого периода к резким сочетаниям ярких цветов. Он использует технику шпателя с 1890-х годов. «Это больше не было работой тонкого гладкого кончика кисти; его место занял широкий шпатель», — говорится в отчете за 1893 год. Норманн теперь стереотипно рисовал многие похожие пейзажи фьордов с голубым небом, которые хорошо продавались немецким туристам.
Его отношение к Берлинскому сецессиону , к которому он, кажется, приближается в некоторых работах, требует дальнейшего исследования.
Диптих Мэрилин (1962)
Смерть Мэрилин Монро сразила Энди Уорхола. Диптих был создан практически сразу после внезапной смерти актрисы. На каждом полотне диптиха изображено пятьдесят одинаковых изображений Мэрилин, за основу которых был взят кадр со съёмок фильма «Ниагара». Один диптих состоит из цветных портретов, второй — из тающих и исчезающих чёрно-белых портретов, как символа смерти и исчезновения из бытия прекрасного образа. Техника исполнения работы — шелкография, изобретение автора. Диптих «Мэрилин» стал культовым. Он был продан за 80 миллионов долларов и сейчас находится в британской галерее Tate.
2
То самое зубило
После трех лет изматывающей экспедиции, в ходе которой члены команды собирали местный фольклор, вели этнографические исследования, картографировали местность и даже проводили археологические раскопки, команде предстоял прямой и быстрый путь домой.
Во время одного из переходов путников застала страшная снежная буря. Фрейхен на своей собачьей упряжке отбился от основной группы. Когда стало ясно, что он заблудился, опытный полярник решил переждать непогоду и укрыться под своими санями, чтобы потом, когда погода прояснится, сориентироваться по компасу и нагнать товарищей. Он свернулся калачиком под нартами и вскоре уснул, убаюканный колыбелью вьюги. Метель продолжалась много часов подряд. В конце концов на месте саней, под которыми прятался Фрейхен, образовался огромный сугроб, грозивший стать его могилой.
Едва только хорошенько выспавшийся Петер оторвал бороду, примерзшую к «полу», он осознал, что оказался заперт в тесной снежной пещере, стены которой от дыхания покрылись толстым слоем льда. Очень быстро стало понятно, что пробить ледяной панцирь самостоятельно не получается. Крепкий нож, как и все остальные инструменты, остались в багаже на санях и добраться до них было невозможно. В полной темноте и одиночестве Фрейхен размышлял, как ему выбраться из западни и старался дышать потише — чтобы не расходовать кислород.
Тут-то в наше повествование и врывается то самое зубило! Фрейхену пришла идея вылепить его из продуктов собственной жизнедеятельности и проковырять им путь к свободе.
Опустим леденящие душу технические подробности и просто констатируем — ему это действительно удалось! Через несколько часов датчанин выбрался наружу и обнаружил себя в одиночестве среди снежной пустыни. Путь до временной базы экспедиции, где заночевали остальные полярники, занял у него еще несколько часов. Оказавшись в безопасности и едва стянув с себя теплые унты и шерстяные носки, Фрейхен понял, что ему придется попрощаться с несколькими пальцами на ноге — они были обморожены. Ближайший врач с чемоданом медицинских инструментов был за много миль отсюда, поэтому Фрейхену пришлось вспомнить два курса своего медицинского факультета и приниматься за дело самому.
В качестве хирургических инструментов сгодились плоскогубцы и плотницкий молоток, с помощью которых он и откромсал себе отмершие части тела. Особо отметим, что Фрейхен был убежденным трезвенником, и вся операция производилась без всякого наркоза и обезболивания. Уже позже, после возвращения в цивилизацию, квалифицированные врачи скептически оценили хирургические таланты Фрейхена и все же укоротили его ногу, заставив всю жизнь хромать на деревянном протезе.
Впечатления от этого путешествия Фрейхен очень живо описал в своей книге «Странствующий викинг» (1953).
Жизнь и творчество
Эйлерт Адельстин Норманн родился на Вогёйе в бывшей коммуне Будин, ныне Будё, в 1848 году. Его родителями были купец, шкипер и фермер Иоганн Норманн (1804—1862) и его вторая жена Софи Мари Дрейер (1815—1894). Школьное образование получил в Тронхейме и Бергене. После ранней смерти отца был отправлен матерью в 1869 году в Копенгаген, для получения там торгового образования. После посещения копенгагенских музеев юноша принимает решение стать художником. В том же году Норман поступает в художественную академию Дюссельдорфа. Здесь он учится живописи в классах Освальда Ахенбаха и позднее — Ойгена Дюкера. В 1870 году Норман женится на местной уроженке Катарине Вейтган (1845—1911, в этом браке родились пятеро детей), в 1871 году посещает Норвегию. Уже в 1872 картины А.Нормана выставляются в Дюссельдорфе и Копенгагене. В 1873 году он оканчивает своё обучение в Академии и затем покупает дом с садом в Дюссельдорфе, где рассчитывает обосноваться.
Достаточно быстро к А. Норману как к мастеру живописи пришёл успех. Его работы выставляются на Всемирных выставках в Вене (1873), а также в Лондоне и Берлине (1874), в 1876 в Филадельфии. После выставки в британской Королевской академии художник в 1874 был награждён медалью Альберта-Эдуарда, и снова в 1877 — серебряной медалью. В 1878 картины А. Нормана представлены на Всемирной выставке в Париже. В 1884, после экспозиции в Парижском салоне, одна из его работ была премирована серебряной медалью, в 1889 другая картина получила бронзовую медаль. Полотна А. Нормана выставлялись в музеях и картинных галереях Гётеборга (1881), Бостона (1883), Будапешта (1884), Антверпена (1885), Версаля (1885), Мадрида (1892), Мюнхена (1904). Среди покупателей его работ следует назвать короля Швеции Оскара II, германского императора Вильгельма II, австрийского эрцгерцога Франца-Фердинанда.
В 1886 году семья А. Нормана посещает его родительский дом на острове Вогейя. В 1880 году художник переезжает в Берлин, в западной части которого открывает мастерскую. Норман вступает в Союз берлинских художников, близко знакомится с такими мастерами, как Макс Либерман, Вальтер Лейстиков и Франц Скарбина. В 1890-91 годах художник строит виллу в Норвегии, на Согне-фьорде, где проводит летние месяцы. Норман приобретает моторную лодку, с борта которой пишет свои полотна — создавая таким образом «вид со стороны моря». В 1892, приехав в Норвегию, мастер посещает выставку ещё никому не известного Эдварда Мунка и признаёт его талант. При посредничестве Нормана в Берлине организуется выставка работ Э. Мунка, где были представлены 55 картин последнего. Экспозиция эта вызвала скандал, так как полотна были не поняты и не приняты императорским двором и большой частью публики. Через несколько дней выставка была закрыта, тем не менее А. Норман сделал молодого Мунка известным в художественных кругах Европы. Несмотря на то, что император Вильгельм II не простил Норману защиту интересов Мунка, в 1914 он заказывает Адельстену монументальное полотно с видом на Линген-фьорд (впрочем, в связи с началом Первой мировой войны выполненная работа заказчику так и не поступила).
Кроме Германии и Скандинавии, А. Норман мало путешествовал. Известно, правда, что он бывал во Франции, в Провансе. В Берлине художник открывает школу живописи, при этом летние занятия проходили в Норвегии. Среди его студентов были преимущественно молодые девушки. От одной из них, Луизы Ростальски (1883—1954), у него в 1909 году родился сын. Желая после этого развестись с женой, Норман получил отказ и вступил в брак с Ростальски только после смерти своей первой супруги в 1911 году. Новая жена была младше художника на 35 лет. В 1917 году А. Норман — по состоянию здоровья — переезжает в Норвегию, где после продолжительной болезни умирает.
А.Норман работал над различными художественными темами, однако наибольшего успеха добился в пейзажной живописи, посвящённой родным ему ландшафтам северной и средней Норвегии, Лофотенских островов. Иногда использовал фотографии как основы для написания своих полотен. В течение его карьеры манера изображения у А. Нормана претерпела значительные изменения; в более поздний период творчества в работах художника ощущается влияние импрессионизма (использование более ярких, «светящихся» красок). С 1890-х годов, рисуя, работает также шпахтелем.
Зебра (1983)
Картина «Зебра» входит в цикл шелкографий под названием «Вымирающие виды». Эту серию художнику заказали защитники животного мира. Существует альтернативное название этой серии — «Животные в гриме». Серия изображает 10 самых редких и исчезающих животных планеты: зебру Греви, орангутанга, амурского тигра, чёрного носорога и других животных.
Зритель видит перед собой развёрнутую голову зебры. Техника исполнения — шелкография. Тонкие красно-сине-желто-белые линии, переплетаясь создают изящный образ зебры
Картина очень динамичная, яркая и сразу привлекает к себе внимание. Можно часами рассматривать изящный узор переплетающихся линий. 10
10
Красный Ленин (1987)
Знаменитая икона поп-арта. Не удивительно, что Энди Уорхол обратил свой взор на лидера русской революции, который перевернул жизнь самой огромной страны на планете. Это одна из последних картин художника. Автор очень точно подметил черты характера Ленина, выбрав именно этот образ: Ленин ещё молод, его взгляд строг, губы решительно сжаты, его можно сравнить с хищником перед броском. Лик изображён на огненно-красном фоне, как символе кровавой и беспощадной революции. Это некий штамп, икона, которая 70 лет смотрела со стен и страниц учебников когда-то великой страны СССР.
По иронии судьбы картина принадлежала одиозному и опальному российскому олигарху — Борису Березовскому. Перед смертью он продал её за 200 тыс. долларов. Ещё один вариант картины «Чёрный Ленин» был продан за 110 тысяч долларов неизвестному покупателю.
Стиль и произведения
Стиль Уорхола в искусстве — это его собственная концепция поп-арта и артхауса. В кино он делает тоже самое, что и в живописи. Он всегда стирает границы. Всем известна эта легендарная банка супа Кэмпбелл. Критикам очень трудно признать это, но Энди не имел никакого второго смысла, когда её изображал и преподносил зрителям. Он видит её в качестве куска от гештальта. В психологии — это нечто большее, чем сумма вещей. Если кто-то смотрит на кухонный стол, то видит не стол, скатерть и тарелки на нём, но ещё и своё отношение к пространству и времени. Стол может ассоциироваться с чем-то, что является источниками комфорта или дискомфорта. Энди не мудрит с такими конструкциями, а просто рисует банку супа, который ему на самом деле нравится. Кухню никто придумать не сможет, не успеет, психику ослепляет сама этикетка, сам образ банки. Это, кстати сказать, основная сила воздействия коммерческих упаковок. Они работают ещё до того, как человек начинает думать в качественных категориях.
Энди Уорхол работы свои любил, но более любил самого себя. Это совершенно не означает, что он был законченным эгоистом. Он помогал тем, кого считал достойным. Почему? Потому что универсальные люди многофункциональны. Так он их видел, в этом их отличие от всех остальных вещей. Люди — это более вещи, чем вещи, потому что они люди. Они имеют право использовать объекты живой и неживой природы так, как им нравится. Вот такая у него была философия. И это вовсе не призыв к вседозволенности. Ему самому насилие не нравилось, поэтому он считал насилие неестественным для людей и вещей. В общем — такой парень, которому нравятся джинсы, которому не нужно объяснять, что делать зло — это зло, потому что делать зло ему было бы слишком сложно. Это вызывает дискомфорт, а вещи и универсальные люди должны быть в порядке. Железная логика аутиста, и придраться к ней невозможно.
Публика создала много шума вокруг портретов известных личностей, образа Ленина на красном фоне, диптиха Мэрилин Монро, содержащего множество её портретов и созданного после смерти актрисы, картины «Пистолет», название которой вводит в заблуждение, потому что на ней изображён револьвер. С уверенностью можно сказать, что Энди таких тонкостей просто не отсекал. Для него было куда более важным то, что на картине изображёна копия оружия из которого некто Валери Соланас, писательница, сценаристка и радикальная феминистка, широко известная в крайне узком кругу до покушения и ставшая знаменитостью после него. Это произошло на «Фабрике», которая представляла собой художественную мастерскую, клуб, киностудию и иногда вертеп. Результатом покушения стало то, что он испытывал большие физические и нравственные страдания. Три пули угодили ему в живот, был ранен кто-то ещё из тех, кто постоянно ошивался на «Фабрике» по делу и без дела. Однако Энди не стал подавать иск на Валери. Её приговорили к трём годам и принудительному лечению в психиатрической клинике.
Из-за покушения здоровье было серьёзно подорвано, но непосредственной связи между ним и смертью не было. Выстрелы прозвучали в 1968 году, а смерть наступила в 1987 году, через 19 лет. В эти годы художник продолжал заниматься творчеством, в частности — ставил свои эксперименты с раскраской гоночного автомобиля, который представлял собой динамическое произведение искусства.
Бирюзовая Мэрилин (1964)
От Энди Уорхола не ускользнула ни одна значимая звезда современности. Мэрилин Монро — это символ женственности и красоты всех времён и народов. Энди тиражировал ее изображение много раз, но одним из удачных изображений является «Бирюзовая Мэрилин». Ярко-жёлтые волосы, томный взгляд, бирюзовые тени, приоткрытый рот, яркая помада на губах, призывная родинка на лице — желанный образ женщины-богини для большинства мужчин. Сегодня эта картина воспринимается совсем иначе, чем в конце 1960-х, так как современный зритель знает, какой сложной была творческая и личная жизнь актрисы, сколько душевных мук она испытывала, и каким трагическим был её конец. Этот образ окрестили своеобразной Джокондой XX века. В 2007 году этот портрет ушёл за $80 млн.
6
«Банки с супом Кэмпбелл» Энди Уорхола — УМБРА
Об Энди Уорхоле говорят как о художнике, изменившем мир. О нем написаны десятки книг и снято не меньше фильмов. Из них можно узнать, что Андрей Вархола (настоящее имя художника) родился 6 августа 1928 года в Питтсбурге в США в семье иммигрантов из Словакии. Еще, что он был болезненным, застенчивым, всю жизнь комплексовал по поводу своей внешности и даже сделал пластику носа, носил серебристые парики.
Тем не менее, ничто не помешало ему стать одним из самых известных художников в мире, снимать фильмы, создать культовую мастерскую «Фабрика», открыть ночной клуб, издавать собственный журнал «Интервью», запустить два телевизионных шоу и раскручивать андеграундных музыкантов. Поворотной в творчестве Уорхола стала работа «Банки с супом Кэмпбелл». После нее к художнику пришла слава, о которой он давно мечтал.
Энди Уорхол «Банки с супом Кэмпбелл», 1962
После учебы в Технологическом институте Карнеги Уорхол в 1949 году переехал в Нью-Йорк. Он работал чуть ли не сутки напролет. Сначала оформлял витрины магазинов, рисовал для глянцевых журналов. Уорхол быстро стал одним из самых известных коммерческих иллюстраторов и зарабатывал около ста тысяч долларов в год. В конце 50-х в Америке стало набирать популярность направление поп-арта. Энди тоже делал работы в этом стиле, но его первая выставка в Нью-Йорке в 1958 году осталась практически незамеченной. В то время как работы молодых художников Роберта Раушенберга и Роя Лихтенштейна расходились как горячие пирожки.
Уорхол переживал, что его не принимают в мире высокого искусства. Он пытался работать с тем же Лихтенштейном, но Энди дали понять, что коммерческому иллюстратору не место в искусстве. Тогда Уорхол взял творческий отпуск и начал усиленно придумывать идеи, художник хотел сделать «что-то, что будет ни на что не похоже». Он рисовал героев мультиков, клал холсты на тротуары, чтобы на них оставались отпечатки от обуви людей, смешивал краски в самых немыслимых цветовых сочетаниях… До сих пор нет однозначного мнения, кто подсказал Энди нарисовать банки с супом «Кэмпбелл». Ему предложили рисовать то, что он любит сам. Так появились работы со сто долларами и банки с супом. Как говорил Уорхол, суп он ел на обед каждый день на протяжении 20 лет.
Энди отправил в магазин свою маму Юлию (она на тот момент жила с художником и во многом ему помогала), чтобы она купила все 32 банки разных видов супа «Кэмпбелл», которые на тот момент выпускались. Целый год Энди отрабатывал стиль изображения банок до совершенства. В итоге он сделал 32 живописных полотна, каждое из которых было в высоту 51 см и в ширину 41 см. С супом художник сделал цикл работ в технике живописи и шелкографии.
Уорхолу предложили выставить нарисованные банки с супом в галерее Ferus в Лос-Анджелесе. Выставка прошла 9 июля 1962 года. После нее об Энди заговорили как о художнике, который делает не только коммерческое искусство. Критики сходились во мнении, что работы Уорхола отражают безликость и пошлость массового потребления. Пришедшие на выставку говорили, что банки с супом произвели на них сильное впечатление.
На волне бурных обсуждений своей выставки Энди Уорхол окончательно определился, что будет работать в направлении поп-арта. Стоимость его работ из-за скандальной репутации Энди, которую он все время подогревал, была самой высокой среди американских художников того времени. Уорхол сделал множество известных во всем мире работ, но именно «Банки с супом Кэмпбелл» всегда считал самой удачной. Эта работа сейчас хранится в Музее современного искусства в Нью-Йорке.
7 интересных фактов об Энди Уорхоле
1. Художник всегда носил с собой диктофон и мог включить его в любой момент.
2. Уорхол был волонтером в приюте для бездомных в Нью-Йорке.
3. Считается, что Энди Уорхол первым придумал жанр арт-видео.
4. Близкие друзья прозвали Уорхола Drella. Это синтез двух слов«Dracula» и «Cinderella» (Золушка).
Энди Уорхола можно сравнить с Золушкой в мире искусства
5. Уорхол снял около 60 фильмов. Самая первая его работа «Сон» длилась шесть часов. Из девяти людей, пришедших на премьеру, семь смогли досидеть до конца.
6. В 1968 году Уорхол чуть не погиб. Феминистка и тусовщица «Фабрики» Валери Соланс после того, как Энди отверг ее сценарий, выстрелила в него три раза. Художник пережил клиническую смерть. Это происшествие сильно на него повлияло. Он стал ходить в церковь чуть ли не каждый день. Правда, многие друзья о религиозности художника не знали до самой его смерти.
7. Уорхол скончался в 1987 году от остановки сердца после операции на желчном пузыре. Его похоронили вместе с номером журнала «Интервью» и флаконом его любимых духов от Estee Lauder.