Импрессионизм и Монмартр
На протяжении веков Монмартр был деревней, независимой от Парижа и расмположенный за его городскими стенами. Однако в 1860 году, после перестройки Парижа, он был включен в постоянно растущий город.
Несмотря на аннексию Монмартра, этот район по-прежнему сохранил уникальную и самобытную атмосферу. Холмистый пейзаж сделал его непригодным для многих архитектурных реформ, которые барон Осман провел в другом месте Парижа, и в результате Монмартр сохранил узкие улочки, ветряные мельницы и маленькие лоскутные дома своего прошлого.
Ночная жизнь
Исторически известный своими религиозными связями — Монмартр означает гора мученика, названный в честь мученической смерти Сен-Дени на холме — Монмартр постепенно приобрел определнную репутацию благодаря своей ночной жизни. Вино текло свободно благодаря виноградникам в этом районе и не облагалось такими высокими налогами, как в черте города.
Другими словами, Монмартр был местом, где можно было отлично провести вечер!
… и низкая арендная плата
Низкая арендная плата и сельская красота района также привлекали художников в этот район, и к 1860-м годам многие переехали на Монмартр. Этому также способствовала его близость к Школе изящных искусств, которая находилась на другом берегу реки Сены.
На Монмартре художники могли взаимодействовать с «обычными людьми» в отличие от буржуазных кругов, более доминирующих в центре Парижа. Это было одним из источников вдохновения для импрессионистов. Художники часто набирали в качестве моделей молодых женщин из рабочего класса из окрестностей, которые часто также становились их любовницами!
Работать моделью быстро стало популярным видом деятельности для многих женщин, часто дополняя их доход от других работ в швейной промышленности.
Создание студии
Эдуард Мане, Эдгар Дега, Огюст Ренуар, Камиль Писсарро и Поль Сезанн имели студии на Монмартре. Их любимые места, как правило, были на вершине холма или butte, где располагались кафе и кабаре. Здесь также была самая дешевая аренда.
Одним из постоянных кафе импрессионистов было Cafe Guerbois на Rue des Batignolles. Именно в Гербуа Моне впервые предложил провести независимую групповую выставку в декабре 1873 года.
Точно так же Novelles Athènes в том же районе стал популярным местом для общения с другими художниками и писателями. Это кафе стало декорацией для картины Дега «Абсент» 1876 года.
Покупка красок и холстов
Помимо кафе, художники часто посещали малярные мастерские с временными выставками произведений искусства. Одним из самых популярных из них был магазин красок Пера Танги, где начинающие художники целыми днями обсуждали и критиковали выставки.
Танги согласился показать некоторые из картин Винсента Ван Гога и Сезанна, что было одним из немногих мест в Париже, которые это сделали, а также работы Жоржа Сёра и Поля Гогена.
Другие места, где, как известно, выставлялись работы импрессионистов, включали Ресторан la Fourche и Cabaret du Tambourine, оба на Монмартре.
Рождение самобытного художника
У Эжена Будена юный Клод обучился навыкам рисования природы на пленэре. Первой картиной Моне можно считать написанный им в 17 лет «Вид на Рюэль». Она даже выставлялась в 1858 году в Гавре. В 1859 году молодой художник уезжает на свою малую родину в Париж. Там он посещает всевозможные художественные выставки и галереи, чтобы больше узнать о живописцах и их стилях. Так как денег у юноши мало, он пишет картины в студии для бедных художников.
Клода призвали в армию в 1861 году и направили в кавалерийскую часть, которая находилась в Алжире. На военной службе Моне пробыл недолго, он заразился тифом и через два года, вместо положенных семи, был уже дома. К тому же, его тетушка, очень любившая племянника, откупила его от военной обязанности, поэтому в армию молодой человек больше не вернулся. Он поступил в университет на факультет искусств, чтобы в скором времени разочароваться в образовательном процессе, который проходил в вузе.
Шарль Лулье «Портрет Клода Моне в армейской униформе», 1861 или 1862 годыМестонахождение: Музей Мармоттан-Моне, Париж, Франция
Подход к обучению живописи, который Моне видел в университете, ему совершенно не пришелся по вкусу, поэтому Клод сменил место обучения на студию Шарля Глейра. В этом месте встретились будущие французские импрессионисты: Ренуар, который напишет портрет Моне, Сислей и Базиль. Вот как описываются занятия в студии Шарля Глейра (отрывок из книги «Клод Моне» серии «Великие художники мира», составитель А. А. Бобкова):
После занятий в студии Глейра появились первые серьезные работы Клода Моне – «Завтрак на траве» и портрет Камиллы Донасье, который был назван «Дама в зеленом». Что интересно, коллега Клода живописец Эдуард Мане в одно с ним время, только немного раньше, написал картину с похожим названием «Завтрак на природе».
Клод Моне «Дама в зелёном», 1866 годМестонахождение: Картинная галерея, Бремен, Германия
Почти однофамилицы написали почти одинаковые картины, только вот их содержание разительно отличалось друг от друга, хотя тема оставалась одна – завтрак на лоне природы, можно сказать, пикник. Немного о картине Эдуарда Мане из книги серии «Великие художники мира»:
В 1866 году в художественном салоне состоялась выставка картин. Моне выставил свою «Даму в зеленом». Поначалу должен был выставляться «Завтрак на траве», но Клод просто не успел дописать полотно к началу выставки.
Картина же эта достаточно живописна и оригинальна по технике, хоть и имеет простую композицию. Тем не менее, Камилла Донасье принесла своему автору известность. «Завтрак на траве» Моне пришлось продать, так как финансовое положение у него было на тот момент не самое лучшее.
Клод Моне «Завтрак на траве», 1866 годМестонахождение: Музей изобразительных искусств имени А. С. Пушкина, Москва, Россия
“Настоящие живописцы не упускают ни одной детали”
Пуританские правила не позволяли Берте свободно разгуливать по улицам и находить яркие сюжеты для своих картин. Зато её талант и свободолюбивая натура проявлялись через технику рисования.
Она полностью пренебрегала канонами академизма. Она стремилась запечатлеть мгновение, работая быстрыми, размашистыми, даже агрессивными мазками.
Часто оставляла незавершенными участки картины. Но от этого не возникает ощущения незавершенности работы. Вы ведь тоже нечетко видите периферийным зрением.
Берта Моризо. Лето. 1880 г. Музей Фабре, Монпелье, Франция.
Моризо не заботилась о прорисовке лиц. Написанные фигуры почти растворяются в пейзаже.
Такой вольности ей никак не могли простить критики. Один из них говорил, что еще немного, и вы решительно ничего не сможете разобрать на картине.
Берта Моризо. На озере в Булонском лесу. 1884 г. Мармоттан-Моне музей, Париж.
Берта Моризо. Женщина с ребёнком в саду в Буживале. 1881 г. Национальный музей Уэльса, Кардифф.
Порой, чтобы написать фигуру, она наносила два-три мазка. Так написана фигура девочки на картине “Вид на набережную острова Уайт”.
Скорее всего, на такое “пренебрежительное” изображение человека её вдохновила работа Клода Моне “Бульвар Капуцинок”. В 1873 году он написал свою скандальную картину, на которой прогуливающие по бульвару люди были изображены одним-двумя мазками. Об этой работе читайте в статье “Бульвар Капуцинок Моне. Необычные факты о картине”.
Такое игнорирование деталей резко осуждалось во времена Моризо и Моне. Критики предостерегали слабонервных и беременных от посещения выставок импрессионистов. Ибо те рисковали лишиться чувств от потрясения.
Так что у Моризо ещё и по этой причине не было шансов стать признанным мастером у широкой публики.
Это сейчас мы можем оценить работы Моризо по достоинству. Её картины словно сновидения. Просыпаясь, ты ещё долго ощущаешь приятное томление от увиденных образов.
По мне, так ее работы – это кульминация импрессионизма. Наравне с Клодом Моне. Все остальные импрессионисты использовали эту технику лишь частично.
Берта Моризо. Вид на набережную на острове Уайт. 1875 г. Частная коллекция.
PS.
Несколько десятилетий импрессионисты боролись за признание. Кто-то полжизни. Кто-то весь свой век. Почему же так долго?
Представьте себя человеком XIX века. Для вас картина – это аккуратно и гладко выписанные тела и предметы. Каждый мазок “спрятан”.
Поэтому любитель живописи делал простой вывод. Эти стараются. А вот эти (импрессионисты) халтурят. Раз мазки видно. И краски не смешивают. И не хотят точно передавать действительность.
Обывателю ещё сложно было осознать, что эти “пачкуны” не хотят копировать реальный мир с помощью традиционных методов. Они мечтают сотворить свои собственные!
Импрессинизм — это школа художественного рыцарства. Он учит быть свободным от канонов и традиций.
Крещение импрессионизмом прошли все великие художники следующих поколений. И Пикассо, и Мунк. И даже Малевич.
Слева: Эдвард Мунк “Улица Лафайет”, 1901 г. Национальная галерея Осло, Норвегия. Справа: Пабло Пикассо “Коррида”, 1901 г. Частная коллекция. Внизу: Казимир Малевич “Весна, яблоня в цвету”, 1904 г. Третьяковская галерея.
Неожиданно увидеть Пикассо-импрессиониста? А уж тем более Малевича, изображающего нежный цвет яблонь. И такого позитивного Мунка.
Все они прошли стадию импрессионизма. Без этого они не смогли бы сделать следующий шаг. В кубизм (Пикассо). В экспрессионизм (Мунк). И даже в супрематизм (Малевич).
***
Если Вам близок мой стиль изложения и Вам интересно изучать живопись, я могу отправить Вам на почту бесплатный цикл уроков. Для этого заполните простую форму по этой ссылке.
Завтрак на траве. 1863 г.
Эдуард Мане. Завтрак на траве. 1863 г. Музей д’Орсе, Париж
Мане охотно черпал вдохновение у старых мастеров. “Сельский концерт” Джорджоне подсказал ему идею картины “Завтрак на траве”. Позы же героев он позаимствовал с офорта Раймонди “Суд Париса” (сделан с несохранившейся картины Рафаэля).
Слева: Джорджоне. Сельский концерт. 1506-1512 гг. Лувр, Париж. Справа: Маркантонио Раймонди. Гравюра “Суд Париса”. 1513-1515 гг. Музей Метрополитен, Нью-Йорк
Перед нами двое молодых мужчин среднего класса. Они о чем-то беседуют. И даже не смотрят на обнаженную женщину рядом с ними. Ее одежда брошена рядом. Она уверенно смотрит на зрителя.
Публика была шокирована. Люди толпами приходили на выставку. Но не для того, чтобы восхищаться работой. А чтобы всласть покритиковать.
Обнаженных женщин писали и до Мане. И во времена Мане. Но это были нереальные женщины. Богини. Восточные полусказочные одалиски.
“В завтраке на траве” зрители увидели не божественных созданий. А реальных людей. Которые вот так проводят время. Семьи дома. А пикники – с куртизанками.
Публика не была готова к этому. Что ее интимную жизнь выставят напоказ.
Ещё один интересный момент. Посмотрите на женщину на заднем плане. Если ее мысленно переместить на передний план, она будет под 3 метра.
Но эта “ошибка” не из-за неумения художника, как считали критики. На такие же сознательные искажения когда-то шёл и Леонардо да Винчи.
Помните его Тайную вечерю? Фигура Христа крупнее всех остальных. В положении сидя он вровень со стоящими.
Леонардо да Винчи. Тайная вечеря. 1495-1498 гг. Монастырь Санта-Мария-делле-Грация, Милан
Такие хитрые приёмы после Леонардо себе никто не позволял. Первым на это отважился Мане
Ему было важно передать определённый эффект. Даже ценой искаженной перспективы
О картине также читайте в статье “Завтрак на траве. Как Эдуард Мане придумал современное искусство”.
Что посмотреть в музее Орсе: известные картины в здании вокзала
Там, где по железнодорожному полотну колесили поезда, в 1986 году появилась одна из самых посещаемых галерей Парижа. Музей Орсе знаменит своими коллекциями скульптуры, живописи, декоративно-прикладного искусства, графики, фотографии, кино и архитектуры.
В нем выставлено самое крупное в Европе и мире собрание работ импрессионистов и постимпрессионистов от середины XIX до начала ХХ столетия.
Сооружение состоит из трех уровней. На верхнем этаже разместились полотна таких мастеров, как Ван Гог, Тулуз-Лотрек, Ренуар, Моне, Дега, Гоген, Писсаро и других. Второй ярус, это царство искусства периода III Империи, академической живописи и направления арт-нуво, охватывающее временной промежуток между 1870 и 1914 годами.
Цокольный этаж представляет 1848–1870 года с такими именами, как Мане, Энгра, Моро, Базель и Делакруа.
Фонд музея пополнялся из разных источников, но в основном из Лувра, Люксембургского и Малого дворцов. Также среди произведений немало подарков от самих художников и частных коллекционеров. Например, впечатляет дар техасских супругов Спенсери Марлен Хейс, которые в 2016 г. вручили музею около 600 произведений искусства, включающих картины, скульптуры и наброски с условием, что дар сохранят вместе.
Особенность Musée d’Orsay в том, что он напоминает естественный кусочек пазла, дополняющий временной пробел, образовавшийся между выставками Лувра (от древностей до XVIII века) и Центра Жоржа Помпиду, в котором делается упор на современное творчество, начиная с 1900 года.
Музей Орсе входит в десятку популярнейших вернисажей мира и тройку в Париже. Величественное здание сложно не заметить, тем более что оно находится напротив сада Тюильри на левом побережье Сены.
Непременно найдите время, чтобы посетить эту удивительную сокровищницу шедевром мирового искусства. Поскольку на огромной площади собраны тысячи работ, выделить и рекомендовать для осмотра некую часть довольно сложно, тем более у каждого свои кумиры.
Но некоторые картины музея Орсе должен увидеть каждый, ведь это по-настоящему драгоценные жемчужины.
Эдуард Мане (1832—1883).
Андрей Аллахвердов. Эдуард Мане. 2017. Личная коллекция художника Allakhverdov.com
Мане был старше большинства импрессионистов. Он был их главным вдохновителем.
Сам Мане на роль лидера революционеров не претендовал. Он был светским человеком. Мечтал об официальных наградах.
Но признания он ждал очень долго. Публика желала видеть греческих богинь или натюрморты на худой конец, чтобы красиво смотрелись в столовой. Мане же хотел писать современную жизнь. Например, куртизанок.
В результате появился “Завтрак на траве”. Два денди отдыхают в обществе дам лёгкого поведения. Одна из них как ни в чем ни бывало сидит рядом с одетыми мужчинами.
Эдуард Мане. Завтрак на траве. 1863. Музей д’Орсе, Париж.
Сравните его “Завтрак на траве” с работой Тома Кутюра “Римляне во времена упадка”. Картина Кутюра произвела фурор. Художник мгновенно прославился.
“Завтрак на траве” обвинили в вульгарности. Беременным абсолютно серьезно не рекомендовали на неё смотреть.
Тома Кутюр. Римляне времён упадка. 1847. Музей д’Орсе, Париж. artchive.ru.
На картине Кутюра мы видим все атрибуты академизма (традиционной живописи XVI-XIX вв.). Колонны и статуи. Люди аполлоновской внешности. Традиционные приглушённые цвета. Манерность поз и жестов. Сюжет из далекой жизни совсем другого народа.
“Завтрак на траве” Мане – другого формата. До него никто не изображал куртизанок вот так запросто. Рядом с респектабельными горожанами. Хотя многие мужчины того времени так и проводили свой досуг. Это была реальная жизнь реальных людей.
Мане пробовал считаться со вкусами публики. Писал портреты на заказ. Но из этого ничего не вышло.
Однажды изобразил одну респектабельную даму. Некрасивую. Он не смог польстить ей с помощью кисти. Дама была разочарована. Ушла от него в слезах.
Эдуард Мане. Ангелина. 1860. Музей д’Орсе, Париж. Wikimedia Commons.
Поэтому он продолжал экспериментировать. Например, с цветом. Он не пытался изобразить так называемый природный колорит. Если серо-бурая вода ему виделась ярко-синей, то он и изображал ее ярко-синей.
Это, конечно, раздражало публику. «Ведь даже Средиземное море не может похвастаться такой синевой, как вода у Мане» – язвили они.
Эдуард Мане. Аржантей. 1874. Музей изящных искусств, Турне, Бельгия. Wikimedia Commons.
Но факт остаётся фактом. Мане вкорне изменил предназначение живописи. Картина становилась воплощением индивидуальности художника, который пишет так, как ему заблагорассудится. Забыв о шаблонах и традициях.
Новаторства ему долго не прощали. Признания дождался только под конец жизни. Но оно уже было ему не нужно. Он мучительно угасал от неизлечимой болезни.
Балкон
Описание картины «Балкон»
С Эдуаром Мане происходило что-то невообразимое. Стоило Берте оказаться рядом, он хватался за кисти и страстно ловил ее жесты, взгляды, тот непередаваемый огонь в темных глазах, который, казалось, горел только для него. Она вдыхала жизнь в любое его полотно.
Когда мать Берты Моризо увидела изображенную на картине «Балкон» брюнетку с темными глазами, она с удивлением спросила Мане: «Вы уверены, что это моя дочь?» Да, это была она, одна из самых ярких женщин-художников XIX века, самая смелая и импрессионистичная из всех французских импрессионистов. Но он видел в этой юной, молчаливой, сосредоточенной, гениальной художнице то, чего не видели другие. Любовь.
Все было запутанно и сложно в этих отношениях. Мане был женат, а Моризо была совсем не из тех женщин, с которыми заводят кратковременные, легкие интрижки. Когда Берту познакомили со скандальным, опальным и самым обсуждаемым художником в Париже, она под неизменным присмотром матери делала копии со старых шедевров в Лувре. Но, как и все молодые, горячие, продвинутые, преклонялась перед Мане.
Платонический, мучительный, невысказанный роман длился целых 6 лет.
В 1869 году «Балкон» будет принят на Салон. После предыдущих скандальных появлений Мане на официальных выставках, на этот раз критики, должно быть, хором облегченно вздохнули: на картине хотя бы все одеты. Но это вовсе не значит, что искусство Мане приняли и поняли. Ругали насыщенные, «неестественные» цвета зеленого ограждения балкона и ставен, яркий синий цвет галстука, недоумевали над живописными экспериментами, в которые опять ударился художник. Здесь Мане реализовал одну из новаторских и непривычных для академического искусства идей: он создает объем в композиции не за счет расположения фигур в перспективе, а при помощи живописных приемов. Как на фотографическом снимке, он наводит фокус только на одну фигуру, а лица остальных размывает и погружает в тень по мере удаления от переднего плана. Этой одной фигурой в фокусе оказывается конечно же Берта.
Эдуар Мане считал сюжет картины штукой второстепенной, он стремился чувства и впечатления передавать исключительно языком живописи, поэтому часто за основу своей новой картины без сомнений брал мотивы, придуманные великими художниками прошлого. В «Балконе» он достаточно вольно переосмыслил полотно Гойи «Махи на балконе», но если в гойевском варианте обе женские фигуры равноценны, то Мане выдает чувство — на его картине только одна главная героиня.
Эдуар написал 11 картин с Бертой Моризо (1, 2, 3), все эти годы она была частой гостьей в его мастерской. Художник становился одержим, модель жадно пила его восхищение – эти сеансы давали обоим ощущение абсолютной близости и обладания. Последнюю из 11 картин Мане подарил возлюбленной накануне ее свадьбы. 33-летняя Берта выходила замуж за брата Мане Эжена.
Источник
Портреты, репортажи, батальные сцены
В 1860-х годах Мане создавал преимущественно портреты современников. Фигуры эти удивительны простотой движений и поз, запечатлённых быстрыми и решительными мазками. В них читается тончайший психологизм, проникновенность и наблюдательность художника, умение в нескольких штрихах передать характер героя.
| Эдуард Мане, “Нана”, 1877 |
Если где-то происходило интересное событие, Мане отправлялся туда и фиксировал его, подобно фоторепортёру. Он был единственным импрессионистом, рисовавшим батальные сцены. Примером может служить написанная в открытом море работа “Битва “Кирсаджа” и “Алабамы” (1864), изображающая североамериканский корвет “Кирсадж” и помогающий южанам капер “Алабама”.
| Эдуард Мане, “Битва “Кирсаджа” и “Алабамы”, 1864 |
В 1874 году, когда его друзья-импрессионисты решили выставиться вместе, Мане отошёл от них, оставив место главы движения за Клодом Моне.
В поздний период своего творчества Эдуард Мане окончательно отдалился от импрессионизма и возвратился к своему прежнему стилю. В середине 1870-х годов увлеченно работал пастелью (“Женщина, подвязывающая чулок”, 1880).
| Эдуард Мане, “Женщина, подвязывающая чулок”, 1880 |
Официальное признание Эдуард Мане получил в 1882 году, когда ему был вручен орден Почетного Легиона − главная награда Франции. Большая выставка его работ прошла в 1983 в Париже (Гран Пале) и Нью-Йорке (музей Метрополитен).
30 апреля 1883 года, после перенесенной операции Эдуард Мане умер в возрасте 52-х лет.
Несмотря на то, что Мане регулярно изменял своей жене, он был превосходным мужем для Сюзанны, своей первой возлюбленной, и питал к ней самые нежные чувства. Между супругами было заключено джентльменское соглашение: она не держала его в узде, а он каждый вечер добросовестно возвращался домой, к своей роли крупного буржуа, отца семейства, где он принимал друзей совсем иного рода, нежели в мастерской: респектабельных любителей музыки с безупречной репутацией.
“Надо быть современником и писать то, что видишь”, — сказал Эдуард Мане в юности и никогда не отступал от этого. Создавая свои образы, художник пользовался мотивами, почерпнутыми у старых мастеров: таков был свойственный художнику метод утверждения современного человека в искусстве.
Берта Моризо с букетом фиалок 1872
Мане начал расширять свою цветовую палитру под влиянием пастельных пейзажей импрессионистов, но он никогда полностью не отказывался от своей тяги к черному, что проиллюстрировано здесь в портрете его близкой подруги, художницы Берты Моризо. В отличие от других его картин, которые в основном написаны при равномерном освещении, Мане решил осветить здесь только половину лица Моризо, создав драматическую игру света и тени. Она держит букет фиалок, которые сливаются с темной складкой ее платья. Почитатели творчества художника считали эту работу шедевром, и французский писатель Поль Валери в своем предисловии к каталогу ретроспективы Мане 1932 года в Музее Оранжери (Musée de l’Orangerie) написал: «Я не ставлю ничего в творчестве Мане выше, чем портрет Берты Моризо, датированный 1872 годом. . »
Эдуард Мане, Бар в «Фоли-Бержер», 1882 г.
Аржантей. 1874 г.
Эдуард Мане. Аржантей. 1874 г. Музей изящных искусств, Турне, Бельгия. Wikipedia.org
В 1874 году Мане часто работал бок о бок со своим другом Клодом Моне. Их летние дачи были по соседству в местечке Аржантей.
Не удивительно, что в работах этого года чувствуется сильное влияние главного импрессиониста. Картина “Аржантей” тому подтверждение. Она написана на пленэре (на открытом воздухе). Яркими сочными красками.
Перед нами шурин Мане и неизвестная женщина. В солнечный день они сидят на причале. На фоне реки Сены. Мане был уверен, что такая невинная картина будет благосклонно принята публикой. Но не тут-то было…
Опять скандал. На этот раз критики ругали цветовое решение художника. Откуда Мане взял воду Сены цвета индиго? Даже Средиземное море не может похвастаться такой синевой, негодовали они.
Мане был ошарашен. Он и не думал, что обязан писать воду традиционного зеленоватого оттенка. Одно утешение – картина понравилась одной очаровательной даме. Которая стала очередной его любовницей. А к освистыванию он уже привык.
Становление живописца
Собрав немного денег с помощью своего дяди, Мане предпринял путешествие по странам Европы. Он побывал в Италии, Голландии, Германии и Австрии, где посетил большое количество музеев, библиотек, выставок, церквей и встретился с некоторыми великими мастерами того времени. Художник был очарован Испанией, ее обычаями, фольклором и миром корриды. Живописец попал под влияние великих испанских художников Франса Хальса, Диего Веласкеса и Франсиско де Гойи.
Молодого Мане, как художника, интересовали темы, связанные с нищими, мошенниками, персонажами общественных собраний и испанскими сценами корриды.