Описание картины Эдуарда Мане «В лодке»
Полотно родилось под кистью Эдуарда Мане в 1874 году. На сегодняшний день хранится в Нью-Йорке в известном музее Метрополитен.
На полотне мы сможем увидеть девушку, достаточно юного возраста и мужчину. Они уютно расположились в лодке с парусом. Мужчина одет по последней моде, на нем канотье. Он присел на корме, лодкой управляет при помощи левой руки. Молодая девушка позволила себе немного прилечь, при этом опирается на край парусной лодки. Композицию художник строил таким образом, чтобы все изображенные на ней фигуры были максимально близки к зрителю. Лодку Мане решил оставить за пределами картины. Нам доступно к обозрению только небольшая часть зада лодки и совсем чуть-чуть паруса. Благодаря этому создается иллюзия присутствия в лодке.
Фоном произведения служит вода, очень красивого цвета. Она практически синяя, слегка играя изумрудными всплесками. Мане использовал светлую цветовую гамму, которая помогала ему передавать воздух, его свежесть. Художнику удавалось показать нам реальную прозрачность воздуха.
Полотно написано в стиле импрессионизма. Данному стилю под силу передавать ощущение движения. При этом художник не забывает подчеркивать, насколько изображаемые им люди и силуэты едины с окружающей средой.
Критики, искусствоведы, которые исследовали жизнь и работы Мане считают, что живописец изобразил рулевым своего родственника, Родольфа Леенхоффа. Мы до конца не уверены в том, кто был прототипом для изображаемой живописцем девушки, но есть догадки и версии, что это жена Клода Моне, которая была первой, Камилла Донсье.
Искусствоведы считают, что произведение «В лодке» Мане – это одно из важнейших слов в искусстве. Глядя на полотно, мы можем ощутить легкий бриз. Создается ощущение присутствия, радости и свежести.
НОВАЯ ТЕХНИКА
Для достижения поставленных целей художнику требовались новые технические приемы письма. Моне, в частности, выработал собственную технику письма, нанося на холст короткой кистью широкие грубые мазки, жирные разбросанные точки, черточки, зигзаги и толстые штрихи
Моне одновременно работал над всем пространством картины, веря, как он позже говорил, что «первый слой краски должен покрыть как можно большую часть холста и неважно при этом, насколько грубо он будет нанесен»
Совершенно по-новому, революционно, Моне использовал цвет, вдохновленный, без сомнения, открытиями Эжена Шевреля о способе зрительного восприятия. Шеврёль доказал, что соседствующие основные цвета цветового круга друг друга смягчают, а наибольший контраст достигается при соседстве дополнительных цветов. Другим важным его открытием было то, что цвет не является неотъемлемым свойством предметов. Цвет — это просто способ, которым смешивается свет, отражаясь от поверхности предмета. Как и его товарищи-импрессионисты, Моне обычно пользовался ограниченной палитрой, предпочитая чистые, не смешанные цвета и рисуя на холстах, предварительно покрытых белым или кремовым грунтом, благодаря чему нанесенные краски становились светлее и ярче.
Другим важным открытием, повлиявшим на видение художников, стала фотография. На снимках того времени движущиеся предметы воспринимаются как размытые пятна, а четкие очертания имеют только неподвижные предметы. Этот эффект явно отразился в похожих на муравьев фигурках людей, которых мы видим на картине Моне «Бульвар Капуцинок» (1873).
Драматургия жизни и творчества
Следующее значимое полотно было создано Моне на пленэре, им стала картина высотой в два метра «Женщина в саду». Создание этой картины потребовало от автора некоторых физических усилий. Клод выкопал что-то вроде окопа, в котором можно было поднимать и опускать полотно, это нужно было художнику, чтобы поймать на холсте определенное освещение. Вопреки стараниям живописца, эту картину салонная комиссия по оценке не приняла.
На многих своих картинах Моне изображал женщин, а для этого нужны были натурщицы. С одной из них – той самой женщиной в зеленом Камиллой Донасье художник очень сблизился, она покорила сердце живописца и его кисть. Родственники Моне были против связи Клода с натурщицей.
Ему даже пришлось инсценировать разрыв отношений с любимой, которая осталась в Париже, вынашивая ребенка от Клода. Сам он для достоверности уехал летом 1867 года к родне в Сент-Андресс. Пребывание в курортном городке не прошло даром для художника, там он написал картину «Регата в Сент-Андресс».
Клод Моне «Регата в Сент-Адрессе», 1867 годМестонахождение: Художественный музей Метрополитен, Нью-Йорк, США
В том же году у Моне родился сын, которого они с Камиллой назвали Жаном. Художник спешно отправляется в Париж навестить свою неофициальную семью. Тогда же он напишет картину, посвященную любимой женщине и сыну «Колыбель. Камилла с сыном художника Жаном».
Художественный салон отказывался принимать картины Моне, семья начала испытывать финансовые трудности. Клоду пришлось брать деньги взаймы у друзей и знакомых. Очень помог в данной ситуации Годибер – владелец судов, который заказал художнику несколько картин.
Вопреки всему Клод женился на Камилле в 1870 году, он горячо любил эту красивую женщину. Медовый месяц семья провела в Трувиле – курортном городе в Нормандии. В этот город стекалось много ценителей искусств, особенно он был любим художниками, так как местные пейзажи всего более привлекали их.
Пребывание в Трувиле окажется очень плодотворным для Моне, там он напишет пять картин. Художник стал уходить всё более в свой стиль написания, сильно отдаляясь он классической академической манеры живописи. Салоны отвергали его картины, так как они были новы и непривычны для того времени, а следовательно, коммерчески не выгодны для салонных выставок.
Камилла Донасьё, натурщица, а впоследствии любимая жена Моне
Сын парижского бакалейщика
У Клода Огюста Моне и его супруги Луизы Жюстины Обре в 1840 году появился на свет второй ребенок. Мальчика, родившегося 14 ноября, назвали Оскаром Клодом. Когда мальчику исполнилось пять лет, семья переехала из столицы Франции в нормандский город Гавр. Там, на берегу Атлантического океана, жила родная тетка Клода Мари-Жан Лекадр, чей муж держал торговую компанию. Туда и устроился работать старший Моне. Летом вся семья отдыхала на даче Лекадров в Сент-Адресс – курортном городке.
Отдав сына в школу, отец надеялся, что мальчик выучится и после окончания учебы продолжит его дело бакалейщика. После кончины мужа тетки Жака Лекадра управление его компанией перешло к Моне старшему. Ожидания Огюста не оправдывались, мальчик совершенно не признавал дисциплины, учиться не любил и постоянно рисовал. Первыми рисунками Клода стали карикатуры на одноклассников и преподавателей в школе.
Младший Моне был парень не промах. Поняв, что карикатуры у него получаются на ура, он стал их продавать по 20 франков. Свои шаржи Клод размещал в багетном салоне, где их выставляли на витрину вместе с инструментами и материалами для живописи.
Клод Моне. Карикатура на Эжена Марселя, 1856 годМестонахождение: Институт искусств, Чикаго, США
Продавая карикатуры, юный предприниматель скопил себе приличное для молодого парня состояние в две тысячи франков. В том же салоне, где продавались рисунки Моне, он однажды повстречал художника Эжена Будена – известного на тот момент пейзажиста, и познакомился с ним. Живописец отметил, что у мальчика, бесспорно, есть талант к изобразительному искусству.
Новый знакомый настоятельно посоветовал парню начать рисовать нечто более серьезное, чем простые картинки. Молодой Клод стал брать уроки живописи у Будена, несмотря на противление этому отца. Огюст Моне ещё надеялся пустить сына по своим стопам.
Занятиям рисованием с настоящим художником против воли отца поспособствовала тетя Клода. Она опекала мальчика после смерти его матери. Беря уроки у Будена, юноша понял, что тяготеет к пейзажам.
Художник Эжен Буден, учивший молодого Моне живописи
Тяжелым бременем на плечи легли финансы и печаль
Несмотря на то, что картины Моне искрились яркими красками и светом, передавали всеобъемлющее ощущение счастья, их не спешили покупать. 1877 год художник посвятил серии работ на Сен-Лазарском вокзале. Он надеялся, что современный вид транспорта, изображенный на холсте, будет популярен среди обеспеченных граждан, часто пользующихся услугами железной дороги. Но почему-то они предпочитали старомодные картины с каретами и лошадьми.
Главный меценат импрессионистов Дюран-Рюэль, пострадавший финансово в экономический кризис, перестал покупать картины Моне. Для всех настали трудные времена, Клоду порой нечем было кормить семью. Спасал лишь Эрнест Гошеде – финансист, который ценил искусство и заказал живописцу серию панно для своего замка. Не только трудное финансовое положение тяготило семью Моне, в это время ещё тяжело заболела жена художника Камилла.
В семье Моне родился второй ребенок, это серьезно ослабило организм болевшей чахоткой Камиллы. Помимо этого, не было денег на хорошее питание и лекарства. Вскоре после родов Камилла умерла, это произошло в 1879 году. Заботиться о сыновьях Клода стала соседка по дому в Ветее, который снимала семья Моне вместе с супругами Гошеде. Через некоторое время у художника и Алисы Гошеде возникли чувства друг к другу. Муж Гошеде, узнав об этом, покидает возлюбленных, оставив с ними восьмерых своих с Алисой детей.
Клод Моне и Алиса Гошеде (крайние слева) с детьми, 1886 год
ТВОРЧЕСТВО КЛОДА МОНЕ
В 1866 году Клод Моне создает портрет Камиллы Донсьё. Позже Камилла стала женой художника, у них родился сын Жан.
Первой значительной работой стала для Клода Моне «Завтрак на траве» (1865-1866), написанный им после одноименного полотна Эдуарда Мане. Сама работа до нас не дошла: художник расплатился ей в счет долга за проживание в деревне Шайи, в окрестностях которой он работал. Сюжет картины прост: на опушке зеленого леса расположились несколько мужчин и нарядно одетых женщин. Ощущение движения воздуха усиливается фактурой полотна: она уже не гладкая, а состоит из отдельных пятен-мазков. Закончив «Завтрак на траве», Клод совершенствует открытый им метод в разнообразных этюдах, которые он творит в «Лягушатнике» — излюбленном месте отдыха парижан того периода. В годы франко-прусской войны (1870-1871) Моне проживает в Лондоне, где познакомился с Дюран-Рюэлем. В Англии он знакомится с произведениями Джона Констебла и Уильяма Тёрнера.
Возвращение из Англии ознаменовает один из самых плодотворных периодов творчества Клода Моне. Он пишет свои лучшие картины — «Поле маков у Аржантея»,»Бульвар Капуцинок», «Сирень на солнце»,»Впечатление. Восход солнца». В 1874 году эти картины показаны на выставке при «Анонимном обществе живописцев, художников и граверов», организатором и руководителем данного являлся Клод Моне. После этой выставки, кстати, названной по имени картины Моне «Впечатление. Восход солнца», к художникам «пристало» прозвище «импрессионисты» (от франц. impression — впечатление). Это были золотые годы расцвета импрессионизма. Моне участвовал во множестве выставок. Однако произведения Клода Моне практически не продаются. Гонимый нуждой, перебиваясь изредка проданными картинами, Клод Моне проживает там, где позволяет кошелек: в Аржантее, в Ветее, в Пуасси и оставшуюся жизнь — в Живерни.
Изменение живописной манеры художника сопровождается переменами в его жизни. Тяжело заболевает его супруга Камилла. С рождением второго ребенка усиливается нищета, в которой живет семья.
В 1879 году его первая жена Камилла умирает от туберкулёза. В 1892 году Клод Моне женится во второй раз, на Алисе Ошеде. Ранее, до этого Алиса вела хозяйство и воспитывать детей от первого брака Клода. В 1883 году Клод Моне с супругой переезжает в Живерни, расположенном недалеко от Парижа. Алиса умерла в 1911 году, но Клоду Моне предстояло пережить так же и смерть старшего сына Жана в 1914 году.
В конце 80-х годов его искусство все более и более привлекает публику и критиков. Признание приносит материальный успех. Вскоре финансовые дела Клода Моне настолько поправилось, что он смог купить дом в Живерни, где он прожил до конца своих дней. В этот период художник всецело устремлен в работу над сериями пейзажей, в коих тончайшие световые эффекты он ставит «во краю угла». Он иначе начинает относиться к цвету, меняются и сюжеты его картин
Все внимание Моне сосредоточено на выразительности удивительной цветовой гаммы мазка в отрыве от предметной соотнесенности. Усиливается стремление к декоративности, которое вылилось в конечном счете в создание картин-панно
На место простых сюжетых картин 1860-1870 годов приходят более сложные, богатые всевозможными ассоциативными связями («Скалы в Бель-Иль»,»Тополя»).
Ещё одна Олимпия, современная
Кстати, в музее Д’Орсе хранится ещё одна Олимпия. Её написал Поль Сезанн, который очень любил творчество Эдуарда Мане.
Поль Сезанн. Олимпия современная. 1874 г. Музей Д’Орсе, Париж.
Олимпия Сезанна была названа ещё более эпатажной, чем Олимпия Мане. Однако, “лёд тронулся”. Вскоре публике волей-неволей придётся отказаться от своих пуританских взглядов. Этому немало поспособствовуют великие мастера 19 и 20 века.
Так, купальщицы и простолюдинки Эдгара Дега продолжат новую традицию показывать жизнь обычных людей. А не только богинь и знатных дам в застывших позах.
И уже Олимпия Мане никому не кажется эпатажной.
***
Если Вам близок мой стиль изложения и Вам интересно изучать живопись, я могу отправить Вам на почту бесплатный цикл уроков. Для этого заполните простую форму по этой ссылке.
Комментарии других читателей смотрите ниже. Они часто являются хорошим дополнением к статье. Ещё вы можете поделиться своим мнением о картине и художнике, а также задать вопрос автору.
Главная иллюстрация: Эдуард Мане. Олимпия. 1863. Музей Д’Орсе, Париж.
СЕРИИ КАРТИН
Несмотря на то, что художники во все времена создавали ряд набросков одной сцены, до Моне не было ни одного, кто написал бы один и тот же объект несколько раз при различном освещении и разных погодных условиях. Картины Моне представляют целые серии, изображающие стога сена, тополя, собор в Руане, вид Лондона с Темзы и, наконец, кувшинки.
Лондонские пейзажи Моне, написанные в 1899-1901 годах, с их рассеянным светом и рассеянным цветом, — это виртуозные, драматичные произведения искусства, по которым можно проследить эволюцию стиля художника к почти абстрактной манере. Они показывают постепенное продвижение художника к объекту, который он будет писать во все оставшиеся годы жизни, создавая свои сады и превращая их в редкостные произведения искусства.
Известный, но небогатый
Самобытность сделала Моне узнаваемым и интересным художником, только вот эта известность не приносила никакой прибыли. Семья бедствовала, чтобы купить необходимые материалы для живописи, приходилось урезать бюджет на питание, а ведь у Клода рос маленький сын.
К тому же, в 1870 году началась немецко-французская война, и Моне, чтобы не попасть в действующую армию, уехал из страны. Он перебрался в столицу Великобритании, где очень удачно познакомился с Полем Дюран-Рюэлем, который владел художественным магазином.
Поль Дюран-Рюэль, меценат, оказавший поддержку тогда ещё не признанному импрессионисту Клоду Моне
Немного улучшило финансовое положение семьи получение наследства от отца Клода, который умер в 1871 году. Жизнь в Париже стоила дорого, Моне решили переехать в столичный пригород – маленький городок Аржантёй. Место было выбрано не случайно, Клода очаровали и вдохновили местные пейзажи. Художника тянуло к речным и морским пейзажам, в Аржантее их было с избытком. Там Моне создал целую серию картин, посвященных судам, а также пейзажи с водоемами.
К тому же, Поль Дюран-Рюэль, с которым Моне познакомился в Лондоне, купил несколько картин художника. Этот человек в целом стал поддерживать зарождающееся направление в живописи – импрессионизм. Он первый открыто поддержал деятелей этого направления, среди которых помимо Моне, были ещё и Мане, Дега, Ренуар, Сислей и Писсаро, с которыми также был знаком и Клод, а с некоторыми из них вместе учился живописи.
В 1872 и 1873 годах живописец пишет две значимые для него и дорогие картины. На одной он изобразил своего пятилетнего сына Жана – «Жан Моне на своей лошади – трехколесном велосипеде». Эту картину Клод не будет нигде выставлять, так как она очень дорога его сердцу.
Второе полотно, где запечатлена его любимая натурщица и жена в одном лице – «Камилла Моне на скамейке в саду». Через пару лет свет увидит «Женщина с зонтиком. Мадам Моне с сыном», именно эту картину считают самой известной из раннего творчества художника.
Из знакомства с Гюставом Кайботом – коллекционером, охотно поддерживающим импрессионистов, впоследствии родилось общество, в которое вступили многие представители этого направления в живописи. Через год после знакомства Моне с Кайботом, в 1874 году, на бульваре Капуцинок была организована первая выставка нового сообщества.
Она открылась в фотоателье Надара и носила название «Выставка Анонимного общества живописцев, скульпторов и граверов». Эту смелую экспозицию называли ещё и «Выставка мятежников», так как в других местах импрессионистов пока не выставляли.
Клод Моне «Женщина с зонтиком. Мадам Моне с сыном Жаном», 1875 годМестонахождение: Национальная галерея искусств, Вашингтон, США
Описание картины Эдуарда Мане «Клод Моне в своей лодке-студии»
Картина «Клод Моне в своей лодке-студии» написана Эдуардом Мане в 1874 году. В то время он совершил летнюю поездку в Аржантей в обществе Клода Моне. Там они совместно занимались живописью, и Мане изображает великого мастера за работой в его лодке. Хоть Мане и творил в эпоху импрессионистов и ему нравилось общение с ними (особо интересовался он их работой с освещением), к их группе он себя никогда не причислял. Ему хотелось стать официально признанным и хорошо оплачиваемым художником, входящим в Салон с главного входа, а не выставляющимся в какой-то убогой лачужке.
Стиль Эдуарда Мане отличается от стиля импрессионистов, как видно и на данной картине. Импрессионисты отвергали черный цвет, Мане, напротив, использует его всегда. На полотно нанесены длинные и плавные аккуратные мазки (а не короткие штрихи или вовсе точки импрессионистов). Видно, что цвета на полотне смешаны, оттенки различны (импрессионисты же в очень редких случаях смешивали краски).
Невозможно сказать какого жанра эта картина
Тщательное внимание уделено как портретам, так и пейзажу. Центральное место в композиции занимает Клод Моне, работающий над портретом некой дамы
Он работает на плаву, в своей лодке-студии, но работа его, несмотря на качку на волнах точна и прекрасна. На его мольберте виден набросок, штрихи его кисти плотны. Моне изображен одетый в светлые рубашку и штаны, он задумчив и сосредоточен на работе. Дама-натурщица красива, на ней тоже светлые одежды и она с нетерпением ожидает окончания работы, ей хочется взглянуть на результат.
Очень четко Мане прорисовывает окружающий героев пейзаж. Волны и блики на воде, небо и облака, плывущие на горизонте яхты с дымящими трубами, деревянный домик на берегу. Все это удачно обрамляет художника и даму, сидящих в лодке-студии.
Описание
На картине изображены мужчина и женщина в каноэ .
Тесное кадрирование и легкий ныряние изолируют двух персонажей на воде, стирая пейзаж на заднем плане. Он разрезает каноэ, чтобы показать только его заднюю часть, перекресток остается видимым в нижней правой части рамы.
На переднем плане женщина, опирающаяся на край лодки и лежащая перпендикулярно оси последней, представляет свой прямой профиль. Он частично прорезан нижней частью рамы и скамейкой, которая скрывает нижнюю часть тела. Приоткрыв рот, она смотрит прямо перед собой. Мужчина в центре композиции сидит на корме лодки; косым взглядом он как бы фиксирует художника или зрителя, который находится немного левее центральной оси холста.
На женщине белая шляпа с черной лентой. Пеленка опускается ей под нос, чтобы защитить от солнца. У нее есть серьга. Ее фиолетово-сине-белое платье в вертикальную полоску закреплено выше талии коричневым ремнем с пряжкой.
Мужчина в середине полотна одет в желтую соломенную канотье , украшенную голубой лентой. У него черные волосы и густые светлые усы, которые ниспадают по обе стороны от его рта. Он одет в простую белую майку с короткими рукавами, открывающую руки, и парусиновые штаны, тоже белые. Солнце делает эту ослепительную белизну на спине, в то время как серые, представляющие тени, помещаются на передней части майки и на внутренней стороне левой ноги. В сидячем положении его грудь немного повернута влево. Он держит штангу левой рукой, опираясь на нее предплечьем. Его правая рука лежит на противоположной ноге, вытянутой в каноэ. Ее ступней не видно, их скрывает женщина на переднем плане.
Каноэ, чьи вставки из дерева показаны в оттенках коричневого, показано наклонно к холсту и, кажется, продолжается в правом нижнем углу перед рамой. Справа на ободе, проходящем по всей внутренней части корпуса, мы можем различить белые и серые формы, представленные поспешными мазками: это гребные перчатки, которые остались у человека? пойманный?
Если человек довольствуется тем, что находится у руля, и не сидит на скамейке и не занимается греблей, это потому, что ветер, вероятно, поднялся, о чем свидетельствует уключина , свободная в нижнем левом углу полотна, а также парус. который пересекает правый верхний угол. Стрелы , конец которого почти касается верхнего края рамы, соединен с корпусом с помощью плетеного шнура , который образует наклонную вправо.
Остальную часть холста занимает только вода: она ослепительно синего цвета и только оживляется спокойными фигурными водоворотами, в первых двух нижних третях более темными извилистыми линиями и светлыми бликами. А вот верхняя треть более ровная, что стирает впечатление движения воды и глубины.
РАБОТА НА ПЛЕНЭРЕ
Практика работы художника на открытом воздухе (пленэре) не была чем-то совершенно новым. Ещё в начале XIX века английский художник Джон Констебл часто писал на природе свои наброски и этюды маслом. В 1840 годах, следуя его примеру, группа французских художников собиралась в деревушке Барбизон возле леса Фонтенбло с целью писать пейзажи, которые должны изображать «подлинную природу». Камиль Коро, которого многие импрессионисты высоко ценили за его неидеализированный взгляд на природу, также писал маслом на пленэре, призывая художников «следовать своему первому впечатлению».
Наиболее важную роль в становлении Моне как художника сыграла его юношеская дружба с пейзажистом Эженом Буденом, специализировавшимся на небольших воздушных приморских пейзажах, которые он создавал на открытом воздухе. Боден настоял на том, чтобы Моне присоединился к нему во время одного из таких сеансов в Гавре. «Неожиданно пелена спала с моих глаз», — писал позже Моне.
Там же, в Гавре, Моне познакомился с голландским художником Йоханом Бартольдом Йонкиндом, который старался передать нежнейшие оттенки воздуха и настроения в своих морских пейзажах. Позже Моне говорил о нем: «Он был человеком, который окончательно развил мое зрение».
В Аржантёе Моне работал на открытом воздухе, часто в сопровождении Камиллы, сидя в специально построенной для этого лодке. Эдуар Мане запечатлел художника за работой в 1874 году. Работа на пленэре стала по настоящему возможной благодаря изобретению в 1841 году мягких тюбиков для краски. Краски в тюбиках были более густые чем прежние, хранившиеся в специальных ящиках, поэтому художникам потребовались более толстые и короткие кисти, чтобы пользоваться ими. Краски в тюбиках требовали от художников слегка измененной техники письма и вдохновили их на более широкое использование различных «готовых» цветов.
Ещё одна куртизанка Мане
Мане всегда был первопроходцем, как и Франсиско Гойя в своё время. Он пытался найти свой собственный путь в творчестве. Он стремился взять лучшее из творчества других мастеров, но никогда не занимался подражательством, а создавал своё, аутентичное. “Олимпия” – яркий тому пример.
Мане и в последующем остался верен своим принципам, стремясь изображать современную жизнь. Так, в 1877 году он пишет картину “Нана”. Написанная в импрессионистской манере. На ней женщина лёгкого поведения припудривает носик на глазах ожидающего её клиента.
Эдуард Мане. Нана. 1877 г. Гамбургский кунстхалле музей, Германия.
В лодке (картина Мане) Википедия
«В лодке» (фр. En bateau, англ. Boating) — картина, написанная в 1874 году французским художником Эдуаром Мане (Édouard Manet, 1832—1883). Принадлежит музею Метрополитен в Нью-Йорке ( 29.100.115). Размер картины — 97,2 × 130,2 см.
История
Картина «В лодке» была написана летом 1874 года, которое Мане проводил в северо-западном пригороде Парижа Женвилье, недалеко от Аржантёя, где жил Клод Моне со своей семьёй.
Картина выставлялась на Парижском салоне 1879 года, где она была приобретена за 1500 франков коллекционером Виктором Антуаном Дефоссе (Victor Antoine Desfossés). В мае 1895 года картина была куплена у Дефоссе известным маршаном Полем Дюран-Рюэлем (Paul Durand-Ruel) за &&&&&&&&&&025000.&&&&&025 000 франков, а в сентябре того же года она была продана за &&&&&&&&&&055000.&&&&&055 000 франков предпринимателю и коллекционеру из Нью-Йорка Генри Осборну Хэвемайеру (Henry Osborne Havemeyer) и его жене Луизине Хэвемайер (Louisine Havemeyer). После смерти Хэвемайера в 1907 году картина оставалась у его жены, а после её смерти в 1929 году согласно завещанию она была передана в коллекцию музея Метрополитен.
Описание
На картине изображены мужчина и молодая женщина, сидящие в парусной лодке. Мужчина в модном тогда канотье находится на месте рулевого у кормы, управляя рулём левой рукой, а женщина полулежит, опершись о край лодки. Композиция картины построена таким образом, что их фигуры максимально приближены к зрителю за счёт того, что передняя часть лодки осталась за пределами картины, так что видна только задняя часть лодки и небольшая часть паруса. Таким образом, у зрителя создаётся впечатление того, что он сам находится в лодке.
Позади лодки видна изумрудно-синяя вода, которая составляет фон картины. Использование светлой цветовой гаммы помогает передать свежесть и прозрачность воздуха. Картина написана в импрессионистском стиле, передающем ощущение движения, и в то же время подчёркивающем единство изображённых людей и окружающей среды.
Исследователи творчества Мане полагают, что в качестве рулевого художнику позировал его шурин Родольф Леенхофф (Rodolphe Leenhoff). В то же время точно неизвестно, кто был моделью для изображённой женщины, хотя высказываются предположения, что это была Камилла Донсье (Camille Doncieux), первая жена Клода Моне.
Вскоре после появления картины «В лодке» на Салоне 1879 года французский писатель и критик Жорис Карл Гюисманс писал:
| Некоторых всё ещё раздражает эта вода, такая синяя… Женщина в голубом, сидящая в лодке, передняя часть которой отсечена — как на японских гравюрах — краями картины, помещена очень выигрышно на солнце и написана весьма энергично, равно как и рулевой в белом, на фоне ещё более резкой голубизны воды. |
Художница Мэри Кассат, рекомендовавшая купить эту картину для коллекции Хэвемайеров, называла её «последним словом в живописи» (англ. the last word in painting).
Искусствовед Юрий Колпинский так писал об этой картине Мане:
| Прекрасным примером пленэрной групповой композиции является «В лодке» (1874, Салон 1879 г.; Нью-Йорк, Метрополитен-музей). Резкая кривая абриса кормы парусной лодки, сдержанная энергия движения рулевого, мечтательная грация сидящей в профиль дамы, прозрачность воздуха, ощущение свежего ветра и скользящего движения лодки образуют полную лёгкой радостности и свежести картину. Динамичный характер композиций 70-х гг. особенно наглядно выступает при сопоставлении этой работы с лучшими произведениями (в том числе пейзажами — такими, например, как «Выход из Булонского порта», 1864; Чикаго, Институт искусств), исполненными в 60-х гг. |
В лодке (картина Мане) — Википедия
Материал из Википедии — свободной энциклопедии
«В лодке» (фр. En bateau, англ. Boating) — картина, написанная в 1874 году французским художником Эдуаром Мане (Édouard Manet, 1832—1883). Принадлежит музею Метрополитен в Нью-Йорке ( 29.100.115). Размер картины — 97,2 × 130,2 см.
Картина «В лодке» была написана летом 1874 года, которое Мане проводил в северо-западном пригороде Парижа Женвилье, недалеко от Аржантёя, где жил Клод Моне со своей семьёй.
Картина выставлялась на Парижском салоне 1879 года, где она была приобретена за 1500 франков коллекционером Виктором Антуаном Дефоссе (Victor Antoine Desfossés). В мае 1895 года картина была куплена у Дефоссе известным маршаном Полем Дюран-Рюэлем (Paul Durand-Ruel) за &&&&&&&&&&025000.&&&&&025 000 франков, а в сентябре того же года она была продана за &&&&&&&&&&055000.&&&&&055 000 франков предпринимателю и коллекционеру из Нью-Йорка Генри Осборну Хэвемайеру (Henry Osborne Havemeyer) и его жене Луизине Хэвемайер (Louisine Havemeyer). После смерти Хэвемайера в 1907 году картина оставалась у его жены, а после её смерти в 1929 году согласно завещанию она была передана в коллекцию музея Метрополитен.
На картине изображены мужчина и молодая женщина, сидящие в парусной лодке. Мужчина в модном тогда канотье находится на месте рулевого у кормы, управляя рулём левой рукой, а женщина полулежит, опершись о край лодки. Композиция картины построена таким образом, что их фигуры максимально приближены к зрителю за счёт того, что передняя часть лодки осталась за пределами картины, так что видна только задняя часть лодки и небольшая часть паруса. Таким образом, у зрителя создаётся впечатление того, что он сам находится в лодке.
Позади лодки видна изумрудно-синяя вода, которая составляет фон картины. Использование светлой цветовой гаммы помогает передать свежесть и прозрачность воздуха. Картина написана в импрессионистском стиле, передающем ощущение движения, и в то же время подчёркивающем единство изображённых людей и окружающей среды.
Исследователи творчества Мане полагают, что в качестве рулевого художнику позировал его шурин Родольф Леенхофф (Rodolphe Leenhoff). В то же время точно неизвестно, кто был моделью для изображённой женщины, хотя высказываются предположения, что это была Камилла Донсье (Camille Doncieux), первая жена Клода Моне.
Вскоре после появления картины «В лодке» на Салоне 1879 года французский писатель и критик Жорис Карл Гюисманс писал:
| Некоторых всё ещё раздражает эта вода, такая синяя… Женщина в голубом, сидящая в лодке, передняя часть которой отсечена — как на японских гравюрах — краями картины, помещена очень выигрышно на солнце и написана весьма энергично, равно как и рулевой в белом, на фоне ещё более резкой голубизны воды. |
Художница Мэри Кассат, рекомендовавшая купить эту картину для коллекции Хэвемайеров, называла её «последним словом в живописи» (англ. the last word in painting).
Искусствовед Юрий Колпинский так писал об этой картине Мане:
| Прекрасным примером пленэрной групповой композиции является «В лодке» (1874, Салон 1879 г.; Нью-Йорк, Метрополитен-музей). Резкая кривая абриса кормы парусной лодки, сдержанная энергия движения рулевого, мечтательная грация сидящей в профиль дамы, прозрачность воздуха, ощущение свежего ветра и скользящего движения лодки образуют полную лёгкой радостности и свежести картину. Динамичный характер композиций 70-х гг. особенно наглядно выступает при сопоставлении этой работы с лучшими произведениями (в том числе пейзажами — такими, например, как «Выход из Булонского порта», 1864; Чикаго, Институт искусств), исполненными в 60-х гг. |