Врубель Михаил Александрович — кто он?
Врубель — художник многогранный: ему принадлежат как масштабные панно, так и книжные иллюстрации. Кроме того, Врубель — автор множества театральных костюмов, майоликовых скульптур и витражей.
Врубель родился 5 (17) марта 1856 г. в Омске. Одно из детских воспоминаний — болеющая чахоткой мама вырезает из бумаги диковинных зверей. Возможно, это стало истоком будущих образов талантливого живописца.
Михаил Врубель «Автопортрет с раковиной»
В 3 года лишился матери, воспитывался в глубокой любви к русскому фольклору, где его воображение населял мир русских сказок. Эта культура позволяла ему оставаться самобытным художником, объекты творения которого вызывали яростные споры критиков. Как автор он никогда не позволял себе идти по пути подражания любому авторитету.
Свой талант живописца он обнаружил рано — в 9 лет. Тогда мальчик смог по памяти воспроизвести копию «Страшного суда» Микеланджело. Отец всячески поощрял занятия сына, нанимая учителей, помогающих развивать способности мальчика. И на общеобразовательном поприще он был среди лучших, окончив Одесскую гимназию с золотой медалью.
После Одессы Врубель направился в Санкт-Петербург, где поступил в университет. Его ближайшей целью стало получение образования юриста.
В столице Российской империи, чтобы удержаться на плаву, он занимается репетиторством, и благодаря этому занятию знакомится с семейством Папмелей, у которых часто бывали художники, музыканты, поэты. В этот период в голове талантливого юноши зародилась идея выбрать в качестве своего основного ремесла живопись, а не юриспруденцию. Но сначала ему пришлось окончить университет и отслужить в армии.
Когда ему было 24 года, Врубель неожиданно для всех поступил в Академию художеств в качестве слушателя. Михаил Александрович был старательным студентом, с уважением относился к преподавателям — этим он отличался от многих учащихся, считавших правилом хорошего тона критиковать своих учителей. Его эскиз «Обручение Святой Девы Марии с Иосифом» в 1881 г. был отмечен Серебряной медалью и протекцией преподавателя. Михаил отправился в Киев на реставрацию Кирилловской церкви.
Любовное пламя опалило сердце Михаила, и ничто не помогало отвлечься: ни учеба в Италии, ни отсутствие денег, ни насмешки и безответность чувств — Врубель не хотел браться за ум, практически полностью пропивая небольшие деньги. Даже приезд отца и последовавшая за этим болезнь не встряхнули молодого человека. Михаил Александрович едет в Москву, предупредив отца, что хочет навестить друзей.
Там он поселился у своего коллеги — Коровина, который и свел Врубеля со знаменитым меценатом Саввой Мамонтовым. В период искания, когда, казалось, против художника ополчился весь мир, только Мамонтов продолжал верить в талант Врубеля. В 1896 г. купец настоял на участии в Нижегородской выставке, ставшей испытанием для автора «Принцессы Грезы».
Сложный характер Михаила не способствовал росту количества друзей. Тем более удивительна его встреча с будущей женой, предложение которой он сделал чуть ли не в день знакомства.
Несмотря на все жизненные неурядицы, Врубель в 1905 г. стал академиком живописи. Это произошло в самый тягостный период, когда живописец практическим ослеп, а его психическое здоровье было подорвано.
Значение шедевров Врубеля
Мнение искусствоведов и исследователей относительно места Врубеля в мировом искусстве неоднозначно. Художника нельзя отнести к типичному представителю модерна – этому направлению принадлежат наиболее спорные произведения Михаила Александровича, для этого направления он слишком увлечен внутренним смыслом натуры. Скорее, он смог найти себя в символизме, передавая философскую природу персонажей.
Считая академизм отправной точкой, где берутся базовые навыки, мастер легко эволюционировал в своих произведениях. Врубель был индивидуалистом, которого не интересовали идеи, вдохновляющие художников его поколения.
Наиболее полно творчество Михаила Александровича представлено посетителям в Государственной Третьяковской галерее в Москве и Русском музее Санкт-Петербурга. В честь него получили свое наименование некоторые объекты в городах, связанных с его творчеством и жизнью: Омске, Москве, Воронеже.
Другие статьи про Третьяковскую галерею и художественные музеи, читайте здесь и здесь.
«Охотники на привале», В. Перов (Зал №17)
Следующий шедевр Третьяковской галереи — картина Василия Перова «Охотники на привале». Он создал её в 1870 году, когда постепенно начал отходить от социальной тематики в работах. Художник-передвижник сам был ярым любителем охоты. Поэтому удивляют некоторые несостыковки в изображённых на полотне предметах. Например, лесная птица рябчик никак не могла бы быть поймана вместе с зайцем-русаком, обитающим в полях. Есть мнение, что Перов написал «Охотников» ради забавы зрителя — создал картину-анекдот, спрятав в ней ещё несколько подобных загадок. Среди охотничьего инвентаря — рог, использовавшийся на псовой охоте, но гончих нигде не видать. При этом зайца-русака обычно ловят с собаками. Сапоги одного из охотников на высоких каблуках, такая обувь совершенно не предназначена для походов за дичью.
Испания, 1894
Врубель творил увлеченно и много, он находился в постоянном поиске, не боялся рисковать, всегда был готов учиться, часто практически полностью переписывал почти оконченные картины, если находил какой-то изъян, либо просто пересмотрев настроение персонажа. Эта необузданность присуща и его героям. Одним из совершенных творений Врубеля считается полотно «Испания».
Автор практически не переделывал его, что уже само по себе удивительно. Врубель никогда не был в Испании, но в результате смешения воображения, красок и мастерства миру было представлено яркое изображение испанского темперамента.
Вдохновленный героями «Кармен», Врубель старательно постигал душу испанцев, находя необъяснимую прелесть в характере этой нации. Три персонажа «Испании» словно застыли на мгновение и вскоре они продолжат свою жизнь.
Спокойно стоящая, однако неприкрыто взволнованная женщина смотрит в глаза зрителям проникновенным горящим взглядом. О чем она думает, не знает никто, кроме, возможно, двух мужчин, находящихся за ее спиной. Но один погрузился в себя, устремив глаза в пространство перед собой, а второй подозрительно скосился в сторону зрителей. Его тело напряжено и прислонено к стене. Ни разу не посетив Пиренейский полуостров, Врубель смог передать кипящий характер испанцев.
«Демон поверженный» 1902
Это одно из самых трагических произведений художника. В ней раскрыта его биография. Демон, низвергнутый с высот и распростертый на горных кряжах, еще жив. Его руки сломаны, заостренные пальцы впиваются в тело, в гневных глазах горит огонь протеста.
Горы, покрытые вечным льдом, освещены последними остывающими лучами заката.
Темная красочная гамма передает душевное истощение героя. В этом образе воплощена трагедия сломленной личности. Разочарованный художник, не растративший до конца свой огромный творческий потенциал, от предчувствия близкой трагической гибели впадает в агонию. Ему трудно осознать свою страшную судьбу, так как он не исполнил до конца своих грандиозных замыслов.
Рекомендации родителям:
Расскажите ребенку о последних годах жизни художника. У художника умер сын. Эта трагедия стала причиной душевной болезни Врубеля. Гений потерял покой в борьбе с безумием и непрерывно работал.
Мнения исследователей о значении творчества Врубеля в русском и мировом искусстве расходятся. По словам Н. А. Дмитриевой, место художника в истории искусства «исключительно и обособленно».
Врубель создал более 200 различных произведений: картины, портреты, иллюстрации, декоративные панно, эскизы театральных занавесей… Он делал витражи, писал фрески, создавал книжные знаки, театральную декорацию, занимался прикладным искусством, архитектурой…
Благодаря разносторонности Врубеля в русском искусстве впервые утвердилось новое понятие — художник-универсал.
Познакомиться подробнее с биографией и творчеством Михаила Александровича Врубеля, самого фантастического художника конца ХIХ — начала ХХ века, можно прочитав увлекательную книгу Веры Михайловны Домитеевой «Врубель» из серии «Жизнь замечательных людей».
Уважаемые родители! Учите детей понимать, сопоставлять, оценивать, анализировать, высказывать свою точку зрения и эмоционально воспринимать настоящее искусство.
Испания, 1894
Врубель творил увлеченно и много, он находился в постоянном поиске, не боялся рисковать, всегда был готов учиться, часто практически полностью переписывал почти оконченные картины, если находил какой-то изъян, либо просто пересмотрев настроение персонажа. Эта необузданность присуща и его героям. Одним из совершенных творений Врубеля считается полотно “Испания”.
Автор практически не переделывал его, что уже само по себе удивительно. Врубель никогда не был в Испании, но в результате смешения воображения, красок и мастерства миру было представлено яркое изображение испанского темперамента.
Вдохновленный героями “Кармен”, Врубель старательно постигал душу испанцев, находя необъяснимую прелесть в характере этой нации. Три персонажа “Испании” словно застыли на мгновение и вскоре они продолжат свою жизнь.
Спокойно стоящая, однако неприкрыто взволнованная женщина смотрит в глаза зрителям проникновенным горящим взглядом. О чем она думает, не знает никто, кроме, возможно, двух мужчин, находящихся за ее спиной. Но один погрузился в себя, устремив глаза в пространство перед собой, а второй подозрительно скосился в сторону зрителей. Его тело напряжено и прислонено к стене. Ни разу не посетив Пиренейский полуостров, Врубель смог передать кипящий характер испанцев.
«Купание красного коня», Кузьма Петров-Водкин, 1912 год
«Купание красного коня», Кузьма Петров-Водкин, 1912 г.
Кто такой Петров-Водкин?
Кузьма родился в 1878 году в семье горничной и сапожника. Первую картину мальчик нарисовал на консервной банке: сверкающие молнии, лодка и тонущие люди. Художник подписал работу: «Погибший за других. Вечная тебе память!».
Сначала Петров-Водкин хотел создавать иконы и в детстве изучал технику церковных мастеров. Но художнику не было суждено стать иконописцем: батюшки отказывались освящать его работы, потому что те были «слишком живописны». Один монах даже сказал, что изображённая Дева Мария похожа на плясунью. Тогда Петров-Водкин оставил иконопись и принял решение быть художником.
Как появилось «Купание красного коня»?
До Революции и Первой мировой войны «Купание красного коня» считали бытовым сюжетом. Когда в России начались кровопролития, народ и Петров-Водкин осознали: «Красный конь» – это пророчество, а тот, кто его написал – провидец. Как появился конь, как его понимать?
Летом 1912 года Петров-Водкин заметил лошадь с красивой мордой. Несмотря на то, что животное было старым и измученным, оно вдохновило художника на создание картины. Изначально было придумано несколько вариантов композиции — Кузьма упорно стремился детально проработать сюжет и наделить полотно смыслом.
Критики спорили, кого Петров-Водкин изобразил на коне. Из писем художника можно предположить, что это его двоюродный брат. Другие утверждают, что герой не похож на брата Кузьмы, и на картине мы видим собирательный образ.
На первой выставке в 1912 году публика хвалила картину — это был триумф! Полотно разместили над дверью словно знамя — критики утверждали, что оно сплотило всех. Новое начинание, очищение и победы — вот что увидели зрители в картине.
В каком стиле выполнена картина?
«Купание красного коня» — яркий пример символизма в живописи. Художники, работающие в этом направлении, брали за основу объекты реального мира, наделяя их тайным смыслом. В образе, цвете и форме изображенного скрыты библейские сюжеты, легенды, мифы, древние писания.
Интересные факты
- Всадника сравнивают с Георгием Победоносцем, знаменующим триумф добра над злом. Наездник не похож на жителя деревни: у него тонкие черты то ли святого, то ли представителя богемы.
- Красный конь — символ необузданности и величия жизни. Петров-Водкин объединил традиционный цвет иконописи и любимый образ фольклора.
- Розовый берег ассоциируют с райским садом.
- Водоем – это не географический объект. Петров-Водкин написал эфемерное пространство, где встречаются земная жизнь и высшие миры. Художник смешал символичные цвета: зеленый — цвет жизни, синий — образ небесного царства.
«Демон поверженный» 1902
Это одно из самых трагических произведений художника. В ней раскрыта его биография. Демон, низвергнутый с высот и распростертый на горных кряжах, еще жив. Его руки сломаны, заостренные пальцы впиваются в тело, в гневных глазах горит огонь протеста.
Горы, покрытые вечным льдом, освещены последними остывающими лучами заката.
Темная красочная гамма передает душевное истощение героя. В этом образе воплощена трагедия сломленной личности. Разочарованный художник, не растративший до конца свой огромный творческий потенциал, от предчувствия близкой трагической гибели впадает в агонию. Ему трудно осознать свою страшную судьбу, так как он не исполнил до конца своих грандиозных замыслов.
Рекомендации родителям:
Расскажите ребенку о последних годах жизни художника. У художника умер сын. Эта трагедия стала причиной душевной болезни Врубеля. Гений потерял покой в борьбе с безумием и непрерывно работал.
Мнения исследователей о значении творчества Врубеля в русском и мировом искусстве расходятся. По словам Н. А. Дмитриевой, место художника в истории искусства «исключительно и обособленно».
Врубель создал более 200 различных произведений: картины, портреты, иллюстрации, декоративные панно, эскизы театральных занавесей… Он делал витражи, писал фрески, создавал книжные знаки, театральную декорацию, занимался прикладным искусством, архитектурой…
Благодаря разносторонности Врубеля в русском искусстве впервые утвердилось новое понятие — художник-универсал.
Познакомиться подробнее с биографией и творчеством Михаила Александровича Врубеля, самого фантастического художника конца ХIХ — начала ХХ века, можно прочитав увлекательную книгу Веры Михайловны Домитеевой «Врубель» из серии «Жизнь замечательных людей».
Уважаемые родители! Учите детей понимать, сопоставлять, оценивать, анализировать, высказывать свою точку зрения и эмоционально воспринимать настоящее искусство.
Сиротка Кипренского
Пребывание Ореста Кипренского в Италии было омрачено происшествием, которое бросило пятно на его репутацию. Даже современные биографы не могут сказать, как именно было дело. Известно, что римскую натурщицу, которая жила вместе с Кипренским, нашли убитой. Будто бы ее завернули в холст, облили скипидаром и подожгли. Сам художник обвинял в убийстве слугу-итальянца. Незадолго до этого Кипренский написал портрет «Девочки с цветком в маковом венке». Считалось, что на нем изображена дочь этой натурщицы — Анна-Мария Фалькуччи, известная как Мариучча. Она же позировала для неосуществленной «Анакреоновой гробницы».
Впрочем, согласно данным искусствоведов, убитая натурщица не была матерью Мариуччи. Другая женщина отдала 6-летнюю Мариуччу в качестве натурщицы в его мастерскую, и Кипренский, сам лишенный в детстве родительской ласки, сделал ребенка своей воспитанницей. Он выплатил матери отступные и добился официального отказа от девочки.
Покидая Италию, Кипренский отправил 10-летнюю Мариуччу в монастырский пансион, оставив средства на ее воспитание. Мать девочки попыталась шантажом помешать этому, требовала еще денег. Кипренский прибегнул к помощи одного кардинала и княгини Зинаиды Волконской. В итоге итальянские власти поместили ребенка в школу, скрыв ее название и от матери, и от Кипренского. Спустя годы он второй раз возвратился в Италию, нашел воспитанницу и решил жениться на ней. 54-летний художник, принявший ради этого католичество, обвенчался с 25-летней Мариуччей, которая ждала его все эти годы. А через три месяца он умер от воспаления легких, не успев закончить картину «Ангел-хранитель», для которой позировала молодая супруга. Его дочь Клотильда родилась уже после этого. Друзьям художника удалось выхлопотать вдове пансион при дворе. В 1844 году появились известия, что Мариучча вышла замуж за какого-то маркиза. А что случилось с дочерью Кипренского — неизвестно.
О. Кипренский. Девочка в маковом венке с гвоздикой в руке (Мариучча). 1819. Третьяковская галерея
О. Кипренский. Анакреонова гробница (эскиз). 1820. Третьяковская галерея
Кузнецов Павел Варфоломеевич, «Вечер в степи», 1912 год
Кузнецов Павел Варфоломеевич, «Вечер в степи», 1912 г.
Кто такой Павел Кузнецов?
Кузнецов – художник из Саратова. Он родился и рос в творческой обстановке, в семье иконописца. С детства занимался в студии живописи, где на творческую молодежь влияли талантливые наставники. Значимым учителем для Кузнецова был Борисов-Мусатов; его работы также есть в Третьяковской галерее.
Павел Кузнецов сотрудничал с Петровым-Водкиным, их совместный проект – роспись в церкви Казанский Божьей Матери в Саратове. К сожалению, труды быстро уничтожили – они были далеки от канонов церкви.
В 1907 году Кузнецов, Сарьян, Уткин и другие живописцы, товарищи Борисова-Мусатова, объединились под названием «Голубая роза». Общество вошло в историю русской живописи, оно было уникальным. Художники писали в стиле символизм, часто в голубых тонах. Образы были романтичные, легкие и мистические. Но, чем старше становился Кузнецов, тем чаще он писал в стиле модерн.
Кузнецов был признан при жизни. Его работы выставляли и покупали не только в России, но и в Париже. Кузнецов с 1906 до конца жизни был участником Осеннего Салона.
Как появилась картина «Вечер в степи»?
В 1912 Павел Кузнецов около года путешествовал по Центральной Азии. Он знакомился с традициями восточных народов и наблюдал за кочевниками. Кузнецов понял: простая и слегка дикая жизнь в степи скрывает Космическую тайну и покой. Сюжет для полотна родился сам собой.
Кузнецов берет холст, любимую темперу и кисти, продумывает гамму. Решено – основным цветом должен стать небесно-голубой и его оттенки. Цвет чистого степного воздуха, покоя и баланса. Яркий оранжевый – гармоничный контраст к прозрачному голубому; именно такого оттенка жаркий закат в степи.
Темперная живопись Кузнецова, в отличие от масляной, – легкая, воздушная. Цвет и композиция задают настроение «Вечера в степи», а не структура мазков. В композиции художник использует плавные линии и изгибы
Павел Кузнецов уделяет внимание ритму – спины овец повторяют созвучные голубые холмы. Работы Павла Кузнецова из киргизской серии напоминают сказку об идеальной жизни на земле, в которую зритель верит
И даже смотрит на картину украдкой, словно «со стороны», чтобы не нарушить покой ее жителей.
В каком стиле выполнена картина?
В Азии Павел Кузнецов написал серию работ, которую относят к направлению ориентализм. «Вечер в степи» открывает бытовые сюжеты из жизни Киргизии через призму восприятия художника. Живописцы-ориенталисты писали выдуманные или реальные сцены о Востоке – каким он был или хотел им казаться. Также «Вечер в степи» – это пример русского модерна. Картину относят к этому стилю за плавные, природные линии, текучие формы и выраженный ритм в композиции.
Интересные факты
- Кузнецов выбрал для полотна технику темперы, чтоб добиться матового света. Он считал, что в работе не может быть лишнего масляного блеска и структуры. Оранжевый контраст напоминает огненный закат в горах Кавказа.
- Павел Кузнецов наблюдал за натурой, но никогда не переносил ее «дословно» в работы. Художник исключил из сюжета этнические детали – он смело обобщает. Зачем? Чтобы, подобно Гогену, через сцены из жизни говорить в законах Космоса.
- Чтобы понять тайну рождения, Кузнецов временно работал акушером. Художник считал, что оттенки голубого точнее всего отражает духовную сторону загадочного процесса появления на земле.
Виртуальное путешествие по Третьяковской галерее закончилось. Здорово, что вы остались с нами до конца, и вам было интересно. Значит инвестиции Павла Третьякова окупились сполна. А вы легко поддержите разговор о прекрасном с бокалом просекко, устроите экскурсию для друзей или блеснете знаниями на тесте по искусству.
На Losko вышла увлекательная биография Рема Колхаса – архитектора, который планирует реконструкцию Новой Третьяковки, получится самое масштабное музейно-выставочное пространство в Москве. Если вам по душе подборки, почитайте про известные работы в стиле сюрреализм и про 5 шедевров мировой живописи.
Царевна-Лебедь, 1900
Автор не впервые работает над этим персонажем. Михаил Александрович создавал костюмы, в том числе и для своей жены, исполняющей партию Царевны-Лебедь в опере Римского-Корсакова “Сказка о царе Салтане”. Но, увидев оперу в день премьеры, он был потрясен красотой произведения.
Героиня картины имеет совсем небольшое сходство с оригиналом, если верить фотографиям Надежды Забелы-Врубель, в частности той, где Надежда запечатлена в роли Лебедя, однако это она стала вдохновителем этого шедевра.
Грустно смотрит сказочная царица с полотна, на фоне заката она еще более таинственна. За спиной вдалеке – город. Этот город Врубель писал с декорации, автором которой был он сам. В Царевне-Лебедь художник соединил два начала: мистическую силу воды и возвышенную мощь неба.
Знакомство с искусством Венеции
После безмятежной обстановки Торчелло Врубелю пришлось какое-то время привыкать к «художественным фейерверкам» Венеции. Он изучал мозаики и витражи, посещал галереи и выставки. Однако его мало интересовали Тициан, Веронезе и другие признанные мастера Высокого Возрождения. Врубель отдавал предпочтение средневековому искусству и работам эпохи раннего Возрождения.
В Венеции художник пробыл полгода. За это время он написал четыре алтарных образа. На них – фигуры в полный рост, как у Джованни Беллини и других мастеров кватроченто. Художник А.Иванов позже скажет об этих работах:
Иконы,написанные Михаилом Александровичем Врубелем в Венеции и после поездки в 1884-1885 годахМестонахождение: Кирилловская церковь, Киев, Украина
Это были первые работы художника, в которых чувствовались венецианские нотки. Но главным, что привез Врубель из Венеции, было не подражание итальянским мастерам, а его собственная палитра. Знакомство с искусством итальянского города раскрыло колористический дар художника. Именно после путешествия в картинах художника появились его знаменитые дымчато-розовые, лиловые, синие и серо-голубые тона.
Врубель много интересовался вопросами разделения цвета, даже изучал книги по физике, посвященные темам цвета и света. А ответ на свои творческие изыскания нашел в Венеции. Своей сестре он писал:
После Венеции в картинах Врубеля появились дымчато-розовые, лиловые, синие и серо-голубые тонаМихаил Александрович Врубель «Гадалка», 1895 годМестонахождение: Государственная Третьяковская галерея, Москва, Россия
Однако не только этим итальянский город изменил художника. Все полгода он нетерпеливо желал вернуться на родину. Казалось, до путешествия его художественный взгляд был равнодушен к «родной теме». Теперь же он неизменно восклицал:
Возможно, именно эти воспоминания и чувства позже привели Врубеля к художественной интерпретации русских сказок.
На обложке: Фрагмент картины Михаила Александровича Врубеля «Автопортрет с раковиной», 1905 год. Местонахождение: Государственный Русский музей, Санкт-Петербург, Россия
Маршрут на карте
Все эти картины расположены в порядке следования от зала к залу, чтобы не ходить по Третьяковской галерее кругами, а следовать от одной исторической эпохи в русской живописи к другой, от одного шедевра — к следующему. Чтобы не пропустить экспонаты, к которым необходимо сходить в первую очередь, можно проложить маршрут на карте галереи, скачав план экспозиции.
Если на посещение одного из крупнейших собраний русского искусства в России и мире у вас совсем мало времени, стоит заранее наметить маршрут. С помощью этого краткого гида по Третьяковской галерее вы не пропустите ни одного произведения искусства из тех, что нужно обязательно посмотреть.