№1 Шишкин Иван Иванович
«Золотая осень», (холст, масло), Шишкин Иван Иванович, Общественное достояние, увидеть пейзаж можно в Пермской государственной художественной галерее
Гений русской пейзажной живописи, академик (1865), профессор (1873), руководитель пейзажной мастерской (1894—1895) Императорской Академии художеств. Автор десятков всемирно-известных пейзажей.
Был рожден в Вятской губернии у берегов Камы. В 20 лет начал учебу в Московском училище живописи, где проучился четыре года. Уже ранние работы мастера выделяются редкой красотой и узнаваемой техникой. В 33 года за работу «Вид в окрестностях Дюссельдорфа» ему присвоили звание академика, а затем, через восемь лет, профессора. Академию художеств Шишкин окончил с золотой медалью.Как и другие известные пейзажисты, он писал с натуры, в тех местах, где его никто не мог отвлечь, потревожить. Именно этому живописцу было свойственно передавать мощь, торжественность, величие родной природы. При этом в его картинах нет тяжести, пафоса — напротив, легкость. Даже изображая колосящиеся нивы, вековые деревья, Шишкин прописывал каждую былинку и травинку. Любил изображать нетронутую природу, улавливал поэзию игры света и тени.
Одни из самых известных творений художника — «Утро в сосновом лесу», «Среди долины ровныя», «Лесная глушь», «Полдень. В окрестностях Москвы», «Пруд в старом парке», «Сосна на Валааме», «Рубка леса», «Рожь». В последней он мастерски соединил два основных цвета в русском изобразительном искусстве — золотой и голубой. В его время такая цветовая гамма была характерна для православных икон.
Свой самый известный пейзаж «Утро в сосновом лесу» Шишкин написал совместно с Савицким. Поэтому в рейтинг включена другая полюбившаяся зрителям картина. «Золотая осень» была закончена в 1888 году. Пейзаж является ярким представителем стиля реализм. Картина пробуждает ностальгическое настроение. Несмотря на золотисто-желтую палитру, зритель явно ощущает холод от надвигающихся серых туч.
Работа над картиной
Они долго бродили в поисках подходящего места. Наконец, одно из них удовлетворило художника особой кружевной тенью – Серову было интересно попытаться поймать солнечные блики на лице и руках, совместить их с тенью, при этом добиться сходства и живости модели. Не терпелось взяться за новую и столь трудную задачу. Поэтому художник взял какой-то заброшенный набросок на холсте, перевернул его и начал работать.
Сеансы были ежедневными. Серовское «Писаться!» было сигналом идти к скамье под выбранным деревом. Художник со своего места молча жестами показывал, как надо изменить позу и положение головы – взаимопонимание с моделью было полнейшим и вообще он всегда работал в тишине. Затем наступали часы оцепенения девушки, увлечённой поставленной задачей не менее, чем художник.
«Мы оба работали запоем», – вспоминает об этом времени Мария. Ведь искусство было тоже ей не чуждо – она занималась живописью и скульптурой, училась. Была известна в художественном обществе как «скульпторка» (по выражению В.И. Мамонтова).
«Девушка, освещённая солнцем» создавалась три месяца (в непогожие дни Серов писал «Заросший пруд»). Удивительно, но модель нужна была автору даже когда он писал деревья. Случилось, Мария приболела. Валентин работал над фоном картины и усадил на место Маши её сестру. Но не смог писать – всё было не так, нужна была именно Мария.
По окончании работы художник подарил своей модели три рубля (был стеснён в средствах), и она уехала на учёбу в Петербург. Но память об этом чудесном лете осталась на полотне молодого мастера.
№15 Клод Моне (1840-1926)
Величайший современный пейзажист и гигант французской живописи, Моне был ведущей фигурой невероятно влиятельного импрессионистического движения, чьим принципам спонтанной пленэрной живописи он оставался верным всю оставшуюся жизнь. Близкий друг художников-импрессионистов Ренуара и Писсарро, его стремление к оптической правде, прежде всего в изображении света, представляется серией полотен, изображающих один и тот же объект в различных условиях освещения, и в разное время дня, как например «Стога сена» (1888), «Тополя» (1891), «Руанский собор» (1892) и «Река Темза» (1899 год). Этот метод достиг кульминации в знаменитой серии «Кувшинки» (среди всех самых известных пейзажей), созданных с 1883 года в его саду в Живерни. Его последняя серия монументальных рисунков кувшинок с мерцающими цветами была истолкован несколькими искусствоведами и живописцами как важный предшественник абстрактного искусства, а другими как высший пример поиска Моне спонтанного натурализма.
Знаменитые пейзажи Клод Моне:
— «Лягушатник» (1869), музей Метрополитен, Нью-Йорк
— «Пляж в Трувилле» (1870), Уодсворт Атенеум, Хартфорд, штат Коннектикут
— «Впечатление. Восходящее солнце» (1873), Музей Мармоттан-Моне, Париж.
— «Поле с маками возле Аржантей (Дикие маки)» (1873), Музей Орсе
— «Вокзал Сен-Лазар» (1877), Музей Орсе
— Серия картин «Кувшинки» (1897-1926), Различные художественные галереи.
— «Пруд с кувшинками» (1899), Музей Орсе
№12 Якоб ван Рёйсдал (1628-1682)
Творчество Якоба Ван Рёйсдаля, в настоящее время считающееся величайшим из всех голландских художников-реалистов пейзажной живописи, оказало огромное влияние на позднее европейское пейзажное искусство, несмотря на то, что при жизни он был менее популярен, чем художники итальянского стиля. Его сюжеты включали ветряные мельницы, реки, леса, поля, пляжи и морские пейзажи, изображенные с необычайно волнующим чувством, используя смелые формы, плотные цвета и энергичные густые мазки, вместо обычного сосредоточения на тоне. Яков, ученик своего дяди Саломона ван Рёйсдаля, в свою очередь обучал знаменитого Мейндерта Хоббема (1638-1709), и очень восхищался английскими мастерами, как например Томас Гейнсборо и Джон Констебль, а также членами Барбизонской школы.
Знаменитые пейзажи Якоба ван Рёйсдаля:
— «Пейзаж с пастухами и фермерами» (1665), холст, масло, Галерея Уффици
— «Мельница в Вейке около Дуарстеда» (1670), холст, масло, Рейксмузеум
— «Еврейское кладбище в Аудеркерке» (1670), Галерея старых мастеров, Дрезден
Судьба героини
В 1890 году во Франции Мария вышла замуж за политического эмигранта и осталась жить с мужем в Париже. Бывала в России. В 1895-м Серов написал последний её портрет, который ей и подарил (находится в Музее д’Орсе, Париж). В 1911-м Валентина Серова не стало.
Шли годы. Мария Яковлевна Львова (по мужу) написала Воспоминания, которые отправила в Россию своей сестре Нине, чтобы та передала их в Третьяковскую галерею. Приложила и рисунки Серова, которые у неё были. Последний портрет, написанный знаменитым кузеном, находился тогда у одного из сыновей Марии (потому не был отправлен на родину).
В 1936 году случайный гость Львовых увидел у них репродукцию картины «Девушка, освещённая солнцем». Он признался, что в юности был влюблён в этот образ и так и никогда не женился. Марии тогда было уже 73 года, она давно избегала сравнения со своим портретом, но гостю призналась, что на картине она. Он вгляделся и сказал, что узнаёт взгляд. «Благодарю вас за глаза!» – произнёс он, уходя.
В 1939 году умер муж. В оккупированном Париже Мария Яковлевна пережила войну. Не стало её в 1955 году.
А юный взгляд милой Маши с картины «Девушка, освещённая солнцем» благодаря мастерству великого портретиста Валентина Серова по-прежнему чист и светел и вот уже более ста лет волнует сердца утончённых зрителей.
«Церковь в Плесе» — Описание картины Исаака Левитана
Картина написана маслом на холсте в 1888 году в Плесе.
Стиль в живописи: реализм.
Левитан был мастером пейзажей. Его полотна наполнены невероятной глубиной, проникнуты русской душей. Плес – это, то место, где художник не только жил, но и черпал неиссякаемое вдохновение.
На картине изображена старая одинокая церковь Петра и Павла. На заднем фоне изображены не менее одинокие кресты забытого кладбища. Левитан написал несколько картин, где была его любимая церковь. Он был невероятно счастлив в тех местах, о чем не раз говорил. Это теплый летний день.
Сочетание белых и голубых тонов придают небу невероятную глубину и живость. Художник писал ее в последних лучах солнца. Левитан не использовал буйства красок, но все в этой картине радует глаз. Она заставляет думать о вечном и бренности мира. Покосившийся забор на переднем плане придает душевной тоски. Когда – то это место служило людям, здесь они находило свое успокоение. Теперь же оно позабыто.
Левитан писал эту картину без искажения. Она послужила поводом для написания еще одной картины этой же церкви «Над вечным покоем» в 1894 году. Спустя больше ста лет мы можем окунуться в то время, понять и проникнуться, как и художник любовью к данному месту.
Церковь на Плесе помогает вспомнить смотрящим, что в мире есть религия, и без нее не обойтись. Полотно очень простое, но это не уменьшает его неоценимого вклада. Петропавловская церковь сгорела в 1903 году, но на ее месте стоит очень похожая деревянная церковь. Огромное количество людей приезжает посетить и помолиться там, веря, что это именно она изображена на знаменитой картине Левитана.
Картина храниться в Государственной Третьяковской галереи, Москва.
Левитан писал Третьякову о том, что он не сказано счастлив, что картины попадут к нему. Также он сказал, что полотна, написанные в Плесе, включают в себя все его содержание и психику.
Этапы развития
Высокое
Развивалось в 1625 – 1675 годы. В рамках этого этапа выделяют несколько направлений:
- Динамическое барокко: Рубенс;
- Реалистичное барокко: Рембрандт, Веласкес;
- Классическое барокко: Пуссен.
Основные черты
Искусство барокко в живописи характеризуется динамичностью (ощущение движения), которая дополняется экстравагантными эффектами (изогнутые линии, богатая отделка, яркое освещение).
Полномасштабное барокко или полное барокко была развито в южной части Западной Европы, в то время как северная Западная Европа создала классическое или сдержанное направление.
Для барокко характерно непрерывное перекрытие, пересечение фигур и элементов.
Особенности стиля:
- Драматическое использование цвета;
- Картины являются очевидными, драматичными, прямыми, без подтекста;
- Высокая эмоциональность и динамичность сюжета, что привлекает зрителя;
- Изображения позволяют чувствовать частью яркой реальности, которую передают художники барокко;
- Экстравагантные декоративные элементы изображения;
- Развиваются картины в жанрах портрет, натюрморт, пейзаж;
- Резкие контрасты между светлыми и темными, между светом и тенью.
Главные тематики полотен: преобразования, мученичество и смерть, битвы, интенсивные психологические моменты, любые формы проявления действия, их последствий. Барочная живопись можно назвать вершиной реализма в европейском искусстве
В эпоху Возрождения, европейские художники осознали важность формы и анатомии в представлении человеческих фигур реалистично. Творцы в стиле барокко преуспели в реалистичной передаче изображений людей – их портреты стали более вычурными, яркими, эмоциональными
Барочные художники были одержимы светом, картины точно изображают пейзаж или интерьер сцены.
Живопись эпохи барокко можно разделить на динамическое и реалистическое барокко
Первое можно рассматривать как продолжение итальянского Возрождения, последнее – в качестве искусства стран с другим уровнем развития живописи, в котором основное внимание фиксируется на физической составляющей
Пейзажные картины представлены работами Якоба Исаакса ван Рейсдал из Ниделандов, натюрморты писал Жан Батист Симеон Шарден из Франции, портретный жанр — Франс Халс. Их работы известны особой подачей и восприятием реальности.
Самые дорогие картины Шишкина
Картины Ивана Шишкина высокого ценятся на аукционах. За период с 2000 по 2020 годы на разных торгах было продано 456 его работ на общую сумму 48,7 млн долларов. Посмотрим несколько примеров дорогих уходов.
Самым дорогим в истории продаж полотен Шишкина стала картина «Сумерки». Ее выставили на лондонских торгах MacDougall’s в 2013 году. Начальная стоимость работы была заявлена в пределах 1,2-1,8 миллиона фунтов стерлингов
Конечно, картина такого уровня немедленно привлекла внимание и привела к жаркой борьбе участников аукциона. В итоге работу купили за 2 млн 158 тыс
фунтов стерлингов (3,3 млн долларов).
И. Шишкин. «Сумерки». 1896 г.
В 2016 году состоялась еще одна крупная продажа на этот раз уже на торгах Sotheby’s. Здесь выставили картину «На опушке соснового леса», которую художник написал за год до своей кончины. Любопытно, что маэстро отказал самому царю Николаю II, пожелавшему купить картину. Вместо этого он продал ее своему племяннику Стахееву. Позже полотно попало в семью художника Шарля Дефрейна, где и находилось, пока потомки не выставили его на торги. С молотка картина ушла за 1 млн 385 тыс. фунтов стерлингов, хотя начальная стоимость лота составила только 500-700 тысяч.
И.И. Шишкин. «На опушке соснового леса». 1897 г.
В 2019 году ушел с аукциона еще один пейзаж художника. Это картина «Сухостой», также написанная за год до смерти. Работа появилась на торгах Christie’s с эстимейтом 700-900 тысяч фунтов стерлингов и была продана примерно за 1 млн фунтов.
И. Шишкин. «Сухостой». 1897 г.
Девушка, освещенная солнцем
Лето 1888 года. Домотканово. Это лето Валентин Серов решил провести у своих родственников Симоновичей – в Домотканове. Ему было 23 года, но уже тогда он наметил путь в искусстве – это был свой путь, известный только ему одному.
Живописи Валентин Серов начал учиться достаточно рано, если иметь в виду именно занятия с известными художниками – в восемь лет он брал уроки у Кеппенинга, а в девять лет стал учеником И.Е. Репина. Валентин Серов родился в семье композитора Александра Николаевича Серова. Мать Серова была замечательным музыкантом и общественной деятельницей.
Маленький Тоша, как называли его в семье, был невероятно усидчивым ребёнком, когда предавался своему любимому делу – рисованию. Кроме способностей, которые обнаружились в раннем детстве, у него были все те возможности, которых не было у других русских художников – ещё ребёнком он ездил с матерью по Германии, какое-то время жил в Париже, с десяти лет подолгу гостил в Абрамцеве, где собирались лучшие русские художники и актёры. Поэтому он сумел воспользоваться такой благоприятной обстановкой и развить свой художественный вкус, который впоследствии был признан абсолютным.
И.Е. Репин поражался смелости и решительности его рисунков – «Я любовался зарождающимся Геркулесом в искусстве» – говорил он. В момент их общения, как учитель, Репин никогда не требовал от Серова подражания себе, а в тайне восхищался его талантом. Впоследствии, став знаменитым художником, Серов стремился в искусстве к простоте и естественности, считал, что истинную красоту надо искать в обыкновенном, он ненавидел пошлость, банальность.
Валентин Серов – автопортрет
Тогда в Домотканово, в то лето 1888 года, съехалось много молодых людей. И конечно здесь царила атмосфера поэзии и влюблённости. Да и сам Валентин Серов был влюблён в Лёлечку Трубникову, воспитанницу Симоновичей, которая через год стала его женой и верной спутницей на всю жизнь.
В это лето Серов написал «Девушку, освещённую солнцем», в своих картинах он любил писать свет, игру солнца и ветра, и это удавалось ему, как никому другому. Моделью была его двоюродная сестра Маша, которая совсем не была красавицей, она была обыкновенной привлекательной девушкой, которую украшала именно её молодость.
У Маши было круглое лицо, большие глаза и яркий румянец на нежной коже, такую в толпе можно и не заметить. Но именно в обыкновенном искал Серов истинную красоту. Ему хотелось запечатлеть скрытую, незаметную для всех прелесть самого обычного. Поэтому он выбрал Машу, считая, что для этого она самая подходящая модель
Маша понимала всю важность позирования, она тоже стремилась к искусству, готовилась поступать в художественное училище (позже она стала скульптором)
Серов писал Машу в саду, лёгкий ветерок тихо шевелил листву, и от этого постоянно менялось освещение, а вместе с ним и оттенки кожи, волос, одежды. И все эти перемены Серов хотел запечатлеть на картине. Вы скажете, — возможно ли? А ответ увидите на картине – перед нами живая жизнь, живая Маша, а мы будто в том же саду, только наблюдаем со стороны, как во сне.
Девушка, освещенная солнцем
Свет, солнце и ветер связаны воедино, Серов сумел увидеть, что отбрасываемая деревом на траву тень, которой положено быть зелёной, на самом деле кажется тёмно-синей, а листья деревьев, тоже зелёных, кажутся светло-серебристыми. И оттого белая блузочка девушки сияет жёлтыми, зелёными и перламутровыми оттенками,… и задумавшаяся Маша с румянцем на щеках, проступающим сквозь тонкую кожу.
Кажется всю эту игру оттенков невозможно передать. Однако, глядя на этот шедевр, чувствуем, будто переместившись в пространстве, мы уже там, в этом саду. Валентин Серов никогда не смешивал краски на палитре, он всегда работал чистыми цветами, и это создавало особенный зрительный эффект. Он писал в манере импрессионистов, хотя с их творчеством тогда ещё не был знаком. Путь его, как было сказано, совершенно самостоятельный.
Позже, когда в 1911 году в Третьяковской галерее меняли местами картины, Игорь Грабарь попросил Серова зайти взглянуть, как смотрятся его полотна на новом месте. Серов долго стоял перед картиной «Девушка, освещённая солнцем», и потом вдруг сказал: «Написал вот эту вещь, а потом, всю жизнь, как ни пыжился, ничего уж не вышло…». И это говорил о себе великий художник, признанный мастер портрета.
…Но тогда в Домотканове каждый день был новым, много в сердце теснилось чувств, и с каждым мазком на картине делались всё новые и новые открытия, постигалась красота мира, переживались мгновения настоящего счастья.
Описание картины Серова «Девушка, освещённая солнцем»
Лето. Тенистый парк. Меж листвой, играющей на ветру, скользят вниз тёплые лучи солнца. Под старым деревом, опершись на его широкий ствол спиной, на простой лавке сидит девушка. Она в общем спокойна, но несколько вопрошающе или даже с немым укором смотрит в глаза зрителю.
Длинные тёмно-каштановые волосы девушки убраны от лица, открывая его мягкий овал. На щеках румянец, юные губы изящно очерчены. Руки лежат на коленях, пальцы сплетены.
На девушке светло-бежевая блузка с отложным воротником и частым рядом небольших белых пуговиц на застёжке впереди. По краям воротника и длинных рукавов, открывающих руки почти до локтей, присборенная кружевная лента, которая придаёт блузке нарядность и кокетливость. Добавляет их и подтягивает весь образ коричневый кожаный ремешок на талии. Простого кроя, свободная тёмно-синяя юбка отсылает зрителя к концу XIX века, когда повседневные дамские наряды начали стремиться к практичности.
Солнечный свет – второй полноправный герой этой картины. Блики солнца, благодаря листве и теням, через которые они проходят на своём пути, расцвечивают фигуру героини замысловатыми пастельными пятнами. Лицо, руки, светлая блузка – всё в отметинах и разводах синих, зелёных, жёлтых, коричневых, белых оттенков.
Подобные приёмы обращения со светом и тенью характерны для импрессионистов, движение которых в то время только зарождалось во Франции. Название направления в живописи образовано от французского слова «впечатление». Именно оно, впечатление, ощущение, мимолётный взгляд Валентина Серова – на картине «Девушка, освещённая солнцем».
Работа над ней стала исследованием художника, стремлением к чему-то необычному, попыткой найти новую технику. Сохранить в живописи свежесть первого впечатления – вот что волновало художника. В этом новизна шедевра – он задумывался как портретный этюд, а стал полноценным психологическим портретом.
№8 Архип Куинджи (1842—1910 гг.)
«Ладожское озеро», 1873 г. Государственный Русский музей (Санкт-Петербург), Архип Куинджи
Архип родился в Мариуполе, в простой семье грека-сапожника. С детства он отличался трепетной любовью ко всему живому. Мальчик рано стал сиротой, работал у хлеботорговца, у фотографа, и даже помогал при строительстве церкви. Рисовал на всем, что попадалось под руку.
В Петербург ради Академии художеств он приехал почти без денег, никого не зная. Но ему помогало упорство и горячее желание учиться. Куинджи стал посещать Академию в качестве вольнослушателя, подружился с Крамским, Васнецовым, Репиным. Под их влиянием написал несколько пейзажей, имевших успех на выставках. И все же искал собственный путь в искусстве.
Со временем его приняли в общество передвижников. Вдохновленный их идеями, Куинджи создает «Осеннюю распутицу», «Забытую деревню». В них он показывал неприглядную мрачную действительность. Работы были высоко оценены зрителями и коллегами, но спустя четыре года живописец попрощался с передвижниками. Для него стало важнее отражать в своих полотнах радость.
Куинджи называли художником света. Во многом благодаря его таланту тонко передавать световые потоки и его любви к жизни. В своих пейзажах он создает образы, полные красоты и гармонии. Они не только удивляют реализмом, но и дарят умиротворение.
Яркими пейзажами можно назвать «Лунную ночь на Днепре», «После дождя», «Ладожское озеро», «Радугу», «Вечер на Украине». «Березовую рощу», «Снежные вершины».
Путь в галерею
В конце 1888 года Московское общество любителей художеств планировало провести в Москве 8-ю периодическую выставку, на ней Серов и собирался представить свою работу. Хлопотами по этому поводу занимался Илья Остроухов, московский художник и коллекционер (Серов находился в Петербурге).
О новой работе Серова, где героиней была девочка, сидящая в неком солнечном парке, в художественных кругах уже слышали. Павел Третьяков изъявил желание посмотреть этот портрет. Остроухов сообщил об этом Серову и 11 декабря Третьяков увидел картину. Она ему понравилась и уже 19 декабря владелец художественной галереи предложил 300 рублей за этюд Серова.
О сделке через Остроухова договорились до открытия выставки (чтоб не платить процентов). В выставочный каталог работа Серова была внесена под скромным названием «Этюд девушки».
«Твоё имя в Третьяковской галерее», – сообщал Остроухов в письме Серову 22 декабря. Через три дня выставка открылась. Портрет уже был сопровождён табличкой: «Собственность Третьякова».
Кузина, освещенная солнцем
Валентин Серов. Девушка, освещенная солнцем. 1888. Государственная Третьяковская галерея, Москва «Девушкой, освещенной солнцем» стала двоюродная сестра Валентина Серова — Мария Симонович, с которой художник был очень дружен. Подходящее для работы место они отыскали в саду вдвоем. Художник хотел написать портрет на свежем воздухе, где солнце пробивается сквозь листву и создает затейливую игру света и тени. Он говорил: «В нынешнем веке пишут все тяжелое, ничего отрадного. Я хочу, хочу отрадного и буду писать только отрадное». Кузина позировала Серову, сидя на старой скамейке под раскидистой липой. Ей приходилось оставаться неподвижной по несколько часов и удерживать на лице одно и то же выражение.
Валентин Серов работал над портретом три месяца — в самые жаркие часы, ловя каждый солнечный день
Симонович писала: «Мы работаем запоем, оба одинаково увлеклись: он удачным писанием, а я — важностью своего назначения». В плохую погоду художник писал полотно «Заросший пруд»
№13 Клод Лоррен (1600-1682)
Французский живописец, рисовальщик и гравёр, активный в Риме, который рассматривается многими искусствоведами как величайший художник идиллического пейзажа в истории искусства. Поскольку в чистом (то есть, светский и неклассический) пейзаже, как и в обычном натюрморте или жанровой живописи, наблюдалась (в XVII веке в Риме) нехватка моральной тяжести, Клод Лоррен ввёл классические элементы и мифологические темы в свои композиции, включая богов, героев и святых. Кроме того, его избранная среда, сельская местность вокруг Рима, была богата античными руинами. Эти классические итальянские пастырские пейзажи были также наполнены поэтическим светом, который представляет его уникальный вклад в искусство пейзажной живописи. Клод Лоррейн особенно повлиял на английских художников, как при жизни, так и в течение двух столетий после неё: Джон Констебль назвал его «самым прекрасным пейзажистом, которого когда-либо видел мир».
Знаменитые пейзажи Клода Лоррена:
— «Современный Рим — Кампо Ваччино» (1636), холст, масло, Лувр
— «Пейзаж со свадьбой Исаака и Ребекки» (1648), масло, Национальная галерея
— «Пейзаж с Товием и ангелом» (1663), масло, Эрмитаж, Санкт-Петербург
История развития стиля
Часть усилий по реформированию церкви должна была воспитывать своих прихожан, помогая им понять больше о вере. Это не было легкойзадачей, поскольку большинство людей были неграмотными в это время.
Было принято решение сделать искусство понятнее простым людям – необходимо использовать творение живописи для объяснения глубоких догматов веры всем, а не только образованным. Для достижения их цели, картины на религиозную тематику должны было быть однозначными, эмоционально убедительными, мощными, чтобы вдохновлять зрителя к большей набожности.
Новые конфессии, например кальвинисты, считали, что церкви и церковные службы должны быть простыми. Однако официальная церковь и священники постановили, что искусство и его красота могут донести больше, чем их слово.
Описание картины Исаака Левитана «Церковь в Плесе» Картины художников
Картина написана маслом на холсте в 1888 году в Плесе.
Стиль в живописи: реализм.
Левитан был мастером пейзажей. Его полотна наполнены невероятной глубиной, проникнуты русской душей. Плес – это, то место, где художник не только жил, но и черпал неиссякаемое вдохновение.
На картине изображена старая одинокая церковь Петра и Павла. На заднем фоне изображены не менее одинокие кресты забытого кладбища. Левитан написал несколько картин, где была его любимая церковь. Он был невероятно счастлив в тех местах, о чем не раз говорил. Это теплый летний день.
Сочетание белых и голубых тонов придают небу невероятную глубину и живость. Художник писал ее в последних лучах солнца. Левитан не использовал буйства красок, но все в этой картине радует глаз. Она заставляет думать о вечном и бренности мира. Покосившийся забор на переднем плане придает душевной тоски. Когда – то это место
служило людям, здесь они находило свое успокоение. Теперь же оно позабыто.
Левитан писал эту картину без искажения. Она послужила поводом для написания еще одной картины этой же церкви «Над вечным покоем» в 1894 году. Спустя больше ста лет мы можем окунуться в то время, понять и проникнуться, как и художник любовью к данному месту.
Церковь на Плесе помогает вспомнить смотрящим, что в мире есть религия, и без нее не обойтись. Полотно очень простое, но это не уменьшает его неоценимого вклада. Петропавловская церковь сгорела в 1903 году, но на ее месте стоит очень похожая деревянная церковь. Огромное количество людей приезжает посетить и помолиться там, веря, что это именно она изображена на знаменитой картине Левитана.
Картина храниться в Государственной Третьяковской галереи, Москва.
Левитан писал Третьякову о том, что он не сказано счастлив, что картины попадут к нему. Также он сказал, что полотна, написанные в Плесе, включают в себя все его содержание и психику.
Прислал: Волкова Александра . 2017-10-08 21:55:41
Известные работы
«Распятие Святого Петра» Караваджо
В отличие от идеализированных, благородных, классических человеческих форм, художники эпохи Возрождения, предпочитали рисовать сцены и людей с их природными недостатками.
Питер Пауль Рубенс «Четыре континента»
Художник принес энергию, чувственность и драматизм в барокко, не только в религиозные работы. В их изображении можно увидеть барочные черты яркого цвета, телесности и перекрывающихся фигур.
«Снятие с креста» Рембрандт
Живописец стремился к естественной передаче движения. В своем работе переданы черты работ в стиле барокко: эмоциональность сцены, повышенная драматичность, активное использование света и тени.