Анри Матисс картины
Великий французский художник XX века Анри Матисс (1869—1954), живописец, рисовальщик, гравер, „ иллюстратор книг, оставивший также много статей и высказываний, в которых суммировал свои творческие взгляды на искусство, родился в Като-Камбрези и умер в Ницце.
Вид из окна. Танжер
В юности он изучал юриспруденцию, затем занялся живописью, поступив в мастерскую Гюстава Моро. По совету учителя Матисс внимательно копировал старых мастеров в Лувре. В начале своего творчества он испытал влияние импрессионистов, затем дивизионистов — Синьяка и Кросса. В 1905 году после выставки в «Осеннем салоне» он стал главой группы художников-фовистов («fauve» в переводе с французского значит дикий); фовисты провозгласили полное освобождение стихии цвета от изобразительных функций во имя усиления эмоционально образной экспрессии. В группу фовистов входили Маркс, Вламинк, Дерен, Дюфи, Ban Донгеп, Мангеи, Руо, Фриез. Группа быстро распалась, так как каждый из мастеров, и прежде всего сам Матисс, признанный глава фовистов, нашел в живописи собственную неповторимую художественную манеру. Анри Матисс много путешествовал по Европе, Северной Африке, Америке, был на островах Океании, Таити. В 1911 году художник посетил Россию. Триптих был задуман и выполнен Матиссом зимой 1911, осенью 1912 года. На весну и лето художник уезжал из Марокко и работал в своей мастерской в Исси-ле-Мулино близ Парижа. Все картины марокканского триптиха Матисса связаны единым стремлением воплотить личное восприятие Востока в живописный образ, минуя описательный сюжет и действие, характерные для искусства со времен романтизма, увлекавшегося восточной экзотикой.
Вход в Казба
В начале 1912 года Матисс начал работать над первым панно, выбрав для него пейзажный мотив из окна своей гостиницы «Отель де Франс». Скупо обозначенная открытая внутрь створка окна с белой занавеской дает визуальный намек на внутреннее пространство интерьера. Поставленные на подоконник два горшка с цветами нужны Матиссу как декоративные пятна и как пункты обозначения пространственной глубины по ту сторону окна. Матисс не строит линейной перспективы: точной расстановкой цветовых пятен он вызывает в зрителе ощущение огромной дали. В самом колорите содержится у Матисса световая, атмосферная и эмоциональная трактовка пейзажа: накаленные зноем белые дома и розовые песчаные дорожки погружены в синеву пространства.
Зора на террасе
Если в левом панно по замыслу художника мир как бы распахнут вовне, то в правом изображен вход во внутренний двор (казба)—помещение, скрытое от посторонних глаз. Картина так и называется «Вход в казба». В центральном полотне триптиха «Зора на террасе» Восток персонифицируется художником в образе молодой женщины, представленной сидящей в неподвижной позе, полной сдержанной медлительной грации. Замкнутое существование и созерцательность, свойственные восточным женщинам, тонко сопоставлены с жизнью красных рыбок в аквариуме. Однако по отношению к живописной характеристике произведения эта ассоциация является вторичной, Матисс ищет прежде всего цветовые модуляции, призванные выразить основные художественные ощущения, воплощая их в единый образ. Матисс объединил все панно триптиха синей колористической гаммой, в каждом отдельном случае модулируя цвет и меняя его содержание. В триптихе отразилось не только восхищение художника красотой Востока, но и при.: сущее ему радостное мироощущение. Триптих поступил в ГМИИ имени А. С. Пушкина в 1948 году из Государственного музея нового западного искусства в Москве.
Телега для сена
На картине изображен эпизод из сельской жизни – рабочие и телега с сеном. Дом слева — съемная квартира художника.
На другом конце луга справа видна группа косилок, занятых работой. Все это окружено прекрасным пейзажем и отражает идеалистический взгляд художника на природу своего края.
Но каким бы идиллическим ни был взгляд Констебла на сельскую Англию на протяжении всей его карьеры, маловероятно, что этот период в сельской местности был таким спокойным и счастливым.
Из-за начала промышленной революции в 19 веке многие люди в сельской местности остались без работы, поскольку она стала более индустриализированной, а машины сократили использование человеческой силы, необходимой для посева и сбора урожая. В то время среди тех, кто потерял работу, часто происходили беспорядки.
Возможно, Констебл не рисовал этих проблем, потому что не хотел отвлекать внимание от самого природного ландшафта. А может, художника просто не коснулась эта ситуация, так как он происходил из обеспеченной семьи, а революция только сделала богатых еще богаче
Что такое этюд в других видах искусства
Понятие «этюд» находит активное применение в музыке, сценическом искусстве, в литературе, а также в шахматах. В музыке термин применяют, когда необходимо проработать беглость пальцев (стаккато или спиккато). Как правило, их объединяют в сборники, которые включают пьесы, способствующие приобретению разнообразных технических навыков.
Актерское мастерство невозможно представить без этюдов. С их помощью молодых лицедеев учат выстраивать историю, работать над собой и с партнером. Некоторые сценические работы предназначены для развития импровизации, быстрой реакции на выходящую из ряда вон ситуацию.
В литературе они нужны для упражнения воображения. Например, для описания пейзажа с помощью метафор, либо создания образа, характера через поведение героя и так далее.
Шахматисты тренируются с помощью этюдов, чтобы выйти из предложенного положения с наилучшим результатом.
Красная студия (1911)
Эмоции — вот что главное в изображении художественной студии. Глубокий красный цвет моментально выделяет это полотно и заставляет сосредоточиться на его рассмотрении. Стены, пол и потолок сливаются воедино, и лишь тонкие жёлтые линии подсказывают, где происходит переход от горизонтали к вертикали. В студии мебель и незначимые вещи также нарисованы схематично.
Это интерьер студии художника. Его можно разглядывать долго и это увлекает. В левой части полотна расположен стол, на котором стоит бокал, ваза с цветами, коробка пастели и тарелка. На стенах висят узнаваемые работы художника. Они яркие и являются картинами в картине. Простота и схематичность делают интерьер интересным и динамичным.
Что не носит название “Аквариум”?
- картина Анри Матисса
- роман Виктора Суворова
- группа Бориса Гребенщикова
- сад возле театра им. Моссовета
«Аквариум» – первая и единственная в своем роде книга об одной из самых могущественных и самых закрытых разведывательных организаций в мире, классический образец остросюжетного шпионского романа, который захватывает с первых же строк и читается запоем, на одном дыхании.
“АКВАРИУМ”, увеселит. театр-сад, создан предпринимателем Г. А. Александровым (ум. 1914), к-рый в 1886 арендовал участок на Каменностровском просп. (на месте совр. домов 10-12), разбил на нем сад и построил большой аквариум (отсюда назв.), намереваясь первоначально проводить лекции о жизни рыб и водных растений. На открытой эстраде в “А.” играл симф. оркестр под упр. Э. Энгеля и выступал хор А. А. Архангельского.
Рок-группа “Аквариум” была создана в июне 1972 года Борисом Гре6енщиковым, в то время – студентом факультета прикладной математики Ленинградского университета, и начинающим поэтом Анатолием Гунницким. Лидером группы стал Гребенщиков.
К 1975 году состав группы пополнился Михаилом Васильевым — бас, перкуссия, Андреем Романовым — флейта, фортепьяно, гитара, и Всеволодом Гаккелем виолончель. Годом позже барабанщиком стал Михаил Кордюков, а в 1977 году к “Аквариуму” присоединился Александр Александров — фагот.
Произведение Анри Матисса «Красные рыбки» впечатляет своим необычным представлением композиции. Эта работа не имеет точной стилистической принадлежности и заключает в себе признаки сразу несколько направлений — импрессионизм и фовизм. Автор достигал передачи эмоций за счёт простоты средств, тем самым меняя видение мира. В то время как другие художники передавали объем, Матисс переводил мир в плоский рисунок.
Картина Анри Матисса «Красные рыбки» принадлежит двум направлениям: импрессионизм и фовизм
Голубая обнажённая I и Голубая обнажённая II (1952)
В конце жизни Матисс увлекался различными техниками. Его привлекал коллаж, аппликация и декупаж. Он брал листы бумаги, окрашивал их гуашью различных цветов, а потом вырезал фигуры для своих работ.
Серия картин «Голубая обнажённая» была создана в 1952 году. Вырезанная из синей бумаги лаконичная женская фигура с запрокинутыми руками и скрещенными ногами имеет несколько вариаций.
Фигура, наклеенная на белом фоне, смотрится очень гармонично. Это скорее не рисунок, а двухмерное изображение изысканной скульптуры. Чтобы изобразить эту удивительную гармонию, Матисс проделал титанический труд. На поиски формы и цвета ушло немало времени, пока было найдено их идеальное сочетание.
11
«Шестифутовые» картины
Работая в лондонской студии, Джон Констебл завершил серию сцен из повседневной жизни рабочих, живущих вдоль реки Стаур. Он рисовал по памяти, черпая вдохновение из воспоминаний и своих ранних рисунков.
Он назвал картины «шесть футов», потому что размер каждой картины был примерно шесть на четыре фута.
На первой такой картине Джона Констебла «Белая лошадь у пруда» изображены рабочие, перевозящие животное через реку. Они напрягаются, используют шесты, чтобы помочь себе, и толкают баржу.
Эти грандиозные картины деревенских сцен привлекали к себе положительное внимание на ежегодных выставках, что помогло Констеблу добиться признания. рисовать в таком большом масштабе оказалось непросто, поэтому художник разработал уникальный подход к созданию «шестифутовых» картин
Сначала он сделал полномасштабный масляный набросок на холсте, что позволило ему проверить свои идеи и поэкспериментировать с техникой рисования. Он также использовал их, чтобы спланировать композицию и наметить размещение деталей пейзажа, людей и животных
рисовать в таком большом масштабе оказалось непросто, поэтому художник разработал уникальный подход к созданию «шестифутовых» картин. Сначала он сделал полномасштабный масляный набросок на холсте, что позволило ему проверить свои идеи и поэкспериментировать с техникой рисования. Он также использовал их, чтобы спланировать композицию и наметить размещение деталей пейзажа, людей и животных.
Женщина в шляпе (1905)
На 1905–1906 года пришёлся пик творчества Матисса в стиле фовизма. Смелое сочетание ярких цветов в те времена воспринимались как уродство и что-то несуразное. Особенно негативную реакцию вызвало у публики полотно «Женщина в шляпе». Его назвали «дикостью», по-французски fauve, от чего и произошло название течения — фовизм.
Если вспомнить, как публика принимала первых импрессионистов, то реакция на фовизм была ожидаемой. Публика негодовала, а художники нашли в этом направлении новую свежую струю.
«Женщина в шляпе» — неординарный, по мнению редакции most-beautyt.ru, женский портрет. На зелёном фоне зелёное асимметричное женское лицо смотрит на зрителей вполоборота — абсолютно не человеческий облик. Но художник видел образ по-своему и изобразил его без соблюдения правил и канонов.
4
Описание картины «Красные рыбки»
Оригинальный стиль Анри Матисса превращает каждую его картину в необыкновенное, удивительное полотно, которое завораживает игрой оттенков и необычностью композиции. Стоявший у истоков течения фовистов, Матисс предпочитал использовать для выражения своих эмоций не формы, а цвета, полагая, что именно так можно создать произведение, интересное зрителю. Ярким подтверждением его правоты является полотно «Красные рыбки», которое Матисс написал в 1912 году.
Сюжет картины довольно прост: перед зрителем предстает небольшой живописный уголок — то ли кусочек террасы, то ли оранжерея. Яркие пятна цветов и сочная зелень листьев служат фоном для небольшого стола, на котором уютно расположился аквариум с плавающими в нем красными рыбками. В левом нижнем углу видна ажурная деталь — возможно, это часть садовой скамейки или же элемент ограды. Вся композиция выполнена в контрастных и ярких тонах, создающих приподнятое настроение.
Как и во многих работах этого талантливого живописца, в картине Анри Матисса «Красные рыбы» нарушены правила перспективы. Стол нарисован так, как он выглядит при взгляде сверху, в то время как на аквариум зритель смотрит сбоку. Если присмотреться внимательнее ко всем элементам, то можно обнаружить, что ритм всей картине задает форма круга. Небольшие зеленые листочки растений в верхнем левом углу холста рифмуются с такими же круглыми листиками внизу справа, а формы аквариума гармонируют с очертаниями столешницы. Элемент в виде круга есть даже на ножке стола, выглядывающей снизу. Благодаря этому приему художнику удалось вложить в свою картину чувство умиротворения, передать то состояние спокойного созерцания, которое обычно охватывает человека, наблюдающего за рыбками в аквариуме.
Вода, в которой плавают рыбки, такая прозрачная, что на ее поверхности мы видим их отражение — такое же яркое и сочное, хоть и лишенное четкости. Два горшка с комнатными растениям, стоящие на столе, уравновешивают композицию: яркие зеленые листья на светло-лиловой столешнице перекликаются со схожими оттенками в верхней и нижней части картины Матисса «Красные рыбки».
В 1912 году это полотно приобрел российский меценат С.И.Щукин, который был дружен с Матиссом. Сегодня картину можно увидеть в Музее изобразительных искусств им. А.С.Пушкина.
В чём особенности картины Анри Матисса «Красные рыбки»
Произведение Анри Матисса «Красные рыбки» впечатляет своим необычным представлением композиции. Эта работа не имеет точной стилистической принадлежности и заключает в себе признаки сразу несколько направлений — импрессионизм и фовизм. Автор достигал передачи эмоций за счёт простоты средств, тем самым меняя видение мира. В то время как другие художники передавали объем, Матисс переводил мир в плоский рисунок.
Перекрёсток впечатлений
Казалось бы, странная композиция, в которой художник, как и во многих своих работах, пренебрегает пропорциями и правилами проецирования. Удивительно, но очевидные искажения действительности и некоторая нелогичность в изображаемом никак не портят полотно
Наоборот, они ярко, по-детски непосредственно и однозначно выделяют самое существенное и важное для художника, делая всю композицию стройной и чрезвычайно гармоничной. Сочность красок чуткого колориста Матисса, грамотно выделенные им акценты и контрасты в этом произведении создают эффект магнетического цветового буйства, источника радости и хорошего настроения
Красные рыбки 1912 г.
Анри Матисс — французский художник, в поисках себя опробовавший множество стилей и форм искусства, первый номер фовизма. Удивительно, но самая дорогая его работа — не картина, а бронзовая скульптура «Обнажённая женская фигура со спины IV».
Вектор жизни меняется
Карьеру юриста, с которой смирился уже и отец, прервал приступ аппендицита, когда Анри был 21 год. Период восстановления после операции затянулся на два месяца, и, чтобы развлечь сына во время длительного заточения в больнице, мать принесла ему всё, что надо для рисования. Позже Матисс отзывался о первых попытках рисовать, как о попадании в «какой-то рай». Новое увлечение побудило Анри распрощаться с юридической практикой и попытаться стать художником. В конце концов и отец принял это решение сына, напутствовав его наставлениями учиться как следует и непременно у самого Бугро, именитого академика изящных искусств.
В 1891 году Матисс поступил в парижскую Академию Жюлиана, частное заведение, конкурирующее с Национальной высшей школой изящных искусств, куда также намеревался поступать (что впоследствии не удалось). Подготовка к вступительным экзаменам проходила под руководством Вильяма Бугро, авторитетного мастера-академиста, с которым не сложилось нормальных отношений ученика с учителем. Взаимная антипатия привела к уходу Анри из мастерской Бугро.
В 1893 году — переход в Школу декоративных искусств, который предопределил дальнейшую судьбу художника — в 1895 году он успешно сдал вступительные экзамены и был принят в Школу изящных искусств как приглашённый студент. Здесь ему посчастливилось встретить Гюстава Моро, первого в своей жизни настоящего учителя, впоследствии оказавшего существенное влияние на становление и творчество. Перед ежедневным занятием учеников, копированием классиков в Лувре для наработки техники, Моро напоминал не забывать о цвете, «мечтать» о котором всегда призывал молодых художников. Именно Моро, наблюдая в процессе обучения за своим учеником Матиссом, сделал вывод, что тот определённо «упростит живопись».
История этюдов
Расцвет живописи произошел в XIV-XVI века, в эпоху Возрождения. Именно тогда стало модным декорировать дома картинами, которые занимали всю стену от пола до потолка. Этюдами особо не дорожили, использовали только как подготовительный материал.
До наших дней сохранились натурные работы Микеланджело к росписи Сикстинской капеллы, «Коронование Марии», «Положение во гроб» Рафаэля Санти, этюды рук, голов Леонардо да Винчи и других мастеров изобразительного искусства.
Между тем уже к середине XIX века отношение к конечному продукту в живописи (картине) резко изменилось. Черновые рисунки приобрели вторую жизнь благодаря французским импрессионистам. К ним присоединились русские живописцы, первым из которых стал А. К. Саврасов, призывавший своих учеников «учиться у натуры».
Этюды русских художников В. Д. Поленова «В Крыму», И. И. Левитана «Дорога в лесу», В. В. Серова «Голова Европы» и многие другие прославились на весь мир. Особенно преуспел натурными твореньями Константин Коровин «Кремль», «На берегу моря», практически не писавший тематических картин.
Улитка (1953)
Похожая на детскую аппликацию, «Улитка» может показаться несведущему зрителю чем угодно. Название, данное художником, подсказывает, в каком направлении следует мыслить. На самом деле, нет никакой улитки. Это абстрактное изображение призвано для того, чтобы передать сущность предмета, а не его точное изображение.
Вырезанные из цветной окрашенной бумаги прямоугольные фигурки наклеены на базовый фон таким образом, что создаётся впечатление движения по спирали. Это полотно завораживает, его можно рассматривать часами с разных сторон. Самое главное — оно заставляет человека думать и не скрывать свои эмоции.
Сравнение этюдов, эскиза, набросков, зарисовки
Этюд
Это практически законченная работа художника, которая в дальнейшем применяется для написания картины в целом. Например, для передачи падающих теней, расположения предметов, характера, настроение натуры. Рисунки обычно выполняется на бумаге, картоне или непосредственно на холсте кистью, одной краской или карандашом, углем.
Эскиз
Эскиз от этюда отличается своей задачей, продуманностью, композицией, передачей мысли художника, основной идеей. По сути, это набросок, графика, где проявляется не только сюжет будущей картины, но и расположение предметов, распределение тона. Обычно эскизные работы бывают незаконченными.
Наброски
Это рисунки, сделанные быстро без тщательного вырисовывания деталей. С помощью набросков художник передает первое впечатления от увиденного. Они могут состоять просто из выразительных линий или части будущей картины, например, рук, ног, головы изображаемого человека. В основном предназначены для рисования натур в движении, для передачи освещения, пропорции модели.
Рисуют карандашом, тушью, углем, маркером. На набросок уходит 10-15 минут.
Зарисовки
Это графическое изображение, выполненное с натуры. С их помощью изучают материал для будущего произведения, например, рисунка, картины или скульптуры. Рисуют тушью, фломастером, мягким карандашом, тонким графитом, шариковой, капиллярной ручкой. На работу уходит 30-40 минут.
Случается, что произведение великого художника утрачивается. Тогда натурные работы приобретают особый статус, оцениваются намного выше их обычной стоимости. В качестве примера – неоконченная картина П. Корина «Русь уходящая».
Кукурузное поле
Это не то название, которое Констебль дал картине. Так за ней и закрепилось прозвище в Национальной галерее и название. Артист назвал ее «Пьющим мальчиком».
Изображенный пейзаж отличается от обычной речной сцены Констебла. Он отмечает путь через лес, ведущий к кукурузному полю. В сцене есть немного воды, но ее присутствие незаметно и ограничено только краем изображения.
Зеленый — доминирующий и почти вездесущий цвет, покрывающий своими разнообразными оттенками более половины всей сцены и создающий рамку вокруг далеких полей. Все, что является частью этой картины, зеленое: овцы словно прячутся и исчезают в зеленых тенях, зелень в стволах деревьев, в холмах и деревьях на заднем плане.
Единственная деталь, которая отличается и почти сразу привлекает внимание зрителя, — это маленький мальчик в ярко-красной рубашке. Он оставил овцу на некоторое время собаке и присел на корточки, чтобы посмотреть на ручеек и попить из него воды
Он оставил овцу на некоторое время собаке и присел на корточки, чтобы посмотреть на ручеек и попить из него воды.
Вокруг него светит солнце, земля светлая и чистая, на деревьях яркие листья, по небу медленно плывут облака, подгоняемые легким ветерком, ласкающим верхушки деревьев. Все выглядит абсолютно идеально.
Мы получаем чувство спокойствия и умиротворения от этой природы, и это в основном из-за цветов. Благодаря яркой желтизне полей и ясной белизне облаков тот, кто увидит эту сцену, тотчас же погружается в нечто похожее на сон наяву.
Функции или задачи
В зависимости от творческого подхода рабочие рисунки художников делят на краткосрочные и длительные. Назначение краткосрочного – увековечение сиюминутного, конкретного состояния натуры, например, переход от сумерек к ночи, или восход (закат) солнца. Другими словами, художник творит практически за считанные минуты или даже секунды для запечатления быстро сменяющихся событий.
В свою очередь, длительные произведения выполняют неспеша, за несколько сеансов и часов, всестороннее рассматривая и изучая натуру. Много времени уделяют форме, характеру, движению, пропорциям, подробному отражению, внешнему виду натуры. Обычно так пишут натюрморты, портреты.
Шлюз и мельница в Дедхеме
На этой картине изображена спокойная и идиллическая сцена из английской сельской жизни начала 19 века.
Главное здание в этой сцене слева от центра композиции — сама мельница с большим водяным колесом. Констебль в молодости работал на мельнице, которой владел и управлял его отец. Справа от нее, в центре композиции, находится башня местной церкви. На переднем плане река Стаур с замком на другом берегу и пришвартованной лодкой на ближайшем. В правой части композиции преобладают большие деревья, под которыми пасутся две привязанные лошади.
На картине видны только две фигуры, стоящие перед мельницей, и одинокий человек справа от церковной башни. Понятно только, что это искусственный, да, индустриальный ландшафт.
Глядя на эту картину сегодня, легко забыть, как подход Констебла к рисованию пейзажей бросал вызов условностям своего времени. Он хотел нарисовать то, что видел своими глазами. Он хотел изображать окружающий мир таким, какой он был на самом деле, а не создавать картины, которые показывали бы ложную, идеализированную версию реальности.