Эвакуации
Большинство картин из коллекции Лувра пережили на своём веку три эвакуации. Во время Франко-прусской войны, а затем ещё двух мировых войн. При Наполеоне III Лувр был одновременно и музеем, и резиденцией правителя. Император имел грандиозные планы по реконструкции дворца, и его архитекторы начинают строительство нескольких новых помещений, в том числе Зала законодательных собраний.
Эпоха Наполеона III, последнего императора Франции, завершилась катастрофической для страны Франко-прусской войной. Вскоре после разгрома французских войск и пленения монарха, когда германские войска двигались к Парижу, а в самой столице кипело восстание, смотрители луврской коллекции приняли решение об эвакуации картин. «Брак» был отправлен в Брест и почти год пролежал в тамошнем арсенале, что не лучшим образом сказалось на полотне.
В Париж оно вернулось уже в 1871 году. Следующие 70 лет картина не покидала стен Лувра. Во время Первой мировой её, единственную из всей коллекции полотен эпохи Возрождения, оставили в Париже. А вот Вторую мировую «Брак» пережидал в Монтобане. В Лувр её вернули в 1942-м, ещё при немецкой оккупации. И определили в тот самый Зал законодательных собраний, построенный по приказу Наполеона III. Теперь это 711-й зал Лувра, и здесь выставлены лучшие произведения итальянской живописи.
711-й зал в Лувре после реставрационных работ в 2019 году. («Дилетант»)
Так «Брак в Кане Галилейской» занял то место, на котором находится и теперь. Место ужасно невыгодное. Полотно Веронезе висит ровно напротив «Моны Лизы». Именно поэтому «Брак» и является той самой картиной, к которой, по статистике, чаще всего поворачиваются спиной посетители Лувра.
Миф о похищении
Сюжет картины «Похищение Европы» построен на древнегреческом мифе о том, как громовержец Зевс узрел великолепную красоту обыкновенной девушки, которая являлась дочерью финикийского царя, и воспылал к ней пламенной любовью. Пойдя на хитрость и приняв облик быка, Зевс обманом заставил Европу сесть к нему на спину и уплыл с ней на остров Крит. Таким образом девушка стала женой верховного бога Олимпа, и у них родилось трое детей.
Несколько лет Европа находилась взаперти под охраной страшного пса, однако вскоре Зевсу надоела дочь финикийского царя, и он сосватал ее Астериону, царю Крита, предоставив ему весьма щедрое приданное. Поскольку монарх не имел своих детей, то он передал власть на острове потомкам Зевса и Европы.
Данный миф имеет важное значение для критской островной культуры, поэтому не удивительно, что такая интересная история, позаимствованная из эпоса, не могла остаться без внимания художников, и свои версии похищения Европы успели изобразить Джордано, Николас Питерс Берхем, Франческо Альбани, Франсуа Буше, Гвидо Рени, Рембрандт, Паоло Веронезе, Тициан и другие гениальные мастера кисти. Холст, темпера
138×178 см. Русский музей
Холст, темпера. 138×178 см. Русский музей.
Открытка (плейкаст) « Похищение Европы »
Валентин Александрович Серов
1865-1911
В.А. Серов удивляет гибкостью и динамичностью художественного мышления. За свою недолгую жизнь он прошел интенсивный творческий путь, не останавливаясь на достигнутом и постоянно обновляя свою манеру письма.
От «Девочки с персиками» до «Похищения Европы» расстояние огромно, но измеряется оно не годами, а новыми задачами и художественными средствами. «Девочка с персиками» — это светлое дыхание самой жизни, а «Похищение Европы» — декоративное панно, далекое от пленэрной живописи.
Это произведение предварило многие поиски русского авангарда и явилось одним из самых высоких достижений стиля модерн в русской живописи.
В 1907 году Серов совершил путешествие в Грецию. Очарованный миром античной культуры, он задумал цикл произведений на темы античных мифов.
В искусстве Древней Греции Серова поразило «удивительное соединение понимания высокой декоративности, граничащей с пафосом даже, — с уютностью».
«Похищение Европы» существует в нескольких вариантах, которые близки по композиционному решению, стилистике и образной трактовке темы.
По воспоминаниям родственницы художника, Нины Симонович-Ефимовой, именно в пору написания «Похищения Европы» у Серова было сильное желание «уйти от повседневности». В работах последних лет жизни художника условное берет верх над реальным.
Полотно «Похищение Европы» решено декоративно; оно написано большими цветовыми плоскостями, которые ритмически согласованы живой, гибкой линией, приводящей к гармонии объем и плоскость. Серов делает высокую линию горизонта, что позволяет ему трактовать пространство как плоскость.
Безбрежное море написано условно, и в то же время мастер добивается ощущения толщи бесконечной глубины воды, которую разрезает по диагонали полотна мощная фигура быка — Зевса. По контрасту с Зевсом фигурка Европы кажется маленькой и беспомощной, она словно робко покорилась судьбе.
Ее лицо напоминает лицо коры времен греческой архаики; оно словно маска с невидящим взглядом. В тоже время фигура Европы дана в сложном ракурсе и живом, выразительном движении, словно все ее силы направлены на то, чтобы удержаться на спине быка.
Однако в сочетании с застывшим взглядом героини это производит иное впечатление, выраженное в стихотворении О. Мандельштама, навеянном картиной Серова:
- Горько внимает Европа могучий плеск,
- Тучное море кругом закипает в ключ,
- Видно, страшит ее вод маслянистый блеск
- И соскользнуть бы хотелось
- С шершавых круч…
- Серов не занимается стилизацией архаического периода искусства Древней Греции, он создает острое, современное для той поры произведение, в котором выражает сам дух древнего искусства — сочетание декоративности с интимным настроением.
- Русские художники 19 века
«Похищение Европы.»1910г.
Картон, темпера. 71×98 см.
Государственная Третьяковская галерея, Москва.
В. Серов, «Похищение Европы». Описание картины, написанной в 1910 году
Композиция изображения построена на диагональном движении могучего быка, которое подчеркнуто вытянутым силуэтом божественного животного, удлиненными контурами дельфинов и самим морем, которое превратилось в поток жизни. Бык, повернув к зрителю огромную голову, с обрывком венка на рогах, спокойно и уверенно пересекает владения Посейдона. В его человеческих глазах можно увидеть печаль и любовь. Отступая от Овидия, В
Серов пишет его в рыжевато-золотистых тонах и этим привлекает еще большее внимание к нему, находящемуся в центре бурлящего синего моря
Европа, которая полностью покорилась судьбе, – это хрупкая девушка, которая одета не в богатые царственные одежды, а в простое темное платье. Только браслет на изящной руке напоминает о ее происхождении. На ее лице застыла загадочная улыбка, и она полностью отдалась воле богов. Ей как будто передалась сила и мощь быка, и потому она спокойно смотрит в будущее, которое может принести ей неизвестную и радостную жизнь.
Море изображено художником как миф, а не реальные морские волны. За далеким горизонтом скрыта новая жизнь.
Это произведение совершенно не похоже на то, что до В. Серова создавали художники. Он стремился придать реальность нереальному, создавая версию, увиденную глазами античных поколений, передать энергию и движение потока чувств и желаний персонажей картины.
Три линейных корабля и двадцать картин
Паоло Веронезе большую часть жизни трудился в Венеции, создавая картины для богатейших и знатнейших жителей города. Сюжеты его работ мало чем отличались от сюжетов, к которым обращались его более именитые коллеги. Библейские мотивы, портреты заказчиков и их родственников и порой что-то из современной истории. Так, кисти Веронезе, жившего во второй половине 16 века, принадлежит картина, посвящённая битве при Лепанто — крупнейшему сражению той эпохи. Писал венецианский мастер даже и «Тайную вечерю», из-за чего едва не угодил на костёр инквизиции.
«Брак в Кане Галилейской» художнику заказал бенедиктинский монастырь Сан-Джорджо Маджоре. Картина, рассказывающая о том, как Иисус Христос превратил воду в вино, должна была украшать трапезную. Заказ был выполнен, и следующие двести лет «Брак» провёл в трапезной. Висел бы он там, быть может, и поныне, кабы не Жан-Симон Бартельми — куда менее известный, чем Веронезе, художник.
Паоло Веронезе. Автопортрет, 1558−1563 годы. («Дилетант»)
В конце 18 века Венеция была захвачена Францией и по мирному договору (по сути, это был акт капитуляции) обязалась выплатить огромную контрибуцию, а также передать Франции три линейных корабля и 20 картин. Да-да, во Франции всегда ценили искусство, особенно итальянское. И, разумеется, Французская Республика не могла позволить венецианцам самим отбирать картины. В город прибыла комиссия, возглавляемая Бартельми, и художник лично отобрал 20 картин, среди которых был и «Брак в Кане Галилейской» кисти Паоло Веронезе
Бартельми как тонкий знаток истории и искусства обратил внимание на то, что среди гостей Веронезе изобразил знаменитых исторических деятелей своего времени. Если присмотреться к «Браку», то можно увидеть, например, английскую королеву Марию Кровавую или даже турецкого султана Сулеймана Великолепного.
Ранний период творчестав Паоло Веронезе.
Среди работ Веронезе раннего периода выделяется первое его обращение к христианскому сюжету «(Мистическое) Обручение Святой Екатерины». Святая Екатерина обменивается обручальными кольцами с младенцем Иисусом. Картина была написана, предположительно, в связи или под влиянием состоявшегося в Вероне в 1547 году бракосочетания Анны делла Торре и Джамбаттисты Пиндемонте. В последствии Веронезе будет еще не раз обращаться к этому сюжету.
В 1548 году Веронезе пишет алтарный образ для капеллы этой семьи в церкви Сан Фермо Маджоре в Вероне. Композиция «Крещение Христа» для боковой стены капеллы другой веронской церкви скорее всего была написана в 1548-1549 годах. В этот же период были созданы картина «Оплакивание Христа», заказанная аббатом Бернардо Торлиони для ризницы церкви монахов ордена Святого Иеронима Санта Мария делла Грация и полотно «Положение во гроб» , считающаяся обобщением художественного опыта Паоло Веронезе до венецианского периода.
К началу 1550 года Веронезе подходит в статусе зрелого мастер по меркам провинции и он готов к тому, чтобы заявить о себе в столице. В 1551 году он пишет картины для алтаря капеллы Джустиниани в церкви Сан Франческо делла Винья — «Святое семейство с маленьким Иоанном Крестителем» и другие. В целом они перекликаются с картинами на эти сюжеты, ранее написанными Тицианом, но в трактовке цвета, бликов на складках одеяний и изгибов фигур Веронезе остался верен своему собственному, уже сложившемуся стилю.
Сдав первый экзамен в Венеции, Веронезе расписывает фресками виллу Соранцо в Тревилле, построенную десятилетие назад его наставником Санмикеле. Блестящий талант мастера проявился в росписях на мифологическую тематику по которым можно сказать, что на Веронезе оказали влияние произведения Рафаэля и Микеланджело. Вилла не сохранилась, но небольшая часть росписей Веронезе дошла до нас во фрагментах.
Между 1552 и 1553 годами Паоло Веронезе работает в Мантуе, где пишет картину «Искушение Святого Антония» для одного из боковых алтарей городского собора. Картина была вывезена французами и ныне находится в Музее изящных искусств города Кана.
Творчество Паоло Веронезе (1528-1588)
Автопортрет, деталь «Брак в Кане Галилейской»
Венецианская школа живописи в итальянском искусстве XVI века дольше других сохраняла великие традиции эпохи Возрождения. В этом сказалось независимое положение Венеции — последнего города-республики, куда стекались лучшие художественные силы страны, привлеченные свободомыслием и относительной терпимостью нравов, здесь бытовавших.
Около 1553 года приехал в Венецию молодой художник из Вероны Паоло Кальяри, прозванный впоследствии Веронезе. В родном городе его первым учителем был живописец Антонио Бадиле. Уже в ранних работах проявились блестящие задатки юноши как колориста и декоратора (фрески виллы Соранцо близ Кастельфранко). Можно усмотреть в них влияние искусства таких мастеров, как Рафаэль, Микеланджело, Пармиджанино, Корреджо.
В Венеции Веронезе систематически работает во Дворце дожей, украшая его великолепными декоративными росписями. В них в аллегорической форме, с привлечением образов античной мифологии прославлялась республика Венеция, ее богатство и военные победы. Плафоны и панно исполнялись на огромных холстах, в технике масляной живописи. В этих грандиозных композициях в полную силу проявились особенности жизнелюбивого таланта Веронезе. С размахом и увлечением писал он здоровых красивых людей в роскошных одеяниях на фоне белюмрамарных дворцов, колоннад с просветами голубого неба и клубами облаков. Краски богатейшей палитры ложились в ярких, светлых, праздничных сочетаниях, и, казалось, никакие сложности ракурсиронки и перспективных построений не смущают художника. Из росписей Дворца дожей, исполненных Веронезе, наиболее известен плафон «Триумф Венеции» (1580—1585).
Параллельно с этой работой, длящейся много лет, Паоло Веронезе создает фресковые циклы в вилле Коллеони в Тьене (1560), вилле Барбаро-Джакомелли в Мазере (1565), палаццо Маньядоле около Ла-мотта (1572). Здесь художник дал волю своей неистощимой фантазии. В сверкающих красками, словно искрящихся весельем, композициях аллегории и мифологические сюжеты перемежались с портретами хозяев вилл, жанровыми сценками, пейзажами.
Приходилось Веронезе писать религиозные картины, но и в них художник не изменял своим пристрастиям, придавая откровенно светскую трактовку как сюжету, так и персонажам («Мадонна со святыми и с семейством Куччина», около 1560 г.).
Особенно любил Веронезе изображать праздничные пиры. Его кисти принадлежит знаменитая серия «пиршеств»: «Пир в доме Симона Фарисея» (1570), «Пиршество Григория» (1572), «Брак в Кане Галилейской», «Пир в доме Левия» (1573). Последняя картина даже послужила причиной гонений на художника со стороны Римского папы и инквизиции, обвинявших его в неуважении к религии.
Веронезе не раз писал портреты, алтарные образы, но его никогда не интересовала психологическая глубина характеристик. Любопытно, что в некоторые свои картины он включал изображения исторических лиц. Так, в огромном полотне «Брак в Кане» (1562) среди гостей, сидящих за столом, можно узнать императора Карла V, турецкого султана, английскую королеву и многих знатных венецианцев. А под видом музыкантов художник изобразил самого себя и других венецианских живописцев — Тициана, Тинторетто, Бассано.
В некоторых поздних произведениях Веронезе нарастают чувства тревоги и беспокойства («Распятие», «Оплакивание Христа»). В то же время в монументальных полотнах бурная динамика и явная перегруженность композиций предвосхищают стилистические приемы барокко.
Непосредственными учениками Веронезе считаются Б. Дзелотти и Ф. Монтемеццано, помогавшие ему в создании ряда картин. Творчество прославленного венецианца имело широкий резонанс в европейском искусстве, в частности, влияние его испытали Рубенс и Тьеполо.
Картина «Похищение Европы»
Данное полотно нарисовано в довольно аутентичном и новаторском стиле. Второстепенные детали на холсте фактически отсутствуют, а центральными персонажами становятся бык, на спине которого восседает Европа. Мощное тело быка окутано волнами, а море буквально сливается с небом. В дороге их сопровождают дельфины, при этом сама Европа является необычайно спокойной и как будто бы равнодушно взирает на все происходящее вокруг.
На полотне не зря можно наблюдать сочетание черного, синего и коричневого тонов, ведь это ведь оно является привычным для древнейших греческих фресок. Одновременно с этим картина не имеет античных гармоничных форм. Внешний вид Европы также не вызывает ассоциаций с мраморной застывшей красотой, привычной для островной и античной культуры. Напротив, девушка обладает вполне обычным телосложением с немного смуглой кожей.
Картон, темпера, гуашь, уголь. 80 х 100. Государственная Третьяковская галерея.
Картина Серова. Похищение Европы
Древнегреческий миф о прекрасной царевне Европе, похищенной всемогущим Зевсом – один из самых известным. Многие художники использовали это античное повествование и предлагали различные художественные, стилистические и композиционные решения.
Важным является и тот факт, что этимологическое происхождение одного из материков связано с именем этой девушки, означающее, скорее всего, «заход» или «широкоглазая». Таким образом, в европейской культуре есть особое отношение к этому мифу.
Европа играла со своими подругами на берегу возле моря, и ее красоту и грацию заметил главный бог-олимпиец. Ослепленный страстью Зевс решил похитить ее. Приняв обличье белоснежного неагрессивного быка, он предстал перед девушками.
На своей картине «Похищение Европы» Валентин Серов запечатлел именно тот момент, когда могучий Зевс в облике быка пересекает море, а девушка сидит на его спине.
Но в интерпретации знаменитого русского живописца, этот сюжет отошел от академических канонов и приобрел совсем иное звучание, прославив художника.
Получив заказ на выполнение росписей в России, Валентин Серов совершил поездку на остров Крит и досконально изучил остатки Кносского дворца. Создавая свое полотно, живописец использовал характерный для эстетики модерна приемы стилизации и яркие краски.
Отступив от античной традиции, Серов изобразил белоснежного быка рыжим с белым пятном посреди лба, а выражение морды быка – весьма очеловеченное. Это яркое оранжевое пятно выглядит особенно впечатляюще, выразительно и красиво на фоне сине-фиолетового моря и белых волн.
Горизонтальное направление центральных фигур усиливают движение. Для достижения такого динамизма Серов удлинил корпусы тел быка, девушки и дельфина.
Чтобы передать силу штормового моря, живописцев располагает горизонт высоко вверху и использует крутые волны, чтобы взрыть линию горизонта огромными морскими валами. Могущество быка передано в том, как он сильно и бесстрашно рассекает эти крутые волны.
- Интересным в этой картине является то, что юная красавица на спине принявшего обличье быка Зевса вовсе не выглядит напуганной.
- Она сидит в неудобной для езды на животном позе, как бы демонстрируя, что ничего не боится и лишь слегка держится за невероятно длинные рога могучего животного.
- Девушка спокойно смотрит назад и, видимо, прощается во своим прошлым, все дорогим сердцу – своими подругами, родителями и знакомыми, но она не испытывает радостных чувств к неизвестному будущему, но знает, что все это происходит к лучшему.
- Автор сочинения: Ирина Шастова
Описание картины Паоло Веронезе «Похищение Европы»
Рассматривая полотно Паоло Веронезе. Которое имеет довольно известное и символическое название «Похищение Европы», сразу навеваются воспоминания о мифах Древней Греции, непревзойденной красоте юной Европы и настойчивости любвеобильного Зевса. Само полотно является довольно масштабным: оно достигает ширины 3 метров и высоты 2,5 метров. Работа выполнялась в технике масла.
Хочется сразу отметить, что к мотиву любви Зевса и Европы обращалось множество талантливых художников. Каждый из них старался взглянуть на историю как-то по-новому, привнести что-нибудь индивидуальное, исключительное, чтобы зритель поверил именно ему. То же самое делал и Паоло Веронезе.
На картине изображена история о дочери финикийского царя по имени Европа. Ее красотой восхищались далеко за пределами страны, не мог не отреагировать на это и главный бог Олимпа, ведь, как известно, он был падок на красивых девушек. Зевс решает украсть Европу и забрать ее с собой. Но как сделать это так, чтобы не проявить себя? Зевс приходит к девушке в виде быка и несет ее далеко в степь. Именно этот момент запечатлел автор картины на холсте. Стоит отметить, что в результате этой любви появились такие мифические существа, как царь Минос, Радамант и Сарпедон.
При анализе картины сразу же обращаешь внимание на довольно детальную и сложную композицию. Автору удалось практически невозможное: на столь большом холсте он подробно вырисовал каждого персонажа этого события, не упустив ни одного из них
Но главное действие происходит в левой части полотна. Именно тут мы видим, как Европа сидит на спине могучего быка, а он уже готов убежать с ней, куда глядят глаза. Удерживают быка только подруги Европы, но это длится лишь несколько мгновений.
Благодаря использованию ярких красок и насыщенных цветов, картина выглядит живой и сверхъреалистичной.
§История картины
Во время пожара 1571 года в трапезной доминиканской церкви Санти-Джованни э Паоло в Венеции сгорело полотно Тициана «Потаенная вечеря». Чтоб поменять спаленное полотно, Паоло Веронезе получил заказ и в 1573 году написал полотно на тот же библейский сюжет и с этим же заглавием.
Веронезе изобразил узнаваемый библейский сюжет согласно своим заниям и представлениям об эре Христа. На картине живописец изобразил ренессансную архитектуру — шикарную аркаду коринфского ордера. В проёмах арок раскрывается умопомрачительный городской пейзаж. В центре полотна, по оси симметрии картины, за столом изображён Иисус Христос. По сторонам от Христа расположились фигуры апостолов — первую левую фигуру считают автопортретом художника. Меж колоннами живописец изобразил гостей, которые по его воззрению полностью могли находиться на «Тайной вечере», слуг с подносами, блюдами, бутылями и кувшинами, мавров, воинов с алебардами, малышей и даже собак, ожидающих остатков пиршества.
Через три месяца после окончания работы над полотном таковой свободной трактовкой библейского сюжета заинтересовалась Святая экзекуция и художника вызвали в суд. До наших времён дошёл протокол заседания этого суда от 18 июля 1573 года. Из протокола понятно, что Веронезе достаточно вольно относился к исторической правде и просто заполнил свободное место на полотне согласно своим представлениям и фантазиям:
Вопрос: Сколько людей вы изобразили и что любой из их делает?
Ответ: Сначала — владельца постоялого двора, Симона; потом, ниже него, решительного оруженосца, который, как я подразумевал, пришел туда ради собственного наслаждения посмотреть, как обстоят дела с едою. Там много ещё и других фигур, но их я сейчас уже не напоминаю, потому что прошло много времени с того времени, как я написал эту картину…
Вопрос: Что обозначают эти люди, вооружённые и одетые как немцы, с алебардою в руке?
Ответ: Мы, живописцы, пользуемся теми же вольностями, какими пользуются поэты и безумные, и я изобразил этих людей с алебардами… чтоб оправдать их присутствие в качестве слуг, потому что мне казалось подобающим и вероятным, что владелец обеспеченного и прекрасного, как мне гласили, дома был должен бы иметь схожих слуг…
Вопрос: Сколько, по вашему воззрению, лиц вправду было на этой вечере?
Судьи постановили, чтоб живописец «исправил» картину в течение трёх месяцев со денька приговора за свой счёт. Веронезе и здесь достаточно изобретатально подошёл к решению препядствия — он только изменил заглавие — заместо «Тайной вечери» сделал надпись на опоре балюстрады: «Левий отдал пир для Господа» (FECIT D COVI MAGNV. LEVI. — сокращение лат. Fecit Domino Convivium Magnum Levi). С правой стороны Веронезе выписал на балюстраде DIE. XX APR. — Апрель, денек 20-й и отдал ссылку на цитату LVCA. CAP. V. (лат. Evangelio de Lucas, capitulo V) — Евангелие от Луки, глава V, возможно, чтоб у Святой инквизиции больше не было колебаний:
И сделал для Него Левий в доме собственном огромное угощение; и там было огромное количество мытарей и других, которые возлежали с ними…
Когда Наполеон Бонапарт захватил Венецию в 1797 году, картину совместно с другими шедеврами вывезли в Париж, в Лувр. В 1815 году, после падения Наполеона, картина была возвращена. Сейчас полотно занимает отдельную стенку в галерее Венецианской академии. Картина очень пострадала во время пожара в XVII веке, — для того, чтоб вынести из пожара полотно, его разрезали на три части и замочили в воде. Полотно реставрировали в 1827 году. В текущее время краски потускнели и картина не производит воспоминания, которое, возможно, производила на современников.
Лилипут с птицей, кусок.
Вояки с алебардами, кусок.
Гость со служкой, кусок.
Мифы Древней Греции в живописи
Начиная с античности, греческие мифы побуждали художников, скульпторов и поэтов создавать произведения искусства. Мифология и по сей день представляет собой богатый мир героев и сюжетов. Мифы передают дух Древней Греции, места, где воспевалась и увековечивалась красота. Неудивительно, что именно их сюжеты чаще всего становятся предметом изобразительного искусства.
На протяжении веков подвиги Геракла, мучения Прометея и похождения Зевса были запечатлены в разных форматах, стилях и техниках такими художниками, как Боттичелли, Рубенс, Рембрандт, Доре и многие другие
В период модернизма влияние мифологии на живопись уменьшилось, большее внимание стало уделяться стилю и технике изображения в ущерб сюжету картины
В российской живописи ХХ века исторический и мифологический жанр обрел «второе дыхание» благодаря великолепным картинам Врубеля и Васнецова, которые оживили сюжеты национального фольклора. Древнегреческие мифы стали предметом особого интереса Валентина Серова в поздний период его творчества.
История картины
В самом начале ХХ века среди людей искусства пошли слухи о начале грандиозного проекта по оформлению музея изящных искусств им. Пушкина. Живописное оформление залов должно было подчеркивать и разъяснять постоянные экспозиции музея. В биографии Серова четко прослеживается желание участвовать в этом проекте.
В середине 1900-х гг. Серов посетил Грецию, чтобы впитать классическую культуру и искусство. Подготовка к росписи классических залов музея считается основной целью, которую преследовал художник. Серов Валентин Александрович начал писать первые варианты «Похищения» незадолго после поездки.
Многие искусствоведы считают, что картина «Похищение Европы» и сопутствующая ей «Встреча Одиссея с Навзикаей» были написаны как эскизы для настенной росписи, а не для станковых картин. Аргументом в пользу этой точки зрения может считаться то, что автор не собирался писать ни одну из упомянутых картин маслом.
Валентин Серов, «Похищение Европы»: описание
Картина «Похищение Европы» в качестве сюжетной линии использует миф о молодой финикийской царевне по имени Европа, дочери царя Агенора, которую возжелал Зевс. Обратившийся в быка, Олимпийский Бог унес Европу на своей спине на остров Крит.
Интерпретация Серова не требует правдоподобного изображения героев и окружающего их пейзажа, она не пытается создать реалистичный сюжет. Валентин Серов стремился к обобщению художественных образов, к созданию картины, объединяющей в себе культуру, знания и традиции древней Греции.
Стиль картины
Еще одним аргументом в пользу написания «Европы» для декоративного панно музея искусств является уникальная стилистика картины. В 1907 г. Серов отправился на остров Крит с целью изучить античные настенные росписи древнего храма.
Новаторские приемы в стилизации и даже композиции картины «Похищение Европы» указывают на то, что автор был вдохновлен классическим искусством древнегреческих монументальных исторических панно.
Стиль картины можно с легкостью назвать минималистичным. Динамичная композиция, однообразие форм, отсутствие лишних деталей и минимальная цветовая гамма создают присущий модерну эффект стилизации.
Продолговатые, вытянутые по диагонали формы быка и дельфинов, а также «волнующаяся» линия горизонта оставляет картину без единой прямой вертикальной или горизонтальной линии в композиции.
От этого она кажется движущейся вверх.
Фигура огненно-рыжего быка, плывущего по бурному морю, разделяет картину на две части по диагонали как в композиционном, так и в цветовом плане. Серов выбрал атипичный, для Зевса в форме быка, цвет.
В большинстве случаев величие и великолепие громовержца подчеркивается белым цветом, в данном случае Серов выбрал яркий оранжевый цвет, который внес в колористику картины необыкновенную динамичность и одновременно создал визуальный фокус.
Картина «Похищение Европы»: варианты
Серов создал несколько вариантов картины, ни один из которых не считается полностью завершенным. Во всех существующих изображениях палитра и композиция остаются практически неизменными, в отличие от множества вариантов «Встречи Одиссея с Навзикаей», в которых Серов экспериментировал с построением, композицией, динамикой и цветовой гаммой.
Самый большой по размеру и наиболее детализированный вариант картины «Похищение Европы» хранится в Государственной Третьяковской галерее, но принадлежит при этом частной коллекции.
Биография Паоло Веронезе
Паоло Веронезе – уроженец Италии, яркий представитель эпохи позднего Возрождения. Художник родился в 1528 году в семье каменотеса в Вероне (отсюда и псевдоним). У Габриеле и Катерины он был пятым сыном.
Семья Паоло родом из Ломбардии, но по долгу службы отца и деда будущего художника занесло в Верону, где семья и осталась.
Паоло учился у архитектора Микеле Сан Микеле, но эта профессия ему не приглянулась. Недолго думая, он перешел к художнику Антонио Бадиле, который к тому же был его дядей. p>В 1560 году в Риме Веронезе знакомится с произведениями Микеланджело и Рафаэля.
В 1566 году Паоло Веронезе женится на дочери своего дядюшки и учителя Антонио Бадиле. Он стал заботливым и любящим отцом для своих 4 детей. Кстати, одного из сыновей Паоло назвал в честь своего отца Габриеля.
Валентин Серов. Последние декоративные панно. Похищение Европы. Одиссей и Навзикая
Теперь мы подошли к одному из последних жизненных эпизодов Валентина Александровича Серова. В 1907 году Серов вместе с Л.С.Бакстом, автором символистских полотен и деятельным членом «Мира искусства», поехал в Грецию.
Его восторженные греческие впечатления нашли непосредственное отражение лишь в работах 1910 года, когда художник вновь оказался на морском побережье, в Беаррице, во Франции.
Захваченный мифологическим миром Древней Греции, Серов работал над двумя декоративными панно – «Похищение Европы» (1910) и «Одиссей и Навзикая» (1910).
Валентин Серов. Похищение Европы. 1910
Валентин Серов — Похищение Европы
Сюжет картины «Похищение Европы» взят из древнегреческой мифологии. Могучий Зевс влюбился в дочь финикийского царя Агенора Европу. В виде прекрасного быка он предстал перед царевной и ее подругами, когда те гуляли по берегу моря.
Там она стала его женой и родила ему трех сыновей-героев.
В панно «Похищение Европы» нет внешних проявлений разбушевавшихся стихий. Могучая сила, олицетворенная в Зевсе, принявшем облик быка, смиряется загадочной красотой финикийской царевны Европы, подобной древнегреческой коре.
Весь строй картины пронизан ощущением какой-то особой, возвышенно-обобщенной монументальности.
Валентин Серов — Одиссей и Навзикая
Во время поездки в Грецию Валентин Серов заинтересовался раскопками Кносского дворца.
Изучение руин этого дворца английским археологом Эвансом перевернуло представление о древней греческой цивилизации.
Работая над картиной «Одиссей и Навзикая», художник рассказывает о потерпевшем крушение Одиссее, который попал на остров феаков, сказочного народа, пребывающего в мире блаженного, потустороннего бытия.
Валентин Серов. Одиссей и Навзикая. 1910
Высокий свод небес с воздушной громадой облаков и приближенная к зрителю узкая прибрежная полоска воды с отраженными в ней зыбкими силуэтами движущейся вдоль светлого моря процессии, все это втягивает вглубь необозримого пространства. Устремлена вперед стройная, как статуя, царевна Навзикея, управляющая колесницей, влекомой мулами. По велению Афины она должна помочь Одиссею возвратиться на родину с острова Схерия, принадлежащего народу феаков.
Герой отстал от процессии девушек-рабынь и уныло бредет в тяжелом раздумье о пережитых страданиях, о неизвестном будущем. Излюбленный Серовым музыкально-ритмический мотив шествия становится олицетворением жизненного пути, неисповедимой судьбы, вечного странствия между обреченностью и надеждой.
Это были одни из последних произведений Валентина Александровича Серова. Сутью его творческого метода было постоянное развитие, борьба против всяческих штампов, ремесленных приемов. Даже смерть художника воспринималась современниками как глубокий историко-культурный водораздел, обозначивший конец целой эпохи.
Валентин Серов — преподаватель
Собственный опыт мастера помог ему найти общий язык с молодым поколением. Как преподаватель Московского училища живописи, ваяния и зодчества (МУЖВЗ) Серов был свидетелем экспериментов начинающих живописцев, будущих основателей символистских и авангардных группировок «Голубая роза», «Бубновый валет», «Ослиный хвост».
В.А.Серов. Автопортрет. 1880-е.
Футурист Д.Д.Бурлюк признавался:
До того, как нас, молодежь начала двадцатого века, отравил микроб нового искусства, Серов был нашим кумиром.
Неудивительно, что Серову удалось воспитать поколение художников. Главным своим учителем его считали К.С.Петров-Водкин, П.В.Кузнецов, М.С.Сарьян, Н.П.Ульянов и другие известные живописцы.
Н.К.Рерих отмечал:
Этот человек… знал, что делал. А делал он творческое, честное, прекрасное дело в истории русского художества… Как хорошо, что наряду с Суриковым, Репиным, Васнецовым, Нестеровым, Куинджи был у нас и Серов, засиявший таким прекрасным, драгоценным камнем в ожерелье русского искусства.
Смысл картины
Разумеется, каждый наблюдатель по своему оценит всю глубину замысла, который вложил в свое творение Валентин Александрович. Работа стала одной из последних в творческом и жизненном пути Серова, при этом картина является невероятно узнаваемой и на сегодняшний день не только в России, но и далеко за ее пределами.
Античные образы и обращение к древнейшим сюжетам делают это полотно наполненным философским смыслом и спрятанным в глубине еле уловимым посланием о предназначении человека, его пути и с множеством подобных вопросов, будоражащих сознание людей на протяжении многих тысяч лет.