В Нью-Джерси нашли картину из серии «Пять чувств» молодого Рембрандта | Арт Новости | Современное искусство | Картины
На аукционе в Нью-Джерси была продана неизвестная работа маслом за 870 000$, что вызвало серьезные подозрения, поскольку сумма почти в тысячу раз превысила номинальную оценку. Многие эксперты считают, что это часть ранней серии картин о пяти чувствах, который написал известный художник Рембрандт еще во времена своего студенчества. К сожалению, имя покупателя выяснить так и не удалось, однако стало известно, что это был дилер из Великобритании.
Продали картину на аукционе Bloomfield в Нью-Джерси 22 сентября, а в каталоге картина была записана как «Triple Portrait with Lady Fainting» (“Тройной портрет с леди без сознания”). На картине была изображена молодая женщина без сознания, а также рядом была старая дама, которая при помощи платка пыталась привести её в чувства (наверняка, на платке была нюхательная соль). На картине вы увидите также некоего мужчину. Предположительно, это муж молодой женщины. По словам экспертов аукционного дома, работа выглядела как панель размером 12,5х10 дюймов, XIX века, континентальной школы. Потенциальных покупателей заранее предупредили, что лот имеет незначительные повреждения трещины деревянного основания и краски.
По мнению экспертов, это картина «Smell» (“Запах”), которая была написана предположительно в 1625 году на тот момент еще очень молодым Рембрандтом. Также эксперты считают, что именно серия «Пять чувств» являются самыми первыми работами известного мастера. Он написал их еще будучи учеником в студии голландского художника Pieter Lastman (Питера Ластмана). На сегодняшний день миру известны ещё три картины из данной серии. «The Spectacle Seller» (“Продавец зрелищ”) находится в Нидерландах, а точнее, в Лейдене в музее Лакенхал (Museum de Lakenhal), а «The Operation» (“Операция”) и «Three Singers» (“Три певца”) принадлежат Тому Каплану, частному нью-йоркскому коллекционеру.
8.6k
Поділитися
Слайд 11Энциклопедию знаний об ароматах и их природе представляют картины из серии «Пять чувств», написанные совместно Яном
Брейгелем Старшим «Бархатным» и Питером Паулем Рубенсом, друзьями и партнерами по искусству. Прежде всего, отмечаем знакомый уже букетик цветов, который Купидон дарит матери Венере. Рядом — источники всевозможных запахов: ароматический сосуд на горящих углях, гора цветов. У ног Венеры разложены скляночки, баночки и перчатки: как известно, в те времена профессия перчаточника и парфюмера представляла собой одно целое, поскольку перчатки в то время нуждались в ароматизации. Рядом расположились морская свинка (у нее есть мускусные железы) и зверек тангалунга (выделяет очень ароматное вещество — цибетин). За спиной Венеры — охотничий пёс. Слева за кустами цветов можно рассмотреть лабораторию, в которой перегоняют отвар из соцветий. На заднем плане видны олени (скорее всего, кабарга) — поставщики мускуса, сильно пахнущего вещества, которому приписываются свойства афродизиака.
Iraida Mokshanova
Описание
(Риксмузей. Амстердам).
Ян
Вермер и делфтская школа живописи
Особую
роль в художественной жизни Голландии второй половины XVII века играл Делфт –
небольшой город, прославившийся производством фаянса, стекла, ковров и
декоративных тканей. Здесь сложилась и самобытная школа живописи, традиционной
темой которой был интерьер. В этом жанре работали Эмманюэл де Витте (1616,
1618–1692) и Питер де Хох (1629 – около 1685).
Эмманюэл
де Витте, переселившийся в Делфт в 1642 году, писал интерьеры церквей: иногда с
натуры («Интерьер Новой церкви в Делфте с гробницей Вильгельма Оранского»,
1656), часто – воображаемые («Интерьер церкви», 1668 г.). В этих
фантастических видах храмов мощные формы выбеленных сводов и столбов образуют
единое величавое пространство.
Питер
де Хох изображал скромный уют бюргерского дома. Пребывание этого художника в
Делфте совпадает с расцветом его творчества (конец 50-х начало 60-х годов XVII
века). В ясных и гармоничных интерьерах де Хоха открытые окна или двери уводят
зрителя в мир улицы или во внутренние покои дома («Мать у колыбели», 1658–1662
гг.; «Служанка с ребенком во дворике», 1658 г.; «Хозяйка и служанка», около
1660 г.)
Около
1650 года в Делфт приехал Карел Фабрициус, ученик Рембрандта. Склонность к
смелым творческим экспериментам проявилась в его картине «Продавец музыкальных
инструментов» (1652 г.). Зрителя поражают необычное изображение пространства,
странное соотношение величин: на первом – огромная виолончель, лежащая на
прилавке; в удалении – маленькая фигурка продавца. Фоном служит вполне
конкретный, не изменившийся и сегодня уголок Делфта.
Крупнейшим
мастером делфтской школы был Ян Вермер (1632–1675 гг.). Его отец занимался
шелкоткачеством, торговал произведениями искусства, а позже стал владельцем
гостиницы. Торговлю картинами и гостиницу он передал по наследству сыну. В 1653
г. Вермер вступил в городскую гильдию Святого Луки, где впоследствии избирался
неоднократно на почетные должности.
Художник
написал около сорока картин. В композиции «Девушка с письмом» (около 1657 г.)
художник изобразил свет весеннего дня, льющийся из открытого окна в глубине
композиции, девушка серьезна и строга. Почти неуловимые движения ресниц и губ
выдают скрытое беспокойство. Хрупкий, точеный профиль девушки особенно красив в
потоках света, на фоне белой стены, по которой пробегают легкие перламутровые
тени.
На
картине «Служанка с кувшином молока» (около 1658 г.) молодая женщина с
непримечательным, свежим лицом не единственная героиня. Густое молоко,
сбегающее тонкой струйкой из глиняного кувшина, ноздреватый каравай в плетеной
корзине, салфетка, сползающая со стола, торфяная грелка для ног на полу
выписаны во всех деталях, с особой выразительностью.
Вермер
писал тонкой кистью, густыми но мягкими красками. Он тщательно клал мелкие,
плотные мазки, а завершал работу легкими, почти незаметными касаниями кисти,
которые придавали неповторимую живость резким линиям и четким формам его
произведений. Цвета у Вермера сильные, насыщенные; на первый взгляд кажется,
что он не смешивал краски. Но в каждом желтом, синем или белом пятне скрываются
десятки, сотни различных оттенков.
Порой
композиции Вермера сложны. Так, на полотне «Любовное письмо» (около 1667 г.) на
первом плане в полутьме стоят домашние туфли и половая щетка, а действие
разворачивается на втором плане: в освещенной комнате заплаканная дама с
мандолиной в руках вопросительно смотрит на румяную, улыбчивую служанку,
подавшую ей письмо. На стене висит изображение Амура, божества любви,
управляющего кораблем среди бурного моря, – аллегория трагических превратностей
отношений между любящими.
Искусство
голландских мастеров XVII века, заметно повлияло на европейскую живопись. Они
оказались достойными гордых слов лейденского художника Филипса Ван Ангела, с
которыми тот обратился к собратьям по творчеству в торжественной речи 18
октября 1641 г., в день Святого
Луки (профессиональный праздник живописцев): «Принесем же себя со всеми
великими умами на алтарь бессмертия, и пусть наши имена станут примером для
потомков».
Заключение.
Я
думаю, что разговор о голландской живописи получился очень интересным,
познавательным, и вам будет любопытно узнать, как эти художники проявляли себя
в других жанрах. В чем, например, своеобразие голландских натюрмортов и
пейзажей. Дерзайте.
Пять человеческих чувств | Волшебная сила искусства
«ПЯТЬ ЧУ́ВСТВ» — традиционная аллегория изобразительного искусства. В мистической традиции пять чувств человека (зрение, слух, вкус, обоняние, осязание) обозначаются пентаграммой (пятиугольной звездой) с латинскими литерами
«SALUS» (образуют слово «здоровье»). Литеры означают начальные звуки латинских слов: sensus — «вкус»,
auditus — «слух»,
libinis — «желание»,
visus — «зрение»,
spiritus — «дуновение, благоухание»
Геометрический символ гармонии, здоровья и мистических сил, связанный с символикой числа пять. Будучи бесконечной, пятиконечная звезда воспринимает значение, силу и совершенство круга. Подобно кругу, пентаграмма способна связывать злые силы и элементали, поэтому символизирует также удачу.
Пять её вершин означают дух, воздух, огонь, воду и Землю. Это также символ брака, осуществления: пять её лучей представляют собой плодотворный союз тройки, мужского начала, и двойки — женского. Перевернутая пентаграмма в обыденном восприятии — символ разрушения, Дьявола (козлиная голова), похотливости и грубых инстинктов.
Тему пяти чувств изображали в своём творчестве многие художники.Один из них Ганс Макарт,австрийский художник-дизайнер.(1840 — 1884)
Осязание Слух Зрение Обоняние Вкус
Так же нидерландский художник Хендрик Гольциус.1558-1617гг
Вкус.
Осязание.
Слух.
Зрение.
Обоняние.
Многие Фламандские и нидерландские художники помещали аллегорию пяти чувств в одной картине.
Луи Финсон (1575-1618гг) The Five Senses. г Herzog-Anton-Ulrich-Museum, Brunswick
Жерар де Лересс. 1640-1711ггThe Five Senses.
Теодор Ромбоутс.1597-1637гг Allegory of the Five Senses.
Если вам удалось найти все пять чувств на каждой картине,то художники достигли своей цели.
Остаде, Адриан ван.
Адриан ван Остаде представлен в Эрмитаже шестнадцатью картинами, из которых лишь одну невозможно оставить за ним. Эти картины рисуют нам его развитие, и остается без иллюстраций лишь полоса в его творчестве, когда он превратился в изумительно близкого имитатора Рембрандта. Для этой стороны искусства Остаде необходимо видеть его картины в Лувре и в Дрездене. Однако некоторое влияние Рембрандта можно проследить и на картинах 1640-х годов в Эрмитаже, в особенности же на “Шинок” (В наст. время — “Беседа у огня”).
Ранний период Остаде характеризован в Эрмитаже двумя картинами странного, белесоватого металлического тона, почти еще лишенными нежной горячей светотени, которая впоследствии стала его главной прелестью. На картине “Драка”(1637 г.), совершенно по рецепту Блоота и Броувера, изображена драка мужиков, мятущимся озверелым фигурам которых придан какой-то фантастический характер. Отдаленно они даже напоминают сатанинских героев на картинах Босха и П. Брейгеля. Такие же странные, очень условные и жуткие образины заседают и на картине “Крестьянское угощение”. Но затем резкость техники исчезает вместе с этими видениями навсегда из творчества Остаде, и вместо них появляются мягкая теплая светотень и нежная живопись, которая постепенно становится все красивее и свободнее. Одновременно тип его фигур становится правдоподобнее и симпатичнее. Отражением переходного фазиса в Эрмитаже могут служить “Деревенский праздник”, “Шинок” и “Пирушка”, помеченная 1642 годом.
В совершенной зрелости, наконец, Остаде предстает в прелестном ряде отдельных маленьких фигурок ( “Странствующий музыкант”, 1648; “Старуха в окне”; “Осязание”, “Зрение” и “ Вкус”, 1681; “Пекарь”) и в трех миниатюрных картинах из серии пяти чувств: “Осязание” (раненный в драке крестьянин перевязывает ногу), “Зрение” (ученый с хартией в руке), помеченной 1651 годом, и “Вкус” (крестьянин со стаканом пива), “Булочник, возвещающий о выходе свежего хлеба” (“Пекарь”), вероятно, также когда-то входил в серию “чувств” и означал “слух”.
Адриан ван Остаде. Зрение. Ок. 1635. Дерево, масло. 20х25. Инв. 998.
Наконец, редким образчиком тонкого понимания Остаде пейзажа (заимствованного, впрочем, у Рембрандта, главным образом, из офортов его) является картина “Пейзаж с пастухами и стадом”, помеченная 1645 годом.
Адриан ван Остаде. Деревенские музыканты. 1645. Дерево, масло. 39хЗ0,5. Инв. 904. Из собр. Кроза, Париж, 1772.
Последний период Остаде самый блестящий, самый зрелый, представлен у нас всего лишь одной и то недостаточно значительной картиной “Деревенские музыканты”, неразборчивую пометку на которой нужно, кажется, читать: 1656.
Томас Вейк. Алхимик. Дерево, масло. 41хЗ5,5. Инв. 1942. Из собр. Кроза, Париж, 1772.
Картины Остаде имели довольно значительный успех у современников, быть может, по той же причине, по которой успехом пользовался во Фландрии Тенирс — благодаря известным веселым ноткам, известному, иногда не очень уместному изяществу, с которым переданы грубые сюжеты. Успех же Остаде позволил ему создать целую школу, из которой вышло несколько хороших художников, продливших преемственным путем приемы мастера до первых годов XVIII века.
ТВОРЧЕСТВО
Остаде написал большое количество жанровых картин малого формата и большей частью юмористического содержания, повествующих о жизни горожан и крестьян.
Для первого периода творчества А. ван Остаде, к которому относятся около 40 полотен, характерны чёткие, живые образы и едкий юмор.
Картины второго периода отличаются мастерским владением полутенями, наивностью сюжетов и мягкостью юмора. Теперь он предпочитает светлые тона, пронизанные ярким светом и подчеркнутые игрой полутонов («В школе», 1641, Париж, Лувр; «Крестьянский дом», Брюссель, собрание Т. Медденса; «Странствующий музыкант», 1648, Санкт-Петербург, Гос. Эрмитаж). Палитра художника отличается холодными желтыми тонами, иногда коричневыми, или какими-то необыкновенными «золотисто-зелеными», а также богатой гаммой прозрачных синих и оранжевых с розовыми, сиреневыми и коричневыми оттенками («Драка крестьян», Мюнхен, Старая пинакотека; «Веселые пьяницы», Гаага, Маурицхёйс; «Сельский концерт», ок. 1650, Санкт-Петербург, Гос. Эрмитаж). Два «Семейных портрета» (1654, Париж, Лувр, и Гаага, музей Бредиуса), написанные в черных и коричневых тонах, лишены всякой фантазии, живости, но и вульгарности, в которую художник иногда впадает.
Картины третьего периода (в большинстве своём интерьеры с изображением людей) выделяются тщательностью исполнения и светлыми, сияющими тонами. Произведения проникнуты настроениями умиротворенности, лиризма, тонкого юмора («В деревенском кабачке», 1660, Дрезден, Картинная галерея). С сердечностью и проникновенностью обрисован живой образ голландского крестьянина в картине «Флейтист».
Остаде еще более удаляется от брауверовской выразительности в картинах «Постоялый двор» (Лондон, Бэкингемский дворец) и «Отдых путешественника» (1671, Амстердам, Гос. музей). Жизнерадостность и веселая атмосфера в знаменитой картине «Деревенский скрипач» (1673, Гаага, Маурицхёйс) будут восприняты его многочисленными учениками и подражателями, такими, как Корнелис Дусарт, который завершил несколько его картин, Корнелис Бега, М. ван Мюсхер и Рихард Бракенбург.
Тему творческого труда раскрывает картина Остаде «Живописец в своей мастерской» (1663, Дрезден, Картинная галерея) — своеобразный автопортрет художника. Мягкий свет, проникая сквозь большое окно с узорчатыми плетениями, освещает и объединяет разбросанные в беспорядке вещи, скромную обстановку мастерской и фигуру углубившегося в работу живописца за мольбертом. Вид мастерской и самозабвенно работающего в ней художника вызывает доброе чувство: просторное помещение, залитое светом из красиво зарешеченного окна, беспорядок, который можно счесть творческим… Все выполнено в теплых гармоничных тонах. Одним словом, картина создает романтическое настроение, вызывает грусть по былым временам и состоянию полной погруженности в творчество.
БИОГРАФИЯ ХУДОЖНИКА
Адриан родился в Харлеме в 1610 г. и был .крещен 10 деекабря в церкви Св. Бавона. Отец его мелкий ремесленник к тому времени сменил профессию пекаря на ткача. Из трех сыновей Остаде-старшего только средний — Ян продолжил семейное дело и унаследовал ткацкую мастерскую отца. Адрииан и Исаак стали живописцами. Несмотря на большую разниицу в возрасте — 11 лет — они бьши очень дружны между собой: их связывали общность интересов и совместное творчество. Адриан ван Остаде учился у Франса Халса и работал в его манере до 1639 г. Уже здесь он твердо определился в выборе наиболее приемлемого для себя нааправления в искусстве — жанровой живописи.
В 1634 Остаде вступил в гильдию живописцев Харлема и в 1662 стал ее старшиной. До самой смерти он почти не покидал Харлем, за исключением краткой поездки в Амстердам в 1657, где он женился.
Около 1640 его стиль меняется, что связано с влиянием светотени Рембрандта.
Примерно с 1660 Остаде постепенно приглушает светотень, а формы становятся более мощными и утонченными. В этот последний период были созданы такие картины, как «Алхимик» (1661, Лондон, Нац. гал.), «Голландский кабачок» (1663, Брюссель, Кор. музей изящных искусств), «Крестьяне на постоялом дворе» (Гаага, Маурицхёйс), которые близки произведениям Стена и Метсю.
Жизнь Остаде, не богатая внешними событиями, была наполнена непрерывным кропотливым трудом.
Большим почитателем его искусства был Петр I, положивший начало собранию произведений Остаде в Росссии.
Произведения Остаде были особенно высоко оценены в XVIII в., когда его имя ставили в один ряд с именем Рембрандта; его известность продолжалась и в XIX в.
Картины Адриана ван Остаде хранятся в картинных галереях Берлина, Дрездена, Вены (Императорская картинная галерея, галерея Лихтенштейн), в Лувре, в Мюнхене, в Амстердаме, Гааге, Санкт-Петербурге, Пензе и др. Помимо картин сохранилось много акварелей, рисунков пером и гравюр Адриана ван Остаде.
Слайд 39Если говорим о женских образах, столь любимых Жаном Огюстом Домиником Энгром и Жаком-Луи Давидом, —
вспоминаем то, что большинство прелестниц использовали пачули. Современному человеку вряд ли понравился бы этот резкий и малоприятный запах. А вот в эпоху наполеоновской империи пачули были в фаворе, а секрет их популярности скрывался… в индийских шалях. Дамы носили легкие платья в неоклассическом стиле, и, чтобы не замерзнуть, кутались в индийские кашемировые шали. А на Востоке кашемировые шали, чтобы уберечь от моли, издавна прокладывали сухими пачулями. В итоге их землисто-древесный запах стал прочно ассоциироваться с красивыми экзотичными шалями, и парфюмерам пришлось срочно выпускать духи с ароматом пачулей. К середине XIX века мода на Восток прошла и аромат пачулей потихоньку развеялся.
Iraida Mokshanova
Обоняние
Картина «Пациент, упавший в обморок» («Аллегория обоняния» или просто «Обоняние») считалась утраченной. В 2015 году её выставили на торги в Нью-Джерси как «незначительную картину XIX века» с оценочной стоимостью в 500—800 долларов. Однако в ходе торгов стоимость картины выросла до 870 тыс. долларов, а с учётом аукционных сборов французская арт-галерея «Талабардон & Готье», победившая в торгах, заплатила 1 млн долларов. Впоследствии её перекупил для своей частной коллекции Томас Каплан за предположительную сумму в 4 млн долларов.
На картине изображён мужчина, упавший в обморок. Обеспокоенная женщина пытается привести его в чувство, в то время как хирург-цирюльник поддерживает руку пациента, с тревогой наблюдая за происходящим. Скорее всего, так Рембрандт изобразил последствия кровопускания, которое, как считалось, способствовало излечению от многих болезней.
При реставрации в верхнем правом углу картины была обнаружена монограмма RHF («Rembrandt Harmenszoon fecit», что означает «Рембрандт, сын Хармена, сделал это»). Таким образом «Обоняние» оказалась самой ранней из известных на сегодняшний день подписанных работ Рембрандта. В настоящее время картина находится в Лейденской коллекции.
Серия «Чувства»
Картины написаны маслом на дубовых панелях. Имеют схожее композиционное решение и примерно одинаковый размер — 21,5 на 17,5 см. В XVIII веке «Слух», «Осязание» и «Обоняние» были надставлены. Во время реставрации в 1987—1988 годов надставки были удалены, сохранилась они только у «Обоняния», поэтому её размер несколько больше — 37 х 25 см.
На каждой картине на переднем плане изображены три плотно придвинутые друг к другу фигуры, расположенные на затененном фоне.
С момента обнаружения работ серии, авторство Рембрандта вызывало сомнение, однако в конце 1980-х годов подлинность картин была установлена. А при проведении реставрации на картине «Обоняние» была обнаружена монограмма Рембрандта.
Выставки
Четыре картины серии выставлялись вместе на временной выставке в Музее Эшмола в Оксфорде (место пятой занимала пустая рамка) с 16 сентября по 27 ноября 2016 года. В настоящее время «Зрение» находится в музее Де Лакенхал (Голландия), а «Осязание», «Слух» и «Обоняние» экспонируются в составе Лейденской коллекции Томаса Каплана:
- Лувр (22 февраля — 22 мая 2017)
- Национальный музей Китая в Пекине (17 июня — 3 сентября 2017)
- Лонг-музей в Шанхае (23 сентября 2017 — 25 февраля 2018)
- Государственный музей изобразительных искусств имени А.С. Пушкина (28 марта — 22 июля 2018)
- Эрмитаж (5 сентября 2018 — 13 января 2019)
- Лувр в Абу-Даби (выставка запланирована на начало 2019 года)
Слайд 13Цветы и ароматы — наиболее популярная ассоциативная связь в искусстве. И если художнику давали заказ
на тему «обоняния», то он щедро усыпал полотно дарами Флоры.Показательна в этом смысле работа, выполненная в технике «флорентийская мозаика» из цветных камней «Обоняние и осязание» — одна из четырех, изготовленных в 1787 году по заказу Екатерины II (государственный музей-заповедник «Царское Село»). На фоне античных руин представлена галантная сцена, каждая деталь которой аллегорически показывает чувства обоняния и осязания. Сидящая на камнях у парапета молодая женщина вдыхает аромат цветка, подносимого ей юношей. Левой рукой она поддерживает корзину с цветами, стоящую рядом с ней на камне. На переднем плане (проза жизни и намек!) обнюхиваются две большие породистые собаки. Еще одна пара влюбленных демонстрирует, скажем так, удовольствие осязания.
Iraida Mokshanova
