Прием
Сейчас почитаемая как одна из величайших британских картин, Hay Cart не нашла покупателя, когда она была выставлена в Королевской академии в 1821 году под названием « Пейзаж: полдень» . Прием был намного лучше во время его выставки с другими работами Констебля в Парижском салоне 1824 года, где она произвела фурор. Его приветствовал Теодор Жерико, и в то время было высказано предположение, что это присутствие картин Констебля было данью последнему, который умер в начале того же года. Карл X наградил его золотой медалью салона; в раму интегрирован молдинг. Работы Констебля в этом салоне вдохновили новое поколение французских художников, в том числе Эжена Делакруа . Он написал в своем дневнике об окраске Констебля: «То, что он говорит здесь о зелени своих лугов, можно применить к любому из его тонов». После просмотра констеблей в Арроусмит галерею, которую он сказал , что воспользовался его много, он решил изменить тон его сцены из Scio резни в 1824 году .
Проданный на выставке вместе с тремя другими констеблями купцу Джону Эроусмиту, он был возвращен в Англию купцом Д. Т. Уайтом, который продал его некоему мистеру Яну, который проживал в Райде , на острове Уайт
Именно там он привлек внимание коллекционера Генри Вона и Ч.Р. Лесли Р.А
После смерти своего друга, мистера Янга, Воан купил картину в поместье и в 1886 году подарил ее Национальной галерее в Лондоне , где она стоит и по сей день. Оригинальная картина в натуральную величину с использованием малярного ножа была завещана Воганом по завещанию Музея Виктории и Альберта .
В 28 июня 2013 г. , человек, представленный как близкий к британской ассоциации защиты разлученных отцов, « Отцы 4 справедливость» испортил полотно, приклеив фотографию своего сына. Работу можно было быстро восстановить и снова поставить на место.
Источник
Свобода, ведущая народ
Французское название: La Liberté guidant le peuple
Художник: Эжен Делакруа
Год: 1830
Свобода, ведущая народ (1830) — Эжен Делакруа
Свобода существовала как богиня во многих культурах и во время Французской революции во Франции появилось множество аллегорических олицетворений свободы. С тех пор фигура Свободы рассматривается как символ Франции и Французской Республики. Эта картина напоминает о Июльской революции 1830 года, в которой был свергнут король Карл X Франции. Она показывает Свободу как богиню и крепкую женщину из народа. В одной руке она держит флаг Франции, а в другой — огнестрельное оружие. «Свобода, ведущая народ» — очень влиятельное художественное произведение. Среди прочего, картина послужила источником вдохновения для Статуи Свободы и скульптуры Виктора Гюго, известного романа «Отверженные». С момента своего создания картина также служила республиканским и антимонархическим символом. Шедевр ведущего французского художника-романтика «Свобода, ведущая народ» возглавляет список самых известных картин движения романтизма.
История
Флэтфордская мельница принадлежала отцу Констебля. Дом на левой стороне картины принадлежал соседу Вилли Лотту, фермеру-арендатору , который, как говорят, родился в этом доме и никогда не покидал его более четырех дней в своей жизни. Коттедж Вилли Лотта сохранился до наших дней практически в неизменном виде, но ни одно из деревьев на картине не существует сегодня.
Хотя сегодня «Телега для сена» почитается как одна из величайших британских картин, когда она первоначально была выставлена в Королевской академии в 1821 году (под названием « Пейзаж: полдень» ), она не нашла покупателя.
Он был значительно лучше принят во Франции, где его хвалил Теодор Жерико . Картина произвела фурор, когда она была выставлена вместе с другими работами Констебля в Парижском салоне 1824 года (высказывались предположения, что включение картин Констебля в выставку было данью уважения Жерико, который умер в начале того же года). На этой выставке «Телега для сена» была удостоена золотой медали, присужденной Карлом X из Франции , слепок которой встроен в раму картины. Работы Констебля на выставке вдохновили новое поколение французских художников, в том числе Эжена Делакруа .
Проданный на выставке вместе с тремя другими констеблями дилеру Джону Эроусмиту, тележка для сена была возвращена в Англию другим дилером, Д. Т. Уайтом; он продал его мистеру Яну, который проживал в Райде на острове Уайт
Именно там картина привлекла внимание коллекционера Генри Вона и художника Чарльза Роберта Лесли. После смерти своего друга г-на Янга Воан купил картину в поместье бывшего; в 1886 году он подарил его Национальной галерее в Лондоне, где он хранится до сих пор
В своем завещании Воан завещал полномасштабный набросок маслом для тележки для сена , сделанный мастихином , Музею Южного Кенсингтона (ныне Музей Виктории и Альберта ).
Телега для сена был признан вторым самым популярным живопись в любой британской галерее, второй только Turner «s Борьба Temeraire , в опросе 2005 , организованной BBC Radio 4 » сек Сегодня программы. 28 июня 2013 года протестующий, который, как сообщается, был связан с организацией « Отцы 4 правосудия» , приклеил к картине фотографию мальчика, которая выставлялась в Национальной галерее. Работа не была повреждена навсегда.
Было высказано предположение, что повозка остановилась у брода, чтобы позволить речной воде охладить ноги лошадей и пропитать колеса. В жаркую и сухую погоду деревянные колеса сжимались с металлическими ободами. Смачивание колес уменьшило усадку и сохранило внешнюю металлическую ленту на месте.
Описание картины Джона Констебла «Собор в Солсбери»
Джон Констебл один из самых талантливых английских художников-пейзажистов, который несравненно передавал красоту английских ландшафтов, свежего воздуха и безграничной энергии природы. Констебл не писал свои картины по академическим правилам, он старался создать пейзаж максимально приближенный к реальности.
Специфическую манеру написания английского художника, можно увидеть в его замечательной картине «Собор в Солсбери» написанную в 1825 году. Невинность природы, величественность собора и реалистичность изображения, в комплексе создают неповторимый пейзаж. Сам собор изображен в просвете между деревьями, здание на фоне неба еще больше притягивает восторженные взгляды.
Джон Констебл в 20-30 гг. XIX часто бывал в соборе Солсбери и давно планировал его написать, делая эскизы и подбирая подходящий ракурс. Но однажды в 1822 году ему поступил заказ от эпископа Фишера изобразить собор на полотне, за что художник охотно взялся. Но задача оказалась не из легких, так как первой картина эпископ был не очень удовлетворен, причиной этому было темное небо над собором, тогда Констебл написал новую картину, что удовлетворила вкус эпископа.
В картине есть довольно интересная особенность, в левом нижнем углу изображено двое людей, это эпископ Фишер и его супруга наблюдают за красотой собора Солсбери. Глядя на картину, зрителю сразу же хочется очутится на этой английской лужайке и почувствовать пьянящие запахи и сказочные звуки природы.
Еще одной важной линией картины, является сопоставление творений природы и творений человека, сравнивается собор и деревья, художник всегда считал, что высохшее старое дерево прекрасней любого нового строения. Констебла всегда оставался «художественным патриотом», потому что, он всегда изображал в своих работах «свою старую Англию»
Констебла всегда оставался «художественным патриотом», потому что, он всегда изображал в своих работах «свою старую Англию».
Третье мая 1808 г.
Испанское название: El tres de mayo de 1808 en Madrid
Художник: Франсиско Гойя
Год: 1814
Третье мая 1808 (1814) — Франсиско Гойя
2 мая 1808 года жители Мадрида восстали против оккупации города французской армией Наполеона. Гойя запечатлел это восстание в своей картине «Второе мая 1808 года». «Третье мая 1808 года» самая известная картина художника, изображает возмездие французов на следующий день, во время которого были схвачены и расстреляны сотни испанцев. Картина не имеет явных прецедентов, поскольку расходится с традиционными изображениями войны. Таким образом считается одной из первых картин современной эпохи. Известный британский историк искусства Кеннет Кларк описал шедевр Гойи как «Первая великая картина, которую можно назвать революционной во всех смыслах этого слова, по стилю, по сюжету и по замыслу». Третье мая послужило вдохновением для создания нескольких известных картин будущих художников, в первую очередь шедевра Пабло Пикассо «Герника».
Описание
На картине изображена повозка с сеном в сельской местности Англии, пересекающая ручей в непосредственной близости от Флэтфорд-Милл, принадлежащей отцу художника в Саффолке . На переднем плане две фигуры, ведущие старую, пустую и полуразрушенную телегу с сеном, запряженную двумя лошадьми, переходят реку. Кажется, что он застрял в зоне со стоячей водой. Мы замечаем рендеринг климата и атмосферы. Внушительное небо с облаками, в частности, очевидно, хотя человеческая фигура не лишена характера, даже если помещает ее на задний план. Присутствие собаки показывает, что Констебль интересуется деталями. На заднем плане — огромные поля сена. Теплый свет окутывает всю композицию.
Поскольку Stour образует границу между двумя графствами , на картине изображен коттедж Лотта Вилли в Саффолке на левом берегу и пейзаж Эссекса на правом берегу. Дом слева принадлежал соседу, фермеру по имени Вилли Лотт, который, как известно, родился в этом доме и никогда не покидал его более четырех дней в своей жизни. Коттедж Лотта Вилли сохранился практически нетронутым до наших дней, но ни одно из деревьев, видимых на картине, не сохранилось до наших дней. Уровень воды также выше, так как этот регион Восточной Англии со времен Констебля погрузился в море на 30 см.
Среди последовательных покаяний — собака, сменявшая последовательно всадника, а затем бочку.
Уильям Хогарт (1697-1764 гг.)
Уильям Хогарт. Автопортрет. 1745 г. Британская галерея Тейт, Лондон
Хогарт жил в непростое время. В начале 18 века в Англии только-только зародилось буржуазное общество, которое пришло на смену феодальному.
Моральные ценности были ещё зыбкими. На полном серьезе достоинствами считались корыстолюбие и обогащение любыми путями. Прямо как в 90-ые года 20 века в России.
Хогарт решил не молчать. А попытался открыть глаза своим соотечественникам на упадок моральных ценностей. С помощью картин и гравюр.
Начал он с серии картин «Карьера проститутки». К сожалению, живописные полотна не сохранились. Остались только гравюры.
Уильям Хогарт. Карьера проститутки: в ловушке у сводницы. Гравюра. 1732 г.
Это реальная история о деревенской девушке Мэри, которая приехала в город искать счастья. Но попала в лапы старой сводни. Эту сцену мы и видим на первой гравюре. Став содержанкой, она провела свою недолгую жизнь среди изгоев общества.
Хогарт намеренно переводил свои картины в гравюры, чтобы широко их распространять. Так он стремился достучаться до как можно большего количества людей.
Причем предостеречь он хотел не только бедных девушек, таких как Мэри. Но и аристократов. Судя по его серии работ «Модный брак».
Описанная в ней история была очень типична для того времени. Обедневший аристократ женится на дочери богатого торговца. Но это лишь сделка, не подразумевающая союза сердец.
Самая известная картина из этой серии «Тет-а-Тет» демонстрирует всю пустоту их отношений.
Уильям Хогарт. Модный брак. Тет-а-Тет. 1743 г. Национальная лондонская галерея
Жена всю ночь веселилась с гостями. А муж лишь под утро ввалился домой, опустошенный от разгула (судя по его пятну на шее, он уже болен сифилисом). Графиня небрежно подтягивается и вот-вот зевнёт. На ее лице читается полное равнодушие к мужу.
И не удивительно. Она завела интрижку на стороне. История закончится печально. Муж застанет жену в постели с любовником. И будет заколот шпагой в дуэли. Любовник будет отправлен на висилицу. А графиня покончит с собой.
Хогарт не был просто карикатуристом. Слишком высоко его мастерство. Сложные и гармоничные сочетания цветов. А ещё невероятная выразительность. Вы легко «читаете» его картины, понимая, каковы отношения между людьми.
Уильям Хогарт. Модный брак. Дуэль и смерть графа. 1743 г. Национальная лондонская галерея
Заслуги Хогарта сложно переоценить. Ведь он изобрёл критический реализм. Никто до него никогда не изображал в живописи столько конфликтов и социальных драм.
Хогарт вдохновил Франсиско Гойю к созданию его знаменитых Капричос. Его хорошо знали наши русские художники-передвижники. Под его влиянием создавая свои полные социальной критики картины.
Поцелуй
Итальянское название: Il bacio
Художник: Франческо Хайез
Год: 1859
Поцелуй (1859) — Франческо Хайес
Франческо Хайес был ведущим художником движения романтизма середины XIX века в Милане. Его самая известная работа изображает средневековую пару, обнимающуюся и целующуюся. Она представляет собой основные черты итальянского романтизма и стала культовым произведением движения. В картине делается упор на эмоции, а не на рациональное мышление в соответствии с принципами романтизма. Она стала олицетворением духа Рисорджименто или объединения Италии, которое длилось с 1815 по 1871 год. Картина также известна своими деталями и яркими цветами и пользуется огромной популярностью, особенно в Италии, после выставки в 1859 году. Она также стала предметом многочисленных комментариев и анализов. Это одно из самых страстных и ярких изображений поцелуя в истории западного искусства .
Боевой темерар
Художник: Дж. М. У. Тернер
Год: 1839
«Боевой Темерар» отошел к последнему причалу, чтобы быть разбитым на куски (1839 г.) — Дж. М. У. Тернер
«Боевой Темерар» был 98-пушечным второсортным военным кораблем из Королевского военно-морского флота, который славится своим героическим выступлением в 1805 г в Трафальгарской битве между Великобританией и объединенными флотами французских и испанских военно-морских сил. Дж. М. У. Тернер изображает военный корабль, спустя годы после его славных дней. Корабль тянет буксир, чтобы разбить на куски. Картина отдает дань уважения парусным кораблям, которые должны были быть заменены пароходами. Тернер использует символику, например, заходящее солнце, чтобы обозначить кончину объекта и его смертность, несмотря на его героическое прошлое. Написанная Тернером на пике карьеры, «Боевой Темерар» — его самая известная картина, которую он называл своей «любимой». В 2005 году она была признана самой любимой картиной Великобритании в опросе, организованном BBC.
Боевой Темер
Полное название: «Боевой Темерар» добрался до последней стоянки
Художник: Дж. М. У. Тернер
Год: 1839
«Боевой Темерар» отошел к последнему причалу (1839 г.) — Дж. М. У. Тернер
Боевой Темерар был 98-пушечным второсортным военным кораблем из Королевского военно-морского флота, который славится своим героическим выступлением в Трафальгарской битве между Великобританией и объединенными флотами французских и испанских военно-морских сил, 1805 г. Дж. М. У. Тернер изображает военный корабль, спустя годы после его славных дней, который буксир тянет, чтобы разбить на куски. Картина отдает дань уважения парусным кораблям, которые должны были быть заменены пароходами. Тернер использует символику, например, заходящее солнце, чтобы обозначить кончину объекта и его смертность, несмотря на героическое прошлое. Написанная Тернером на пике карьеры, «Боевой Темер» — его самая известная картина, которую он называл своей «любимой». В 2005 году она была признана самой любимой картиной Великобритании в опросе, организованном BBC.
Название работы и интерпретация изображений
Название работы
Описание « Странник над морем тумана » было создано только в 1950 году после того, как картина была обнаружена. Более поздний выбор названия, возможно, был вызван названием потерянной масляной картины «Орел над морем тумана» , которую Готтильф Генрих фон Шуберт видел в мастерской Фридриха в 1806 году и описывает в своих мемуарах в 1855 году: « …; для него картина истории отечества того времени. «
интерпретация
Странник над морем тумана кредитует себя интерпретации , которые используют очевидный смысл. Жизнь аллегория , которая использует изображение пика , достигнутого в качестве цели жизни столь же очевидно , как трансцендентный взгляд в будущее. Картина рассматривается как живописная метафора жизни и предчувствия смерти, ограничения и необъятности, высоты и бездны, этого мира и потустороннего мира, веры и заблуждения, Бога и мира. Тот факт, что фигура носит сюртук, крой которого можно интерпретировать как старый немецкий костюм , оставляет место для политической интерпретации превращения туриста в немецкого патриота. Йенс Кристиан Йенсен относится к реальному уровню интерпретации, Фридрих мог повторить свой опыт национального туриста в Крконошах, горах Гарца или в Саксонской Швейцарии.
Горы
Пейзажный пропуск для Каспара Давида Фридриха (фотокопия), выдан 6 мая 1799 г.
Определение пейзажа важно для интерпретации картины, потому что Фридрих в своей живописи опирается в основном на мотивы из Саксонской Швейцарии. На снимке объединены валун у подножия Кайзеркроны , Гамриг возле Ратена (на среднем расстоянии слева), части вида из Вольфсберга возле Криппена , Циркельштайн , который не очень лесист в качестве сигнальной станции (справа), и богемский Кегельберг ( Розенберг или Кальтенберг , слева)
Фридрих путешествовал по Саксонской Швейцарии в июле, августе и сентябре 1800 года. Есть рисунки с этого пейзажа 1808 и 1812 годов. С марта по май 1813 года художник жил в колыбелях со своим другом Фридрихом Готхельфом Куммером, чтобы избежать французских оккупантов в Дрездене . Некоторое время он пробыл там в 1814 году, опасаясь заразных болезней. Требуемый пейзажный пропуск, который понадобился Фридриху для рисования в Саксонской Швейцарии, хранится в Саксонском государственном архиве в Дрездене.
Неизвестный странник
Фридрих Эрнст фон ден Бринкен, Kursächs. Чемберлен († 1797), около 1785 г.
Личность путешественника на вершине горы представляет большой интерес для истории получения снимка. Предположение, что Фридрих хотел выразить свой собственный высший опыт, предполагает, что художник изобразил самого себя.
По словам Людвига Гроте , ростом мог быть Гете, или, по крайней мере, он считает, что Фридрих написал « Пейзаж и час » с « духом и сердцем » поэта. Но он также узнает в юбке форму охотника-добровольца и считает, что путешественник погиб в Освободительной войне (1813–1815 гг.).
Согласно записке историка искусства Карла Вильгельма Йенига (1888–1960), владелец галереи Вильгельм Август Луз (см. ) получил информацию от — неизвестного — предыдущего владельца, что натурщиком был герр фон Бринкен , высокосаксонский лесной чиновник. Поскольку такого человека нельзя доказать, подозреваются саксонский камергер Фридрих Эрнст фон ден Бринкен († 1797 г.) или полковник пехоты Фридрих Готтхард фон ден Бринкен († 1802 г.). Для Гельмута Бёрш-Супана человек, стоящий над облаками в позе памятника, может быть только умершим, которому картина посвящена как памятное изображение. Бёрш-Супан выводит из композиции — своеобразного приспособления горного пейзажа к фигуре человека — возможность попытки выразить образ человека в образе Бога.
Ганс Йоахим Нейдхардт считает поиск праздным и неприличным, желать узнать имя странника. То, что Фридрих поднял в общих чертах, не следует возвращать в частную сферу.
— Ганс Иоахим Нейдхардт
критика
Образ спины — по Jens Christian Jensen — «следует рассматривать как художественно безуспешными. Реалистично задуманная большая фигура имеет странное непонимание неизмеримой природы. Из-за чрезмерного акцента на контрасте между светлым и темным он кажется неуместным и немного безвкусным. Фридрих не достиг здесь своей цели «согласованности целого».
Ваза с четырнадцатью подсолнухами
Художник: Винсент Ван Гог
Год: 1888
Ваза с четырнадцатью подсолнухами (1888) — Винсент Ван Гог
Винсент Ван Гог был художником пост-импрессионистом, который застрелился вследствие психической нестабильности. Его картины приобрели широкую популярность в начале 20-го века, через десять лет после его смерти. В конечном итоге ему приписали то, что он был ключевой фигурой в развитии современного искусства и одним из величайших художников в истории. Картины Ван Гога на тему «подсолнухи» входят в число самых известных, когда-либо созданных натюрмортов. Они показывают подсолнухи на всех этапах жизни, от полного цветения до увядания; а также хорошо известны тем, что изображают естественную красоту цветов и их яркие цвета. Вышеупомянутая картина является одной из пяти версий Ван Гога из серии «Подсолнухи», которые сейчас распространены по всему миру (остальные в настоящее время находятся в Амстердаме, Токио, Мюнхене и Филадельфии). Ваза с четырнадцатью подсолнухами с 1924 года находится в бессрочном пользовании Национальной галереи.
Творчество Констебля
Самая первая картина, которую художник смог продать, называлась «Белая лошадь”. Эта картина была первой из серии работ, которые он сам называл «шестифутовиками” из-за размера. У себя на родине Констебль за все время продал только 12 картин. Свою известность он приобрел благодаря французам, которые, в отличие от соотечественников, смогли оценить талант художника. Картина «Телега для сена” и еще три полотна будут выставлены в 1824 году в Парижском салоне.
Почти единодушно картина «Телега для сена” получит золотую медаль. За несколько лет во Франции будут проданы почти два десятка его картин. Финансовый доход был важен для Констебля, но еще больше он жаждал признания на родине, поэтому всегда отказывался от заграничных турне. В 1828 году после рождения седьмого ребенка умирает его любимая жена, траур по которой художник будет носить до конца жизни.
Он умер 31 марта 1835 года. При жизни Констебль так и не добился финансового успеха, хотя в наше время его картины продают за баснословные суммы. Почти всегда, слава, а с нею и большие деньги, приходят спустя десятилетия после смерти художника. Констебль в этом смысле не исключение. На его творчестве наживаются посредники. Буквально недавно была продана картина Констебля «Плотина” более чем за 35 миллионов долларов!
Прерафаэлиты
Говоря об английских художниках, сложно обойти стороной прерафаэлитов. Тем более, что в 21 веке они стали очень популярны.
Откуда же взялась такая любовь к этим художникам?
Начинали прерафаэлиты с высоких целей. Они хотели найти выход из тупика академической, слишком застылой живописи. Им надоело писать малоизвестные широкой публике мифы и исторические сюжеты. Хотели показывать настоящую, живую красотку.
И прерафаэлиты начали писать женские образы. Получались они у них очень красивыми и притягательными.
Слева: Данте Габриэль Россетти. Блаженная Беатриса. 1864-1870 гг. Галерея Тейт, Лондон. Справа: Джон Уильям Уотерхаус. Борей. 1903 г. Частная коллекция
Чего только стоят их рыжеволосые красавицы. Как правило, бывшие их любовницами и в реальной жизни.
Прерафаэлиты стали активно воспевать женскую красоту. В результате кроме этого в них больше ничего и не осталось.
Это стало похоже на постановочные, роскошные снимки для глянцевых журналов. Именно такие образы легко представить для рекламы женских духов.
Поэтому прерафаэлиты так пришлись по душе людям 21 века. В век гламурной, очень яркой рекламы.
Джон Эверетт Милле. Офелия. 1851 г. Тейт Британия, Лондон
Несмотря на очевидную пустоту многих работ, именно эти художники стояли у истоков развития дизайна, отколовшегося от искусства. Ведь прерафаэлиты (например, Уильям Моррис) активно работали над эскизами тканей, обоев и других украшений интерьера.
Телега для сена
Художник: Джон Констебль
Год: 1821
Телега для сена (1821) — Джон Констебль
Самым влиятельным английским художником-романтистом, предпочитающим пейзаж, был Джон Констебль. Телега для сена изображает сельскую сцену на реке Стор между английскими графствами Саффолк и Эссекс. Это район, где родился Констебль, изображенный в его самых знаменитых шедеврах и ставший известен как Страна Констеблей. В центре картины — деревянная повозка, или большая телега, которую тянут через реку три лошади. Действие происходит недалеко от Флэтфордской мельницы, принадлежавшей отцу Констебля. Левый берег находится в Саффолке, а пейзаж на правом берегу — в Эссексе. Телега для сена почитается как одна из величайших пейзажных романтических картин, а также одна из лучших когда-либо созданных английским художником. В опросе 2005 года, организованном BBC, эта картина была признана второй по популярности картиной в британской галерее после «Боевого Темера».