Уильямс Бенджамин Лидер (1831-1923)
Уильям Лидер родился в Ворчестере родился в семье инженера-строителя. Сначала учился в местной Школе прикладного искусства, а позже, как и многие художники, поступил в Школу искусств при Королевской Академии. Начинал как жанровый живописец, но позже отказался от сюжетных картин и обратился к пейзажу, став одним из самых популярных пейзажистов своего времени.
Картина Уильямса Бенджамина Лидера: 1 — «Вид на гору Веттерхорн»(1889-1898), 2 — «Лес в Суррее»(1901)
Ранние пейзажи Лидера наглядно демонстрируют увлечение художника живописью прерафаэлитов. В его работах много воздуха и света, они натуралистичны и полны мелких деталей. В более поздних работах художник отошел от стиля своих ранних работ, его живописная манера стала более свободной и импрессионистской.
Идеи прерафаэлитов вскоре распространились по всей Англии. То, что начиналось как дерзкий поворот против рутины и косности академических устоев, привело к обновлению всей живописной системы в английском искусстве и породило новое направление, получившее название прерафаэлизм.
Artist Abstract: Who Was John William Waterhouse?
John William Waterhouse was born in Rome in 1849, and died on February 10, 1917, in London. His date of birth has been debated, some scholars say it was in February and others state it was in April, which was reportedly the month of his baptism. He moved to England with his parents when he was young, both of whom were artists. He studied at the Royal Academy of Art in London.
The late John William Waterhouse in his studio, c. 1912; Elliott & Fry, Public domain, via Wikimedia Commons
His subject matter comprised mostly of women as the central characters, and he was also inspired by literary characters from authors like Alfred Tennyson. Waterhouse was also a teacher at the St John’s Wood Art School in England.
30 красивых картин с розами
Добавление статьи в новую подборку
Человек начал выращивать розы почти 5000 лет назад, и до сих пор этот цветок служит источником вдохновения для многих людей. О розах слагают песни и стихи, их изображают на полотнах живописцы, а юные романтики рисуют бутоны на полях тетрадей.
Найти цветок, более популярный, чем роза, – задание не из простых. Сегодня насчитывается около 150 видов и 30 000 сортов роз. Любимое многими растение по праву носит титул «королевы цветов»: едва ли не каждый дачник выращивает розы на своем участке или планирует этим заняться.
Роза – довольно сложный символ с множеством значений и трактовок, зависящих от цвета и стадии жизненного цикла цветка. Так, в европейской культуре красная роза означает страсть и чувственность, белая роза – очарование и чистоту, а сочетание этих цветов символизирует единство противоположностей.
В восточной мифологии аналогом розы выступает лотос – символ духовной жизни и бессмертия.
Нераспустившийся бутон розы – эмблема невинности, а увядающий цветок «напоминает» о скоротечности жизни. В целом, если обобщить сведения из истории и культуры, можно сказать, что роза символизирует совершенство и любовь. Давайте посмотрим на сюжеты полотен, важная роль в которых отведена розам.
Formal Analysis: A Brief Compositional Overview
Below, we will take a closer look at The Soul of the Rose by John William Waterhouse, the subject matter as well as the artist’s stylistic approaches to elements like color, and lighting, among others. Let us start with the subject matter.
Subject Matter
The central figure in The Soul of the Rose painting is a woman, she is seen from a side angle, sniffing a pink rose growing against a wall. Her right hand holds the rose to her nose, while her left hand gently rests against the wall.
The woman is elegantly dressed in a bluish and loose robe or dress. The material appears silky and soft with gold patterning on it, and it effortlessly flows down her figure. She has reddish-brown hair fastened in a plaited bun behind the lower part of her head and neck, showing us that she has long hair if it was loose; there are beads or pearls in-between her plaited bun.
A close-up of The Soul of the Rose (1908) by John William Waterhouse; John William Waterhouse, Public domain, via Wikimedia Commons
She is an embodiment of femininity, beauty, and sensuality, completely immersed in her experience of sniffing the rose, seemingly oblivious of the world around her. Her eyes appear closed and her head is slightly tilted upwards as he holds the rose to her nose. If we look closely, her red lips almost blend in with the rose held against them. We wonder, is the woman just an extension of the rose itself?
If we look at the surroundings, it is evident the woman stands in a courtyard of sorts. Behind her, in the lower right part of the composition, is a plant pot and what appears to be a sliver of a window just above it, the rest of the building is out of our view. She is possibly in an enclosed garden.
Details of The Soul of the Rose (1908) by John William Waterhouse; John William Waterhouse, Public domain, via Wikimedia Commons
The wall she leans on is closer to the foreground, and it seems to be containing her, separating her from the other side. Against this wall, we also see the rose bush with several pink rosebuds scattered around it. In the background, there is an Italian-styled building or villa, its upper section and the red-tiled roof is visible beyond the high wall.
Color and Light
The color scheme in The Soul of the Rose by John William Waterhouse painting comprises soft and neutral tones. There are cool and warm colors creating a harmonious combination. For example, the neutral earthy tones of the surrounding buildings and walls complement the softer, cooler tones from the woman’s dress/robe and pale skin tone.
The use of color in The Soul of the Rose (1908) by John William Waterhouse; John William Waterhouse, Public domain, via Wikimedia Commons
This is also coupled with the warmer colors from the gold patterns and pink roses. There are also hints of pink on her robe or dress, blending delicately with her skin tone. A deep red is echoed in the rooftop tiles as well as the woman’s red hair. There is a natural light source in the composition, illuminating the figure and her surroundings in a softened manner. This emphasizes realism.
The use of color in The Soul of the Rose (1908) by John William Waterhouse; John William Waterhouse, Public domain, via Wikimedia Commons
Texture
Waterhouse utilized thicker brushstrokes with a freedom of expression, we can see the visible brushstrokes in the background building and tree. Furthermore, there are more detailed areas, which are applied with finer brushstrokes. These are notable in the woman’s facial features, her hands, the roses, and the detailing on her clothing.
The use of texture in The Soul of the Rose (1908) by John William Waterhouse; John William Waterhouse, Public domain, via Wikimedia Commons
Perspective
This leads us to the perspective of the painting; the background has been given “secondary” importance and the foreground is where our attention is drawn to. We are facing the central figure almost at eye level, as if we can step into the composition at any moment.
The use of perspective in The Soul of the Rose (1908) by John William Waterhouse; John William Waterhouse, Public domain, via Wikimedia Commons
Натюрморт в подарок
Коллекционирование картин роз, написанных маслом – увлечение, которое открываешь для себя однажды, и после не оставляешь никогда. Магия таинственного цветка живет в полотнах мастеров, розы в картинах художников, представленных в нашем каталоге, словно оживают, заряжая пространство своей чудесной энергией. Вы не ошибетесь, если преподнесете дорогой вашему сердцу женщине натюрморт с белыми и алыми розами в качестве подарка ко дню рождения, юбилея, семейного торжества или просто, без всякого повода. Можете быть совершенно уверены: такой королевский подарок будет оценен по достоинству.
Повод порадоваться удивительной красоте этого цветка, запечатленной на талантливо исполненном натюрморте с розами, есть всегда. Достаточно лишь захотеть подарить себе и близким радость. И помогут вам в этом мастера профессиональной студии живописи ArtWorld.
Надежная упаковка и доставка
заказ через «Корзину» на сайте,
по электронной почте: we@artworld.ru
или телефону: +7 (495) 181-5107
Надежная укпаковка в пленку и картон несколькими слоями.
Доставка осуществляется Почтой России, EMS RussianPost, СДЭК
и хорошее настроение!
Frequently Asked Questions
Who Painted The Soul of the Rose?
The Soul of the Rose (1908) was painted by the English artist John William Waterhouse, who was born in 1849 and died in 1917. He became well-known for painting scenes about Medieval or Arthurian legends, as well as Greek mythology with women as the central figures.
What Is The Soul of the Rose by John William Waterhouse About?
The Soul of the Rose painting was inspired by Alfred, Lord Tennyson’s poem Maud and Other Poems (1855), specifically the poem called Maud (1854) or Come into the Garden, Maud. Other influences may have been from the Medieval poem by Guillaume de Lorris titled Le Roman de la Rose (c.1230).
What Was John William Waterhouse’s Art Style?
John William Waterhouse painted in the Academic Art and pre-Raphaelite Brotherhood art movements. Many of his paintings depict the themes explored by the pre-Raphaelite Brotherhood, but he reportedly also incorporated modern ideas in his compositions and not only themes based on mythology or legends.
Чёрный Ирис III (1926)
Джорджия О’Кифф была ведущей фигурой в американском модернизме, которая бросила вызов границам художественного стиля своими картинами, которые сочетали абстракцию и представление. Она наиболее известна своими драматически большими, чувственными цветами, изображёнными крупным планом, которые по существу превратили их в абстрактные работы. Цветочные картины Джорджии, на которых цветы изображены так, как будто их видят через увеличительное стекло, позволили зрителям оценить красоту цветка со всеми его деталями, как никогда раньше. Некоторые из этих картин были спорными, поскольку они считались завуалированным изображением женской плоти. Среди них её иконические изображения ирисов. Однако О’Кифф опровергла эти утверждения, заявив о том, что она просто рисовала то, что видела. «Чёрный Ирис III» – самая спорная, а также самая известная картина Джорджии О’Кифф, которая и по сей день вызывает множество споров и пересудов.
Особенности живописи прерафаэлитов:
Что же они делали для этого?
Прерафаэлиты писали маслом по сырому белому грунту или по слою белил.
Помимо яркости красок, выбранная техника позволила сделать работы художников еще и более долговечными. Таким образом, работы прерафаэлитов сохранились в первозданном виде до наших дней.
Джон Эверетт Милле «Офелия» (1852)Тейт Британия, Лондон
Художники-прерафаэлиты достоверно изображали природу. Они начали писать на пленэре, отказавшись от работы в мастерской. Прерафаэлиты придавали большое значение тонкой проработке деталей.
Еще задолго до импрессионистов они стали изучать особенности цвета и света. Многие холсты они писали прямо на открытом воздухе, стремясь передать все нюансы окружающего мира.
Художники-прерафаэлиты нередко черпали сюжеты из Библии и древнегреческой мифологии. Они увлекались темами Средневековья, идеализируя романтику того времени. Популярными были истории о короле Артуре, а излюбленными героями — Галахад и Элейн, Ланселот и Гвиневра, Мерлин и Дева Озера.
В качестве моделей они приглашали не профессиональных натурщиков/натурщиц, а своих родственников и знакомых, порой обычных людей с улицы.
Данте Габриель Россети «Портрет Марии Стиллман» (1878)
Данте Габриеля Россети «Мадонна Пьетра» (1877)Рисунки Данте Габриеля Россети: «Портрет Марии Стиллман» (1878) и «Мадонна Пьетра» (1877)
Работы прерафаэлитов наполнены духовной символикой, отсылающей нас к идеалам рыцарства, христианским добродетелям и подвигам.
Многочисленные предметы на их полотнах не только скрупулезно написаны, но и полны смысла. Листва, цветы, деревья, стихии и силы природы — все имело значение.
Вот наиболее частые символы, к которым прибегали прерафаэлиты:
- Лилия означала целомудрие, а розы и жимолость — земную любовь
- Яблоко — грехопадение
- Птица — душа или любовь
- Ворон — смерть
- Море — вечность, ручьи — поток, вода — связующее звено между жизнью и смертью
- Ветер — тоска, безысходность, отчаяние
- Книга — добродетель души
Идеи «Братства прерафаэлитов»
Художники-прерафаэлиты хотели воскресить традиции религиозной живописи. Но не стремились к условным образцам алтарной картины. Произведения прерафаэлитов не подходили для оформления церквей. Они носили скорее литературный и поэтический характер.
Данте Габриель Россети «Благовещение» (1850)Британская галерея Тейт, Лондон
В своих картинах молодые художники-прерафаэлиты воспевали культ женской красоты. Они считали, что женственность (рыжие длинные волосы, большие глаза) украшает женщину.
Для них они становились более очаровательными и очень привлекательными. Образы героинь полотен прерафаэлитов обладают истинной женской красотой, их внутренний мир наполнен гармонией и духовностью.
Художники-прерафаэлиты вдохновлялись романтической литературой (особенно сонетами Шекспира), поэтому и стремились сделать своих героинь схожими с романтическими героинями книг.
Данте Габриэль Россети «Видение Фьямметты» (1878)
Данте Габриель Россети «Венера Вертикордия” (1864)
Джон Уильям Уотерхаус «Душа розы» (1908)Картины Данте Габриеля Россети: «Видение Фьямметты»(1878), «Венера Вертикордия«(1864), Джона Уильяма Уотерхауса «Душа розы» (1908)
Розы в Живописи (Символ — Художники — Картины) + фото
Если бы составляли топы самых популярных цветов, то лидером, несомненно, снова и снова становилась бы она
Роза — эта прекрасная огненная чаша, которая расцвела на бесчисленных живописных картинах маслом, привлекает внимание своей надменной, колкой красотой. Ее цветы давно начали занимать свои позиции
К эпохе Возрождения ранящие неопытных владельцев цветы покорили большинство европейских стран и появились в национальной живописи. Розовые бутоны непременно участвовали в украшении важнейших обрядов.
Со временем значение розы только увеличивалось, она обретала новые смыслы, становилась символом, наполненным совершенно различными расшифровками.
Роза в живописи старых мастеров всегда на своем месте. Цветок, как и многие другие растения и представители фауны, наделялся значениями, которые легко считывались в свое время.
Теперь же нам часто приходится вспоминать забытые коды. Например, что бутон розы обозначал чистоту, святость.
Он стал частым атрибутом Девы Марии (Сандро Боттичелли «Дева Мария с Младенцем и Иоанном Крестителем», 1475; Ян ван Эйк «Дева Мария», 1426-1429).
Общая склонность к естеству, внимание к живой природе сказалась на частом появлении розовых цветов на картинах прерафаэлитов (Джон Уильям Уотерхаус «Срывайте розы поскорей», 1908; «Моя сладкая роза (Душа розы)», 1908). На картине Уотерхауса «Психея, проникающая в сад Купидона» (1904) мы видим только девушку, держащую в руке розу
Она входит в сад, наполненный цветущими кустами, что в этом такого? Зная, что роза в живописи часто выступает как символ любви, мы понимаем, что путь, усеянный именно этими цветами, ведет к любимому
На картине Уотерхауса «Психея, проникающая в сад Купидона» (1904) мы видим только девушку, держащую в руке розу. Она входит в сад, наполненный цветущими кустами, что в этом такого? Зная, что роза в живописи часто выступает как символ любви, мы понимаем, что путь, усеянный именно этими цветами, ведет к любимому.
А зная этот мифологический сюжет мы добавляем к разгадке то, что сам возлюбленный и есть воплощение любви.
Кроме того, женщина держит в руке стрелу, очевидно, Амура, на которой сидит бабочка — обозначение Психеи. Мы снова вспоминаем историю о двух влюбленных. Несмотря на большое количество языческих элементов, над головой Венеры изображен нимб святой. Интересная комбинация.
Но есть у розы и более специфическое значение. Например, красно-белый цветок, который появляется на картинах и витражах в Англии — это фамильная эмблема королевской семьи Тюдор.
Такой комбинированный бутон является объединением эмблем двух благородных семейств. Их вражда принесла большие потери Англии.
В качестве напоминания об этом тяжелом противостоянии, мы наблюдаем белый бутон в руках Елизаветы Йоркской (из ветви Йорков), а с красным цветком нередко изображается Генрих IV (представитель династии Ланкастеров).
Все же не всегда цветы розы в живописи так многозначны. Иногда красивый бутон — это только то, что мы видим. Таковы розы в пейзажах и натюрмортах импрессионистов (Э. Мане «Сирень и розы», 1882; К. А. Коровин «Розы», 1912; П. И. Петровичев «Натюрморт. Розы», 1920). Художники этого направления не стремились усложнить свои картины, они просто ловили красоту мира вокруг.
Не всегда даже можно точно определить, розы ли в живописи маслом перед нами (К. Моне «Мадам Моне с ребенком в саду художника в Аржантее», 1875). В итоге мы получаем совсем другое впечатление от растений — как от части целого, части большого букета или наполненного светом цветочного сада. Это изображение отсылает только само к себе, к быстротечной красоте нежного цветка.
Хотя и этого, кажется, достаточно.
1. Как рисовать цветы акварелью2. Бытовая живопись3. Как рисовать дерево4. Размытые картины
*Картины известных художников взяты из свободного доступа в интернете и используются на сайте в учебно-образовательных целях.
Серия Водяные лилии (1896 – 1926)
Импрессионизм был одним из самых влиятельных течений в современном искусстве. Его художники сосредоточились на том, чтобы запечатлеть мгновенный эффект сцены, а не точно изобразить её. Серия «Нимфеи» или «Водяные лилии» Клода Моне была описана как «Сикстинская капелла импрессионизма». А состоит она примерно из двухсот пятидесяти картин маслом, которые были созданы Моне в течение последних тридцати лет его жизни. Сейчас они выставлены в музеях по всему миру. Ослепительная сложность цвета и света в панелях открывает зрителю глаза на невероятное разнообразие природы, указывая на глубину и тайну жизни, которую она поддерживает. Удивительно, что зрение Моне сильно ухудшилось из-за катаракты, когда он писал большинство этих шедевров. Картины Клода Моне с водяными лилиями являются одними из самых признанных и знаменитых произведений искусства XX века, и они, возможно, самые известные цветочные картины всех времён.
Последователи прерафаэлитов, не входившие в «Братство»
Альма-Тадема Лоренс (1836 — 1912)
Художник в совершенстве владел техникой масляной живописи. Он умел передать глубину пространства и многочисленные нюансы воздушной среды, эффекты яркого солнечного освещения, ажурную прозрачность теней, складки ткани и фактуру мрамора. По мастерству изображения деталей Альму Лоренсу не было равных среди современников.
Альма-Тадема Лоренс очень любил путешествовать, особенно по Италии. Её природа и тысячелетняя культура служили для художника неиссякаемым источником вдохновения.
Альма-Тадема Лоренс «Под синим ионическим небом» (1903)
Тема античности в творчестве Лоренса занимала главное место. На своих полотнах художник изображал повседневную жизнь греков и римлян. Это могли быть праздники, рынки, термы, интерьеры вилл и простых домов, досуг знати и простых горожан, а также другие сюжеты.
В Италии Лоренс жадно впитывал все мелкие подробности яркой и самобытной жизни, открывшейся ему
Особое внимание он уделял шедеврам архитектуры, скульптурам и прикладному искусству
«Удобная позиция» 1895
Альма-Тадема Лоренс «Колизей» (1893)Картины Альма Тадемы Лоренса
Мастер посетил развалины Помпей, сделал множество фотоснимков, которые впоследствии послужили богатейшим материалом для его полотен. Художник в течении всей своей жизни использовал фотографии в работе над своими картинами и не скрывал этого. Он не обращал внимания на презрительное отношение некоторых коллег и ценителей живописи.
Он был настоящим энтузиастом фотоискусства. Альма-Тадема Лоренс оставил после себя свыше 150 альбомов со снимками, которые сегодня хранятся в университете Бирмингема.
Альма-Тадема Лоренс «Колизей» (1896)
Работы Альма-Тадемы Лоренса: «Колизей» (1896) и «Любимая привычка» (1909)
Почти ни одна картина художника не была обойдена критикой. Лоренса не раз упрекали в легкомыслии и отсутствии моральных установок. Доставалось и его жене Лауре, постоянной модели художника. Критики бесцеремонно обсуждали достоинства и изъяны ее фигуры.
Джон Кольер (1850 — 1934)
По некоторым источникам, художник все же входил в «Братство». Но информация двояка. Его работы по стилистике и приемам только частично схожи с картинами прерафаэлитов.
Кольер был автором многочисленных полотен на историко-мифологические темы, что помимо манеры, сближает его с прерафаэлитами.
Джон Кольер «Леди Годива» (1898)Художественная галерея и музей Герберта, Ковентри
Одна из самых известных картин художника — «Леди Годива». Сюжет для этой работы художник позаимствовал из народной легенды, согласно которой Годива, жена графа Леофрика, правителя Ковентри, обнаженная, проезжает на коне по опустевшему городу. Она приказала жителям Ковентри закрыть ставни и не выходить из домов, чтобы выполнить условие мужа, обещавшего взамен снизить налоги.
Кольер был также талантливым иллюстратором. Он сделал множество иллюстраций к произведениям английской классической литературы.
Цветы в хрустальной вазе (1882)
Эдуард Мане был французским художником, который считается ключевой фигурой в истории западного искусства, а некоторые даже называют его отцом модернизма из-за его радикальных картин. В течение последних шести месяцев своей жизни, в возрасте 51 года, Мане посвятил всё своё время рисованию серии цветочных натюрмортов. На этих картинах изображены букеты, которые друзья принесли в его парижскую квартиру, когда он был дома. Их жизнерадостность может означать презрение Мане к традиционным и трудным эмоциям
Возможно, они свидетельствуют о важности внешних проявлений – эстетического зрелища как существенного отвлечения от непредсказуемого мира, который держит человеческое существование в своих тисках. И несмотря на то, что он более известен своими противоречивыми работами, цветочные картины являются важной частью творчества легендарного художника
«Цветы в хрустальной вазе», пожалуй, самые известные среди них.
Розы в живописи
Е сли бы составляли топы самых популярных цветов, то лидером, несомненно, снова и снова становилась бы она
Роза — эта прекрасная огненная чаша, которая расцвела на бесчисленных живописных картинах маслом, привлекает внимание своей надменной, колкой красотой. Ее цветы давно начали занимать свои позиции
К эпохе Возрождения ранящие неопытных владельцев цветы покорили большинство европейских стран и появились в национальной живописи. Розовые бутоны непременно участвовали в украшении важнейших обрядов. Со временем значение розы только увеличивалось, она обретала новые смыслы, становилась символом, наполненным совершенно различными расшифровками.
Цветы (1964)
Поп-арт был влиятельным художественным движением ХХ века, в котором художники сосредоточились на современной популярной культуре и средствах массовой информации. Энди Уорхол – американский художник, более известный как папа поп-арта, также не остался в стороне. В то время, когда он концентрировался на потребителях, знаменитостях, смерти и бедствиях, его цветочная серия стала новым витком для художника, поскольку она изображала совершенно другую тему. Это одна из семи его монументальных картин с цветами, где «Цветок» остаётся одной из самых известных работ Уорхола. Исходным изображением для создания данной серии работ послужила фотография, опубликованная в 1964 году в номере журнала Modern Photography, сделанном фотографом-натуралистом Патрицией Колфилд. Но по иронии судьбы для художника, Колфилд подала на Уорлоха в суд за то, что он несанкционированно использовал её изображение в своих целях.
Ваза с цветами (1645) — Ян Давидс де Хем
Ян Давидс де Хем был голландским художником, который считается одним из самых одарённых, разносторонних и влиятельных натюрмортистов своего времени. В своих натюрмортах он умудрился изобразить цветы во всей их красе и разнообразии. Его работы известны сочетанием яркости и гармонии цвета наряду с точным отображением объектов. Цветочные картины де Хема захватывают красоту флоры, в то же время иллюстрируя концепцию «искусство длинное, жизнь – коротка», воплощённую в голландских натюрмортах XVII века. «Ваза с цветами» – самое известное цветочное произведение де Хема. В нём он создаёт гармоничное расположение, уравновешивая цвета и формы тридцати одного вида цветов, овощей и зёрен. Несмотря на своё реалистическое изображение, этот букет никогда не мог существовать как различные экзотические цветы, которые он содержит, потому что все они цветут в разные сезоны.
Герберт Джеймс Дрэппер (1864-1920)
Художник родился в Лондоне. Прежде чем начать интересоваться искусством, изучал науки. Дрэппер учился в Школе изящных искусств при Королевской Академии, регулярно выставлялся на академических выставках. В раннем возрасте пробовал себя как журнальный и книжный график, работал монументалистом.
Дрэппер был одним из последователей классической традиции прерафаэлитов. На художника особенно повлиял Джон Уильям Уотерхаус. В их работах много общего: живописная манера, выбор любимых тем и персонажей.
Processed with VSCO with presetКартины Джеймса Дрэппера: 1 — «Летающая рыба»(1910), 2 — «Мелодии моря», 3 — «Глубоководная идиллия»
Художник часто обращался к теме моря. Его знаковой работой на эту тему является картина «Морская дева», написанная в 1894 году. Чтобы создать эту картину, Дрэппер много времени проводил на рыбной шхуне, наблюдая за рыбками и делая зарисовки. Благодаря «Морской деве» художник завоевал репутацию мастера многофигурной композиции.
Еще художник создавал картины на сюжеты античной мифологии: «Оплакивание Икара»(1898), «Золотое Руно» (1904), «Дитя воды»(1900), «Одиссей и Сирены»(1909) и многие другие.
Картины Джеймса Дрэппера: 1 — «Ворота зари»(1900), 2 — «День и утренняя звезда»(1906), 3 — «Оплакивание Икара»(1898)
Критики оценивали работы Дрэппер как поверхностные и легкомысленные из-за кажущейся легкости, но на самом деле картины художника написаны с мастерством. К каждой картине Дрэппер создавал множество разнообразных эскизов и набросков. Это говорит о том, как много и кропотливо он работал над созданием образа персонажа.
Розы в картинах художников 19-20 веков
Неделя, посвященная такому цветку, как роза, дает огромное пространство для всевозможных статей об этом творении природы. Вот и я решила посмотреть на эту тему через призму творчества некоторых художников, живших в 19-20 веках и обращавших свои взгляды и талант на этот цветок.
Тема цветов, особенно роз, постоянно являлась объектом вдохновения многих художников в разные времена
Я приведу несколько примеров, в которых роза является основной темой картины или немаловажной ее частью. Так как количество художников, использующих этот цветок в своих работах, огромно, ограничусь картинами моих любимых художников этого периода времени
Да простят меня остальные!.
Розы в работах художника К. Коровина. Этому цветку Константин Коровин посвятил достаточно большое количество натюрмортов. Полюбуемся!
«Розы в голубых кувшинах».
Натюрморт с портретом Перцевой.
Здесь розы выходят на первый план, затмевая собой женщину, которой были преподнесены все эти букеты!
Картина «Розы у окна».
Еще одного русского художника я не могла обойти стороной. Это Михаил Александрович Врубель.
Посмотрим изображение розы в исполнении этого талантливого художника.
«Роза в стакане». 1904 г.
Картина «Розы и орхидеи».
А вот как выглядят розы в работах нидерландского художника-постимпрессиониста Винсента Ван Гога:
«Японская ваза с розами и анемонами».
Одна из последних работ художника — «Розовые розы».
И совершенно невозможно обойти вниманием творчество Огюста Ренуара! В творениях этого французского художника-импрессиониста натюрморты с розами занимают внушительное место. Приведу только небольшую часть картин, где роза является главным объектом его внимания:
«Букет роз». 1900 г.
«Roses from Wargemont» — 1885 г.
Натюрморт с розами.
Картина «Розы и жасмин в дельфтской вазе».
Как мы смогли убедиться, каждый художник видит и передает по-своему красоту этого цветка.
В заключение хочу сказать, что картины с розами всегда в моде и, без сомнения, подарят хорошее настроение прекрасной половине человечества.
Ирисы (1889)
И снова речь пойдёт о Ван Гоге. Один из самых известных художников в истории, он имел трудную жизнь, омрачённую психической нестабильностью. В итоге, не выдержав всего этого, он выстрелил себе в грудь из револьвера и через два дня после этого умер. Но перед этим он успел оставить после себя ещё одну удивительную вещь – картины и гравюры с ирисами. Он написал её за год до своей смерти и назвал «громоотводом для моей болезни», так как чувствовал, что его работа была его надеждой против безумия. В сентябре 1987 года «Ирисы» были проданы за почти за пятьдесят четыре миллиона долларов, что сделало их самой дорогой картиной, когда-либо продававшейся. Данный рекорд стоял около двух с половиной лет, и по состоянию на 2018 год он занимает двадцать пятое место в списке самых дорогих картин, когда-либо продававшихся во всём мире за всю историю человечества.
Знак раздора
Но есть у розы и более специфическое значение. Например, красно-белый цветок, который появляется на картинах и витражах в Англии — это фамильная эмблема королевской семьи Тюдор. Такой комбинированный бутон является объединением эмблем двух благородных семейств. Их вражда принесла большие потери Англии. В качестве напоминания об этом тяжелом противостоянии, мы наблюдаем белый бутон в руках Елизаветы Йоркской (из ветви Йорков), а с красным цветком нередко изображается Генрих IV (представитель династии Ланкастеров).
Все же не всегда цветы розы в живописи так многозначны. Иногда красивый бутон — это только то, что мы видим. Таковы розы в пейзажах и натюрмортах импрессионистов (Э. Мане «Сирень и розы», 1882; К. А. Коровин «Розы», 1912; П. И. Петровичев «Натюрморт. Розы», 1920). Художники этого направления не стремились усложнить свои картины, они просто ловили красоту мира вокруг. Не всегда даже можно точно определить, розы ли в живописи маслом перед нами (К. Моне «Мадам Моне с ребенком в саду художника в Аржантее», 1875). В итоге мы получаем совсем другое впечатление от растений — как от части целого, части большого букета или наполненного светом цветочного сада. Это изображение отсылает только само к себе, к быстротечной красоте нежного цветка. Хотя и этого, кажется, достаточно.
*Картины известных художников взяты из свободного доступа в интернете и используются на сайте в учебно-образовательных целях.