Большие глаза: в мире маргарет кин

Прическа

Фрагмент портрет Симонетты Веспуччи, Пьеро ди КозимоФрагмент картины «Весна», Ботичелли.«Портрет молодой женщины» в мифологическом образе, Ботичелли
«Ценность волос настолько велика, что, если красавица украсилась золотом, жемчугом и оделась бы в роскошное платье, но не привела в порядок свои волосы, она не выглядела ни красивой, ни нарядной… волосы женщины должны быть нежными, густыми, длинными, волнистыми, цветом они должны уподобляться золоту, или же меду, или же горящим лучам солнечным».Итальянский писатель Аньоло Фиренцуола (1493—1543), трактат «О красоте женщин»

Мастер аллегории

Один из жанров, в котором Тициану не было равных, — аллегории. Ярким подтверждением служит работа, которую принято называть «Аллегория благоразумия». Поводом для выбора такого названия послужила латинская надпись на полотне: «Учиться у прошлого и действовать благоразумно, чтобы своими поступками не навредить будущему».

«Аллегория благоразумия», 1550−1565. (wikipedia.org)

Химера на полотне собрана из трёх мужских голов и трёх звериных. У исследователей нет информации, кем были эти люди, как и нет никаких ключей к тому, почему выбраны именно эти животные (волк, лев и собака). По всей видимости, правая голова юноши символизирует прошлое, постижение мудрости через опыт; средняя — настоящее; а голова старца — будущее.

По одной из версий, Тициан, будучи уже в преклонном возрасте, погрузился в меланхолию и раскаяние о содеянном, и это полотно было, с одной стороны, отражением его душевных терзаний, с другой, — напутствием потомкам. В качестве аргумента в пользу этой гипотезы изображение слева называют портретом Тициана, в центре — его сына Орацио, а справа — племянника Маро. И хотя по возрасту изображённые мужчины совпадают с названными людьми, внешне они на них не похожи.

Известно, что головы животных появились в композиции уже на позднем этапе работы. Техника их исполнения отличается от манеры, в которой написаны лица. Интересно, что и портреты различны по колористике и стилю. Например, центральная голова прописана более тщательно и ярко по сравнению с остальными. Существует предположение, что часть работы была выполнена кем-то из учеников Тициана, поэтому так разительна художественная неоднородность полотна.

Возможно, что желание дополнить композицию головами животных возникло под влиянием «Иероглифики» Валериано, опубликованной в Венеции в 1556 году. В этом издании в качестве символа благоразумия изображена змея с тремя головами: собаки, волка и льва.

Неизвестно и то, для кого писал Тициан это полотно. Есть множество версий, где картина должна была располагаться: от фриза в сводах храма до двери шкафа.

Примечательно, что к этой теме художник обращался и ранее, в работе «Три возраста человека». Эта картина написана под влиянием Джорджоне и представляет аллегорическую трактовку жизненного пути человека. Отрезки жизни близко соседствуют, что говорит о быстротечности жизни. И в то же время неизбежная смерть выглядит хотя и устрашающей, но не столь значительной по сравнению с земными благами и вечностью души.

«Три возраста человека», 1512−1514. (wikipedia.org)

Взгляд на женщину в Западной Европе XIX века

Удивительно, что похожую трансформацию взгляда на женщину проходили и художники в Западной Европе.

Сначала мы встречаем и там немало картин, на которых изображено бедственное и уязвимое положение женщины.

Так, английский художник Редгрейв написал картину “Изгой”. На ней отец выгоняет из дома дочь, которая посмела забеременеть и родить вне брака.

Ричард Редгрейв. Изгой. 1851. Королевская академия художеств.

Но однажды, в 1863 году публика была ошарашена совершенно необычной картиной Эдуарда Мане «Завтрак на траве». Девушка легкого поведения, абсолютно обнаженная, посмела уверенно посмотреть в глаза приличному обществу.

В этих глазах нет ни капли стыда. Ей НЕ неловко (в отличие от зрителей тех лет). И даже слёзы не стоят в ее глазах.

Эдуард Мане. Завтрак на траве. 1863. Музей д’Орсе, Париж.
Конечно, зрители были изумлены. Они осуждали такой вызов.

Как же похожа судьба «Неизвестной» и «Завтрака на траве». Особо никто не хотел их покупать. Слишком непривычным были образы. Скомпрометированной, но уверенной в себе женщины.

«Неизвестная» была в частных коллекциях вплоть до 1925 года. Пока не попала в Третьяковскую галерею. «Завтрак на траве» и вовсе хранилась у художника в мастерской до самой смерти. И только благодаря усилиям со стороны друзей Эдуарда Мане картина попала в Лувр в начале XX века.

Загадка улыбки Моны Лизы

Поза Моны Лизы – нетрадиционна для живописи первой половины 16 века (ее много копировали). В книге Мона Лиза: История самой известной в мире живописи, британский историк Дональд Сассун прослеживает истоки мистики Моны Лизы на протяжении пяти веков. Он пришел к выводу, что в самой картине было что-то особенное. Поза и техника расценивались как революционные современниками Леонардо, включая Микеланджело.

Ее статус «картины, которую все знают», – «продукт долгой истории политических и географических случайностей, фантазий, связей, созданных образов и удачи». По неизвестным причинам Леонардо не передал работу мужу Лизы Герардини. Он взял ее с собой, когда его пригласили ко двору французского короля Франсуа I в 1516 году. Другими словами, Леонардо сбежал с женой другого человека, по крайней мере, с ее изображением. После смерти художника во Франции в 1519 году картину смог купить король, она вошла в королевскую коллекцию, затем в государственную коллекцию после революции 1789 года. Живопись украшала спальню императрицы Жозефины в Тюильри, во время правления Наполеона, но вскоре вернулась в Лувр, где художники и писатели – в разгар романтической атмосферы – начали смотреть на Мону Лизу другими глазами. В их коллективном воображении женщина с дьявольской улыбкой стала символом женской чувственности, роковой женщиной, окутанной аурой таинственности и алхимии, как это произошло с ее автором, художником, ученым, гением, почти волшебником.

Загадочная улыбка Джоконды картина Леонардо да Винчи – в большей степени современная тайна. Улыбкой Моны Лизы впервые увлеклись искусствоведы и писатели XIX века. Было выдвинуто много теорий и проведен ни один анализ. Была ли она беременна и поэтому безмятежна? Пыталась ли она улыбаться, не выдавая недостающих зубов? Каким бы ни было объяснение, в улыбке Моны Лизы есть что-то дразнящее, непостоянное. Как и отсутствие у нее бровей. Бритье бровей, возможно, флорентийская мода 16 века, но она помогает придать Моне Лизе загадочное выражение лица.

Для Леонардо улыбка – способ исследовать движения души, выражение чувств и коннотации физиогномического характера. В то же время, это сложная задача, потому что заставить модель улыбаться и показать сложность мышечных взаимодействий и напряжений, вызываемых улыбкой, в случае портрета очень сложно, поскольку меняется выражение лица. Задача художника состоит в том, чтобы улыбка не стала причиной неузнаваемости личности. Эта проблема, которую Леонардо решает на техническом уровне. Автор картины Джоконда блокирует мгновение, начало сокращения мышечной массы, тем, что под губами Моны Лизы кладет косую «полку». Этот архитектурный шов поддерживает припухлость левой стороны губ.

Портрет Мона Лиза Леонардо да Винчи, помимо прочего, представляет собойэксперимент с асимметрией и хаосом. Леонардо напуган и привлечен хаосом, но ему удается заметить, что хаос также подчиняется правилу. Нельзя забывать его необычные рисунки, посвященные штормам, волнам, наводнениям. Один из аспектов, исследуемых художником в Моне Лизе, – это взаимосвязь между симметрией и асимметрией, между порядком и хаосом, которому он не придает отрицательного значения.

Женщины Тициана

Тициану принадлежит создание образа прекрасной венецианки (Belle Veneziane). О красоте девушек из Венеции ходили легенды, им посвящали литературные произведения, в их честь писались живописные полотна. Тициан, как и его современники Пальма Веккьо, Лоренцо Лотто, Якопо Тинторетто и Паоло Веронезе, создавали поэтико-эротические идеализированные портреты женщин. Эти картины не являются непосредственным изображением конкретной красавицы. Задачей было не достижение портретного сходства, но провоцирование у зрителя эротического влечения. Красивое тело воспринималось как зеркало прекрасного существа.

Так, на картине «Виоланта», названной так по цветку фиалки в декольте, красавица великолепно одета, её распущенные волосы сияют. Пальцы сложены в жест «V», что можно интерпретировать как Virtus, то есть добродетель.

«Виоланта», 1514−1520. (wikipedia.org)

В Венеции было создано довольно мало портретов конкретных женщин. Дамы, как правило, были исключены из политики, а потому редко появлялись на официальных портретах. Личность же тех женщин, чьи изображения сохранились до наших дней, остаются тайной.

«Молодая девушка в меховой накидке», 1534−1536. (wikipedia.org)

Безусловно, Тициан писал портреты женщин на заказ, например, жён регентов при дворах. Однако нередко моделями ему служили не непосредственные заказчицы, а портреты, выполненные другими художниками. Доходило до курьёзов. Например, Изабелла д’Эсте была уже в почтенном возрасте, когда обратилась к Тициану за портретом. Художник, основываясь на предыдущих картинах, изобразил 60-летнюю женщину как 20-летнюю.

Портрет Изабеллы д’Эсте, 1534−1536. (wikipedia.org)

В это время живопись стремится превзойти не только другие виды искусства, но даже отражения. Зеркала, считавшиеся своего рода конкурентами художников, необходимо было приручить. И один из способов, как сделать это, — превратить их в предмет живописи. Кроме того, включение зеркала в композицию позволяет изобразить героя полотна со всех сторон — как если бы это была трёхмерная скульптура, а не двухмерная картина.

«Молодая женщина за туалетом», 1515. (wikipedia.org)

Идеализированные герои были решительны, целомудренны, добродетельны, скромны и непременно красивы. Ведь красивое тело, как и в античной традиции, подразумевает красивый ум.

Несколько сюжетов были наиболее популярны. Например, история Лукреции. Замужняя женщина, она была изнасилована. Не перенеся позора, она покончила с собой, чтобы спасти честь семьи. Так она стала воплощением добродетели и символом моральных устоев Венецианской республики.

«Лукреция и её муж», 1515. (wikipedia.org)

Ещё один популярный сюжет — Юдифь, спасающая город от захватчиков. Вдовая красавица отправилась в стан врага, где встретилась с их предводителем Олоферном. Напоив военачальника и обольстив, Юдифь затем отрубила ему голову. Противоположный по характеру, но близкий по сюжетной композиции — миф о Саломее, обезглавившей Иоанна Крестителя. Последний публично обличал Иродиаду, жену царя Ирода и мать Саломеи. Юная девушка должна была отомстить за мать.

«Саломея с головой Иоанна Крестителя», 1515. (wikipedia.org)

Особую любовь Тициан питал к истории Марии Магдалины. Он неоднократно писал её как прекрасную девушку, раскаивающуюся в грехах. Считается, что мастер очень любил это полотно и, умирая, держал его в руках. Как и Магдалина, он раскаивался на смертном одре в прегрешениях.

«Мария Магдалина», 1515. (wikipedia.org)

С распространением книгопечатания в Венеции в 16-м веке вырос интерес к древнему искусству и культуре. Полотна на исторические и мифологические сюжеты были самыми популярными. Тициан при выборе сюжетов опирался на «Метаморфозы» Овидия и тексты других античных авторов. В каждом случае художник предпочитал момент, близкий к кульминации. Драматургия усиливалась с помощью цвета.

«Даная», ок.1545. (wikipedia.org)

«Венера и Адонис», 1555−1557. (wikipedia.org)

«Венера наказывает Амура», ок.1556. (wikipedia.org)

История создания

Исторически важную, значимую роль в создании картины Дама в зеленом платье сыграл знаменитый художник того времени Гюстав Курбе. Однажды, он пришел в парижскую мастерскую Клода Моне и застал того за работой над картиной Завтрак на траве. Умудренный опытом Г.Курбе отметил, что молодой художник не успеет написать эту картину к выставке Парижский салон 1866 г. И порекомендовал автору нарисовать быстро что-то хорошее, что можно завершить вовремя. Клод Моне последовал совету знакомого, и написал портрет любимой, которая вскоре стала его женой.

На картине Дама в зеленом платье мастер изобразил 19-летнюю Камиллу. Одета девушка в зеленое с черными полосами платье, короткий пиджак с меховой отделкой по краям, и модный в то время головной убор. Портрет, созданный за несколько дней, произвел небывалый фурор. Восторженные критики назвали Даму в зеленом платье Парижской королевой и идеалом авангардной, модной женщины.

История происхождения и классификация в общем произведении

Портрет Сильвии фон Харден был создан между 1925 и 1927 годами, когда Дикс жил в Берлине со своей женой Мартой и дочерью Нелли.

Сильвия фон Харден в то время также жила в Берлине, пока ей не пришлось эмигрировать в Англию как еврейка в 1933 году, до преследований нацистов. В качестве журналиста она работала, в частности, в Berliner Tageblatt, Berliner Volks-Zeitung и Prager Presse.

Берлин на этапе стабилизации послевоенного периода характеризовался беспрецедентным расцветом культурной и развлекательной жизни в Германии, который привлекал людей со всех концов страны, отчасти как реакция на необходимость наверстать упущенное из-за войны. . Дикс, которого считают наблюдателем и летописцем явлений своего времени, последовал этому призыву. Берлин дал ему возможность особенно интенсивно проследить эти временные явления в суматохе и агломерации мегаполиса. В кафе и ночных клубах, в рабочих и богатых районах, а также на рабочих местах и ​​в районе красных фонарей Берлина он встретил многих людей, которые сегодня увековечены на его портретах.

Если работа не была заказана, Дикс выбирал свои модели не случайно: «Когда я говорю кому-то, что хочу тебя нарисовать, то картина уже есть во мне. Я не рисую никого, кто меня не интересует », — сказал он в 1966 году.

Встреча Сильвии фон Харден и художника передана в статье «Воспоминания об Отто Диксе», которую журналист написал в 1959 году. Знаменитое романское кафе , в то время место встречи интеллектуалов, художников и представителей богемы, было местом встречи между ней и Диксом. Говорят, что Дикс последовал за моделью, которую увидел на улице, чтобы крикнуть ей: «Я должен тебя нарисовать! Я должен! Они представляют собой целую эпоху! «

Произведение искусства

Портрет Дама в зеленом платье написана маслом. Холст размером 231151 см. На темном фоне стоит вполоборота молодая дама в зеленом платье с черными полосами. Сверху одет модный пиджак с меховой окантовкой. На голове женщины головной убор в стиле ампир.Клод Моне запечатлел мгновение, когда Камилла, уходя, обернулась к нему, подняв на прощание руку. Заметно, что девушка – дама в зеленом платье – нарисована с большой любовью. Тщательно прорисованы следующие детали:

• длинное зеленое платье;
• приподнятая рука;
• легкий поворот головы;
• строгий подбородок;
• модный пиджак с мехом.

На заднем плане не видно не одной детали. Клод Моне изображал свою невесту, музу, любимую женщину

Все внимание отдано ее красоте и женственности. Другие элементы портрету дамы в зеленом платье не нужны и будут неуместны

Декольте

«Существующий уже в продолжение столетий обычай носить корсеты имел своим назначением не столько скрыть грудь, сколько, напротив, позволить ей тем яснее выступить вперед над все ниже опускавшимся верхним краем платья»— Карл Генрих Штрац (1858-1924). «Женская одежда» (Die Frauenkleidung (1902)

«обнаженная женщина красивее одетой в пурпур»«У нее белая шейка, а под ней две груди, украшенные и испещренные голубыми жилками»«Когда я вижу Варвару в праздничном костюме, который доходит ей только до живота, то она производит на меня впечатление хорошо отшлифованного алмаза, играющего постоянно своими лучами. Жанна, напротив, закутана с ног до головы. Когда я вижу ее в простом платье, я говорю себе: „Ты не откровенна. Серая ткань, облегающая твои члены, – пепел, покрывающий вечно пылающий огонь“»
Жан Фуке. Агнесса Сорель(внебрачная дочь папы римского Александра IV)«Флора», 1525. Портрет куртизанки в образе Флоры. Автор Бартоломео Венето (ок. 1480 — 1530). Традиционно считался изображающим Лукрецию Борджиа.»Портрет женщины с обнаженной грудью» (Portrait of a Young Venetian Woman Baring Her Breasts), Якопо Тинторетто, ок.1570„Богатые девицы надевают платье с вырезом спереди и сзади, так что груди и спина почти обнажены“В Лимбургской хронике, также относящейся к XV веку, говорится: „А женщины носят широкие вырезы, так что видна половина груди“.— Э. Фукс, «История нравов»

(например в Венеции)«Женщины совершенно забыли стыд. Так пали низко нравы. В наготе они полагают теперь красоту. Вся их спина видна, и они мастерски умеют показывать грудь, подпертую корсетом. Чтобы она не задохнулась в платье, они обнажают половину ее, так думают они привлечь глупцов. „Оставьте! Что это такое? – говорит женщина, когда мужчина касается ее груди. – Какой вы злой! Клянусь честью, я ни разу еще не видала такого дерзкого человека!“ Она защищается против мужчины так, как осел, со спины которого упал мешок. Тайком подносит она руку к груди, и вся она выпадает из платья».— Томас Мурнер (1475 — 1536)

Кусочек новейшей истории: Веймарская республика и «Новая женщина».

Поражение в Первой мировой войне привело не только к утрате национальной стабильности и уверенности в политическом порядке в Германии, но и к усилению сомнений в отношении классических женских гендерных ролей. Между революцией, рождением первой немецкой демократии, попытками переворота и инфляцией гендерное равенство впервые было закреплено в конституции Веймарской республики 1918 года, а право женщин на голосование было введено в 1919 году. Женщинам был предоставлен доступ в университеты, и они настаивали на сохранении оплачиваемой работы, которая во многих случаях стала необходимой во время Первой мировой войны

Возник новый класс женщин-служащих, в результате чего работающая женщина, имеющая собственный доход, все больше признавалась промышленностью и рекламой в качестве потребителя и важной целевой группы. Потребительские статьи, ориентированные на женщин, которые вошли в стремительно растущие медиа-форматы, привели к беспрецедентной общественной заметности и восприятию женщин.

Следует отметить, что на индивидуальную чувствительность женщин в веймарском обществе нельзя дать однозначный ответ. Современный женский образ жизни и традиционная женственность как мать и жена сосуществовали в Германии во времена Веймарской республики. Поэтому неудивительно, что концепция Новой женщины, хотя она была у всех на устах в ранней массовой культуре 1920-х годов, ни в коем случае не получила четкого определения в то время. Вместо этого коллективный образ Новой женщины с самого начала формировался сильными клише, пропитанными ожиданиями и фантазиями об уходе, которые продолжают действовать по сей день. Новые типы женщин, подпадающие под «крылатую фразу и боевой термин» новой женщины, варьировались от мальчишеского Гарсонна до гедонистической тряпки из Великобритании и спортивной американизированной девушки. Объединяющим элементом этих различных терминов и категоризации «современных» типов женщин было их свидетельство межнациональных женских стремлений к эмансипации и преодолению традиционных гендерных ролей, которые проявлялись в медийных образах самоуверенных и независимых женщин. В Германии образ женщин нового типа распространялся в популярных средствах массовой информации, в рекламе, кино, искусстве и печати, в том числе в женских журналах «Die Schöne Frau», «Die Dame», «Elegante Welt» и « Vogue »и вызывает много споров. Новые образы женственности, которые дошли до наших дней с помощью коротких стрижек и сигарет, а также других атрибутов из областей спорта, моды, сексуальности, работы, потребления и досуга, показывают женщин, которые радикально отличаются от поколения их матерей.

В целом, концепция новой женщины теперь считается в средствах массовой информации полностью переработанной и больше похожа на видение будущего, которое преобладало в 1920-х годах, но которое в то время вряд ли соответствовало реальности жизни широких масс. женщин в Германии. Концепция Новой женщины стала проекционной поверхностью для женских надежд и ожиданий, в частности, но также, с другой стороны, для массовых страхов, связанных с современным возрастом и изменением гендерных ролей. С этой противоположной стороны на Новую женщину смотрели с критической или враждебной точки зрения.

Кривотолки под занавес

Королева Анна плакала, узнав о смерти своего старого врага. Король, напротив, сочинил веселую песенку, где перечислялись грехи покойного. Но веселье было недолгим: спустя полгода туберкулез свел Людовика ХIII в могилу. Перед смертью он заставил королеву подписать отказ от регентства, слабым голосом сказав: «Она все испортит, если станет править одна». В последний раз оскорбив жену, король испустил дух. И тут легкомысленная и ветреная женщина, какой все считали Анну, проявила неожиданную твердость. Сначала она явилась в парламент и настояла на отмене завещания короля и объявлении себя регентшей. Потом добилась назначения первым министром Мазарини, которого предлагал на этот пост покойный Ришелье. Все дивились такому совпадению взглядов. Удивление прошло лишь тогда, когда итальянец стал все дольше задерживаться в апартаментах Анны. А потом и вовсе перестал уходить оттуда. Тут французы поняли, что королева отдала власть над государством своему любовнику.

Анализ изображений

Отто Дикс изображает журналистку Сильвию фон Харден в своем портрете как представителя феномена Новой женщины, того нового женского фенотипа, который сигнализирует о урбанистике и конституируется профессиональной деятельностью: журналист предстает как мужской, эмансипированный интеллектуал, имеющий доступ к мужскому началу. преобладающие области жизни. Соответственно, ее внешность изображена в напряженном чередовании мужских (монокль, алкоголь, сигарета, большие руки и жесткие черты лица) и женских (короткое платье, шелковые чулки, помада и украшения), присущих в то время характерным чертам, которые показывают самообладание имидж, освобожденный от социальных ограничений, поставлен. В этом контексте одежду и аксессуары следует понимать как политизированное средство выражения: они передают психологический настрой женщины, которая освободилась от корсета и прически старой империи и вместо этого празднует свою новую свободу коротким, широким платье и с практичной короткой стрижкой. Как профессионал и интеллектуал, она носит монокль в соответствии с ее образованием. Аксессуар, который долгое время использовался только мужчинами, поскольку большинству женщин в Германии было отказано в доступе к высшему образованию до начала 20 века.

Кажется маловероятным, чтобы преобладание красного цвета на этой картине было выбрано случайно. Поскольку красный цвет ассоциируется с энергией, мощью, силой или даже агрессивностью, ее приверженность в этом случае могла бы отражать боевую готовность Сильвии фон Харден порвать с традиционными гендерными ролями и энергично отстаивать сопротивление. В то же время доминирующий агрессивный красный может также отражать взгляд общества, опасающегося и критически относящегося к современности и росту феминизма — с точки зрения того времени, довольно многие чувствовали себя «маскулинизированными» женщинами, такими как фон Твердость как один из негативных излишеств современности, то есть пресловутая «красная ткань».

В конце концов, изображение Дикс Сильвии фон Харденс не воспроизводит гламурный образ самоуверенной Новой женщины, который распространялся в то время в средствах массовой информации, но создает двойственный образ женщины, которая еще не полностью в ней обосновалась. новая роль. Хотя она сидит одна в кафе, курит и пьет алкоголь, ее несколько скрещенные ноги, защитная рука на бедре и нервная энергия, исходящая от нее, выдают ее оставшуюся неуверенность. Дикс карикатурно изображает фон Харден как новую женщину, которая отрицает образ женственности, приписываемый ей как женщине — грудь и женские колени покрыты руками изображенного на этом изображении, — чтобы найти доступ и признание среди мужчин, в которых доминируют мужчины. круги интеллигенции своего времени.

Тот факт, что между многообещающими образами Новой женщины в рекламе и кино и реальной жизненной ситуацией большинства женщин Веймарской республики был большой разрыв, также проявляется в почти болезненной усталости, которую Дикс дает Сильвии фон Харден в этой работе. Предположительно, на журналистскую деятельность Харден не повлияли безработица, недоплачиваемая и плохие условия труда в такой степени, как на большинстве женщин, которые стекались в Берлин из провинций в надежде на богатство возможностей в большом городе. Тем не менее, как и большинству женщин того времени, ей тоже приходилось бороться с все еще сильно патриархальными структурами послевоенного общества и сохраняющимся гендерным неравенством.

В своем портрете того времени Дикс создает образ новой женщины между модной иконой и феминистской фигурой эмансипации, одновременно обнажая свое несоответствие между утопией и повседневной реальностью.

Факты о Мона Лизе

• Приставка Мона означает «мадонна» или «миледи», а Лиза – это просто имя.
• Личность человека на картине навсегда осталась загадкой. Часть исследователей склонны думать, что это автопортрет Леондардо да Винчи в женском образе, однако большинство считают Мона Лизу 24-х летней Лизой Геральдиной, известной также под именем Лиза дель Джокондо, которая была женой купца Франческо дель Джокондо. Также, возможно, что это портрет матери художника.
• В 1956 году в Лувре произошло чрезвычайное происшествие. Хьюго Унгаза кинул камнем в портрет, от чего шедевр получил повреждение около левого локтя Мона Лизы.
• Как вы думаете, сколько стоит эта картина? Сотни тысяч долларов? Миллионы? Миллиарды? Нет! Она бесценна! И именно поэтому шедевр всё ещё без страховки.
• Интересные факты о Мона Лизе Леонардо да Винчи нужно обязательно дополнить тем, что женщина, изображённая на картине, не имеет бровей. Достоверно не известно, почему так случилось. Считают, что брови они стёрты во время одной из реставраций в средние века, так как тогда полностью удалять брови было в моде. Также есть мнение, что картинка преднамеренно незакончена автором.

• Картина распологается в специальном зале в Лувре. Эта комната была создана за 7 млн. долларов именно для Мона Лизы. Шедевр находится под бронированным стеклом, а необходимая температура поддерживается с помощью компьютера и сложной системы датчиков.
• Мона Лиза была завершена в замке Амбуаз во Франции приблизительно в 1505 году. По одной из гипотез Леонардо да Винчи похоронен в этом замке.
• В зрачках Мона Лизы нарисованы микроскопические цифры и буквы. Их видно только с помощью специального оборудования. Считается, что это дата завершения картины и инициалы автора.
• Мона Лиза считается одной из самых разочаровавших достопримечательностей. Столько шума и легенд, а приходишь в музей, она спрятана под стекло, и так далеко от тебя… всего лишь картина…
• Особая волна популярности Моны Лизы возникла после похищения. 21 августа 1911 года картина была украдена Винченцо Перуджо, сотрудником парижского музея. В ходе расследования было уволено руководство Лувра, под подозрением оказались известные люди, такие как Пабло Пикассо и Гийом Аполлинер. Картина в результате была обнаружена 4 января 1914 года в Италии. После этого с ней было проведено несколько выставок, и затем она была возвращена в Париж. Мотивы преступления достоверно неизвестны, вероятно, что Перуджо хотел вернуть шедевр на родину Леонардо да Винчи.

https://youtube.com/watch?v=sNwsYks-9-U%3F

• В годы Второй мировой войны Адольф Гитлер создал комиссию, которую возглавил искусствовед Ганс Поссе. Цель комиссии – захватить как можно больше произведений искусств для грандиозного музея фюрера. Однако Мона Лиза была укрыта в замке Шамбор. Точное местоположение хранилось в строгом секрете. Это спасло картину от очередного похищения.
• Рассказывая про интересные факты о Мона Лизе Леонардо да Винчи, нужно упомянуть о пейзаже за этой женщиной. Скорее всего, это несуществующая местность. Однако, есть гипотезы, что это итальянские районы Монтефельтро или Вальдарно.
• Секрет Мона Лизы кроется в её улыбке. Если смотреть на портрет в целом, то кажется, что женщина улыбается. Однако, если опустить взгляд ниже, убрав её глаза из поля зрения, иллюзия улыбки пропадает.
• Сегодня картина находится в плохом состоянии. Её краски значительно потемнели, что произошло из-за склонности Леонардо да Винчи к экспериментам (он использовал не традиционный состав красок). Также на полотне образовались трещины, некоторые из которых видны невооружённым взглядом. В связи с этим теперь Мона Лиза не покидает стен Лувра, сотрудники музея не отправляют её на выставки.

Об авторе

Известный французский живописец Оскар Клод Моне родился в 1840 году в Париже. Его отец был бакалейщиком и хотел, чтобы сын также научился торговому делу. Однако, К.Моне с детства увлекся рисованием. Он отлично изображал карикатуры, благодаря чему приобрел известность.Первым учителем Моне стал пейзажист Э.Буден, с помощью которого он начал рисовать в стиле импрессионизма, создавая свои произведения на пленэре.В 1860 г. художника был призван в армию и направлен в Алжир, где перенес брюшной тиф. Тетя Клода Моне в 1861 г. откупила его от воинской службы, и живописец вернулся на родину.

В 1878 г. жена художника Камилла, чей образ запечатлен на полотне Дама в зеленом платье, умерла, что стало для него невосполнимой утратой. Клод Моне полностью погрузился в искусство, написав огромное количество уникальных картин.В 1892 г. он женился еще раз, взяв в жены Алису Ошеде. Последние годы жизни Клод Моне провел в деревне Живерни, где у него был дом с садом. Скончался художник от рака легких в 1926 г.

Описание изображения

Работа, в основном оформленная в навязчивых красных тонах, представляет собой фигуру журналиста Сильвии фон Харден в полный рост, сидящую в одиночестве за столом, доминирующую на изображении в левой половине картины. Судя по меблировке, это интерьер кафе или бара.

Работа четко структурирована как по структуре изображения, так и по деталям.

Фоновый уровень для портрета — это наклонная красная стена, которая образует резко очерченный угол в правой половине изображения, так что создается пространственное впечатление нахождения в углу комнаты. Яркие цвета стены, а также ее общая довольно странная перспективная форма создают ощущение давящей, конфронтационной тесноты. Пол монохромный, выполнен в темно-фиолетовом оттенке.

Изображение пространственной местности на заднем плане явно подчинено изображению портрета и связанных с ним атрибутов на переднем плане в плоском и детальном исполнении.

Журналистка Сильвия фон Харден встречает зрителя на уровне глаз; она сидит и курит на богато украшенном деревянном стуле напротив небольшого круглого столика. Она скрестила ноги, выглядя немного тесными, и подперла правую руку о спинку стула. Она держит дымящуюся сигарету в огромной мужской руке, на среднем пальце которой кольцо с красным камнем. С другой стороны, левая рука и ее растопыренные пальцы сжимают правое бедро в защитном напряженном жесте.

Женщина носит яркое красно-черное клетчатое платье с водолазкой, которое прямо и бесформенно ниспадает до уровня чуть выше колен. Тот факт, что ее платье слишком короткое для предполагаемого положения сидя, очевидно из того факта, что один из чулок телесного цвета, который она носит под платьем, небрежно соскользнул, обнажив узкую щель в ее бедре.

Лицо женщины выглядит мужественным и преувеличенным. Ее темные волосы коротко стрижены с густым косым пробором и обрамляют длинное заостренное лицо и столь же заостренный нос. Даже красная помада не может скрыть выражение почти тошнотворной усталости и напряжения, которое читается на ее лице. Фактически, ее открытый рот с темно-красным макияжем резко контрастирует с ее бледной кожей и подчеркивает фиолетовый оттенок ее темных глаз и тяжелых век.

Область ее глаз подчеркнута, прежде всего, моноклем, который она носит перед правым глазом, что также усиливает ее мужской характер и придает ей интеллектуальную харизму. Хотя журналист повернула верхнюю часть тела к зрителю и изображена в трехчетвертном профиле, который стремится к нему, она смотрит на зрителя отстраненно и пренебрежительно.

Дикс приписала изображению журналистки дополнительные атрибуты, которые лежат на столе перед ней. Белая мраморная столешница с голубыми прожилками образует самую яркую точку на снимке и, в отличие от журналиста, показана с приподнятого вида сверху, благодаря чему предметы на ней выделяются еще более отчетливо и кажутся почти падающими в сторону. зритель, предлагая их зрителю. Вы можете увидеть наполненный коктейльный бокал, который дополнительно подчеркивает резкая линия угла стены, которая будто проходит сквозь стекло. Рядом — открытая пачка для сигарет с именем женщины на внутренней стороне крышки, а также желтый спичечный коробок, на котором изображен немецкий императорский орел.

3.

В настоящее время «Влюбленные I» находится в Австралийской национальной галерее. Вторая версия «Влюбленные II» находится в коллекции Ричарда С. Цейслера, Нью-Йорк. Картины написаны в один год и имеют одинаковый размер.

Первая версия
В первой версии мужчина и женщина нежно прижимаются друг к другу, словно они позируют для семейного портрета. Сюжет очень похож на праздничный снимок с проблесками зелени побережья Нормандии и моря. Мы видим голубое небо с легкими воздушными облаками. На заднем плане прекрасная пастораль с крутыми травянистыми холмами и обилием деревьев. Это идеальный день для двух влюбленных, которые будут запечатлены на снимке. Однако, вуали, которые покрывают головы влюбленных, оттягивают их лица и словно сворачиваются через плечи. Это сочетание безмятежного, прекрасного пейзажа и двух влюбленных вкупе с почти мучительными образами головных вуалей вызывает беспокойство. Ведь не каждый день мы видим людей, охотно решающих покрыть свою голову чем-то похожим на мешок. Спонтанная близость героев в этом «праздничном снимке» становится призраком отчуждения и удушья. Внешне настолько абсурдный, этот образ становится пугающе реальным в глазах разума.