28.06 Приключения «Синего всадника». О дружбе и творчестве Франца Марка и Августа Маке (I)
Posted at 13:02h
in Featured, Живопись, Искусство
by
Всего четыре года — с 1910-го по 1914-й — понадобилось Францу Марку и Августу Маке, чтобы оказать влияние на европейское искусство. Художники объединения экспрессионистов «Синий всадник» ушли из жизни во время Первой мировой войны: 27-летний Маке погиб в 1914-м в Шампани, а 36-летний Марк в 1916-м недалеко от Вердена.
Портрети Франца Марка (1913) и Августа Маке (1903) на выставке в Музее Оранжери
Глядя на фотографии этих двух друзей, полных сил молодых мужчин, на выставке «Приключения “Синего всадника”: Франц Марк и Август Маке» в Музее Оранжери, нельзя не вспомнить слова директора музея Сесиль Дебре о том, что они не успели дать зазвучать своим талантам в полную силу.
Встреча
Зеленый этюд, 1908, Франц Марк, Kunsthalle Mannheim, Мангейм
Белье на ветру, 1906, Франц Марк, Museum Folkwang, Эссен
Наш цветущий сад, 1911, Август Маке, Hamburger Kunsthalle, Гамбург
Лесной поток, 1910, Август Маке, Eskenazi Museum of Art — Indiana University, Блумингтон
У Франца Марка и Августа Маке, на первый взгляд, было мало общего. Прежде всего, их разделяла семилетняя разница в возрасте. Марк учился в Мюнхенской школе изящных искусств, в то время — центре символизма в живописи. Маке получил образование в Дюссельдорфской школе прикладных искусств и был подвержен влиянию ар-нуво и японизма.
До встречи друг с другом в январе 1910 года оба побывали в Париже. Марка впечатлили работы постимпрессионистов Ван Гога и Гогена, а Маке — Сезанна.
Белый кувшин, цветы и фрукты, 1910, Август Маке, Franz Marc Museum
Соломенная ваза, сахарница и яблоки, 1890-1893, Поль Сезанн, Musée de l’Orangerie, Париж
Для того, чтобы символически выразить лиризм природы, Марк сделал объектом своего творчества животных.
Собака на снегу, 1911, Франц Марк, Städel Museum, Франкфурт-на-Майне
Маке отдавал предпочтение цвету, его подход в живописи был более натуралистичным и рациональным.
Игрушки маленького Вальтера, 1912, Август Маке, Städel Museum, Франкфурт-на-Майне
Лютнистка, 1910, Август Маке, Centre Pompidou, Париж
Картина для детей, или Кот за деревом, 1911, Франц Маке, частная коллекция
Лошадь на фоне пейзажа, 1910, Франц Марк, Museum Folkwang, Эссен
Несмотря на эти различия, Франц Марк и Август Маке стали друзьями «с первого взгляда» и повлияли на творчество друг друга.
Портрет Франца Марка, 1910, Август Маке, Staatlichen Museen, Берлин
Клоун, автопортрет-карикатура, 1913, Август Маке, Kunstsammlungen, Хемниц
Синий всадник
Мурнау, улица с упряжкой, 1909, Василий Кандинский, Neue Gallery, Нью-Йорк
Церковь Святой Марии в Бонне, дома и одна труба, 1911, Франц Марк, Kunstmuseum, Бонн
В 1911 году Марк и Маке познакомились с Василием Кандинским. Художники решили издавать альманах «Синий всадник», в котором попытались объединить такие авангардные течения эпохи, как экспрессионизм, футуризм и кубизм.
Василий Кандинский об альманахе «Синий всадник» в письме Францу Марку, 1911 год:
«Сейчас я работаю над новым проектом — альманахом, в котором будут статьи, колонки и репродукции. Это зеркало отразит связь прошлого с будущим. Рядом с произведением египетского искусства мы расположим рисунки детей, китайскую работу разместим рядом с “Таможенником” Руссо, а образец наивного искусства — рядом с картиной Пикассо. Со временем мы привлечем писателей и музыкантов».
Кандинский и Марк, по словам куратора выставки Сары Имат, стремились к созданию Гезамкунстверка, «универсального произведения искусства», — идее, столь дорогой немецкой философии и живописи с момента ее появления в период романтизма. Свет увидел лишь один номер альманаха «Синий всадник», вышедший в мае 1912 года.
«Птицы»
Еще одна картина достойна вашего внимания. Ее тоже написал Франц Марк. «Птицы» — еще одна особенная работа художника. Она была написана в 1914 году и стала первой необычной работой, которая характеризовала новый стиль живописца. Это картина из той самой зрелой живописи Марка, которая стала отображением животного мира. Художник чувствовал, что животные были тем самым идеалом, которые были намного выше и чище, нежели люди.
«Птицы» – это тот самый стиль, который появился после Робера Делоне. Подобная картина, несмотря на свои яркие цвета, подчеркивает какую-то тревожность и враждебный настрой. Скорее всего, это связано с резкими переходами с одного оттенка на другой. Картина становится «колкой» и апокалиптической.
Глядя на полотно, кажется, что происходит некий взрыв, который волнует и тревожит птиц. Они разлетаются и в то же время остаются спокойными. Когда мир настигает война, кто-то начинает суетиться, а кто-то старается принять ситуацию. «Птицы» стали четким отображением военного мира с его страхами и тревогами.
Желтый — цвет легкой и праздной жизни
Рубеж XVII и XVIII веков во Франции — это эпоха правления Людовика XIV, которого называли «король-солнце». Не страдая излишней скромностью, монарх стремился увековечить себя повсюду: в городских легендах, дорогих дворцах, многочисленных скульптурных памятниках и, конечно, в живописи. Людовик сам часто предлагал мастерам идеи, с кем его можно сравнить и какую аллегорию лучше выбрать. Самым любимым был образ лучезарного Аполлона — покровителя искусств и предводителя муз.
Людовик XIV в образе лучезарного Аполлона. Источник
Французский художник Жан Оноре Фрагонар был настоящим фанатом этого цвета: герои его картин почти всегда появляются в шафрановых одеждах.
Жан Оноре Фрагонар «Молодая читательница» (1770). Источник
В своих работах он использовал неаполитанский желтый — пигмент, который открыли при жизни художника. Эта была очень токсичная краска, содержащая свинец, — и невероятно популярная из-за относительной дешевизны.
Самые дорогие картины Кандинского
Василий Кандинский входит в топ-3 самых дорогих русских художников за последние 20 лет. Суммарный оборот продаж его картин с крупных аукционов за этот период составляет 644 млн долларов, а число проданных картин — 744. По обороту его опережают только Марк Ротко (оборот 1,45 млрд долларов) и Марк Шагал (оборот 1,2 млрд долларов). Подробнее о его рекордах в сравнении с другими художниками русской живописи можно почитать в статье «Топ-10 самых дорогих русских художников». А здесь мы рассмотрим несколько примеров наиболее дорогих продаж его картин.
Самой дорогой картиной Василия Кандинского, уходившей с аукционов за последние два десятка лет, является работа «Картина с белыми линиями». Она относится к тому плодотворному 1913 году, когда художник создал знаменитые композиции VI, VII и другие известные работы. Как раз в этом году представители нового искусства организовали в Нью-Йорке выставку, призванную продемонстрировать закостенелость академической школы и познакомить зрителя с новыми живописными идеями. Упомянутая работа Кандинского вошла в число таких неформатных работ, была широко обсуждаема общественностью и в конечном итоге признана одной из самых значительных в живописи двадцатого века. В 2017 году этот шедевр попал на торги аукционного дома Sotheby’s и был продан за 41,8 млн долларов. Эта продажа сразу подняла мастера на третью строчку самых дорогих уходов картин русских художников.
В.В. Кандинский. «Картина с белыми линиями». 1913 г.
Следующий рекорд установила картина «Мурнау. Пейзаж с зелёным домом». Эта работа принадлежит циклу картин, повествующих об окрестностях городка Мурнау Германии, где художник плодотворно трудился в течение нескольких лет (см. раздел о картине «Осень в Мурнау»). Эта значительная работа выполнена в 1908 году и уже содержит в себе все признаки перехода от предметной детальной живописи к абстрактному искусству художника. Это проявляется через условность контуров, широкие мазки, высокую контрастность и яркость красок. Картину по достоинству оценили на торгах, после которых она перешла в частную коллекцию за 26,4 млн долларов. Продажа состоялась на Sotheby`s в 2017 году.
В. Кандинский. «Мурнау. Пейзаж с зелёным домом». 1909 г.
Еще одна интересная работа называется «Негнущееся и согнутое» или «Прямые и кривые». Эта работа считается одной из самых значительных из серии картин парижского периода, которые когда-либо появлялись на аукционах. Написана она была в 1935 году, а в последующие десятилетия неоднократно представлялась на выставках и печаталась в изданиях, посвященных деятельности Кандинского. По словам самого художника, на создание такого сюжета его вдохновил Париж, который напомнил ему дождливые дни на родине. Особенностью этой работы является использование более светлой палитры и техники масла с добавлением песка. Все это было характерно для его парижского периода творчества. Картину продали в 2016 году на торгах Christie’s за 23,3 млн долларов.
В. Кандинский. «Негнущееся и согнутое». 1935 г.
В диапазоне около двадцати миллионов долларов уходили и другие работы художника. Например, это «Белый звук» (23 млн долларов), «Импровизация 8. Этюд» (23 млн долларов), «Этюд к импровизации 3» (21 млн долларов), «Фуга» (20,9 млн долларов). Такая высокая стоимость говорит о большой востребованности работ художника на рынке живописи. За последний год с января 2020 по январь 2021 года оборот продаж Кандинского составил 10,7 млн долларов за 28 работ. Самой дорогой картиной за последний год стала Einige Spitzen, ушедшая с молотка аукциона Bonhams в 2020 году за 3,2 млн долларов.
В. Кандинский. Einige Spitzen. 1925 г.
Помимо перечисленных картин у Василия Кандинского есть много других замечательных работ. В свое время они произвели огромное впечатление на многих людей, породив целую плеяду русских художников-абстракционистов и зарубежных коллег. Так как его раннее творчество и абстракции по-разному воздействуют на зрителей, то каждый находит в его живописи свои любимые произведения. Оценить всю силу его холстов поможет знакомство с оригиналами, так как многометровые текстурные холсты, безусловно, создают куда более мощное впечатление, чем маленькие электронные копии.
прием
Влияния Синего всадника
Галка Шейер с Фейнингером, Кандинским, Клее и Явленским, коллаж на странице газеты « San Francisco Examiners » от 1 ноября 1925 г.
Пауль Клее преподавал с 1921 года, а Василий Кандинский с 1922 года в Баухаусе в Веймаре, а затем в Дессау . Кроме того, Кандинский, Клее и Алексей фон Явленский, трое из художников, участвовавших в Blue Rider, вместе с Лионелем Фейнингером под руководством Галки Шайер сформировали выставочную группу Die Blaue Vier — воспоминание о Blue Rider — в Веймаре. Шайер в основном в США представлена.
Мюнхен как место авангарда в современном искусстве закончился роспуском «Синего всадника». Его идеи были забыты, а в эпоху национал-социализма многие работы их художников были названы « дегенеративными », уничтожены или проданы за границу. Продажа имела непредвиденные последствия: картины «Синего всадника» стали известны международной публике, а после 1945 года идеи художников получили более широкое признание за границей, чем в Германии. Художники из Дании, Бельгии и Нидерландов, такие как Асгер Йорн или группа CoBrA, продолжили идеи Кандинского и Марка.
Только в 1949 году Мюнхенский Дом искусств под руководством Людвига Гроте показал «Синего всадника. Мюнхен и искусство ХХ века. Путь 1908–1914 гг. «Работы художников-участников. Габриэле Мюнтер была членом почетного комитета и смогла присутствовать на открытии заново абстрактной живописи, которое Кандинский постоянно продолжал. Среди многих других коллекционеров она была одним из кредиторов экспонатов, как и вдовы художников Нина Кандинская и Соня Делоне . Также были представлены картины из коллекции Хильдебранда Гурлитта , бывшего арт-дилера Гитлера . Организаторами выступили Bayerische Staatsgemäldesammlungen , Münchner Städtische Galerie и «Отдел по делам культуры», отдел американских оккупационных властей, ответственный за культурный обмен. Одновременно с этой мемориальной выставкой в галерее Штангл 30 августа 1949 года была показана выставка Франца Марка. Акварели и рисунки , к которым был издан каталог с предисловием Клауса Ланкхейта .
С сегодняшней точки зрения Blue Rider — одна из важнейших станций .
Синий всадник в Ленбаххаусе
Ленбаххаус, вид на сад 2013
После разрыва Василия Кандинского с Габриэле Мюнтер в 1920-х годах возник юридический спор о праве собственности на его картины Мурнау, который в 1926 году в значительной степени закончился в пользу Мюнтера. В нацистскую эпоху она спрятала многих Кандинского и других членов «Синего всадника» в подвале своего дома. По случаю своего 80-летия в 1957 году она завещала большую часть своего имения городу Мюнхен. В их числе 25 его собственных картин, 90 картин Кандинского, написанных маслом, и более 300 его акварелей, темперных листов, картин и рисунков на стекле. Таким образом, Мюнтер создал предпосылки для представительства Der Blaue Reiter в Städtische Galerie im Lenbachhaus в Мюнхене. В 1965 году Фонд Бернхарда и Элли Кёлер был добавлен к пожертвованию Мюнтера, пополнив фонды, в частности, картинами Франца Марка и Августа Макке. Поскольку Ленбаххаус был закрыт на ремонт на долгое время до весны 2013 года, многие работы художников Синего всадника были представлены на других выставках. С 7 мая 2013 года, в день открытия, их показывают посетителям при дневном свете.
Синий год 2011
Почтовая марка Deutsche Post 2012 года с мотивом Марка « Синяя лошадь I.
Свободное государство Бавария в 2011 году отметило два юбилея: 125-летие со дня смерти «сказочного короля» Людвига II и одновременно 100-летие Голубого всадника. Многие выставки в музеях показали работу участвующих художников в специальных шоу, например, замок — музей Мурнау , то Марк Музей Франца в Кохеле — ам — Зее, в Buchheim музей в Бернриде и Penzberg Городского музея .
The German Post AG представляла собой памятную марку , выпущенную к столетнему юбилею , стоимостью 145 евроцентов. Дата выпуска — 9 февраля 2012 года. На марке изображена работа Франца Марка « Синяя лошадь I» 1911 года, дизайн выполнен дизайнером коммуникаций Ниной Клаузинг из Вупперталя.
Публикация «Das Neue Bild» и предварительный конец НКВМ
Когда Веревкина и Явленские вернулись из летнего отпуска в Оберстдорфе в 1912 году, они нашли классную книгу Das Neue Bild по Отто Фишер , который должен был служить в качестве публикации NKVM для четвертой выставки в печатном виде . Он содержит тексты и иллюстрации к работам девяти художников, а именно: Бехтеева, Баррера-Босси, Эрбслёха, Гириёда, Явленского, Канольдта, Когана, Могилевского и Веревкина.
Веревкин был возмущен текстом и пояснениями об отдельных художниках в этой книге. Свое мнение разделили Явленский, Бехтеев и Могилевский. Между этой партией ассоциации и другими в Эрбслёх велась обширная жестокая переписка. В письме от оборотней, которое она отправила Ричарту Райху , тогдашнему директору Ассоциации художников-барменов , содержится информация о предыстории и внутренних проблемах, которые привели к тому, что запланированная выставка больше не была реализована . Возмущенная книгой, она спросила Райхе:
- «Вы читали книгу? Вы читали, что мы ругаем таких людей, как Пикассо и Кандинский, как мошенников? Вы читали, что нам, то есть НКВ, нужно изобразительное искусство? Книга ударила меня как кнут! «
Раскол в конечном итоге привел к тому, что Веревкин и Явленский покинули НКВМ ближе к концу года. С этого момента ассоциация долгие годы существовала только на бумаге. Только в 1920 году Эрбслёх официально удалил его из Мюнхенского реестра ассоциаций.
4-я выставка 1934 г.
Из письма Эрбслёха от 26 ноября 1932 года историку искусства Отто Фишеру, написавшему первую публикацию для NKVM в 1912 году, мы узнали, что художник вместе со своим коллегой Канольдтом проводил своего рода ретроспективу со своими товарищами. На 1934 год довоенный период НКВМ планировал: « Доктор. В прошлом году Райх-Бармен предложила Hofrat Pixis из местной художественной ассоциации организовать большую выставку для членов бывшего Мюнхенского художественного объединения в 1934 году к 25-летию основания бывшего Союза новых художников ».
Фишер, который в то время занимал должность директора художественного музея в Базеле , узнал от Эрбслёха, что выставка продлится с мая 1934 года по 15 июня 1934 года. Он сам будет частью партии. Босси , Жирё , Явленский , Кандинский , Канольдт , Кубин и Мюнтер «прислали бы довольные разрешения». Он ожидал ответы от других членов, Bechtejeff , Фоконья , Когана , Mogilewsky и Веревкина , в том числе Марии Марк , которого он также приглашен участвовать. Одним из интересных моментов в списке является тот факт, что Эрбслёх хотел, чтобы жена Марка, которая никогда не выставляла свои картины на NKVM, была представлена экспонатами на 4-й выставке. С другой стороны, примечательно узнать из письма Эрбслёха, что «шум», который Кандинский и Марк устроили 2 декабря 1911 года и который привел к отделению Синего всадника от НКВМ, был преодолен художниками. . Удивительно и то, что Кандинский, в частности, не возражал против возобновления совместного выступления.
Уже планировалось придать выставке особый характер как в историческом, так и в современном аспекте: «Поскольку у нас много места (Kunstverein предоставляет нам все свои помещения), мы с Канольдтом пришли к идее, и не только Сделать почти «историческую» выставку, но также и выставить более свежие работы участников (Кандинский находит эту идею особенно счастливой). Вы можете сделать около 2 отделов, один с работами, созданными в (приблизительно) 1909-1914 годах, другой с более поздними работами отдельных членов Я почти забыл упомянуть здесь антиквариат искусства Вальц на Амалиенштрассе в то же время (также в мае 1934 г.) хотелось бы провести выставку графики бывших участников Нового КВМ, чтобы эти 2 выставки могли самым прекрасным образом дополнять друг друга. С наилучшими пожеланиями вам и вашей жене, а также от моей жены, вашего старого Erbslöh «.
Эрбслё и Канольдт больше не могли реализовать идею выставки, потому что после захвата власти Адольфом Гитлером 30 января 1933 года картины членов бывшего НКВМ были объявлены вне закона как дегенеративные . Это означало окончательный конец НКВМ.
Описание изображения
По словам Ульриха Бишоффа , в центре изображения находится «огромное солнце, которое распространяет свое радиационное поле на идеальный прибрежный пейзаж». Hans Dieter Huber находит пейзаж в Kragerø , небольшой городок на южном побережье Норвегии , где обосновался Munch после его возвращения в Норвегию в 1909 году. Это пейзаж архипелага с его типичными округлыми скальными образованиями. Между двумя такими полукруглыми скалами взгляд зрителя падает на бухту, в которой море отражает низкое утреннее солнце.
Структура изображения практически полностью зеркально-симметрична . Крупные, четкие, жестко очерченные формы монументального изображения означают сокращение до самого существенного и в то же время отказ от всего случайного и изменчивого в композиции. Стилистически Мунк использует технику полос , которую он разработал с 1907 года, в таких картинах, как «Смерть II» Марата , « Амор и Психея» и « Автопортрет» в клинике .
Райнхольд Хеллер описывает «сочетание натуралистической наблюдательности и стилизованного упрощения», которое по изображению света и сияния почти напоминает абстрактную живопись . Лучи белого солнца принимают все цвета радуги. По словам Ханса Дитера Хубера, «светло-серо-серебристый основной тон» цветов картины согласован с запланированным местом выставки в аудитории университета, стены которой выполнены из светло-серого мрамора и украшены тонко позолоченными полосами, фризами и капителями .
Солнце в актовом зале Университета Осло
Описание картины Василия Кандинского «Ипрессия III (концерт)»
Написана в 1911 г., маслом по холсту, размер 77,5 на 100 см. Находится в Ленбаххаусе, Мюнхен, Германия.
Василий Васильевич был не только выдающимся художником, но и теоретиком. Он считал, что искусство должно сбросить оковы, которые накладывает физическая форма объектов и явлений, и доносить саму глубинную суть идей до зрителя. По его классификации картины делятся на композиции, импровизации и импрессии. Последнее относится к данной работе и означает изображение внутренних переживаний автора от определенных вещей или событий. На этом полотне нашли свое отражение эмоции, испытанные от великолепного концерта австрийско-американского композитора Арнольда Шенберга, с которым они впоследствии стали друзьями на почве общего понимая основы музыкальных и живописных образов.
Обычному человеку при просмотре подобных экспрессионистских абстракций следует отключать рациональное и чувствовать душой, особым зрением, стараясь постичь все нюансы не разумом. Однако в отношении этого творения мастера можно понять достаточно много о том, что написано, присмотревшись повнимательнее. Потому что большое черное нечто своей формой очень напоминает рояль. Цепляясь за эту ассоциацию, становится логичным предположить, что в левом нижнем углу изображена публика, а в верхнем, соответственно, остальной оркестр, выделяющийся угольными линиями похожими на смычки. Также невооруженным глазом заметна энергия движения – мазки, крупные и мелкие пятна, устремленные по диагонали в правый угол.
Особое значение имеет и цвет. Желтый весьма нахален и динамичен, он тревожит, сильно задевает созерцателя, синий, темнея, вызывает нарастающую тоску, красный дает мощь и агрессивную силу, черный символизирует угасшую пропасть и нечто абсолютно безвольное.
Художники в окружении Голубого всадника
- Генрих Кампендонк
- Елизавета Ивановна Эпштейн
- Наталия Сергеевна Гончарова
- Алексей фон Явленский
- Василий Кандинский
- Альфред Кубин
- Август Маке
- Франц Марк
- Габриэле Мюнтер
- Арнольд Шенберг
- Марианна фон Веревкин
- Эрма Босси
- Пауль Клее чувствовал себя очень близким к Blauer Reiter, но не играл ведущей роли в группе, тем более, что на тот момент он еще не нашел своей артистической направленности. Однако он принимал участие в выставках и получил важные импульсы для своей дальнейшей работы.
- Робер Делоне был связан с группой и самым успешным художником на первой выставке Blue Rider.
- Во время своего пребывания в Мюнхене Ханс Больц был одним из ближайших друзей «Синего всадника» и был главным иллюстратором сатирического журнала « Комет» (1911/12).
Творческие методы
Настольной книгой Франца Марка был труд Альфреда Брема «Жизнь животных». Художник глубоко интересовался соотношением внешнего облика и внутренней организации, строения, структуры. Посему он много времени проводил в зоологическом музее, скрупулёзно изучая животных, делал зарисовки с натуры в Берлинском зоопарке. Больше всего ему нравились лошади. Неискушённого зрителя могут поражать неестественные цвета его картин, а поверхностное сходство с реальными животными может заставить усомниться в естественно-научных познаниях автора. Однако выбранная стилистика ничуть не противоречит анатомии. «Искусство, — считал художник, — не должно отражать, а должно вскрывать внутреннюю «истинность» вещей». Яркие цвета он, в отличие от фовистов, применял для усиления значимости животных. Каждый цвет в иконографии Марка несёт определённый смысл. Вот что пишет он о цветовой символике в письме от 12 декабря 1910 года своему другу и художнику А. Макке: «Синий – мужское начало, суровое и одухотворённое, жёлтый – женское, нежное, чувственное и радостное, красный – масса, материя, цвет брутальный и тяжёлый, который всегда борется с первыми двумя и покоряется им. Если ты смешаешь, например, строгий духовный синий цвет с красным, ты тем самым привнесёшь в синий невыносимую грусть, и тогда понадобится спокойный жёлтый, чтобы добавить его к фиолетовому цвету. Но если ты смешаешь синий с жёлтым до зелёного, то пробудишь к жизни красный, массу, землю». В полотнах, написанных после разработки им этой теории, Марк всегда делал акценты на самостоятельном значении каждого цвета в отдельности.
Художник часто получал вопросы относительно его излюбленной тематики. Когда издатель из Мюнхена Рейнхард Пипер попросил прокомментировать увлечение анимализмом. Марк ответил следующее: «Я не ставлю своей целью изображение только животных… Я хочу обострить своё восприятие органического ритма всех вещей, расширить пантеистическое ощущение мира, живого пульсирующего потока крови в природе, деревьях, животных и воздухе… Я не знаю лучшего способа подобного «оживления» искусства, чем изображение животных».