Абстракционизм (лат. abstractio — отвлечение)
Этот стиль подразумевает отвлечение от фигуративной или предметной живописи, поэтому его еще называют беспредметным искусством. Это означает, что абстракционисты не рисуют людей, предметы или природу, поэтому в их картинах часто нет сюжета, а сами работы просто нумеруются, чтобы отличать одну из них от другой. Но и среди таких работ бывают чистые абстракции (полное отсутствие предмета и сюжета) и так называемые предметные абстракции (сюжет все же просматривается сквозь нагромождение непривычных взгляду фигур, линий или точек).
Абстракционисты пошли вразрез с традициями классической школы, сделавшей основной упор на изображении предметов строго по определенным канонам. Они отказались от сходства предмета и изображения в пользу экспериментов с формами и цветами.
Выдающимися деятелями этого стиля считаются В. Кандинский, К. Малевич, М. Ларионов, Н. Гончарова и некоторые другие. Одни из них придумывали свои направления и идеи, а других их развивали. Так, у истоков абстракционизма стоял В. Кандинский, осознавший, что цвета и формы можно изображать без привязки к предмету. К. Малевич придумал отдельное направление супрематизм, которое в дальнейшем подхватили его коллеги (А. Экстер, Л. Попова, И. Чашник и др.). М. Ларионов и Н. Гончарова развивали идеи придуманных Ларионовым лучизма и всёчества, С. Поляков работал с контрастными геометрическими цветовыми пятнами.
Карл Брюллов
Карл Брюллов — выдающийся русский живописец.
Карлу повезло больше, он родился в творческой семье, его отец занимался художественной резьбой. Он заметил, что у мальчика есть способности и отправил его обучаться рисованию в Академию Художеств.
Брюллов успешно закончил обучение, а картина «Явление Аврааму трех ангелов у дуба Мамврийского» принесла ему золотую медаль и возможность отправиться за границу за казенный счет.
Карл уехал в Италию, там он написал несколько картин. «Последний день Помпеи» — самая знаменитая работа Брюллова, но по-настоящему популярным его сделали портреты. Он рисовал представителей итальянской знати и своих соотечественников.
Также его интересовали исторические темы, чуть позже он увлекся религиозной тематикой. В последние свои годы в России он расписывал Исаакиевский собор, по настоянию врачей покинул страну.
Художник дожил до 52 лет, смерть была внезапной.
Самые известные картины: «Последний день Помпеи», «Всадница», «Одалиска».
Художник Ю. Анненков и его картины в стиле кубизма
Еще одним смелым кубистом, который не боялся пойти против устоев общества и живописи, стал Юрий Павлович Анненков. Только упорство и свобода взглядов помогли ему добиться успеха на художественном поприще, так как его исключили из гимназии за политические карикатуры, а затем не взяли и в Академию художеств. Он обучался в частных художественных мастерских, в том числе и во Франции. Возможно, именно эта свобода от канонов классики позволила художнику импровизировать на полотнах и добиваться того, что каждая следующая картина становилась для критиков полной неожиданностью.
Ю. Анненков (1889–1974).
Смешивая самые разные стили и приемы, он часто использовал в своих картинах принципы кубизма и кубофутуризма, показывая объекты с новых сторон. Одним из любимых его жанров был портрет, в котором он достиг больших успехов и прославился своей серией острохарактерных портретов известных людей. Именно в них можно часто наблюдать характерную для кубизма фрагментарность объектов и изображение многочисленных граней. Это позволяло ему точнее передавать психологическую составляющую героев, причем он спокойно применял множество других стилей в одной и той же картине. Так, при написании портрета А. Тихонова Анненков активно использует приемы кубизма при создании головы героя, чем удачно передает состояние задумчивости, размышлений известного литератора. В то же время фон и костюм кубизм затрагивает лишь частично, а картина на стене уже выполнена в классическом стиле. Заметим, что в 2014 году портрет Тихонова был продан на торгах за 6,2 млн долларов.
Ю. Анненков. Портрет А. Тихонова. 1922 г.
Интересно, что именно Анненков полностью иллюстрировал известную поэму Александра Блока «Двенадцать» шедевральными кубистическими рисунками. Блок вначале отнесся настороженно к идее доверить иллюстрацию свободному в художественном самовыражении Анненкову, но первые рисунки оказались ему так близки, что в итоге книга была отпечатана в крупноформатном тираже, рассчитанном на ценителей книг и коллекционеров. Сам же выпуск был назван критиками исключительным событием для русской графики и поэзии.
Ю. Анненков. Иллюстрации к поэме А. Блока «Двенадцать»
В числе других его картин в стиле кубизма и кубофутуризма назовем такие работы: «Портрет З. Гржебина», «Портрет В. Мейерхольда», Portrait of photographer M.A. Sherling и пр.
Ю. Анненков. Портрет З. Гржебина. 1919 г.
Примитивизм (лат. primitivus — первый)
Этот стиль подразумевает упрощение изображения, создание рисунка, который близок исполнению ребенка. Но если ребенок рисует так из-за неумения, то многие художники прибегали к примитивизму намеренно. Это помогало им упростить чрезмерно усложнившуюся жизнь. Например, примитивные картины Н. Пиросмани не были напыщенны (как работы многих академистов), не содержали чрезмерно глубоких смыслов (как живопись авангардистов), потому казались простыми и душевными.
Прогресс во многом сделал человека рабом, лишил его естественной свободы, против чего и выступали примитивисты. Среди них были в первую очередь Н. Пиросмани и Л. Гудиашвили. У И. Машкова кроме чисто примитивистских сюжетов было интересное сочетание примитивизма с реализмом, у Н. де Сталя примитивизм сливался с абстракционизмом.
Примеры картин известных русских художников в стиле примитивизма
Картина Н. Пиросмани «Бездетный миллионер и бедная с детьми».
Картина Л. Гудиашвили «Кутеж кинто с женщиной». 1919 г.
Картина Н. де Сталя «Лежащая обнаженная». 1953 г.
Картина И. Машкова «Натюрморт с цветами». Около 1912 г.
Библиография
Альбомы, каталоги, монографии, сборники статей
- Сарабьянов Дмитрий, Автономова Наталия. Василий Кандинский. — М.: Галарт, 1994. — 238 с. — 5000 экз. — ISBN 5-269-00880-7.
- Альтхаус Карин, Хоберг Аннегрет, Автономова Наталия. Кандинский и «Синий всадник». — М.: Министерство культуры Российской Федерации, Издательство Государственного музея изобразительных искусств имени А. С. Пушкина, СканРус, 2013. — 160 с. — ISBN 978-5-4350-0011-5.
Статьи
- Рейнгардт Л. Абстракционизм, в кн.: Модернизм. Анализ и критика основных направлений, М., 1969, с. 101-11.
- Grohmann W. Wassily Kandinsky. Life and work, N. Y., 1958.
- Baedecker. Deutschland. Verlag Karl Baedeker. 2002. — ISBN 3-8297-1004-6
- Schulz,Paul Otto.Ostbauern.Köln:DuMont, 1998 — ISBN 3-7701-4159-8
- Азизян И.А. Москва В. В. Кандинского // Архитектура в истории русской культуры. Вып. 2: Столичный город. М.: УРСС, 1998. — ISBN 5-88417-145-9 С. 66—71.
- Азизян И.А. Концепция взаимодействия искусств и генезис диалогизма XX века (Вячеслав Иванов и Василий Кандинский) // Авангард 1910-х — 1920-х годов. Взаимодействие искусств. — М., 1998.
- Раппапорт А. Кандинский в Лондоне // Rossica. — 2002.— Issue 7/8: Revelations in Colour: Dionisy & Kandinsky. Или: Kandinsky in London // Idem.
- Валерий Турчин. Кандинский в России. М.: Художник и книга, 2005. — 448с. — ISBN 5-9900349-1-1
- Азизян И.А. Теоретическое наследие В. В. Кандинского в художественном сознании XX века // Вопросы теории архитектуры: Архитектурно-теоретическая мысль Нового и Новейшего времени / Сборник научных трудов под ред. И. А. Азизян. — М.: КомКнига, 2006. С. 189—249.
- Кожев, А. Конкретная (объективная) живопись Кандинского (1936) // «Атеизм» и другие работы. — М.: Праксис, 2007. — С. 258—294.
При написании этой статьи были использованы материалы таких сайтов: mosintour.ru, ,
Творчество. Свобода. Живопись.
Allpainters.ru создан людьми, искренне увлеченными миром творчества. Присоединяйтесь к нам!
4.1/5 — (7 голосов)
Конструктивизм (лат. constructivus — конструктивный)
Этот стиль относится к авангардизму. Впервые он возник в СССР, когда после революции шел непрерывный поиск новых форм. Конструктивисты фактически отказались от живописи ради нее самой и провозгласили производственное искусство, приносящее практическую пользу народу. Так авангардистские рисунки перешли на спецодежду, спортивную форму, ткани, фарфор и иные вещи.
Среди русских художников яркими представителями конструктивизма являются А. Родченко, В. Степанова, Л. Попова, а также И. Чашник, С. Делоне, В. Ермилов и другие.
Примеры картин известных русских художников в стиле конструктивизма
Эскизы спортивных костюмов В. Степановой.
Фарфоровая чашка, созданная по эскизам И. Чашника.
Работа В. Ермилова «Дизайн комнаты отдыха в Харьковском Дворце пионеров и октябрят». Около 1934 г.
Валентин Серов
Современники знали Серова как отличного портретиста. Портреты его авторства были показателем престижа для представителей русской элиты.
Валентин – мастер психологического портрета, не зря модели боялись художника. Он обладал выдающейся способностью: всегда улавливал суть человека или явления.
Детство Серова нельзя назвать счастливым, его отец умер рано, а мать была занята своей личной жизнью. Мальчик плохо учился, но зато был успешен в искусстве. Он так и не доучился, но это не помешало ему стать известным художником.
Скончался он в возрасте 46 лет от сердечного приступа. Благодаря Серову у современного человека есть возможность увидеть, как выглядели многие знаменитые люди.
Самые известные картины: «Девочка с персиками», «Девушка, освещенная солнцем», «Похищение Европы».
Василий Суриков
Русский живописец, известен как мастер композиции, его полотна отличались особым размахом, масштабностью.
История Сурикова необычна и интересна. Его семья была не богата, денег на обучение не было. Однажды его рисунки увидел енисейский губернатор. Он нашел человека, который смог помочь Сурикову.
Уже во время обучения он придавал большое значение композиции. Василию даже дали прозвище «Композитор».
Он написал множество выдающихся картин, работал над оформлением Храма Христа Спасителя (фрески). Василий Суриков прожил 68 лет и скончался от ишемической болезни сердца.
Даже серьезные проблемы со здоровьем не стали препятствием для художника, в последние годы своей жизни он по-прежнему занимался любимым делом.
Самые знаменитые картины: «Утро стрелецкой казни», «Боярыня Морозова», «Взятие снежного городка».
Биография Василия Кандинского
Великий русский живописец Василий Кандинский родился в 1866 году в Москве. Во всем мире знают Кандинского как одного из основоположников абстракционизма. В детстве живописец много путешествовал с родителями по России и странам Европы. В 1871 году семья переехала на постоянное место жительства в Одессу, здесь Василий получил художественное и музыкальное образование.
Василий Кандинский учился в университете на юриста, но вынужден был на время прервать обучение в связи с ухудшением здоровья. Заниматься живописью Кандинский решил относительно поздно – на тот момент начинающему художнику было уже 30 лет. В 1896 году Кандинский переезжает в Мюнхен, и вплоть до 1914 года Германия стала его второй родиной. Сегодня туристы, заказывающие в Мюнхен туры, имеют редкий шанс посетить места, где когда-то жил и работал великий мастер абстракции.
Алексей Саврасов
Алексей Саврасов — основатель жанра лирических пейзажей.
Отец Алексея был купцом и хотел, чтобы сын продолжил его дело. Юноша не оправдал ожидания отца и поступил в училище живописи.
Первые его картины не были оценены по достоинству. Известность ему принесла работа «Вид на Кремль от Крымского моста в ненастную погоду».
Вскоре после окончания училища Саврасов стал руководить пейзажным классом.
У него много достойных работ, но его считают «художником одной картины». Это всем известная «Грачи прилетели».
Возможно, это стало причиной его терзаний. Художник увлекся алкоголем, в его творчестве появились мрачные мотивы.
Последние годы своей жизни Алексей провел в бедности. Великий художник скончался в больнице для бедняков, но его картины до сих пор радуют потомков.
Самые известные картины: «Грачи прилетели», «Вид на Московский Кремль. Весна», «Проселок».
Экспрессионизм (лат. Expressio — выражение)
Истерзанные революциями и войнами 20-го века люди, испытывали тяжелейшие эмоции. У художников этого поколения возникла острая необходимость выражения этих эмоций, демонстрации своих страхов, разочарования, ощущения изуродованности мира. По этой причине картины экспрессионистов часто создавались с помощью темных или кричащих тонов, с помощью грубых мазков и искаженных линий. Сами сюжеты могли передавать боль, отчаяние или крик художника. Так, у Х. Сутина эта боль и ощущение уродливости мира выражались через изображение многочисленных туш животных, темно-красные оттенки, у Ю. Анненкова — через изломанные линии и темные тона, у А. Явленского — через кричащие тона и угловатые формы. Еще интереснее работы М. Ротко, который изображал только цветовые поля, но с их помощью выражал сильнейшие эмоции и вызывал аналогичные эмоции у зрителей.
Примеры картин известных русских художников в стиле экспрессионизма
Картина Х. Сутина «Бычья туша». Около 1923 г.
Картина А. Явленского «Женщина с зеленым веером». 1912 г.
Картина М. Ротко «№ 1 (Королевский красный и голубой)». 1954 г.
Выше мы рассмотрели лишь основные стили, в которых работала большая часть известных русских художников. Заметим, что для многих из них характерны продолжающие течения с приставками «нео», «пост», «прото» и другими (неопримитивизм, постмодернизм, протоимпрессионизм и т.д.). Возникали они либо по причине того, что данный стиль требовал для дальнейшего развития чего-то нового, либо на волне возрождения интереса к нему.
Также нужно учитывать, что многие русские художники не творили в одном стиле. Они экспериментировали с разными направлениями, смешивали их друг с другом или брали их отдельные элементы. Все это приводило к индивидуализации стилей и рождению новых направлений. Кроме названных выше к ним можно отнести, например, кинетическое искусство А. Певзнера, мистический сюрреализм П. Челищева, нонконформизм Е. Чубарова, концептуализм И. Кабакова и другие стили.
Работа А. Певзнера «Два конуса в одной плоскости» в стиле кинетического искусства. 1936 г.
Инсталляция И. Кабакова «Человек, улетевший в космос из своей комнаты» в стиле концептуализма. 1985 г.
Картина Е. Чубарова «Танец» в стиле нонконформизма. 1981 г.
Интересные факты о художнике
Британские ученые нашли наконец объяснение того, почему картины основоположника абстракционизма Василия Кандинского производят впечатление не на всех зрителей. Нейрофизиологи убеждены: Кандинский писал свои полотна в расчете на тех, у кого созерцание порождает и звуковые ассоциации. Синестетов, то есть людей, способных «видеть звуки» и «слышать живопись», насчитывается сегодня, по данным исследователей, не более 250 млн. человек. Однако ученые выяснили, что в первые месяцы жизни все мы синестеты.
По его словам, лишь 1–2% из нас могут считать себя синестетами, но каждый человек подсознательно склонен связывать музыку и живопись и воспринимать их слитно, а не раздельно. Как сообщает Газета.Ru, чтобы проверить свою теорию, д-р Уорд поставил серию экспериментов, в которых шести синестетам предлагалось описать свое видение музыки, исполняемой Новым Лондонским оркестром.
Другая контрольная группа состояла из шести нормальных людей. Художник-аниматор Сэм Мур создал для них динамические изображения, связанные с проигрываемой музыкой. Эти фильмы – как знаменитая «Фантазия» Уолта Диснея – комбинировали музыку и рисованные образы. После эксперимента с контрольными группами фильмы продемонстрировали посетителям Музея науки в Лондоне, попросив отобрать изо всех изображений те, которые лучше всего соответствуют музыке. Подавляющее большинство выбрали именно те изображения, на которые обратили свой благосклонный взгляд синестеты.
Мастер оптимистического кубизма А. Лентулов и его картины
Аристарх Васильевич Лентулов был по своей природе энергичным и смелым. Из-за своей дерзости он так и не сумел попасть в академическую школу живописи, зато именно смелость помогла ему организовать скандально известное художественное объединение авангардистов «Бубновый валет». Его создание как раз пришлось на годы, когда художник учился у французских живописцев и основательно увлекся кубизмом. Но Лентулов не копировал местных мастеров, а пришел к собственному варианту, называемому оптимистическим кубизмом.
А. Лентулов (1882–1943).
Такое необычное название возникло в связи с тем, что огромная жизнерадостность художника буквально окутывала зрителя, разглядывающего любую его картину. Какую бы тему он ни брал, изображения получались яркими и утопающими в свете. Когда же дело дошло до экспериментов с кубизмом, изображения рассыпались на множество форм, но в них по-прежнему остались яркие цвета и динамичность самой жизни. К этому добавилась и сама тематика картин, так как Лентулов увлекся русским фольклором, иконами и древней архитектурой. Так, зрителя может поразить многоцветием картина «Василий Блаженный», он может услышать целую симфонию звуков при знакомстве с работой «Небозвон (Декоративная Москва)» или почувствовать всю мощь многовековой столицы в произведении «Москва».
А. Лентулов. «Небозвон (Декоративная Москва)», 1915 г.
Сам же художник в шутку называл свой стиль орнеизмом из-за того, что его полотна напоминали орнаменты и даже содержали кроме красок различные материалы типа фетра, бересты, фольги, бархата и других. Писал он свободно и вызывающе, что стало одной из причин популярности как в его время, так и сегодня. Среди других работ в данном стиле назовем «Астры», портрет художника И.С. Малютина и «Красный мост в Царицыно».
А. Лентулов. «Астры». 1913 г.
Абрам Архипов
Архипов был выходцем из очень бедной семьи. Но мы почти не увидим у него трагичных сюжетов. К тому же он больше остальных передвижников тяготел к импрессионизму. Который волей-неволей смягчает любую драму.
Но есть у Архипова главный шедевр, «Прачки», который как нельзя лучше вписывается в концепцию передвижников.
Однажды художник случайно забрёл в подвал одного дома. И увидел бедных женщин, которые с утра до позднего вечера возятся в корытах с водой.
Он был крайне поражён их тяжким трудом. Поэтому не мог не создать своих «Прачек».
Пожилая женщина без сил опустилась на скамью. Ее худая, скрюченная рука кажется слишком миниатюрной для такого адского труда.
Лиц молодых прачек мы не видим. Будто Архипов даёт им надежду однажды вырваться из этой бесконечной круговерти тазов, мыла и пара.
Но все же Архипов предпочитал не грустить. И чаще изображал счастливых женщин.
В этой статье и так было много поводов для грусти. Поэтому завершу пост на более позитивной ноте. Портретом довольной и нарядной крестьянки.
Товарищество передвижных выставок просуществовало 53 года (1870-1923 гг.). Уже в конце 19 века их стали все чаще критиковать. Обвиняя в литературщине и гипертрофированном трагизме.
А с возникновением моды на модерн и беспредметное искусство и вовсе перестали покупать.
Но вклад художников-передвижников в развитие русского искусства колоссальный. Живописное мастерство художников, работающих в свободной атмосфере, поднялось на невероятную высоту.
В том числе поэтому многие шедевры русской живописи созданы именно во второй половине 19 века, в пору рассвета эпохи передвижничества.
В
XIX веке петербургская Академия
художеств оставалась
центром творческой жизни страны. Это
было достаточно консервативное учреждение
«…с царившими здесь педагогической
системой преподавания, устаревшими
нормами эстетики, потерявшими связь с
передовой русской художественной
культурой…».
В
1863 году случился скандал: 14 выпускников
Академии — Крамской, Корзухин,Маковский
К., Лемох,
Григорьев, Журавлев, Морозов и другие,
отказались участвовать в конкурсе на
большую золотую медаль и демонстративно
вышли из ее состава.
В
том же году ими была создана Артель
свободных художников, которая в течение
ряда лет являлась в Петербурге своеобразным
художественным центром.
Московские
художники Мясоедов Г. Г., Перов
В. Г., Маковский
В. Е.,
Прянишников И. М., Саврасов А. К. в конце
1869 года предложили петербургской Артели
соединиться всем вместе и образовать
новое общество. В 1870 году «товарищество
передвижников»
,
уже утвержденное правительством, начало
свою деятельность. Главное, чего прежде
всего сумели добиться художники
передвижники, — это устройство
самостоятельных выставок и передвижение
их по городам России.
С
появлением товарищества передвижников
новое искусство развивается в едином
русле с передовой русской литературой,
музыкой, театром, общественной мыслью,
образуя мощный поток русской демократической
культуры, одухотворенной передовыми
социальными идеями своего времени.
В
состав общества художников передвижников
в разное время входили Репин
И. Е.,
Суриков В. И., Маковский
В. Е., Прянишников
И. М.,
Саврасов А. К., Шишкин И. И., Максимов В.
М., Савицкий К. А., Васнецов A. M. Васнецов
В. М.
,
Куинджи А. И., Поленов В. Д., Ярошенко Н.
А., Левитан И. И., Серов
В. А. и
др. Участниками выставок художников
передвижников были Антокольский М. М.,
Верещагин В. В.,Коровин К. А., Коровин С.
А., Рябушкин А. П., и др.
Новые пути творчества
Стараниями «передвижников» Реализм постепенно вытеснил академическую живопись. Иногда она даже имела несколько драматический характер, чтобы очаровать обывателя и заставить его задуматься о несправедливости. Несмотря на отмену крепостного права в 1861 году, аграрный вопрос не исчез. Жизнь бывших крепостных по-прежнему была нищенской. Художник Василий Перов посвятил крестьянской жизни серию работ, из которых «Тройка» — самая показательная. Он написал ее через три года после «Восстания четырнадцати». Зритель может видеть лица измученных детей. Они одеты по погоде — их обувь изношена, а одежда очень тонкая. Перов долго выбирал модели для своих работ, особенно главную фигуру — мальчика, стоящего в центре. Реальная судьба мальчика была еще печальнее, чем у фигур на картине. Через год после завершения картины, художник она узнала, что мальчик умер. Можно только предполагать, что послужило причиной смерти — тяжелый ежедневный труд, голод или болезнь.
Работа «передвижникаПьеса Ильи Репина «Бурлаков на Волге», также посвященная страданиям «маленького человека», вызвала бурную реакцию. «Бурлаков на Волге» художник начали писать в те годы, когда на смену парусным судам пришли пароходы и необходимость в рабочей силе отпала. Многие упрекали Репина за его опоздание и ничтожность. Возмущение вызвал и тот факт, что картина была отправлена на всемирную выставку в Вене. «Ну, скажи мне, ради всего святого, что заставило тебя нарисовать эту картину? Я свел старомодные средства передвижения к минимуму, и это еще не скоро уйдет в прошлое! Министр путей сообщения Алексей Бобринский гневно кричал на художника. Однако великий князь Владимир Александрович высказался в пользу Репина. Он не только приобрел «Бурлаков» для своей личной коллекции, но и охотно показывал картину всем своим гостям, подробно объясняя ее значение и человека, который на ней изображен. В своем творчестве Илья Репин не изменил своим принципам и продолжал браться за спорные и «опасные» темы. Однако не все его шедевры дошли до зрителя в том виде, в котором были задуманы изначально. Первая версия «Не ждать», например, датируется 1883 годом, а главной фигурой является девочка, встречающая своих сестер дома. Эта версия картины, конечно же, является основной был художнику для экспериментов с расположением фигур и цветом, но она стала самостоятельной, не менее интересной работой. Окончательный вариант картины «Я не жду» был написан Репиным после того, как он объявил амнистию ссыльным. Благодаря усилиям художника главный герой выглядит неуверенным и растерянным — по сути, таким как российское общество после рокового убийства царя Александра II.
Андрей Рублев
Андрей Рублев – самый известный русский иконописец. О нем мало, что известно. Есть предположение, что он родился в семье ремесленников. Принял монашеский постриг, тогда и получил имя Андрей.
Первые упоминания о нем датированы 1405 годом. Он участвовал в росписи стен Благовещенского собора в Московском Кремле.
У Рублева свой стиль, не похожий на другие. Его иконы наполнены гармонией, в них нет трагизма. Свою жизнь художник отдал на служение Богу.
Его последняя работа не сохранилась, Рублев трудился над фресками для Спасского Собора. Он не успел их закончить, заболел чумой и вскоре скончался.
Самые известные иконы: «Троица», «Христос-вседержитель», «Вознесение Господне».
Михаил Врубель
Русский художник Михаил Врубель, работал во всех жанрах искусства. Известен как автор «демонического цикла». Это серия, куда вошли картины, иллюстрации и скульптуры с изображением демона.
Врубельеще в юности увлекся рисованием. Правда, сначала ему пришлось учиться на юриста, этого хотел отец Михаила.
Первое время юноша расписывал стены церквей и даже написал несколько икон. Этим он занимался и после учебы.
«Демонический цикл» появился благодаря Лермонтову. Врубель рисовал иллюстрации для его поэмы «Демон», его очень заинтересовала эта тема.
К сожалению, жизнь художника закончилась печально. У него возникли проблемы с психикой, а потом Михаил потерял зрение.
Самые известные работы: «Царевна-лебедь», «Девочка на фоне персидского ковра», «Демон сидящий», «Демон поверженный».
Кратко о кубизме и кубофутуризме
С изобретением фотографии точное отражение мира больше не было прерогативой художников. Реализм и классицизм постепенно перестали быть главенствующими стилями и уступили место живописи, которая сместила акценты на постижение цвета и форм. Кубизм стал одним из новых направлений, который с начала XX века пользовался огромной популярностью. Кубисты раскладывали изображение на отдельные элементы и затем собирали его заново, чтобы показать мир уже в каком-то новом свете. Даже само слово «кубизм» появилось на свет в результате того, что критик Луи Воссель назвал картины одного из основоположников кубизма «кубическими причудами».
Кубофутурзим стал следующим этапом кубизма и соединился с футуризмом, который воспевал эпоху индустриализации и бешенного темпа жизни. Для него характерно нетипичное расположение объектов, пересечение разных плоскостей, контрастные цвета и уход от классических форм.
Художница А. Экстер и ее кубистические картины
Не меньше смелости было и у другой представительницы кубизма и кубофутуризма — Александры Александровны Экстер. Она была знакома с одним из основателей кубизма — Пабло Пикассо и многими именитыми авангардистами своего времени, ей доверял Казимир Малевич, а сама она внесла определенную лепту в развитие этого направления. Интересно, что обучение Александры во французской Academie de la Grande Chaumiere закончилось скандалом, так как именитый профессор академии был возмущен далеким от классического цветовым решением картин Экстер. Александра проявляла себя не только в картинах, но и в оформлении спектаклей, за что даже получила прозвище «Пикассо сценографии», причем сами декорации и костюмы называли «праздничным парадом кубизма».
А. Экстер (1882–1949).
Картины и эскизы костюмов Экстер в стиле кубизма характеризуются яркой палитрой, смелостью идей и свободой композиции. Она не боялась выходить за грани норм, разрывать шаблоны и демонстрировать миру свое видение. Например, в работе «Натюрморт» предметы одновременно и статичны, и подвижны. Кажется, что все предметы вот-вот сорвутся с шаткой поверхности, образуя новую комбинацию в пространстве. В этой же картине прослеживается любимая художницей цветодинамика, когда цвета картины то сгущаются, то разрежаются. Эта же шаткость, контрастные цвета и их движение наблюдается и во многих других натюрмортах художницы.
А. Экстер. «Натюрморт». 1913 г.
Помимо традиционной для кубистов скученности предметов художница использовала и другие приемы. Так, в картине «Вид Парижа» часть объектов теряет привычные формы и перспективу, а другая часть становится менее прозрачной, из-за чего город воспринимается более многогранным и наполненным. Безусловно, в начале XX века нужна была смелость, чтобы представлять публике такое видение реальности. Но оно того стоило, так как Александра Экстер стала широкой известной и в дальнейшем повлияла на своих учеников, а ее картины сегодня ценятся высоко. Среди других ее работ в стиле кубизма и кубофутуризма назовем: «Натюрморт с яйцами», «Вид на мост», «Город ночью» и другие.
А. Экстер. «Вид на мост». 1936-1938 гг.
Художник лирического кубизма Р. Фальк и его картины
Художник Роберт Рафаилович Фальк, как и Аристарх Лентулов отказался от монохромности французских кубистов и делал свои картины в стиле кубизма яркими и в то же время мягкими. Фальк был от природы очень чувствителен к цветам и воспринимал их малейшие оттенки. В то же время он проявлял большой интерес к психологизму в живописи, что нашло свое отражение в том числе и в его работах в стиле кубизма.
Р. Фальк (1886–1958).
Лиричность проявлялась где-то в смягчении форм, где-то в мягких цветовых переходах или акценте на психологическую составляющую героев. Например, интересна картина «Мулатка Амра». Когда смуглая стройная девушка Амра позировала художнику, он никак не мог придумать, как на бумаге передать ее удивительную пластику. На помощь ему пришел лирический кубизм, в котором ему удалось передать одновременно грациозность, сильный дух и пластичность девушки.
Р. Фальк. «Мулатка Амра». 1913 г.
Смягчение форм и тонов сделало многие его кубистические полотна более гармоничными, лиричными. Например, в картине «Сиена» привычное для кубистов нагромождение домов принимает более плавные очертания, а тона плавно перетекают один в другой. Картина «Солнце. Крым. Козы», напротив содержит контрастные оттенки, но очертания сохраняют мягкость, а в паре с необычным колоритом солнца холст может вызывать у зрителя чувство радости, пробуждения, любви.
Р. Фальк. «Солнце. Крым. Козы». 1916 г.
Также в этом стиле написаны некоторые его автопортреты и натюрморты, «Турецкие бани», «Дама в красном», «Красная мебель» и другие произведения. Так как Фальк пробовал себя в разных стилях, во многих картинах кубизм использовался лишь как один из них для достижения поставленных автором художественных задач.
Р. Фальк. «Дама в красном». 1918 г.