«танец» матисса

Анализ жизни и творчества Анри Матисс

Каким способом лучше передать эмоции?

Конечно, через цвет и форму. Так считал Анри Матисс. Ведь он был лидером фовистов, которых французский критик Луи Воксель назвал «дикими зверями» (фр. les fauves). Современников поразила их экзальтация цвета, «дикая» выразительность красок. Это случайное высказывание закрепилось как название всего течения – фовизм, хотя сами художники этого названия никогда не признавали.

Художник-революционер использует новые цветовые сочетания, новые стили, но не теряет уважения к основам, и в конечном итоге привносит что-то новое во все сферы искусства. Именно таким художником был Анри Матисс: не просто живописцем, но человеком, щедро плеснувшим краски на весь мир искусства. Матисс был новатором, полным идей, но и активно переосмыслявшим прошлое. Его идеи до сих пор находят отражение в работах новых и новых творцов. Можно сказать, что многим он открыл дверь в мир искусства.

Анри Матисс распахнул свою копилку с идеями и показал их миру на рубеже двух столетий, в момент расцвета модерна. Эра модернизма стремилась к любованию объектом, к приравниванию их к искусству, в отличие от прошлого, когда художник превращал объект в искусство при помощи своего таланта. Художники стали искать новые подходы, пробовать новые стили изображения. Матисс же занял собственную позицию, став, по сути, предтечей «Модерновой революции». Он возглавил команду художников, таких, как Брак, Дерен и другие, объединенных схожими взглядами на искусство, и явил миру фовизм.

Фовисты воспринимали объект как чистую форму, отбрасывая любые намеки на контур. Они отказались от смешивания цветов и писали чистыми фабричными красками. Это новшество буквально взорвало мир искусства. Такой подход оказался шокирующим для публики, привыкшей считать, что картины пишутся годами и содержат множество мелких деталей.

Все это были идеи Матисса: он считал, что цвет ценен и органичен сам по себе. Однажды он заявил: «Когда я пишу зеленым, я не пишу траву, а когда пишу синим, я не пишу небо», подразумевая, что цвет может располагаться где угодно.

Несмотря на все свое новаторство, Анри Матисс всегда с глубоким уважением относился к традициям живописи, и использовал в творчестве многие наработки мастеров, творивших до него. Он брал «старые» стили и приемы и попросту вписывал их в свой собственный мир. Он использовал живописные приемы Сезанна, Мане и других, но всегда делал это по-своему. Великие находки других он заставлял работать на себя, локомотивом тянуть его идеи вперед.

В то же время, манера Матисса наносить краску на холст оказала огромное влияние на других художников. Особенного внимания заслуживал его мазок. Именно он, этот мазок, перевернул представление о живописи. Он постоянно варьировал густоту нанесения, бумага тут и там просвечивала через краску, и цвет на картине будто «дышал». Такое нанесение стало шагом вперед, и не только для самого Матисса, но и для многих молодых художников. Этот подход для многих стал будто глотком свежего воздуха, и многие с восторгом подхватили его.

Художники в то время были полны эмоций, которые выплескивали на холсты, в то время как Матисс просто писал, что видел, не обращая никакого внимания на то, что творилось за окном. Он будто отключил себя, свое восприятие, свое искусство от общества. Именно это и есть ключевой принцип модернизма: не выражать эмоций, быть отрешенным и воспевать объект в пределах листа.

Матисс повлиял на многих мастеров, в особенности это касается кубистов, и в частности Пикассо. Нынешнее современное искусство базируется на простоте, открытой Матиссом. В наше же время все, что называется современным искусством, несет на себе влияние Матисса, даже когда художник об этом и не помышлял.

Frequently Asked Questions

What Is an Example of Matisse’s Line Drawing?

There was a lot of overlap between Henri Matisse’s paintings, sketches, and cut-out artworks. When looking at this artist’s techniques of creation, you might argue that it makes more sense to look at it as a whole rather than breaking it down into different mediums. An example of Matisse’s line drawings is Vase de Fleurs (1944).

Can You Give a Brief Matisse Dance Analysis?

Matisse’s Dancers painting used only three hues to express this celebration: blue, green, and red. In line with Fauvism’s typical color implications, these three bright hues make a dramatic contrast. “The colors were fresh from the tubes,” said an art critic who saw Matisse working on the painting in his workshop. The figures are obscure due to the economy of design and detail; neither their facial expressions nor gender is clearly determined.

Детство и юность

Несмотря на то, что Сергей Щукин родился в семье богатого фабриканта, до восемнадцати лет юноша образование не получал. Дело в том, что только в девятнадцать лет, будучи в Германии, он наконец-то смог вылечиться от заикания. В этом же году юноша поступает в Немецкую академию торговли и коммерции, расположенную в городе Гера. Помимо Сергея, в семье воспитывалось еще три сына: Иван, Петр и Дмитрий. Однако из всех своих братьев именно Сергей стал наиболее удачливым и талантливым практически во всем, к чему он только ни прикасался.

Вероятно, сказался комплекс неполноценности, с которым меценат боролся всю жизнь

Помимо того, что Сергей обладал совсем небольшим ростом, он всю жизнь разговаривал очень осторожно, старательно выговаривая слова. Таким образом, на его манере вести разговор сказалось заикание, которое до восемнадцати лет не могли вылечить врачи

Все сыновья продолжили дело отца. В 1878 году была создана компания «Иван Щукин с сыновьями», куда все братья вошли в качестве равноправных компаньонов.

Сравним Матисса с самим Матиссом

Даже сам Матисс даёт нам возможность его замысел понять. Есть один вариант «Танца», хранящийся в Пушкинском музее в Москве. Там деталей чуть больше.

Анри Матисс. Настурции. Панно Танец. 1912 г. Пушкинский музей, Москва. Artchive.ru.

Помимо самого «Танца», мы видим горшок с цветами, кресло и плинтус.

Добавив деталей, Матисс выразил совсем другую мысль. Не про танец как таковой, а про жизнь танца в некоем пространстве.

Возвращаясь к самому «Танцу». В картине важна не только лаконичность, но и цвет.

Были бы цвета другие, энергия картины была бы тоже иная. Опять же сам Матисс невольно даёт нам возможность это почувствовать.

Достаточно взглянуть на его работу Танец (I), что находится в Музее современного искусства в Нью-Йорке.

Эта работа была создана сразу после получения заказа от Сергея Щукина. Она была написана быстро, как эскиз.

В ней цвета более приглушённые. И мы сразу понимаем, насколько красный цвет фигур вносит существенную лепту в ощущения от картины.

Анри Матисс. Танец (I). 1909 г. Музей современного искусства в Нью-Йорке (MOMA). Artchive.ru.

Matisse created movement with music

Despite the painting’s simplistic style, Matisse still developed a sense of movement and space within Dance. The endless sky and rounded shapes that forms the earth creates energy emanating from the rhythmical charged bodies. They seem to be in a trance. One can almost hear the beat of the drums and imagine a frenzied dance of the circled figures. The articulation of dance with music is essential as music creates its rhythm. In this regard, it is interesting to analyse Dance in parallel to its counterpart Music. The ongoing movement in Dance is in stark contrast with Music, where the figures are vertical and static. The singers almost look like spectators, gazing up at the dancers with their arms resting on their knees.

Начало собирательства

Согласно официальной биографии Сергея Ивановича Щукина, желание коллекционировать у него появилась в Париже, где он сделал свою первую покупку после приобретения особняка. Распродав хранившееся в доме ценное оружие, Щукин купил картину норвежского художника Таулова. Это было в далеком 1882 году.

Таким образом было положено начало коллекции. Все свои покупки собиратель предпочитал делать в Париже. Через восемь лет он с помощью брата Ивана приобрел несколько полотен художников-импрессионистов. За последующие шесть лет его коллекция пополнилась произведениями таких мастеров, как Клод Моне, Огюст Ренуар и Эдгар Дега. Щукин любил называть себя меценатом, поддерживающим непопулярных на тот момент художников. Впоследствии большинство полотен стали мировыми шедеврами, а их авторами восторгаются до сих пор.

Также в этот период были приобретены картины Винсента Ван Гога, Поля Гогена и Поля Сезанна. Нельзя сказать, что меценат увлекался только одним художественным направлением. Например, он часто покупал произведения искусств, созданные художниками-фовистами. С некоторыми мастерами он дружил и переписывался. В основном, все произведения покупались прямо в мастерских, и только несколько своих картин Сергей Иванович приобрел у родного брата Петра, когда тот стал нуждаться в деньгах из-за семейных обстоятельств.

Восток в его коллекции

Коллекционер Сергей Щукин был заядлым путешественником. Причем его чрезвычайно привлекал Восток. Недаром его любимая жена Лидия обладала восточной внешностью и получила в Москве прозвище «шамаханская царица». Он очень много дел имел с компаниями в Индии, Японии и Китае. Кроме того, его предприятия торговали со всей Средней Азией и Марокко.

Олицетворением восточного мира для него был, безусловно, Анри Матисс. Одной из главных картин собрания коллекционера была «Красная комната», которая сейчас находится в музее Санкт-Петербурга. Став поклонником художника, Щукин заказал Анри Матиссу панно «Музыка» и «Танец», которыми и оформил свой дом.

Судьба Сергея Щукина и его коллекции

Сергей Щукин прожил дольше всех своих братьев. Ему и его семье удалось избежать революционных потрясений. Он не только вовремя покинул Россию, но и сохранил часть своего огромного состояния. Его семья никогда не нуждалась, но с коллекционированием было покончено навсегда. Сергей Иванович Щукин умер в Париже в 1936 году.

Несмотря на то, что Сергей Щукин завещал свою коллекцию Третьяковской галерее, после революции её национализировали и объединили с Морозовской коллекцией, а вскоре после Великой Отечественной войны картины, которые великие коллекционеры подбирали, тщательно взвешивая покупку каждой, на гребне волны с космополитизмом поделили пополам между Москвой и Ленинградом, между ГМИИ имени А. С. Пушкина и Государственным Эрмитажем.

Жизнь в эмиграции

Как вспоминает внук Щукина, Андре-Марк Делок-Фурко, жизнь деда в Париже была довольно счастливой и размеренной. Его последняя дочь родилась, когда Щукину было почти под семьдесят лет. Вся семья жила достаточно тихой и комфортной жизнью, много путешествуя и общаясь с друзьями. По некоторым сведениям, Сергей Иванович успел в 1918 году перевести приличную сумму в швейцарский банк, что позволило его родным не бедствовать.

Коллекционированием Сергей Иванович Щукин больше не занимался, ограничившись покупкой нескольких картин, которые он повесил в своей комнате. Он жил в Ницце, живописном средиземноморском городе. Несмотря на то, что революция отняла у него дело всей его жизни, он ни о чем не жалел и относился к этому факту довольно философски.

В 2016 году был выпущен документальный фильм, который так и называется: «Сергей Щукин. История коллекционера». Проект был создан во Франции. В качестве режиссера выступила Татьяна Рахманова.

Родители мецената

Династия Щукиных ведет свой род от калужских купцов. Умение торговать, деловая хватка и способность предвидеть будущую выгоду у Сергея Ивановича были в крови. Отец Сергея, Иван Васильевич, стал сиротой в восемнадцать лет. Получив в наследство семейное дело, Иван Щукин через непродолжительное время увеличил финансовое состояние семьи в несколько раз. Мужчина был успешен во многих начинаниях.

В жены он взял дочку купцов, торговавших чаем. В родстве с Екатериной Петровной состояло очень много известных личностей. Благодаря ей вся семья Щукиных приобщились к высокому искусству, что и повлияло на дальнейшую судьбу Сергея Ивановича.

Лучшие произведения

Щукина увлекали идеи авангардных художников, однако его вкус разделяли немногие. Большинство друзей и посетителей его дома в Москве были шокированы картинами, которые он привозил. Пожалуй, наиболее любимыми художниками Сергея Ивановича были Клод Моне и Анри Матисс. Первой картина Моне стала «Сирень на солнце», приобретенная в 1897 году. А последней — «Дама в саду». Несколько картин, как уже было сказано, меценат купил у своего брата Петра, когда тот нуждался в деньгах. Это были картины Суринам, Рафаэлло, Ренуара, Писсарро и Дени. За любовь к искусству и коллекционированию в 1910 году Сергей Иванович получил почетную должность в обществе художников «Бубновый валет».

Иногда он приобретал картины целыми сериями. Например, им было куплено шестнадцать полотен Гогена, большинство из которых составляла тема Таити

После покупки восьми картин Сезанна, четырех Ван Гога и шести произведений Руссо Сергей Иванович Щукин обратил внимание на Пикассо. Примечательным фактом является то, что коллекционера практически не интересовали художники прошлого

Он отдавал предпочтение молодым, иногда практически неизвестным. Ему нравились скандальные авторы, которые произвели фурор в мире искусства.

Возможно, подобное поведение объясняется купеческим взглядом Щукина на все происходящее. Одной из его любимых поговорок была: «Хорошая картина — это, прежде всего, дешевая картина». Приобретая произведения искусств, он любил поторговаться. Он знал, что в будущем коллекция принесет ему хорошие барыши и обеспечит безбедное существование потомкам. Как всегда, Щукин не ошибался. Известно, что однажды он купил пятнадцать картин за один миллион франков. Сейчас всего одна картина из этих пятнадцати стоит намного больше.

Начало собирательства

Согласно официальной биографии Сергея Ивановича Щукина, желание коллекционировать у него появилась в Париже, где он сделал свою первую покупку после приобретения особняка. Распродав хранившееся в доме ценное оружие, Щукин купил картину норвежского художника Таулова. Это было в далеком 1882 году.

Таким образом было положено начало коллекции. Все свои покупки собиратель предпочитал делать в Париже. Через восемь лет он с помощью брата Ивана приобрел несколько полотен художников-импрессионистов. За последующие шесть лет его коллекция пополнилась произведениями таких мастеров, как Клод Моне, Огюст Ренуар и Эдгар Дега. Щукин любил называть себя меценатом, поддерживающим непопулярных на тот момент художников. Впоследствии большинство полотен стали мировыми шедеврами, а их авторами восторгаются до сих пор.

Также в этот период были приобретены картины Винсента Ван Гога, Поля Гогена и Поля Сезанна. Нельзя сказать, что меценат увлекался только одним художественным направлением. Например, он часто покупал произведения искусств, созданные художниками-фовистами. С некоторыми мастерами он дружил и переписывался. В основном, все произведения покупались прямо в мастерских, и только несколько своих картин Сергей Иванович приобрел у родного брата Петра, когда тот стал нуждаться в деньгах из-за семейных обстоятельств.

Иван Щукин. Крёстный отец коллекционера Сергея Щукина

Именно Иван привил любовь к современному французскому искусству своему старшему брату Сергею Щукину. Он всегда был в стороне от семейного бизнеса. Поначалу он увлекался коллекционированием философских и богословских книг, но переехав в Париж, оказался в самом центре художественной жизни Европы. Иван познакомился здесь с новым течением живописи — импрессионизмом, и впоследствии познакомил с ним Сергея. Иван первым оказался вхож в круг галериста Поля Дюрана-Рюэля, и первого Сезанна в семье купил не Сергей, а Иван.

Правда, в 1900 году он свою французскую коллекцию продал, потому что увлёкся старым испанским искусством. Его проводником в мир старой школы стал испанский художник-импрессионист Игнасио Сулоага, который стал его ближайшим другом. В то время такие великолепные художники как Гойя, Эль-Греко и даже Веласкес, не были так популярны, как сейчас. У Ивана возникли финансовые проблемы, и когда он решил продать свою испанскую коллекцию, то оказалось, что многие из картин поддельные. Он не смог рассчитаться с кредиторами и в 33 года свёл счёты с жизнью. Подлинники из его собрания стали украшением крупнейших музеев Европы. Если бы не его преждевременная смерть, возможно он стал бы обладателем такой же значительной коллекцией, какую собрал его брат Сергей.

Сергей Щукин и Матисс. Они нашли друг друга

Одним из любимых художников Сергея Щукина был Анри Матисс. Коллекционер при покупке картин редко общался с живописцами напрямую, предпочитая пользоваться услугами маршанов. Матисс был единственным исключением. Щукин был связан с Матиссом теснейшим образом, переписывался с ним и сам делал ему заказы. В 1911 году Матисс приехал в Москву и все его картины были собраны в Розовой гостиной.

За популяризацию творчества Матисса Щукина особенно резко обвиняли в том, что он причиняет вред России и русской молодёжи. Но это, как ни странно, только укрепило его веру в Матисса. «Из-за Вас надо мной понемногу издеваются». «Я надеюсь когда-нибудь победить, но надобно ещё несколько лет борьбы». «Я полон веры в Вас и уверен в Вашей победе». «Я с удовольствием думаю о Ваших картинах и надеюсь иметь их много». И так в каждом письме.

Primitivism and Fauvism

Example of a primitivism painting by Max Pechstein: Killing of the Banquet Roast (1912)

The Fauves shared primitivists’ interests in indigenous communities and they were inspired by primitivism to create art that returned to the essence of nature and communion. Dance’s crudely outlined figures recall primitivist styles and the subject matter, figures communing within an empty, perhaps “virgin” landscape, can be read as an advocation for a necessary reunification with nature. For example, the figure’s nakedness demonstrates a rejection of modern civilisation. The artwork becomes a symbol of unity between man, heaven and earth.

Matisse aimed to create a synthesis of primitivism; the clumsy figures inspired by primitive and folk art and bright energetic colours expressed instinct and nature. The individuals are entirely lost in their dance, oblivious to any daily obligations and work. Matisse does not focus on the dancers’ individual appearance, but rather on the movement and rhythm they create together. The dance is the ultimate symbol of the reconciliation of individuals.

Close Up of The Dance‘s Round

The five figures are holding hands in a circle, but on the left, we can notice that the two individuals’ hands are parted; they only slightly brush instead of holding. However, Matisse carefully placed the rupture where it overlaps the other figure’s leg as not to break the colours and circle’s harmony. The rupture’s point being closest to the viewer’s position, it can be interpreted as an invitation to join in the dance. The circle comes to find those that “are outside,” and thus unify individuals.

«Дикий» автор

Анри Матисса неслучайно в кругу живописцев называли «диким» художником. Он стал одним из тех мастеров, которые стремились к простоте, в итоге упростив многие законы живописи до поразительного уровня. Когда свет видел новые полотна Матисса, критики едва ли не прыгали от счастья, получив благодатную почву для колких замечаний. Немало людей негативно отзывались о живописце, однако по-прежнему приобретали его картины. Это был парадокс, который Матисс успешно воплощал в жизнь.

Картина «Танец» считалась одной из самых провокационных работ автора. Обнажённые тела, яркие «кричащие» оттенки, странные формы и широкие мазки кистью, которые сплетались в единое загадочное изображение

Всё это вызывало неоднозначную реакцию публики, однако продолжало привлекать внимание к «Танцу». Но как же это полотно появилось на свет?

Анри Матисс «Автопортрет в полосатой футболке», 1906 годМестонахождение: Государственный музей искусств, Копенгаген, Дания

Биография Матисса

Анри Матисс появился на свет 31 декабря 1869 года во французском городке Ле-Като-Камбрези. Он рос в семье торговца зерном Эмиля Ипполита и его супруги Элоизы Анны. У него был младший брат Эмиль Огюст.

После окончания лицея Анри изучал право в Школе юридических наук. Получив диплом в 1888 г. он начал работать клерком у присяжного поверенного. Примерно через год у него случился приступ аппендицита.

Матисса срочно прооперировали и положили на какое-то время в палату. В один из тех дней мать решила купить сыну необходимые принадлежности для рисования, чтобы скрасить его больничные будни. Именно тогда, парень впервые попробовал рисовать.

Личная жизнь

Знаменитый меценат Сергей Иванович Щукин был женат два раза. Каждая супруга одарила его детьми. Первая жена Лидия Коренева была дочерью екатеринославских помещиков. Лидия была настоящей красавицей. Она любила наряды, а ее увлечением была психология.

В отличие от своей жены, Сергея был настоящим аскетом и предпочитал обычную пищу и сон у открытого окна. От брака родились дочь Екатерина и сыновья Сергей, Иван и Григорий. В 1907 году Щукин овдовел и через несколько лет женился повторно. Второй женой стала пианистка Надежда Миротворцева, которая родила ему дочь Ирину. Кроме того, следуя аристократической моде, Щукины взяли в дом двух девочек-воспитанниц: Варвару и Анну.

«Разговор», Матисс

Год написания: 1909Размер: 177 × 217 смМестонахождение: Эрмитаж, Санкт-Петербург

Вариант 1 — Кратко

9 предложений/ 102 слова

Картина Анри Матисса «Разговор» создана в духе фовизма. На полотне изображены расположившиеся друг напротив друга мужчина и женщина, очевидно, супруги. Их фигуры, в соответствии с традициями данного направления живописи, максимально упрощены.

Одетый в полосатую пижаму мужчина стоит перед женой выпрямив спину и положив руки в карманы. Женщина в длинном чёрном платье с изумрудным воротником гордо восседает на синем стуле.

Между героями происходит разговор. Беседа ведётся на фоне синих стен комнаты в загородном доме. В центральной части полотна изображено окно, за которым зеленеют деревья и благоухают цветы в саду. Матисс намеренно нарушает принципы линейной перспективы, но использование насыщенных локальных цветов придаёт полотну объём.

Вариант 2 — Подробно

18 предложений/ 257 слов

Картина Анри Матисса «Разговор» создана в лучших традициях авангардного направления живописи под названием фовизм. Для этого течения характерно сознательное упрощение форм и пренебрежение принципами линейной перспективы.

На полотне изображены мужская и женская фигуры, запечатлённые на фоне синих стен комнаты в загородном доме. За окном коттеджа виднеется благоухающий летний сад, где зеленеют деревья и пестреют цветы.

В соответствии с принципами фовизма, художник лишь схематично прописывает одежду и лица героев, тем не менее уделяя большое внимание их позам. Женщина, находясь справа от мужчины (своего супруга), вольготно сидит в синем кресле, гордо взирая на своего собеседника

Её фигура создана с помощью мягких округлых мазков, а чёрный оттенок длинного платья напоминает о таинственности, непостижимости женской души.

Фигура мужчины, расположившегося слева, наоборот, кажется всецело состоящей и чётких вертикальных прямых линий. Этот эффект усиливается полосатым орнаментом голубой пижамы героя. В позе собеседника женщины читается напряжение. Он стоит выпрямившись, положив руки в карманы.

О чём беседуют эти двое, по-прежнему остаётся загадкой как для зрителей, так и для критиков. Кто-то полагает, что суть разговора сводится к непринуждённой утренней беседе

Кто-то, обращая внимание на напряжение в позах героев, свидетельствует о конфликте, в котором мужчина чувствует себя виноватым

Отсутствие перспективы лишь на первый взгляд делает картину простой и плоской. Использование художником глубокого синего, а также жизнеутверждающего зелёного цветов придаёт полотну глубину.

Матисс не случайно выбирает для работы именно эти оттенки, поскольку пышное зелёное дерево является символом благоухания жизни, а синий цвет ассоциируется с вечностью. Таким образом, кажется, что связанных узами брака героев ждёт долгое и счастливое совместное будущее, несмотря на мимолётные ссоры и временное недопонимание между супругами.

см. также:Все сочинения-описания картин

Восток в его коллекции

Коллекционер Сергей Щукин был заядлым путешественником. Причем его чрезвычайно привлекал Восток. Недаром его любимая жена Лидия обладала восточной внешностью и получила в Москве прозвище «шамаханская царица». Он очень много дел имел с компаниями в Индии, Японии и Китае. Кроме того, его предприятия торговали со всей Средней Азией и Марокко.

Олицетворением восточного мира для него был, безусловно, Анри Матисс. Одной из главных картин собрания коллекционера была «Красная комната», которая сейчас находится в музее Санкт-Петербурга. Став поклонником художника, Щукин заказал Анри Матиссу панно «Музыка» и «Танец», которыми и оформил свой дом.

Джазовые вдохновители

Скрипач Стефан Граппелли и гитарист Джанго Рейнхардт вместе основали один из первых исключительно струнных джазовых коллективов – Quintette du Hot Club de France (QHCF). Удивительно было наблюдать, насколько по-разному восприняли рождение нового жанра в Америке и в Европе.

Существует ряд предположений, каких джазовых исполнителей того времени довелось услышать Матиссу. Безусловно, это была музыка пионеров джаза, приезжавших с гастролями в Париж и французские музыканты, начавшие исполнять джаз под влиянием моды.

Есть и другая версия, согласно которой сильное влияние на джазовые серии Анри Матисса в период его работы оказала американо-французская танцовщица, певица и актриса Жозефина Бейкер, известная своими эпатажными шоу и откровенными сценическими нарядами. Взаимосвязь можно установить, детально всмотревшись в образы, отраженные в аппликациях художника – вычурные, разноцветные.

ЗАКЛЮЧЕНИЕ

В заключении хотелось бы сказать, что Анри Матисс был первопроходцем и основателем фовизма и в конечном итоге каждый сможет найти что-то новое в его творчестве, а также подчерпнуть и в дальнейшем использовать в своих работах. Конечно, это не тот художник, который рисует на своих работах очертание и объем, но он добился успеха, используя яркие интенсивные цвета с локальными оттенками. Он является одним из главных примеров изобразительного искусства XX столетия. Трудно рассказать, какой большой вклад он внес в современное искусство, но он смог показать, что даже самые примитивные творения могут быть признаны широкой публикой.

Однако он не только писал картины, но он также оставил после себя богатое литературное наследие. И одно могу сказать точно, что без Анри Матисса не было бы такого стиля, как фовизм. И несмотря на то, что он не признавал себя главой течения, именно его метод определял стилистику. Для Матисса период «диких» был лишь одним из эпизодов его творческой биографии. В различные периоды своего творчества Матисс использовал те принципы, которые составили основу художественного метода фовистов.

Несмотря на столь детскую простоту картины, работа была довольно трудоёмкая. За неимением хорошего рабочего места пришлось жертвовать ровностью картины и пониманием, как правильно оформить её. Однако это является хорошим показателем, что есть, куда стремиться. Если художник осознает свои ошибки, то в будущем он сможет сделать работу лучше за имением опыта за своей спиной. Ведь даже за спинами великих мастеров лежит куча недоделанных работ, которых не увидел свет, часов, что они просидели, вырисовывая линии, нанося краски на холст. Эта гора накапливается ради того, чтобы в один день создать то творение, которое художник желает и видит в своей голове.

Ведь как говорится в народе – умение и труд все перетрут.