Судьба картины
Зимой 1881 года, когда «Завтрак гребцов» уже был полностью завершён, а мелкие детали доработаны Ренуаром, картину приобрёл известный коллекционер Поль Дюран-Рюэль, что выложил за неё 15 000 франков. По меркам того времени это была значительная сумма.
Уже после смерти коллекционера творение Ренуара было продано семьёй первого владельца творения. Сегодня картина принадлежит Дункану Филлипсу, коллекционеру из Вашингтона.
Что интересно, ресторан «Фурнез» и его знаменитая терраса сегодня названы именем Ренуара. Если вам доведётся побывать в этих места, то вы несомненно, заметите – любимый ресторан художника практически не изменился, сохраняя прежние стиль и атмосферу.
Та самая терраса ресторана «Фурнез», где была написана знаменитая картина / graytravelblog.wordpress.com
Интернациональный синий
Пожалуй, самый известный художник синего цвета — это Ив Кляйн. Легенда гласит, что когда ему было 19 лет, он сидел на пляже с друзьями Клодом Паскалем (ставшим поэтом) и Арманом Фернандесом (ставшим художником) и каждый выбирал, какая часть мира ему достанется: Паскаль взял себе воздух, Фернандес — землю, а Кляйн забрал небо.
Стремление Кляйна к широте неба определило его творческую карьеру: в 1950-х он пытался создать такой же насыщенный цвет, который использовал Джотто для фресок, — но безуспешно. Тогда он обратился к Эдуарду Адаму, торговцу красками и химику-любителю.
Вместе они создали краску, состав которой был официально зарегистрирован в 1960 году как IKB (International Klein Blue) — правда, без упоминания имени Адама. С тех пор Кляйн только и рисовал что синим.
Синий Ива Кляйна. Источник
Цвет Царства Божьего
В западной культуре синий цвет вплоть до раннего Средневековья ничего не значил и использовался лишь для изображения неба. Только в XII столетии его роль была переосмыслена — благодаря аббату Сугерию. Он считал, что божественный свет передается через цвета, а синий воспринимал как небесный свет.
С этого времени в западноевропейском искусстве золотой и синий стали почти что синонимами — главными цветами для изображения Царства Божьего.
Появились новые храмы (позже названные историками готическими), в которых акцент делался на оконных проемах — ибо Бог есть свет. Это были не простые окна, а витражи высотой в несколько метров, преимущественно синего цвета. Благодаря этому синий буквально заполнял пространство собора, как, например, в парижской часовне Сент-Шапель.
Сент-Шапель, 1242–1248 гг.
Постепенно синева распространилась и на другие религиозные образы. Богоматерь в Средневековье символизировала небесную церковь, поэтому синий стал ассоциироваться еще и с ее одеждой, хотя до этого Пресвятую Деву изображали в одеждах темных оттенков, которые напоминали о трауре по сыну.
Устюжское Благовещение, ок. 1103 г. Источник
В XII столетии цвет ее наряда меняется, и вместе с этим трансформируется интерпретация образа. Вместо печали по умершему Христу одежда теперь символизировала духовную чистоту и целомудрие Богоматери.
Мадонна на троне в окружении шести ангелов, Чимабуэ, 1290-е гг. Источник
Актриса Жанна Самари. Как она достигла бессмертия?
Четырнадцати лет Жанна поступила в Национальную академию драматического искусства, свой первый приз за комедийную роль она получила в возрасте восемнадцати лет.
В том же 1874 году она дебютировала в Комеди Франсез в роли служанки Дорины («Тартюф» Мольера). В театре у нее не было оглушительного успеха, хотя она на это надеялась. Вслед за этой служанкой последовали другие служанки в пьесах Мольера.
Фото Жанны Самари Фото: Источник Следующим этапом в истории актрисы стало позирование художникам. Ей хотелось, чтобы ее рисовали похожей на Сару Бернар: показать, что она вполне может играть драматические или трагические роли. Ей хотелось получить больше славы.
Эта возможность вскоре представилась: в салоне жены известного издателя и коллекционера Жоржа Карпентьера ее увидел Огюст Ренуар (как говорят сплетники, большой любитель хорошеньких молодых женщин, особенно фигуристых блондинок).
Огюст Ренуар, портрет актрисы Жанны Самари, 1878 г., 174×105 см, Эрмитаж, Петербург, Россия Фото: commons.wikimedia.org
В 1876 году Ренуар изобразил ее в картине «Танцы в Мулен ла Галет», в том же году — в «Качелях». Общественность не восприняла картины, и они не принесли Жанне желаемой известности.
Как доносит людская молва, в 1877 году Жанна и Огюст стали любовниками. И поскольку Жанне не нравилось то, как ее писал Огюст, она захотела получить портрет в разодетом в пух и прах виде: длинное и модное платье с подходящими по случаю украшениями.
Критика и публика не оценили эту работу художника: «занимательный портрет» — и не более того.
Огюст Ренуар, портрет актрисы Жанны Самари, 1877 г., 56×46 см, Музей изобразительных искусств им. А. С. Пушкина, Москва, Россия Фото: commons.wikimedia.org
Они расстались в 1880 году. Надежды Жанны получить исключительный портрет не оправдались, несмотря на ее усилия. Ее портрет написал и Жюль Бастьен-Лепаж, но он не был очень популярным художником.
В 1880 году ее портрет написала Луиз Аббема (известная своим портретом Сары Бернар), но опять удача обошла Жанну Самари — его тоже не оценили.
В 1882 году Жанна выходит замуж. Отец жениха был категорически против женитьбы сына на актрисе, которая к тому же была любовницей художника. Отец пытался предотвратить этот поступок сына, ему это не удалось — и он не присутствовал на бракосочетании.
Жанна, видимо, была счастливой женой и матерью: она родила троих дочерей, одна умерла в детстве, а две других стали актрисами. Кроме того, в 1890 году она написала детскую книжку «Лакомства Шарлотты», которая была иллюстрирована замечательным карикатуристом и иллюстратором детских книг Хемфри Жаком де Бревилем. Книжка была очень популярной, но болезнь и смерть Жанны (от брюшного тифа) не позволили ей насладиться успехом.
Луиз Аббема, портрет Жанны Самари, 1879 г., музей Карнавале, Париж, Франция Фото: commons.wikimedia.org
Неизвестно, как сама Жанна относилась к своим портретам, но (по некоторым сведениям) они висели у нее в покоях, там же они оставались после ее смерти. Доподлинно известно, что многие работы Ренуара, на которых она появляется в разных ракурсах, сегодня широко известны и в конце концов принесли ей ту бессмертную славу, о которой она мечтала при жизни.
Теги: портрет, актрисы, Жанна Самари, Пьер Огюст Ренуар, история актрисы
Мистический цвет Пикассо
На рубеже XIX–XX веков по миру прошла волна символизма, увлекая за собой писателей и художников. Тексты наполнились метафорами и сравнениями, а картины голубым светом — ведь как еще можно выразить грезу или смутные предчувствия?
У Пабло Пикассо, недавно прибывшего в Париж, появилась целая серия голубых работ, в которых он делился личными переживаниями. Холодный колорит его картин и обилие мрачных персонажей соответствовали его восприятию мира в тот период жизни. В первые годы после переезда закончил жизнь самоубийством его близкий друг Карлос Касагемас, да и у самого Пикассо дела шли неладно: в столице мирового искусства, которую он жаждал покорить, не получалось продать ни одной картины. Возможно, эти неурядицы и подтолкнули художника к созданию самых неоднозначных образов, которые когда-либо появлялись в его творчестве.
Самой загадочной работой из голубой серии стала «Жизнь». На ней изображен недавно умерший Касагемас в окружении женских фигур-аллегорий: любви, материнства, страха перед будущим. Чтобы придать работе мистический характер, Пикассо использует синий цвет как трансцендентный, не давая зрителю прямого ответа на вопрос «как понять эту картину?».
Жизнь, Пабло Пикассо, 1903 г.
Немногим позже в России несколько художников-символистов объединились и создали группу «Голубая роза». Из названия понятно, какой цвет они избрали главным для своих работ.
В отличие от Пикассо они старались дематериализовать образ, создавая «размытые» формы и неясные очертания, за что современники даже называли их живопись «чистой водой». Созерцание полотен с неоднозначными для восприятия сюжетами подобно медитации: они погружают зрителя в себя и заставляют фантазировать, помогая таким образом забыть о суете будничной жизни.
Голубой фонтан, Павел Кузнецов, 1905 г. Источник
Смерть
Огюст Ренуар в последние годы
Первая мировая война нарушила привычный ход жизни графика. Так, от переживаний за сыновей, ушедших на фронт, скоропостижно скончалась супруга живописца Алина. Став вдовцом, терзаемый болезнями и голодом, Огюст, в силу своего характера, не отказался от искусства, не омраченного тяжестью окружающей действительности. Когда реальность уже не давала пищи для творчества, он черпал вдохновение в натурщицах и в саду, разросшемся на склоне горы Колетт.
Могила Огюста Ренуара
Именитый импрессионист умер от пневмонии 3 декабря 1919 года, успев закончить свою последнюю работу «Натюрморт с анемонами». Семидесятивосьмилетний старец до последнего вздоха остался неисправимым почитателем солнечного света и человеческого счастья. Сейчас произведения Ренуара украшают галереи Европы.
Картины художника — «Алжирский пейзаж. Овраг дикарки»
Ренуар предпринял путешествие в Алжир (французскую колонию в северной Африке) в 1881 году и он был единственным импрессионистом, кто сделал это. Он предпринял второе путешествие в следующем году — но заметно короче первого. Короткого погружения в алжирскую жизнь было вполне достаточным. Восточные мотивы мало увлекали и других импрессионистов — для многих из них французская глубинка была «достаточна глубока». То, что Ренуар увидел в Алжире оказалось очень необычным. Яркие, пламенеющие цвета дикой, непокорной и часто неопрятной природы захватили его врасплох. И художник изменил своему привычному стилю.
Мы видим овраг (ущелье) в сельской местности неподалеку от столицы Алжира — дикая и неукрощенная пустынная местность, покрытая кустарниками, цветами, деревьями и травой. Название картины видимо намекает на какой-то пикантный случай, который произошел где-то здесь, но мы не видим никакого намека на холсте.
Пьер Огюст Ренуар (Auguste Renoir) — Алжирский пейзаж. Овраг дикарки. (Paysage algérien, le ravin de la femme sauvage), 1881 (Париж, Орсей)
Нельзя точно определить с какого расстояния Ренуар смотрел на эту местность — кажется, что все находится рядом с нами и непосредственно перед нами без каких-либо промежуточных этапов. Однако, если приглядеться внимательнее — дальняя часть оврага теряется в дымке и растягивает изображение. Мы ощущаем оба впечатления почти одновременно. Как будто глаз Ренуара проглотил целиком всю эту кривизну и размашистость пейзажа, восхитительное визуальное изобилие линий вверх, вниз и поперек.
Все это немного похоже на волосы, которые развеваются на буйном непокорном ветру во всех направлениях сразу — пульсирующие, волнующиеся туда и обратно, вечно изменчивые и непостоянные.
Пьер Огюст Ренуар (Auguste Renoir) — Алжирский пейзаж. Овраг дикарки. (Paysage algérien, le ravin de la femme sauvage) , 1881 (Париж, Орсей) фрагмент 1
Не сразу наш глаз начинает двигаться по картине в определенном направлении. Наш взгляд сразу натыкается на очередное препятствие и сам собой возвращается назад. Наша визуальная прогулка по поверхности картины напоминает американские горки — бурные, ухабистые, бодрящие и возбуждающие. Ничего не происходит долго и постоянно в этой картине. Стиль напоминает скорее начальный фовизм, чем импрессионизм.
Картина состоит из огромного количества шероховатостей и неровностей. Посмотрите, например, на эти угрожающе шипы алоэ на переднем плане — и затем сразу сглаженность и плавность, хотя и не надолго.
Мы также видим, как много, очень много отдельных мазков кисти сделал художник. Кажется, что Ренуар это делает уже не для того, чтобы захватить эффект света — это было бы вполне в духе импрессионизма, а скорее, чтобы справиться с огромной массой листьев, которые заметил глаз художника.
«Танец в Буживале»
Кратко описание картины
В 1883 году Ренуар написал три картины, изображающие танцующие пары — «Танец в городе», «Танец в Буживале» и «Танец в деревне». Эти картины как бы приближают к зрителю сюжет, использованный в более ранней картине художника «Бал в Мулен де ла Галетт» (1876) — но теперь вместо множества танцующих пар художник в каждой картине концентрируется на одной паре, выписывая её во всех подробностях.
Замысел картины «Танец в Буживале» владел Ренуаром достаточно долго. В собрании графики венского музея Альбертина есть рисунок, помеченный 1880 годом, почти в точности изображающий композицию картины и в первую очередь рисунок танцующей пары.
Буживаль — западное предместье Парижа (вниз по течению Сены) — во второй половине XIX века стало излюбленным местом отдыха не только парижан. В год написания картины там умер Иван Тургенев, который пережил в Буживале самые прекрасные годы своей любви. В наше время Буживаль называют «колыбелью импрессионизма», поскольку, кроме Ренуара, здесь работали на пленэре и другие видные импрессионисты (Моне, Сислей).
Удивительным образом, смазав фоновое изображение посетителей ресторана, художник добивается такого желанного для всех импрессионистов эффекта движения, танцевального вихря.
Автор точно передает внутреннее состояние пары танцоров. Опытный ловелас уверенно и страстно обнимает стан не менее опытной кокетки. Достойные партнеры украшают танцевальную площадку пригородного ресторана показной страстью и точными движениями. Зритель убежден, что это далеко не первый танец этой пары. Оба играют в некую игру, правила которой понимают по-своему.
Цветовое решение работы очень метко и правильно характеризуют героев. Словно женское и мужское начало сплелось в единый энергетический клубок: красный и розовый контрастируют с синим и желтым, румянец на лицах партнеров придает танцу быстроту и динамику. Вся картина — движение..
Мужчина одет во все темное, его брюки, куртка и простая блуза написаны густыми синими красками, которые приобретают глубокие бархатистые оттенки в обрамлении канареечных цветов, окрашивающих его головной убор и грубые туфли.
На девушке светло-сиреневое, почти белое, платье, как раз этим нежным сиреневым отливом еле уловимо перекликающееся с темными красками костюма партнера. Почти прямая вертикальная линия обозначает границу сочетания их нарядов, и вокруг этой воображаемой оси закручиваются пышный подол женского платья и отлетевшая пола мужской куртки.
Легкость, пикантность, движение — главные составляющие атмосферы этой работы. Зрителю передается настроение работы, ее позитивный заряд и гармония.
Мари-Клементина Валадон, позировавшая художнику в образе танцующей девушки, а через два года, в 1885 году, послужившая моделью для портрета Ренуара «Косы», хранящегося сейчас в частном собрании в Швейцарии, имела довольно типичную для женщины Монмартра и вместе с тем необычную судьбу, которая вывела ее в ранг известных французских художниц.
Дочь белошвейки и неизвестного отца она появилась в Париже, когда ей не было и пяти лет, трудно и бедно жила со своей матерью, зарабатывавшей уборкой квартир. Проучившись немного в религиозной школе, она затем работала в швейной мастерской, была нянькой, подавальщицей, торговкой овощами. Полюбив цирк, в пятнадцать лет она стала акробаткой в цирке Молье. Однажды, исполняя номер, она сорвалась с трапеции и упала на арену. С цирком пришлось распрощаться навсегда.
С детства Мари Валадон рисовала и мечтала попасть в среду художников. Помогая матери разносить белье из прачечной клиентам, она познакомилась с одним изних, Пюви де Шаванном, и стала натурщицей.
Судя по портретам Ренуара, в особенности на картине «Косы», Мари-Клементина Валадон была очень красивой девушкой с прекрасными густыми волосами и стройной фигурой, а ее поразительное, при том что она была натурщицей и моделью, упорство и трудолюбие превратили ее склонность к рисованию в подлинный художественный талант. Сюзанна Валадон стала известной художницей, и кто знает, может быть, восторженный взгляд Ренуара, представивший ее прелестной и очаровательной девушкой на своих картинах, укрепил ее дух и веру в себя, в свои силы, в свое призвание.
Алина Алексеева-Маркезин
Х
Использование материалов допускается с условием размещения ссылки на страницу:
«Танец в Буживале»Также можно бесплатно скачать файлы «Танец в Буживале» на странице сайта!
Если Вам понравилась публикация-поделитесь в соцсетях
Он хотел стать певцом
Пьер Ренуар родился 25 февраля 1841 года на юге Франции. В детстве он брал уроки пения у хормейстера местной церкви: у мальчика был отличный голос, однако из-за финансового положения своей семьи ему пришлось отказаться от попыток добиться успеха в данной области.
Кто знает, увидели бы мы его картины, если бы он не отказался от своей первоначальной цели. Однако даже тогда, наверное, мы бы говорили о Ренуаре как об одном из великих музыкальных исполнителей своего времени.
Разработайте программы индивидуального наставничества: будущее для бизнеса 2023
Описание очень расплывчато: признаки, что политика гибкого графика работы — ложь
Главное — изучить его характер: как сработаться с боссом-перфекционистом
То, что Ренуар обладал даром художника, было заметно с самого раннего возраста. Чтобы помочь своей семье, 13-летний Огюст научился расписывать фарфоровые изделия: благодаря этому он стал еще более известным.
Портрет Жанны Самари
Жанна Самари была парижской знаменитостью, многообещающей юной актрисой театра «Камеди Франсез». Парижский бомонд ею восхищался и стремился попасть на все премьеры, в которых на сцене появлялась Жанна. Она была настоящей селебретиз своего времени, а ее портрет – чем-то вроде центральной фотосессии в глянцевом журнале. Какой фотограф отказался бы снять, к примеру, Дженнифер Лоуренс или Скарлетт Йохансон для «Максима» или «GQ»? Огюст Ренуар тоже не отказался от предложения написать портрет Жанны Самари, когда родители девушки обратились к нему с этой просьбой. Она действительно была очаровательна, звонко смеялась, а ее кожа как будто светилась лучами. Чтобы понять свою новую натурщицу и создать не просто внешний портрет, а портрет ее внутреннего мира, художник даже героически посещал спектакли «Комеди Франсез». «По-видимому, мне здорово хотелось видеть ее! Вот уж место, где на всем печать скуки… По счастью, она часто играла в пьесах Мюссе!» — вспоминал Ренуар спустя много лет. Целомудрие и трогательное оберегание своей личной жизни художником не дают биографам шанса подтвердить догадки о романтических отношениях Огюста и Жанны, но, судя по воспоминаниям друзей, 20-летняя актриса была явно неравнодушна к Ренуару. Он же, скорее всего, был увлечен ее образом, женственным, трогательным, веселым, полным сил и радости
Ренуару было крайне важно писать Жанну в том пространстве, где она жила. Каждый день он прибегал к ней домой – и сразу же хватался за кисть, забывая иногда даже здороваться
Надо сказать, что это новое увлечение придавало художнику уверенности в своем призвании и давало надежду на будущее. Это было время, когда импрессионистов нещадно ругали критики, время, когда они теряли доверие торговцев и часто голодали, когда две провалившиеся с треском выставки отбирали понемногу веру в собственные силы. Именно в это время, например, к Ренуару пришел один из торговцев с предложением подделывать картины Теодора Руссо.
Ко всем достоинствам и прелестям Жанны стоит обязательно добавлять прозорливость и тонкое чутье, потому что она безошибочно выбрала гения, который прославит ее. Если бы не Ренуар, о ней бы давно забыли. Сейчас бы никого не интересовало, что позже Жанна Самари вышла замуж за богача Поля Легарда. Он был так влюблен в юную актрису, что решился на свадьбу против воли своих родителей. У Жанны родились три дочери, одна из которых умерла в раннем возрасте, а сама актриса стала прекрасной матерью и даже написала детскую книгу.
А пока Жанна была еще звездой и о ней говорил весь Париж, критики разнесли ее портрет в пух и прах. Говорили о кричаще ярких одеждах на картинах Ренуара, о вызывающе насыщенном розовом фоне. Как до Тернера в Лондоне не было туманов, так до Ренуара женщины не носили яркой одежды. Он не просто позволял женщинам щеголять в изумрудно-зеленом на своих картинах, а навсегда изменил восприятие цвета, радости и праздника в головах людей.
Самый совершенный из всех цветов
В эпоху Возрождения синий цвет в западноевропейской культуре вступает в новую фазу своей истории: теперь это самый модный цвет среди аристократии. Культ Богородицы повлиял на одежду королей, которые стали носить синие мантии, а вслед за ними в синий начали одеваться и подражавшие им придворные. В таких одеждах они и хотели быть запечатленными на полотнах художников.
Чем выше спрос — тем выше стоимость: ляпис-лазурь превзошла в цене даже золото. Но художников это не останавливало, ведь теперь синий был «самым совершенным из всех цветов», как писал Ченнино Ченнини в «Трактате о живописи» в 1400 году. Именно за щедрое использование лазури и золота часослов, проиллюстрированный братьями Лимбург, даже назвали великолепным.
Великолепный часослов герцога Беррийского, 1410–1490-е гг.
Но не только роскошь и дороговизна красок удивляли историков. В этой богослужебной книге впервые появляется изображение, построенное по законам линейной и световоздушной перспективы, — одно из главных новаторств братьев Лимбург.
Чтобы сделать фон объемным (на нем показаны реалии того времени — развлечения знати и работы крестьян), художник уменьшает объекты по мере их удаления от переднего плана и создает пространственную глубину с помощью градации синего неба: чем ближе к горизонту, тем светлее цвет.
Детство и юность
Пьер Огюст Ренуар родился 25 февраля 1841 года. Его родным городом являлась расположенная на юго-западе Франции коммуна Лимож. Художник был шестым ребенком из семи детей небогатого портного Леонарда и его жены, швеи Маргариты
Несмотря на то, что семейство едва сводило концы с концами, родителям хватало времени и любви на то, чтобы оделять вниманием и нежностью каждого из своих отпрысков
В детстве Пьер был нервным и впечатлительным мальчишкой, но Леонард и Маргарита сочувственно относились к чудачествам ребенка. Отец прощал сыну, когда Огюст утаскивал у него карандаши и портновские мелки, а мать – когда он рисовал на стенах дома. В 1844 году Ренуары переехали в Париж. Здесь Огюст поступил в церковный хор при большом соборе Сент-Эсташ.
Регент хора Шарль Гуно, услышав пение Огюста, на протяжении пары недель пытался убедить родителей отдать будущего автора картины «Девушка с веером» в музыкальную школу. Однако в итоге Пьер иллюзорному миру звуков предпочел живопись. Леонард отдал наследника на фабрику «Леви Бразерс», занимающейся изготовлением продукции из фарфора, когда тому исполнилось 13 лет. Там мальчик научился рисовать, украшая тарелки, горшки и вазы изображениями, выходившими из под его кисти.
Когда в 1858 году компания обанкротилась, юный Ренуар, находясь в поисках иных источников дохода, раскрашивал стены кафе, жалюзи и навесы, копируя работы художников эпохи Рококо – Антуана Ватто, Жана Оноре Фрагонара и Франсуа Буше. По мнению биографов, этот опыт повлиял на последующее творчество графика.
Именно произведения мастеров XVIII века пробудили в авторе картины «Роза» любовь к ярким цветам и неброским линиям. Вскоре Огюст осознал, что его амбициям тесно в рамках подражательной работы. В 1862 году он поступил в школу изящных искусств. Его наставником стал швейцарский художник Марк Габриэль Шарль Глейр, придерживающийся при создании картин академической традиции рисования.
Согласно этой традиции, произведения пишутся исключительно на исторический или мифологический мотив, а в изобразительной палитре преобладают только темные цвета. Такие холсты жюри Салона принимало на ежегодную официальную выставку, которая давала возможность заявить о себе начинающим живописцам. Во время обучения Ренуара в академии, в мире искусства Франции назревал переворот.
Художники Барбизонской школы живописи все чаще изображали на своих полотнах явления повседневной жизни с использованием игры света и тени. Также именитый реалист Гюстав Курбе во всеуслышание заявил, что задача живописца заключается в отображении реальности, а не идеализированных сцен в академическом стиле. Ренуар, также как и его приятели — сокурсники Клод Моне и Альфред Сислей, знал о царящих в воздухе революционных настроениях.
Однажды товарищи, чтобы обозначить свою позицию, во время занятий, без разрешения Глейера вышли на улицу и стали рисовать под открытым небом все то, что их окружало. В первую очередь начинающие художники пришли в лес Фонтенбло. Это место на протяжении 20 лет воодушевляло импрессионистов на написание шедевров. Там Ренуар познакомился с жанристом Гюставом Курбе, чье влияние видно в картине 1866 года «Харчевня матушки Антони». Холст, изображавший неидеализированную, повседневную сцену жизни, стал символом отказа Огюста от академической традиции рисования.
Биография Огюста Ренуара
Огюст Ренуар появился на свет 25 февраля 1841 года во французском городе Лиможе. Он рос и воспитывался в семье портного Леонарда Ренуара и его супруги Маргариты. У своих родителей он был шестым из 7 детей.
Когда Огюсту было около 3-х лет он вместе с семьей переехал в Париж. Здесь его отдали в церковный хор при соборе Сент-Эсташ. Мальчик обладал настолько красивым голосом, что хормейстер начал уговаривать его родителей, отдать их сына учиться музыке.
Однако в скором будущем у Ренуара обнаружились художественные способности. Уже в 13-летнем возрасте он стал помогать семье материально, когда устроился к мастеру, у которого обучился росписи фарфоровой посуды. Тогда же он начал посещать школу живописи.