Кандинский Василий Васильевич (1866-1944)
— совершил переворот в живописи и создал первые абстрактные композиции, которые по степени отдаления от предмета разделяются у него на три группы: импрессии, импровизации и композиции. Он открыл совершенно новое направление в искусстве абстракционизм. Его картины утверждали, что линия и цветовое пятно, а не сюжет, являются главными носителями духовного начала. Именно они вызывают отклик в душе зрителя. По нему — импрессия рождается как впечатление от внешней среды, импровизация — это бессознательное выражение внутреннего впечатления, а композиция — высшая форма абстракции, в которой нет никаких связей с реальностью. Он создал 10 композиций, сохранились лишь 7. Таким образом он своими работами изменил природу живописи. Он научил её не изображать картины в повествовательном виде, а больше выражать наиболее сложные душевные состояния человека.
Но сначала он начинал, как и все-рисовал заурядные пейзажи, (см «Дом в Мурнау» 1908, «Осенний пейзаж» 1909, «Вид города Мурнау» 1908) которые его не устраивали, поскольку по природе он был лидером и хотел добиться большего. Это был «русский Дали» Его поступки чем-то напоминали карьеру испанских художников Пикассо и Дали. Поэтому в 1896 году Кандинский уезжает учиться в Мюнхен (столица немецкого модернизма в то время), чтобы потом завоевать Европу.
Wassily Kandinsky-Кандинский
Потом были его выставки в России в Товариществе Передвижников, затем опять отъезд насовсем в 1921 году в Германию, преподавание в Архитектурной школе. Заканчивал свою карьеру художник во Франции, куда он перебрался после прихода к власти фашистов. Но здесь его творчество уже отставало от мирового уровня и особым спросом он не пользовался.
1908-Kandinsky-Murnau-Street wtih womens-Кандинский-Дом на Мурнау
Candinsky-It’s mauntins-Кандинский-Горы
1908-Candinsky-It’s an autumn- Кандинский-Осенний пейзаж
1908-Kandinsky-It’s a painting of Murnau-Кандинский-Вид города Мурнау
1914-Кandinskу-It’s a Improvizatsya Klamm-Кандинский-Импровизация Кламм
1923-Kandinsky-It’s an 8 composition-Кандинский-8-я композиция
1932-Kandinsky-Decisive-Rose-Кандинский-Розы
1936-Кandinsky-It’s a dominating curvature-Кандинский-Доминирующая кривая
Kandinsky-abstract-tattoo-design-painting-art-shapes-symbols-movement-emotion-Тату
Умел ли Малевич рисовать
Авангардисты рисовали не только геометрические фигуры. Русский авангард вырос на итальянском футуризме Филиппо Маринетти с его движением машин и французском экспрессионизме и постимпрессионизме с Пикассо, Сезанном и Гогеном. Ещё один источник вдохновения — городские вывески. В них художников впечатляли грубые мазки кистей и композиционные приёмы. Последний референс — народное искусство. От него авангардисты брали непосредственность и естественность, а чтобы найти — путешествовали по сёлам и ярмаркам.
Авангардисты не стеснялись использовать в своих работах самые разные материалы. В 1915 году коллекционер Сергей Щукин шокировал общественность, купив на выставке «Трамвай В» (как говорят, за большие деньги), работу Владимира Татлина. Объёмная композиция была составлена из трёх деревянных плашек, сколоченных между собой. Можно только представить, как отреагировали на это приобретение буржуа — адепты классической живописи и скульптуры.
Ещё один способ привлечь внимание публики придумали художники и поэты братья Бурлюки. Созданные картины казались им плоскими, поэтому они окунали полотна в грязь и рисовали поверх налипших комьев земли
1907 Малевич К.С. «Эскиз фресковой живописи. Молитва.»
Эта картина Казимира Севериновича Малевича была написана в 1907 году. Работа выполнена маслом на картоне. Произведение находится в Государственном Русском музее. Еще в середине 1910-х годов Казимир Малевич исполнил несколько композиций, которые во всей литературе о художнике значатся как «Эскизы фресковой живописи». Однако совершенно очевидно, что будущий отец супрематизма воплотил в символической стилистике несколько евангельских сюжетов: Вознесение (Торжество неба), Положение во гроб, Христос в окружении ангелов (Автопортрет) и Моление о чаше (Молитва). Вообще по отношению к художникам русского авангарда долго было принято считать, что их творческие позиции сформировались на революционных идеях, хотя это не совсем соответствует действительности. Начало русского авангарда относится к рубежу 1900-х и началу 1910-х годов, времени еще далекому от революции 1917 года. В 1900-е – начале 1910 –х годов огромную роль при повороте в изобразительном искусстве к беспредметности (абстракции), кроме кубизма, сыграл интерес общества к традиционному, народному творчеству. Иконы, деревянная резьба, вышивки, глиняные игрушки, народные картинки русских мастеров активно собирались и изучались в это время. Казимир Малевич, кроме ранних, так называемых эскизов для фресок, насколько известно, лишь еще один раз, и то не впрямую, воплотил крестьянина в образе Христа («Голова крестьянина» на фоне креста). Однако влияние христианского искусства на творчество Малевича очевидно. Цветовая гамма его полотен, лаконизм и условность образов, особенно во второй половине 1920-х – начале 1930-х годов, вызывают несомненные ассоциации прежде всего с иконами. Христианское мировосприятие и лексика также были глубоко свойственны многим художниками русского авангарда, в том числе и Малевичу, в их манифестах и в литературном творчестве. Уподобляя себя Христу, Малевич провозглашал свои теоретические трактаты Новыми Евангелием в искусстве. Он уподобляет себя Мессии, призванному не только спасти, но и преобразовать художественный мир. В письме к Михаилу Матюшину Малевич, к примеру, пишет: «Христос раскрыл на земле небо, создав конец пространству, установив два предела, два полюса, где бы они ни были – в себе или «там». Мы не пойдем мимо тысячи полюсов, как проходили по миллиардам песчинок на берегу моря, реки. Пространство больше неба, сильнее, могучее, и наша новая книга – учение о пространстве пустыни». Это цитата из письма Малевича 1916 года – времени утверждения супрематизма среди других направлений искусства. И художник для объяснения своего новаторства, нового представления о пространстве как космосе использует сопоставление с открытием Христа.
Что хотели сказать авангардисты
Авангард не был единым течением. Художники вступали в союзы, спорили и враждовали. Они обвиняли друг друга в плагиате и, наоборот, находили учеников, которым преподавали свой стиль. Так появились супрематизм, конструктивизм, кубофутуризм и ещё десяток направлений.
Д. Бурлюк «Футуристическая женщина с тремя глазами», 1910-е года
Кубофутуристы считали, что искусство прошлого изжило себя. Они стремились «сбросить с корабля современности Пушкина», хотели сформировать у зрителя новый вкус и готовили его к новой эпохе дерзкими манифестами и эпатажными жестами.
Н. Пиросмани «Лев и солнце», начало XX века
Примитивисты думали, что искусство зашло в тупик и искали путь его возрождения через истоки: детский рисунок и народное творчество.
В. Кандинский «Картина с кругом», 1911 год
Абстракционисты во главе с Кандинским ещё до Малевича начали эксперименты с цветом и формой как оторванными от реальности инструментами. Кандинский верил, что у каждого цвета есть звук, слышал их и научно обосновывал свои картины-композиции.
М. Ларионов «Петух. Лучистый этюд», 1912 год
Лучисты подходили к творчеству с научной стороны. Создатель стиля, М. Ларионов, верил, что предметы испускают невидимые лучи. На это его подтолкнули исследования работы глаза и развитие рентгена. Рисуя объекты абстрактными лучами, художники соединяли духовный и материальный мир.
А. Родченко «Конструкция на зелёном», 1919 год
Изобретённый А. Родченко линиизм использует только линию. Автор считал её первым и последним словом в живописи, которое даёт художнику огромные возможности интерпретации.
Неужели до него никто не догадался сделать что-то подобное?
Формально ― были похожие произведения. Например, в 1883 году ― за тридцать лет до «Чёрного квадрата» журналист и писатель Альфонс Алле представил свою картину «Битва негров в пещере глубокой ночью». Это был просто чёрный прямоугольник. Вот он:
Альфонс Алле. «Битва негров в пещере глубокой ночью», 1883 годИзображение: Wikimedia Commons
Внешне ― мы видим очень большое сходство. Но это два принципиально разных произведения. Картина Алле входила в серию из семи листов, один из которых был чёрным, другой ― зелёным («Сутенёры в самом соку, валяющиеся на траве и пьющие абсент»), третий ― жёлтый («Возня с охрой желтушных рогоносцев»).
Несмотря на то что на этих картинах не изображено ничего, кроме цветного прямоугольника, они имеют вполне конкретный сюжет. Играя со зрителем, Алле предлагает найти, например, на красной картине красных кардиналов на фоне Красного моря. Он намекает, что всё это там есть, просто слилось в единую красную плоскость.
В отличие от шутника-Алле, Малевич предельно серьёзен. Он не пытается спрятать в своём «Квадрате» тёмных персонажей и окружить их чёрными декорациями. Он заявляет прямо ― персонажей здесь нет. И нет ничего привычного, на что мы могли бы опереться как зрители. Есть только форма ― квадрат и цвет ― чёрный.
Биография
Семья художника была большой (восемь детей). Будучи шестнадцатилетним подростком, Казимир начал обучение в художественной школе, написал первую картину «Пейзаж маслом». Согласно легенде, картина понравилась друзьям юноши. Один из них забрал холст, втайне от автора продал полотно за пять рублей. Годом позднее семья переехала в Курск. Казимир продолжал свои творческие изыскания. Совмещать художественную деятельность приходилось с крайне скучной работой чертежником. Серая обыденность, рутина напрягала Казимира. Творчество стало настоящей отдушиной.
1899 г. – время встречи мастера с Казимирой Зглейц. Последняя станет его женой. Вместе они прожили пять лет. Мастер, влекомый жаждой творческого развития, уехал покорять Москву. Вскоре художнику пришлось вернуться: две попытки поступления провалились. Семейные размолвки усиливались. В результате испортившихся отношений, оставив детей, женщина уехала к любовнику. Художник, забирая детей, познакомился со второй женой – Софьей Рафалович.
1910 г. ознаменовался взлетом творческой карьеры Казимира. Художник сменил несколько городов: Москва, Витебск, Петроград. Женился третий (последний) раз на Наталье Манченко, стал директором Ленинградского Государственного института художественной культуры. Кончина настигла Малевича после продолжительной болезни 15 мая 1935-го. Согласно завещанию, был похоронен близ села Немчиновка Московской области.
Жницы
Картина относится к «крестьянскому» периоду его жизни. Он был уверен, что крестьяне не могут существовать без религии и икон, поэтому на картинах этого цикла мы чувствуем влияние принципов, применявшихся в русской иконописи.
На полотне «Жницы» мы видим женщин, которые занимается сбором урожая. Художник постарался показать настоящую сельскую жизнь, как тяжело было работать в поле. Это мы можем увидеть на лице женщины, изображенной на переднем плане.
На заднем плане виднеется Никольский храм, выстроенный в селе Ромашково. Там любил работать и отдыхать знаменитый художник. Более того, он попросил похоронить его именно в этих местах.
«Голова крестьянина» (1928-1929)
В 1919 году, когда супрематизм достиг своей последней стадии, Малевич решил больше не писать, а заниматься проповедью. Проповедовал он в 1920-е годы, но в конце десятилетия его проповедь вступила в противоречие с художественной политикой государства. Разгром ГИНХУКа лишил проповедника последней кафедры и вернул к живописи. В 1929 году в Третьяковской галерее художник представляет обзорную выставку своего творчества. Для выставки с целью «логизации» творческого пути он пишет картины, датируя их ранними сроками и неожиданно приходит к новым «крестьянским» образам. Одна из лучших картин этого ряда – «Голова крестьянина».
писал художник одному из корреспондентов. Малевич понимал, что символизм не соответствует идеологии государства, требующего в это время иную эстетику. Не обращая внимания на «социальный заказ» и политику, он позволил себе абсолютную свободу. «Голова крестьянина» (как и весь ряд крестьянских образов) стала манифестом свободы.
Композиция из супрематических плоских фигур предполагает «личное понимание картины». Голова крестьянина, изображенная на фоне старой деревни, занимает весь передний план. Лицо собрано из отдельных разноцветных деталей. Нос и зрачки покрашены черной краской, верхние веки и ноздря написаны тонкой черной кистью. Борода собрана из двух четырехугольников. Одна часть волос окрашена в пшеничный цвет, другая представлена в цветовом переходе от оранжевого до ярко-красного.
Задний план картины указывает на тревожный сюжет – уничтожение патриархальной деревни в начале 1930-х годов. Над церквями и крестьянками, работающими в поле, реют стаи птиц. В эту мирную деревенскую жизнь вторгаются хищные аэропланы. По скорбному взгляду крестьянина видно, что он не ждет добра от наступления цивилизации машин.
В картине «Голова крестьянина» заметны последние художественные мироощущения автора. Теперь его привлекали новые смыслы.
Самая знаменитая картина Малевича «Черный квадрат» вызывает нешуточные споры со дня своего появления. Можно ли считать «Черный квадрат» искусством?
Малевичевский алогизм
Алогизму художника был свойственен футуристический язык, названный в литературе «заумный». Этот язык помог Малевичу начать наступление на одряхлевшие, по его мнению, догмы старого искусства. Основой его метода стал эпатажный прием, аналогичный тем, которые использовали создатели кубизма Пикассо и Брак.
Первое «алогическое» произведение – картина «Корова и скрипка» (1913)
На обороте картины автор сделал надпись:
Его алогическая живопись («Дама на остановке трамвая», «Композиция с Моной Лизой», «Авиатор», «Англичанин в Москве» и др.), построенная на монтаже разнородных элементов, сложившихся в композицию, наполнена особым авторским смыслом.
Девушки в поле (1932)
Здесь художник продолжает свои традиции. Женские фигуры, умело составленные из геометрических форм, изображены в цветовой гамме, похожей на радугу. Здесь есть место всем цветам, и даже чёрному цвету, который выделяет центральную фигуру. Малевич будто бы конструирует пейзаж и аккуратно вписывает в него изображения женщин. Градиент на фигурах выполнен с большой деликатностью, как бы преклоняясь перед труженицами. Яркие убранные поля и синее небо говорит об окончании полевых работ, а женские руки не расслаблены, а напряжены от работы. Эта красочная картина как бы подчёркивает праздничное значение сбора урожая.
8
Автопортрет
На протяжении жизни Казимир Малевич не раз создавал свои автопортреты, каждый из которых написан в своем стиле, он помогает передать эмоциональное состояние художника.
Самый необычный его автопортрет был написан незадолго до его смерти, в 1933 году. Он изобразил себя не сломленным репрессиями и тяжелой болезнью, а победителем, с гордо поднятой головой. Малевич был готов оспаривать свое право на свободу творчества.
Он одет в венецианский костюм Эпохи Возрождения, который подчеркивает революционный характер его творчества. Вместо подписи – черный квадрат, который как бы говорит о том, что Малевич верит в свою правоту.
Начало пути
Казимир Малевич родился в Киеве, в польской многодетной семье. У него было четыре брата и четыре сестры. Все его детство прошло в селе. В 1895 — 1896 годах он посещал занятия в Киевской рисовальной школе. Первая картина была написана художником в 16 лет, а затем продана в магазине одним из друзей за 5 рублей. Он неоднократно пытался поступить в Московское училище живописи ваяния и зодчества, но все три попытки закончились неудачно. Каждый раз он вынужден был возвращаться и продолжать работу чертежником в управлении Курской железной дороги. В 1907 году Людвига Александровна, мать художника, снимает большую квартиру в Москве. Казимир Малевич получает возможность общаться с единомышленниками и создавать свои картины в столице.
Свой творческий путь художник начинает с натурализма. Но затем быстро увлекается импрессионизмом, футуризмом и кубизмом. Даже эти, весьма авангардные стили живописи, не дали Казимиру Малевичу возможности рассказать всему миру о переполнявших его философских размышлениях и мыслях о дальнейшем развитии современного искусства. Вскоре он понимает, что необходимо создать еще одно направление в живописи — супрематизм, в котором важны были лишь форма и цвет.
Философия супрематизма
Супрематизм – стиль, вошедший в основу художественных экспериментов. Его сущность как высшей ступени искусства, в беспредметности, исключающей всякий разум, осмысленной как чистое ощущение.
Супрематизм, как разновидность абстракционизма, формально можно определить так: набор геометрических фигур, закрашенных локальными цветами и распределенных на белом фоне по законам статики и динамики.
Самый главный элемент супрематических работ художника — квадрат (черный квадрат — «знак экономии»; красный — «сигнал революции»; белый — «знак чистоты человеческой творческой жизни»), хотя использовал он в своих работах прямоугольники, круги, кресты, треугольники, эллипсоиды, трапецоиды.
На первых супрематических работах художника изображены сложные геометрические абстракции.
Малевич пытается осмыслить суть своего нового направления, меняет акценты и тональности в понимании сути супрематизма от эпатажных выпадов (работы 1920-23 гг.) к более спокойным рассуждениям (работы 1927 г.)
убеждает он своих коллег-художников. Основными параметрами супрематизма у него выступает «экономическое начало», энергетика цвета и формы, своеобразный космизм. Малевич ощущает энергетику предмета, формы, цвета. Он работает с ними, организует их в плоскости холста на основе предельной «экономии». «Экономию» Малевич называет «пятой мерой» (пятым измерением искусства), которая выводит его из плоскости холста и даже за пределы Земли. Она помогает преодолеть силу притяжения и выйти из трех-четырехмерного пространства, в котором находится человек, в особые космическо-психические измерения. Знаковые конструкции превратились у Малевича в «живые миры, готовые улететь в пространство» и жить там вместе с другими космическими мирами.
Заниматься живописью профессионально художник начал в 27 лет. Не обладавший «общей культурой» (об этом говорит язык его манифестов), он проявлял потрясающую «переимчивость» и остро ощущал актуальную «новизну». Каждое потрясение от знакомства с работами мастеров побуждало его к анализу чужого метода. В результате создавалось нечто свое, самобытное. Причем свои новые шаги он растолковывал в манифестах. В 1920 годах Малевич ставил на новых картинах ранние датировки, чтобы внести последовательность и логику в свои теоретические учения.
Серией работ «Белое на белом», в которой белые геометрические формы терялись на белом фоне, была «закрыта» вся живопись. В последние годы жизни художник подводил итоги творческого периода 1920-1930 годов. Абсолютизируя логику, которая привела его к исчезновению формы и цвета в живописи, он обратился к современникам:
Работы Казимира Малевича хранятся в Государственной Третьяковской галерее, в Государственном Русском музее, в городском музее Амстердама. Его имя известно всему миру, и этому послужила неординарность художника.
Живя с мыслью о космосе, он провозглашал себя «президентом космического пространства». Художник упорно стремился к преображению мира и к некой власти. Чтение его манифестов производит ошеломляющее впечатление. Их стоит знать, чтобы представить ценности, которым он служил.
Малевич оглашал глобальные идеи, находил им новые смыслы и твердо отстаивал их право на существование.
Уважаемый читатель! Для меня Казимир Малевич – художник-экспериментатор. А что думаете о нем вы? Как вы считаете, в каком возрасте можно начинать знакомство детей с творчеством и манифестами Малевича?
«Черный квадрат» (1915)
Идея «Черного квадрата» посетила Малевича в 1913 году во время работы над оперой «Победа над Солнцем». Сама картина появилась в 1915 году. Первый раз она была выставлена на суд зрителей в год своего рождения на Последней футуристической выставке «0, 10». Автор установил картину в «красном углу», доказывая ее «сакральный характер».
Встреча с картиной взмела бурю эмоций. Мирискусник Бенуа негодовал:
Малевич ответил:
Свое творчество художник уподобляет мирозданию. Белый фон означает бесконечность космического пространства, где нет перспективы и тяготения. Сам квадрат является первоформой, из которой рождается абсолютно все. (Все остальные формы, по мнению художника, (круг, треугольник, прямоугольник…) — производные квадрата, появляющиеся из него через определенные манипуляции).
Бытует мнение, что «Черный квадрат» является «черной дырой», ведущей в иные миры или же он представляет собой первичное тело, плывущее в бесконечности. В том и другом случае, «Черный квадрат» — вестник «иного».
Искусствоведы, заметившие трещинки, образовавшиеся от времени в красочном слое холста, утверждают, что до черного цвета художник использовал другие цвета, от которых в конце своего эксперимента отказался.
Квадрат, по мнению Малевича, является элементом, с помощью которого он приобрёл возможность выражать разные ощущения.
писал художник.
Черный квадрат Малевич считает знаком экономии, знаком пятого измерения искусства, «последней супрематической плоскостью на линии искусств, живописи, цвета, эстетики, вышедшей за их орбиту». Художник сводит к минимуму телесность и изобразительность в живописи, оставляя пустой элемент — черную пустоту как знак-приглашение в Ничто или в себя. Он уверен, что в окружающем нас мире нет ничего ценностного, так как все благое находится внутри человека. Его «Черный квадрат» — знак-приглашение к медитации. В нем он видел сущность человеческого бытия и прорыв в неописуемое, но ощущаемое Ничто.
Картина стала своего рода символом нового понимания живописи.
Многие искусствоведы мира называют «Черный квадрат» шедевром, несмотря на то, что философские рассуждения автора попросту вводят людей в заблуждение. Картина «Черный квадрат» останется навсегда предметом жарких споров и будет вызывать различные ассоциации и толкования.
Скачет красная конница
Точное время написания картины неизвестно, но предположительно она появилась между 1928 и 1932 годом.
Долгое время это была единственная абстрактная работа, которая признавалась деятелями советского искусства. И все потому, что на ней были изображены события Октябрьской революции, о чем свидетельствует и ее название «Скачет красная конница».
Между небом и землей, на просторах страны, охваченной революционными волнениями, несется красная конница. Кажется, что вся страна движется к своему коммунистическому будущему.
Но сам Малевич писал, что у людей было множество вождей, часть из которых обещали материальные блага, другие духовные дары. Те, кто им поверил, сначала шли, потом бежали, в надежде достигнуть всех этих благ, а их все нет и нет.
Такое движение в надежде напоминает желание безумных людей, которые бегут к горизонту, надеясь добраться до края Земли.
Последние годы жизни
В период революции и смены власти в стране, Казимир Малевич активно поддерживал большевиков. Это позволило ему войти в число художников, которым разрешалось устраивать выставки не только на территории СССР, но и за границей. В 1927 г. Малевич решил воспользоваться привилегией и отправился в Европу, где с успехом провел выставку в Варшаве.
Однако, в этом же году советское правительство перестало поддерживать представителей «реакционного» авангардного искусства. Испортилось отношение и к Малевичу, яркому представителю авангарда. Находясь в Берлине, художник получил приказ срочно возвращаться на родину.
Большинство выставочных картин Малевич оставил у немецких знакомых, т. к. планировал в ближайшем будущем выставку в Париже. Но вернуться в Европу художнику было не суждено.
По прибытии в СССР Казимир Малевича арестовали по обвинению в шпионаже, он пробыл в заключении 3 недели. Хотя после освобождения художник получил возможность провести персональные выставки в Москве и Киеве, гонения на него не прекратились.
В 1930 г. Казимир Малевич попадает в тюрьму уже на 3 месяца. Неволя не сломила художника. Но его мировоззрение изменилось. Он постепенно отходит от супрематизма и абстракционизма, возвращаясь к пейзажам и портретам в жанре традиционного реализма.
Автопортрет
В 1933 г. у Казимира Севериновича обнаружили рак предстательной железы. Работать он больше не мог. Пенсию от Союза художников Малевичу не платили, потому умирал он в нищете. Но художник не был брошен и одинок. Рядом с ним находились любимые женщины: мать, жена, дочери Галина и Уна. 15 мая 1935 г. Казимира Малевича не стало.
Похоронить себя эксцентричный художник просил в гробу в форме креста. Пожелание не было исполнено, тело кремировали. Прах художника покоится на кладбище с. Немчиновка Подольского района Московской области, где он любил бывать при жизни.