Описание картины казимира малевича «корова и скрипка»

Описание картины Казимира Малевича «Голова»

Картину можно соотнести к циклу о крестьянах, которая является одной из самых лучших творений художника. Перед зрителем предстает символический портрет человека. Малевич в своем творчестве стремился развить границы традиционного искусства. Цикл «Крестьяне», должен был представляться как графическое изображение обыденной жизни, все трудности и невзгоды низкого сословия. Чем больше художник узнавал традицию народа, тем больше стремился привлечь внимания общества к нуждам крестьянам, но не через жалость, а их силу духа.

Портрет собрал в себе лучшие качества человека. Именно цвета помогают понять глубину изображения:

Красный цвет изначально олицетворяет тяжкий труд людей, внутренняя борьба и конфликты с высшими чинами. Красновато-коричневый оттенок показывает связь с землей. Сразу возникает ассоциация с работой на пашнях, народными обрядами плодородия.

Фоном выбран зеленый цвет, который приводит в гармонию душу человека с природой. Близость крестьянина к ней, естественная красота как физическая, так и духовная.

Геометрически расположенный нос с тремя цветами, показывает многоплановость натуры, которая подвержена как желтый цвет болезненности, синий – чистоту и необычность, белый в середине – гармонию.

Наличие черного оттенка, показывает сомнения, которые есть в каждой личности. Также выражается недолгая жизнь и высокая смертность, возникающая из-за отсутствия лекарств от болезни. Встреча с тяжелыми препятствиями на пути самореализации и саморазвития. Черное и белое равномерно расположены на картине, что создает азиатскую символику инь-янь.

Широкий лоб и близкое расположение глаз изображает человека, не занимающегося высокими науками, а упорно работающего на благо семьи и общества. Высокая шея, тянущаяся вверх, показывает стремление к новому и готовность узнать мир.

Детство

О дате рождения Казимира Малевича долго не утихали споры. Одни считали, что художник родился 23 февраля 1878 года другие – что на год позже, 1879 года. Историки больше склоняются к другой версии, так как имеется запись в приходской книге костела св. Александра о рождении и крещении мальчика в 1879 году. Год рождения точно установили уже после 125-летия художника. Выяснилось, что празднование юбилея было заблаговременным. Поэтому у Малевича было два 125-летия.

Казимир был первым из 14 детей, однако до старости дожили только девятеро: 4 брата — Казимир, Мечислав, Бронислав, Болеслав, Антон и 4 дочери — Виктория, Северина, Ванда и Мария.

В детстве Казимир ничего не знал о рисовании. Однажды он отправился с отцом в Киев, где увидел холст — портрет девочки, которая сидела на скамейке и чистила картошку. Полотно оставило неизгладимое впечатление в его памяти.

С того временем Казимир стал проявлять интерес к рисованию. Заметив это, мама подарила ему на 15-летие набор красок. Уже к 17 годам Казимир научился рисовать.

В 1895 Казимир убедил отца разрешить поступить в Киевскую художественную школу. Он успел проучиться в школе год: семья переехала в Курск.

Возвращение к реализму

В последние годы жизни художник возвращается к реализму. Обычно это объясняется тем, что Малевич уступил требованиям власти, но, возможно, это было лишь закономерным продолжением его ранних идей. Теперь, чтобы проникнуть в суть вещей, не обязательно разрушать их форму. Квадраты, круги и человеческие фигуры в равной степени выразительны. Предельно реалистично написанная «Работница», в сущности, представляет собой условную геометрическую абстракцию. В этот период Малевич вплотную подходит к постмодернистской свободе в используемых выразительных средствах, адаптируя в зависимости от своих целей живописные манеры ренессансных художников или импрессионистов.

Самые дорогие картины Малевича

Картины Казимира Малевича появляются на торгах крайне редко, так как в основном они находятся в музеях. На аукционы они попадают в тех случаях, если наследникам удается отсудить их у музеев или музеи вынуждены пойти на продажу части работ из-за бедственного положения. За период с 2000 по 2020 годы было продано на торгах всего 74 произведения художника. Рассмотрим несколько самых дорогих уходов.

Рекорд в продажах картин Малевича связан с работой «Супрематическая композиция». Художник написал ее в 1916 году, но вынужден был расстаться со своим детищем вот по какой причине. В 1927 году он показал картину на выставке в Берлине, однако там же ее и пришлось оставить, так как советские власти отказались продлять ему визу. Поскольку выставка продолжалась еще несколько месяцев, Малевич был вынужден оставить семь десятков картин на попечение Хуго Херинга. Забрать их художнику так и не удалось, так как из-за подозрений в шпионаже его больше не выпускали из СССР, а в 1935 году мастер скончался. В Германии картины едва не уничтожили как дегенеративное искусство, но Херинг успел продать их музею Амстердама, а позже пять из них отсудили наследники Малевича.

К. Малевич. «Супрематическая композиция (Синий прямоугольник поверх красного луча)». 1916 г.

В 2008 году наследники выставили «Супрематическую композицию» на аукционе Sotheby’s и продали за 60 млн долларов. Однако в 2018 году она снова появилась на торгах, на этот раз в аукционном доме Christie’s. Здесь работа была продана за 85,8 млн долларов, став самой дорогой картиной Малевича, когда-либо уходившей с торгов.

Следующие два крупных ухода также связаны с пятью картинами, отсуженными наследниками у музея. Первая из них — это ««Мистический супрематизм (Черный крест на красном овале)». При взгляде на нее многие начинали искать религиозную подоплеку. Однако, как пояснял сам художник, его крест с религией не связан и является производной от базового элемента, то есть от черного квадрата. Если двигать квадрат в разных плоскостях, как раз и получится крест. Квадрат, крест и круг образуют, согласно супрематической теории художника, черный триптих. Последний и посвящен основным формам творения.

К. Малевич. «Мистический супрематизм». 1920–1922 гг.

В 2015 году картина появилась на аукционе Sotheby’s, но не сумела приблизиться к рекорду «Супрематической композиции». При заявленной начальной стоимости в 35-45 млн долларов картина ушла с молотка за 37,7 млн долларов. Тем не менее, эта сумма внушительная и превосходит совокупные продажи картин многих других известных художников.

Вторая картина называется «Супрематизм. 18-я конструкция». Работа была выполнена в 1915 году — в тот самый год, когда Малевич основал супрематизм. И является она одним из ярких символов этого художественного направления. По мнению художника, искусство представляет собой умение создавать конструкции на основании веса, скорости и направления движения. Если мы вернемся к фотографии выставки «0,10», то увидим там ряд картин с аналогичным сюжетом. Это полотно также появилось на торгах Sotheby’s в 2015 году и было заявлено в границах 31,6-47,3 млн долларов. Окончательная цена продажи в итоге составила 33,8 млн долларов.

К. Малевич. «Супрематизм. 18-я конструкция». 1915 г.

Отметим, что за последние 20 лет с аукциона ушло 74 работы Малевича, за которые новые владельцы суммарно заплатили 279,3 млн долларов.

Мы рассмотрели лишь наиболее показательные и дорогие картины художника, что не позволяет составить полное представление о его творчестве. Не удивляйтесь, если увидите подпись Малевича под реалистичным пейзажем, кубофутуристической композицией или работой в стиле импрессионизма. Он был разноплановым художником и пробовал себя в разных направлениях. И супрематизм — лишь наиболее яркое из них.

Жницы

Картина относится к «крестьянскому» периоду его жизни. Он был уверен, что крестьяне не могут существовать без религии и икон, поэтому на картинах этого цикла мы чувствуем влияние принципов, применявшихся в русской иконописи.

На полотне «Жницы» мы видим женщин, которые занимается сбором урожая. Художник постарался показать настоящую сельскую жизнь, как тяжело было работать в поле. Это мы можем увидеть на лице женщины, изображенной на переднем плане.

На заднем плане виднеется Никольский храм, выстроенный в селе Ромашково. Там любил работать и отдыхать знаменитый художник. Более того, он попросил похоронить его именно в этих местах.

Малевич и Европа

К 1922 году в художественном сообществе осталось только два могущественных центра: Свободные мастерские в Москве, переименованные во ВХУТЕМАС (высшие художественно-технические мастерские) и Музей художественной культуры в Петрограде. Стремясь быть лидером авангарда, Малевич хотел завоевать международное признание. Весной 1922 года Лисицкий организовал для него встречу с зарубежными художниками, среди которых был голландский живописец Питер Альма. Также Малевич переписывался с голландскими художниками из группы «Де Стейл», Крисом Бейкманом и Робертом ван т’Хоффом. Одно из писем Малевич заканчивает фразой: «Да здравствует беспредметная Голландия». Однако Малевичу удалось посетить Европу только в 1927 году. С 1922 по 1927 годы он управлял Музеем художественной культуры в Петрограде и обучал студентов в мастерских.

В 1924 году, благодаря стараниям Малевича, музей был преобразован в Институт художественной культуры и был переименован в Государственный институт художественной культуры — ГИНХУК. Однако с 1925 года институт стало атаковать сообщество художников-реалистов, которое называлось Ассоциация художников революционной России (АХРР). Получив поддержку власти, ассоциация начала формировать бюджеты, наводить порядок в культурных организациях и реформировать художественные институции. В 1927 году АХРР добралась до ГИНХУКа и закрыла его.

Казимир Малевич в ГИНХУКЕ, 1925

Также Малевичу пришлось отложить поездку в Европу из-за семейных трудностей. В 1924 году его жена Софья заболела туберкулезом, в 1925 году ее состояние ухудшилось. Малевичу регулярно ездил из Петрограда в село Немчиновка, чтобы быть с семьей. В октябре 1925 года Софья умерла, Малевич продолжал навещать дочку Уну, которая жила в Немчиновке с бабушкой. Спустя полгода после смерти Софьи Малевич познакомился там с Натальей Манченко, которая была их соседкой. В 1927 году они обвенчались и переехали в Ленинград.

Серия «Книги Баухауза» — «Беспредметный мир»

После закрытия ГИНХУКа Малевич решил осуществить свою давнюю мечту — показать свои работы за рубежом. Этому во многом способствовали эмигрировавшие авангардисты: они отправляли приглашения на организацию персональной выставки. Малевич взялся за оформление выездных виз и столкнулся с сопротивлением со стороны властей, которые были обеспокоены, что Малевич намерен остаться в Европе навсегда. Но настойчивость художника сделала свое дело, и он получил разрешение на поездку. Малевич отправился в Варшаву, где в начале марта 1927 года открылась его персональная выставка. На ней было представлено более 70 работ разных периодов. Также художник планировал опубликовать свой главный научный труд «Мир как беспредметность» на польском языке.

Кроме того, Малевич получил приглашение на ежегодную Большую Берлинскую выставку, которая прошла в конце весны 1927 года. Для художника был отведен отдельный зал, в котором можно было проследить его творческую эволюцию. Малевич остался доволен выставкой: «Немцы меня встретили лучше не придумаешь. Я думаю, что еще ни одному художнику не было не было оказано такого гостеприимства». Также он посетил школу Баухаус в Дессау и обсуждал с Вальтером Гропиусом возможности преподавания в школе, однако Гропиус был вынужден ему отказать из-за нехватки бюджета. Несмотря на это, Малевичу удалось опубликовать свой трактат «Мир как беспредметность» в серии «Книги Баухауза». В начале лета он хотел продлить свою выездную визу, но ему пришло письмо с требованием срочно вернуться в Ленинград.

Александр Родченко

Центральная фигура русского конструктивизма, один из основоположников дизайна, фотомонтажа, художник книги, фотограф, мастер рекламы.

Учился в художественной школе в Казани с 1911 по 1914 гг. В 1914 году увлекается идеями Малевича. Учится в Строгановском художественно-промышленном училище. После его окончания занимался собственным творчеством, например, создал ряд графических композиций, используя чертежные инструменты. Демонстрирует их на выставке «Магазин» (1916). В 1914-1915 гг. впервые создает первые образцы фотомонтажа. В 1916 году занимался творческой исследовательской деятельностью, выявляя пространственную глубину и форму элементов.

В 1918 году заведует музейным бюро, некоторое время – директор Музея живописной культуры, организатор Московского отдела ИЗО, который входил в состав Наркомпроса. Сотрудничает в газете «Искусство коммуны». Создает серию «белых скульптур». Автор графической серии эскизов, построенных на циркульных окружностях. Отрабатывает конструктивный прием стержневого высотного сооружения.

Расцвет творческой деятельности художника пришелся на 1920-е годы. В 1919-1920 гг. вместе с А. Шевченко, Л. Поповой и др. входит в объединение Живскульптарх. В 1920-е гг. Родченко был преподавателем во ВХУТЕМАСе, возглавлял Лабораторию по изучению живописи при ВГХМ. В 1922 году вышла его книга «Лабораторное прохождение через искусство живописи и конструктивно-пространственные формы к индустриальной инициативе». Одновременно с подготовкой книги Родченко работал в области плаката – фотомонтажа. В 1923 году готовил обложки для «ЛЕФа». В 1929 году оформил спектакль «Клоп» В. Маяковского.

В следующее десятилетие творческая жизнь для Родченко раздвоилась. С одной стороны, он занимался агитпропагандой в соответствии с соцреализмом, а с другой – сохранял внутреннюю свободу, что выражалось в создании фоторепортажей и произведений станковой живописи на тему цирка. Для последних лет творчества характерны декоративные композиции в стиле абстрактного экспрессионизма.

Во время ВОВ находился в эвакуации, в 1943 году вернулся в Москву и был главным художником Дома техники. Проектировал серию плакатов о В. Маяковском, создал эскизы оформления поэмы «Хорошо!» совместно с женой В. Степановой, участвовал в оформлении выставок и альбомов. В целом, его позднее творчество противоречило официальной эстетике, причем в 1951 году Родченко был даже исключен из Союза художников, т.к. продолжал заниматься собственной независимой деятельностью, в основном экспериментальной, правда, в 1954 был восстановлен. Скончался художник в Москве 3 декабря 1956 года.

Ольга Розанова

Ольга Владимировна Розанова (3 июля 1886, Меленки — 7 ноября 1918, Москва) — художница-авангардистка, живописец, график, иллюстратор, участница знаменитой «Последней футуристической выставки 0,10», член обществ «Союз молодежи» и «Бубновый валет». Ольгу Розанову называют одной из крупнейших представительниц русского авангарда.

Особенности творчества художницы Ольги Розановой: творческие искания Ольги Розановой прошли по извилистому пути — от примитивизма к футуризму, далее к супрематизму и цветописи. Вдохновляясь декоративным народным искусством, Розанова, по словам критика Абрама Эфроса, «родилась футуристкой». Ее колористический талант уникален; своим творчеством Ольга Розанова на несколько лет опередила развитие русского абстрактного искусства, ставя во главу угла авторское восприятие мира.

Известные картины художницы Ольги Розановой: «Кузница», «Портрет дамы в розовом платье», «Зеленая полоса». (в разделе «дополнение» есть изображения картин)

Ольга Розанова родилась в небольшом уездном городке Меленки Владимирской губернии. Владимир Яковлевич Розанов был уездным исправником, а мать, Елизавета Васильевна – дочерью священника. В 1896 году семья Розановых – отец, мать и четверо детей – переехали во Владимир, где Ольга поступила в женскую гимназию. По ее окончании девушка уехала в Москву – решение обучаться живописи было твердым. В 1904 году Розанова поступила в частное художественное училище Анатолия Большакова, где проучилась три года. Позже посещала классы в Строгановском училище, а также занималась в студии Константина Юона и Николая Ульянова. После Москвы был Санкт-Петербург и школа Званцевой, где она училась у Мстислава Добужинского и Кузьмы Петрова-Водкина. В письме к сестре художница писала: «Мастерская эта лучше даже теперешних парижских. Нет сомненья, что эта школа вводит в точку современного искусства».

Розанова жила во Владимире, наезжая в Москву и Санкт-Петербург на время выставочного сезона. На рубеже 1910-х годов она создала первую значимую серию работ – еще фигуративную, преимущественно пейзажную. В приобретении необходимых холстов и красок ей помогали меценаты, в том числе Левкий Жевержеев, председатель петербургского общества художников «Союз молодежи», в которое Розанова вступила в 1910 году. Художница Варвара Степанова отмечала большие достижения Розановой в портретной живописи: «Портрет дамы в розовом платье» — «… необычайный почти единственный портрет по своей силе во всей новой русской живописи, где через призму цвета проходит и глубокая психология портрета и понимание портретной живописи».

Участие в выставках «Союза молодежи» принесло Розановой успех и известность, ее работы покупали, печатали в журналах. Розанова написала манифест «Союза молодежи» (1913), стала членом правления этого общества. В литературную секцию вошли Давид Бурлюк и Велимир Хлебников, Владимир Маяковский, а также Алексей Крученых, с которым Розанову связали общие творческие проекты и личный роман. Розанова оформляла книги Крученых, проявив весь арсенал навыков – от коллажа до литографии; всего в содружестве Розанова-Крученых было создано 18 книг. В 1915 году вышел альбом ее линогравюр с текстами Алексея Крученых «Война».

«Специализироваться на одном каком-нибудь искусстве — это очень скучно» — считала художница, и под влиянием спутника жизни стала писать стихи в беспредметной стилистике. В 1917 году она разработала декоративные эскизы, по которым были созданы вышитые работы. После Октябрьской революции Ольга Розанова вошла в московскую коллегию Отдела изобразительных искусств Наркомпроса, в сфере ее внимания оказались проблемы объединения народных промыслов с учебными мастерскими. Художница не оставляла собственные изыскания в цветописи и беспредметном искусстве.

Ее жизнь трагически оборвалась в первую годовщину Октябрьской революции – Ольга Розанова умерла от дифтерита. Художницу похоронили на Новодевичьем кладбище. На посмертной выставке работ Ольги Розановой, прошедшей зимой 1919 года в Москве, было представлено около 250 ее работ.

Художники нового стиля

У Казимира Малевича было немало последователей, но большинство художников супрематизма не так сильно захватила эта идея. Их только объединяло характерное сходство в форме.

Лазарь Лисицкий

После Великой Октябрьской революции художник был одним из ведущих мастеров, которые старались создать новое еврейское национальное искусство. С 1919 года он преподавал в Витебском художественном училище по приглашению М. Шагала.

В этот период художник больше занимался авангардным стилем в книжной иллюстрации, поэтому в 1920 году под влиянием Малевича увлекся супрематизмом. Именно в этот период он стал оформлять книжные издания, используя новый стиль. С 1920 года художник стал выступать под новым артистическим именем — Эль.

Каролингское возрождение – причины проявления, деятели и значение

В этот период он становится активным членом партии Малевича «Утвердители нового искусства», кратко — УНОВИС. Здесь Эль Лисицкий изобрел ПРОУНы (проекты утверждения нового), где по особому были решены проблемы взаимодействия различных объектов с пространством. Кроме того, мастер преподавал в нескольких московских художественных институтах.

В 1921 году Лисицкий уехал в Европу, работал в Германии, Швейцарии и стал членом организации «Стиль» в Голландии. В Германии он продолжал оформлять книжные издания, но после возвращения в Советский Союз полностью отошел от этих дел. Художник стал одним из первых, кто внес супрематизм в архитектуру. Его работа в основном заключалась в решении задач выполнения городских застроек в вертикальном измерении.

Ольга Розанова

Хотя О. Розанова прожила недолгую жизнь, но стала одной из самых самобытных художниц авангарда в России. Она практически всегда находилась в первых рядах обновления искусства. Передовые поэты тех времен, в том числе и В. Маяковский, посвящали ей свои стихи, стараясь подчеркнуть роль мастера в становлении супрематической живописи.

Она очень хорошо разбиралась в сочетании различных тонов, поэтому и в супрематизме ставку делала на цветовые формы. В тот период она написала ряд картин, которых можно было отнести к постмодернизму, а именно:

• Синий веер.
• Пивная.
• Разделение форм.

В 1910 году она уехала в Петербург, там познакомилась с молодыми русскими поэтами и художниками. При ее активном участии была создана организация «Союз молодежи», где она продолжала рисовать в стиле, близком к супрематизму.

В 1916 году она возвращается в Москву, вступает в организацию Казимира Севериновича и начинает развивать собственный вариант нового стиля. На следующий год О. Розанова создала один из шедевров XX века — картину «Зеленая полоса».

Знаменитые картины

Казимир Малевич — авангардист, основатель супрематизма оставил после себя богатое наследие. Писал картины в разных стилях. Полотна художника, написанные в стиле фовизма, кубизма, экспрессионизма, неоклассицизма известны всему миру. Многие реалистические работы созданы в последние годы жизни.Творческие искания привели его к супрематизму.

«Автопортрет»

Автопортрет (1910 год). 26.8×27 см. Бумага/акварель/гуашь

Мне нравитсяНе нравится

Выполнен на бумаге гуашью, в стиле фовизм. Лицо разделено пополам светом и тенью, использованы тёплые и холодные краски. Этим художник показывает молодой и зрелый возраст, передает терзания и искания с помощью абстрактных приёмов, применением разных цветов краски.

«Черный квадрат»

Черный квадрат (1915 год). 79.5×79.5 см. Холст/масло

Мне нравитсяНе нравится

Самая известная и обсуждаемая картина мастера. Изображает знак, отрицающий предшествующую культуру.

«Белое на белом»

Белое на белом (1918 год). 78.7×78.7 см. Холст/масло

Мне нравитсяНе нравится

Полотно с изображением 2-ух оттенков белого цвета. На более теплом фоне изображен другой квадрат в голубоватых холодных тонах.

«Корова и скрипка»

Корова и скрипка (1913 год). 48.8×25.8 см. Дерево/масло

Мне нравитсяНе нравится

Картина с философским смыслом. Написана на дощечке деревянной полки. Художник хочет сказать, что каждый должен иметь собственное мировоззрение.

«Жницы»

Жницы (1920-е). 71×103 см. Дерево/масло

Мне нравитсяНе нравится

Картина из крестьянского периода творчества. На переднем плане женщина с серпом, на заднем плане видна Никольская церковь.

«Скачет красная конница»

Красная конница (1932 год). 140×91 см. Холст/масло

Мне нравитсяНе нравится

Красная конница скачет в пространстве между небом и землей к горизонту.

«Голова современной девушки»

Голова современной девушки (1932 год). 43.5×34 см. Холст/масло

Мне нравитсяНе нравится

Написана в стиле неоклассицизм с нео-супрематизмом. Девушка с короткой стрижкой и красной косынкой в мужском костюме похожа на женщин эпохи Возрождения.

 «Портрет ударника»

Портрет ударника (1932 год). 64×55 см. Холст/масло

Мне нравитсяНе нравится

Картина написана в стиле реализма на фоне фабрики. Серьезное лицо пожилого рабочего спокойное и уверенное.

«Черный круг»

Черный круг (1923 год). 106×105.5 см. Холст/масло

Мне нравитсяНе нравится

Полотно, изображающее беспредметную живопись, имеет глубокий философский смысл. Круг – это форма всей вселенной, начальный элемент всего земного бытия.

«Красный квадрат»

Красный квадрат (1915 год). 53×53 см. Холст/масло

Мне нравитсяНе нравится

Квадрат с неровными краями красного цвета на белом фоне символизирует революцию. Это изображение крови жертв перемен нового времени.

«Супрематическая композиция»

Супрематическая композиция (1916 год). 88.5×71 см. Холст/масло

Мне нравитсяНе нравится

Cоздана в 1916 году. Высокооплачиваемое полотно русской живописи. Каждая из фигур со смыслом. Синий прямоугольник находится на красном луче, это протест художника против натурализма.

Основатель беспредметной живописи Малевич оказал огромное влияние на художников последующих поколений, которые выбрали концептуализм, минимализм.

Аресты

С 1927 года Малевич начал путешествовать с выставкой по другим странам. Во время визита в Германию он получил официальное письмо из СССР с требованием вернуться. Малевич в спешке написал завещание на случай «смерти или постоянного лишения свободы». Ряд своих работ он оставил на попечение архитектора Гуго Херинга и семейству фон Ризен. Практически все картины, которые остались в Германии, сохранились до наших дней и находятся в Амстердамском городском музее. Исчезли лишь около 15 полотен (во время войны).

Когда Малевич приехал на родину, его обвинили в измене как немецкого шпиона. Однако после месяца заключения его освободили и даже разрешили организовать выставку в Третьяковской галерее. Так как многие картины остались за границей, художнику пришлось воссоздать свои работы разных периодов.

Недоверие власти к Малевичу росло. Его персональную выставку, которая прошла в Киеве с февраля по май 1930 года, власть жестко раскритиковала. Осенью 1930-го его обвинили в антисоветской пропаганде и посадили в ленинградскую тюрьму. Друзья Казимира помогли освободить его в декабре того же года.

После второго ареста Малевич написал картины второго «крестьянского цикла», более драматичные и эмоциональные, чем работы первой фольклорной серии. Малевич продолжал экспериментировать и создал «постсупрематические» картины, герои которых имеют плоские торсы.

Некоторые специалисты утверждают, что последний вариант «Черного квадрата» Малевич написал в 1932 году для юбилейной выставки «Художники РСФСР за XV лет». Сейчас полотно хранится в Эрмитаже.

Скачет красная конница

Точное время написания картины неизвестно, но предположительно она появилась между 1928 и 1932 годом.

Долгое время это была единственная абстрактная работа, которая признавалась деятелями советского искусства. И все потому, что на ней были изображены события Октябрьской революции, о чем свидетельствует и ее название «Скачет красная конница».

Между небом и землей, на просторах страны, охваченной революционными волнениями, несется красная конница. Кажется, что вся страна движется к своему коммунистическому будущему.

Но сам Малевич писал, что у людей было множество вождей, часть из которых обещали материальные блага, другие духовные дары. Те, кто им поверил, сначала шли, потом бежали, в надежде достигнуть всех этих благ, а их все нет и нет.

Такое движение в надежде напоминает желание безумных людей, которые бегут к горизонту, надеясь добраться до края Земли.

Творчество

Писать картины, по собственным воспоминаниям, Малевич начал в 1894 г. Работал в технике масляной живописи. Его первый пейзаж с изображением лунной ночи быстро нашел покупателя. Работу оценили в 5 руб.

После рисовальной школы Казимир увлекся импрессионизмом и работал в этом стиле вплоть до переезда в столицу в 1905 г. В Москве Малевич жил в коммуне художников. Здесь он много общался с другими живописцами, впитывал их знания, опыт. 

В поисках собственного творческого почерка художник копировал манеру именитых мастеров, много писал в духе импрессионизма, неоимпрессионизма («Портрет члена семьи художника», «Пейзаж с желтым домом»).

Портрет члена семьи художника

С 1910 г. начинается период авангардизма в творчестве Малевича. Он вступает в «Бубновый валет», самое крупное объединение раннего русского авангарда. Картины того периода:

• «Садовник»;
• «Мозольный оператор в бане»;
• «Купальщик»;

• «Полотеры».

Тогда же художник создает свою первую крестьянскую серию. Она начинается с полотен в духе неопримитивизма, на которых фигуры людей демонстративно увеличены, искажены: 

• «Уборка ржи»; 
• «Крестьянка с ведрами и ребенком»; 
• «Крестьянки в церкви»; 
• «Жницы».

Серия заканчивается картинами в стиле футурокубизма: «Женщина с ведрами», «Утро после вьюги в деревне». 

Женщина с ведрами

Малевич искал себя в импрессионизме, примитивизме, кубизме и других направлениях авангарда. Ни один из них не соответствовал его взглядам на взаимодействие искусства и реальности. И в 1915 г. Казимир Северинович основал новое направление в авангардистском искусстве – супрематизм (от лат. «наивысший»). 

В своей книге он писал, что творчество возможно, только если предлагаемая форма не берет начала ни в чем, уже созданном природой.

Малевич видел смысл искусства не в копировании натуры, а в создании качественно новой реальности на холсте. В основе 3 фигуры: квадрат, круг, крест. Из этих первоформ художник и строил свои супрематические картины. Основные цвета: черный, синий, желтый, красный. 

Супрематическая композиция

Впервые супрематические полотна Малевич продемонстрировал на Последней футуристической выставке картин «0.10». Здесь в числе еще 38 работ первый раз экспонировался «Черный квадрат», размещенный в «красном углу» наискосок, как икона. Этот манифест супрематизма был воспринят современниками неоднозначно, что не помешало полотну получить широкую известность. 

Очень скоро изображения в стиле супрематизма стали популярны в декоративно-прикладном искусстве. Шарфы, сумки, шкатулки, коврики с изображением геометрических фигур стремительно входили в моду. Супрематизм проник в архитектуру, дизайн, кино, фотографию. 

Черный квадрат: значение картины 

История создания одной из самых известных в мире картин окутана флером таинственности. Безусловно, с подачи автора. По степени загадочности и обсуждаемости с «Черным квадратом» может сравниться только «Джоконда» Леонардо да Винчи. 

Из воспоминаний Казимира Севериновича известно, что идея возникла во время работы над декорациями к опереПобеда над солнцемв 1913 г. Часть занавеса представляла собой закрашенный черной краской квадрат.

Окончательно же образ картины сложился позже, когда художник увидел со спины гимназиста с огромным черным ранцем за плечами. Идущего по снегу ребенка совсем не было видно. Только движущийся квадрат, олицетворяющий собою прошлое и будущее человека. 

В других воспоминаниях Казимир Малевич отмечал, что картина родилась внезапно и писалась грозовой ночью после недели беспокойства и скверного самочувствия. Художник утверждал, что в картине можно рассмотреть лик Бога.

Черный квадрат

Есть версия случайного создания «Черного квадрата»: у художника не получалась какая-то работа, он разнервничался и зарисовал холст черной краской. Эту догадку опровергает химический анализ холста, который установил, что картина написана тремя самодельными красками:

• охрой;
• жженой костью;
• натуральным составом зеленого цвета.

К ним для избавления от глянцевого эффекта автор добавил мел. Это говорит о том, что он продумывал свой шедевр до мелочей. Со временем краска на картине потрескалась. Теперь исследователи пишут о загадочных узорах, складывающихся из этих трещин. 

Вкладывал ли автор какой-то смысл в это изображение? Однозначного ответа нет. У каждого он свой. Утверждать можно одно: «Черный квадрат» принес Казимиру Малевичу долгожданную славу, скандальную, но вечную.