Описание картины караваджо «шулера». шулеры картина

О творчестве великого живописца

Микеланджело да Меризи (1573-1610), прозванный Караваджо (по имени маленького городка в Ломбардии, в котором он родился), вошел в историю как реформатор европейской живописи на рубеже XVI и XVII веков.

Караваджо учился живописи в Милане у маньериста Симоне Петерцано. В первых его работах нетрудно распознать увлечение венецианскими художниками и в особенности мастерами брешианской школы — Дж. Савольдо и А. Моретто. Но в дальнейшем, развитие искусства Караваджо пошло совершенно иными путями. 17-летним юношей он попадает в Рим. Вначале Караваджо работает как художник-исполнитель у Кавальеро д’Арпино. Потом, благодаря помощи кардинала дель Монте, он начинает находить покупателей и для своих самостоятельных произведений. Хранящаяся в Эрмитаже картина «Лютнист» относится именно к этому времени. Если в «Вакхе» (1592-1593) художник решает тему еще в плане преимущественно декоративном, то в «Лютнисте» и в «Концерте» (1595) привлекает поэтическая одухотворенность замысла.

Но Караваджо была чужда созерцательность возвышенных классических композиций. Рим для него был не музеем, а живым, беспокойным современным городом. Караваджо пишет «Гадалку» (1595) и «Игроков» (1594-1595), наряду со многими картинами на легендарные и религиозные сюжеты. Он стремится писать как можно правдивее. Его картины намеренно прозаичны, если не сказать — намеренно грубы. Они воспринимались как вызов господствующему вкусу. Но у работ художника постепенно появляются и свои сторонники. Караваджо удается получить ряд заказов от церкви.

Он пишет цикл картин о евангелисте Матфее (1597…..1599), «Распятие Петра» и «Обращение Савла» (1600-1601), несколько изображений мадонн. Художник стремится усилить эмоциональное воздействие живописи. Большое значение придает он контрастам света и тени. В их борении — особый драматизм его произведений. Он часто прибегает и к неожиданным композиционным решениям, внося остроту новизны в трактовку традиционного сюжета.

Великолепным образцом искусства Караваджо в этот период может служить композиция «Положение во гроб» (1602-1604), звучащая не обреченно, а героически. В библейских мифах Караваджо находил драму современного бытия. В самом подборе типов, в сознательно обыденной трактовке чувствуется его желание поднять действительность до уровня легенды, мифа.

Правомерно говорить и о своеобразном романтическом начале в его творчестве, о героическом пафосе художника, монументальности его работ. Перед нами — мастер, полный сил и энергии, бунтарь, смело отвергающий принятые нормы, а не холодный экспериментатор, увлеченный лишь светотенью, как его пытались представить некоторые исследователи. Неслучайно так часто были недовольны его работами высокопоставленные римские заказчики. Нередко их пугал драматизм его работ, их демократичность. «Смерть Марии» (1605-1606), одно из центральных его произведений, где традиционная тема представлена как волнующая человеческая драма, была решительно отвергнута и так и никогда не заняла места ни в одной из римских церквей. Искусство Караваджо представлялось слишком плебейским, вызывающим по сравнению и с привычной сдержанностью классической живописи в Италии, и с изощренностью живописи маньеристов.

Tags:

• барокко
• европейская живопись
• живопись xvii века
• итальянский художник
• итальянское искусство
• караваджо
• картины караваджо
• контраст света и тени
• реформатор живописи
• творчество караваджо

↓↓ Ниже смотрите на тематическое сходство (Похожие материалы) ↓↓

Презентация на тему: » Караваджо. Шулеры, 1596, Музей Кимбелла, Форт Уорт Веласкес. Триумф Вакха, 1629 Музей Прадо, Мадрид.» — Транскрипт:

1

Караваджо. Шулеры, 1596, Музей Кимбелла, Форт Уорт Веласкес. Триумф Вакха, 1629 Музей Прадо, Мадрид

3

Рембрандт. Челн Христа во время бури, 1633, Музей Изабеллы Гарднер Вермер. Вид Делфта, , Маурицхейс, Гаага

5

В изобразительном искусстве наряду с традиционными мифологическими и библейскими жанрами самостоятельное место завоевывают светские: бытовой жанр, пейзаж, портрет, натюрморт. Сложные взаимоотношения и борьба социальных сил порождают и разнообразие художественно-идейных течений. В отличие от предшествующих исторических периодов, когда искусство развивалось в рамках однородных больших стилей (романский стиль, готика, Возрождение), 17 век характеризуют два больших стиля барокко и классицизм, элементы которых ярко выражены в архитектуре и в новом понимании синтеза искусств. Искусство барокко раскрывает сущность жизни в движении и борьбе случайных изменчивых стихийных сил. В крайних проявлениях искусство барокко приходит к иррационализму, к мистике, воздействует на воображение и чувство зрителя драматическим напряжением, экспрессией форм. События трактуются в грандиозном плане, художники предпочитают изображать сцены мучений, экстазов или панегирики подвигам, триумфам.

6

В основе искусства классицизма лежит рациональное начало. Прекрасным с точки зрения классицизма является лишь то, что упорядочено, разумно, гармонично. Герои классицизма подчиняют свои чувства контролю разума, они сдержанны и величавы. Теория классицизма обосновывает разделение на высокие и низкие жанры. В искусстве классицизма единство достигается путем соединения и соответствия всех частей целого, сохраняющих, однако, самостоятельное значение. И для барокко и для классицизма характерно стремление к обобщению, но мастера барокко тяготеют к динамичным массам, к сложным, обширным ансамблям. Часто черты этих двух больших стилей переплетаются в искусстве одной страны и даже в творчестве одного и того же художника, порождая в нем противоречия. Наряду с барокко и классицизмом в изобразительном искусстве возникает более непосредственное мощное реалистическое отражение жизни, свободное от стилевых элементов

Реалистическое направление является важной вехой в эволюции западноевропейского искусства. Его проявления необычайно разнообразны и ярки, как в различных национальных школах, так и у отдельных мастеров

17 веку принадлежат величайшие мастера реализма Караваджо, Веласкес, Рембрандт, Хальс, Вермер Дельфтский. В 17 столетии на первое место выступают те национальные школы, в искусстве которых были достигнуты высшие творческие результаты. Италия, Испания, Фландрия, Голландия, Франция быстро становятся влиятельными художественными центрами. В других европейских странах Англии, Германии, Австрии, Чехии, Польше, Дании художественная культура сохраняет отпечаток локальных свойств и взаимосвязи с традицией предшествующих эпох.

Картина «Шулеры» — Artrue

Год создания: 1594.Тип: масло, холст.Габариты: 94*131 см.

Шулеры

Картина шулеры (в дословном переводе «карточные мошенники») была создана около 1594 года итальянским художником Микеланджело да Караваджо, известного не только своими работами, но и буйным нравом. Считается, что оригинал приобретен художественным музеем Кимбелл в 1987. Возможно, Караваджо окрасил несколько копий картины.

История

Данная работа является важным этапом для становления Караваджо как художника. Она была написана после того, как художник начал самостоятельную карьеру уйдя из мастерской Джузеппе Чезари (Кавалер д’Арпино), в которой был создан натюрморт с цветами и фруктами (1601). С 1594 года Караваджо начинает продавать свои работы через посредника (Просперо Орси), который помог заключить живописцу контракты по всем мире.

Натюрморт с цветами и фруктами

Описание

На картине изображены два богато одетых мальчика, которые играют в карты. Но зрителю видно, что один из них шулер. Дополнительные карты он вложил в пояс за спиной. Зловещий пожилой человек смотрит через плечо честному игроку, сообщая напарнику информацию о картах. Молодой соучастник изображен с кинжалом под рукой.

Это вторая картина созданная Караваджо после ухода из мастерской

Первая из них, «Гадалка», привлекла внимание и помогла приобрести хоть небольшую, но важную на начальном этапе репутацию. Фигуры этих картин предлагали зрителю нечто новое

Реалистичные сцены уличной жизни, большое внимание к мелким деталям (потрепанные перчатки старшего «шулера», тревожный взгляд подростка и другие). Все эти фигуры связаны общей драмой, но каждый является уникальным элементом в этой игре.

Популярность зарождающегося, благодаря Караваджо, барокко побудило многих подражателей делать копии. Считается, что и автором были написаны несколько версий картины.

Кардинал Франческо Дель Монте, который являлся выдающимся коллекционером, приобрел «шулеров» и стал первым важным покровителем Караваджо, подарив ему квартиру сначала в одном из своих помещений, а затем на одной из главных римских площадей.

Юноша с корзиной фруктов (1593-1594)

Это полотно написано в период становления молодого живописца. Картина выполнена маслом на холсте и имеет небольшой размер, всего 70×67 см. Она изображает уличного мальчишку с корзиной, наполненной спелыми итальянскими фруктами. Поза юноши слегка манерная и томная. Подобных юношей Караваджо много раз изображал на своих полотнах. Но эта картина заявила о Караваджо, как о непревзойдённом реалисте. Изображённый натюрморт превосходен, персики и виноград настолько реалистичны, что хочется протянуть руку и взять их.

? Кстати, на TopCafe вы можете узнать о самых популярных фруктах, которые ошибочно принимают за овощи.

2

Медуза, 1595-1598 гг.

Две версии этой картины были созданы в 1596 и 1597 годах, где был выдвинут момент казни Медузы Персеем. Картина имеет ужасную привлекательность, поскольку Караваджо проектирует обезглавленную голову Медузы и ставит своё собственное лицо, чтобы захватить все эмоции женского монстра. Ужасный и странный взгляд на лике подчёркивает увлечение художника реализмом и насилием. Поговаривают о том, что сам кардинал Франческо Мария дель Монте поручил художнику написать эту картину, которую он намеревался подарить Фердинандо I Медичи, герцогу Тосканы. Техника тенебризма, включающая тонкий контраст тёмного и светлого наряду с реалистическим подходом, придаёт картине трёхмерную привлекательность, делая её поистине ужасающе прекрасной и пугающе привлекательной.

Трудный характер

Горячность и несдержанность Меризи ещё с подросткового возраста стали создавать ему проблемы. Необузданный нрав заставлял вспыльчивого юношу бросаться чуть что с кулаками, ни спокойствия, ни рассудительности в его характере не было и следа. В конце 1580-х, в самую пору гормональных всплесков молодого мужчины, его жизнь скандалами ещё более осложняется. В 1589 году он, испытывая нужду в деньгах, приехал домой, чтобы продать принадлежащий ему земельный надел. Последний его приезд – в 1590 году, после смерти матери. Осенью следующего года в компании картёжников, где был и Меризи, любитель шумных попоек и веселья, произошла ссора, которая быстро переросла в драку. Во время буйной потасовки погиб один её участник. Это событие ускорило отъезд из Милана, пришлось бежать. Путь лежал через Венецию в Рим.

Описание картины

Работа «Мальчик с корзиной фруктов» иллюстрирует собой первые шаги в мире изобразительного искусства, которые делал Караваджо, приехав из Рима в Милан. Для образа героя позировал друг живописца, 16-летний сицилийский художник Марио Миннити. Картина, принадлежавшая первоначально Джузеппе Чезари, по прозванию Кавалер д’Арпино, в 1607 году была изъята кардиналом Шипионе (Сципионе) Боргезе.

Многие исследователи считают, что к раннему периоду творчества относятся такие работы Караваджо, как «Гадалка» и «Шулера», для которых также позировал Марио Миннити. Эти произведения датируются примерно 1594 годом. Более того, картина «Шулера» была приобретена коллекционером и тонким ценителем искусства, кардиналом Франческо Дель Монте, ставшим впоследствии первым покровителем молодого художника.

Почему Караваджо называют первым реалистом

Пугающий натурализм и общение со зрителем — в этой части рассказываем, как Караваджо открыл новые темы и подходы к живописи.

Это часть интерактивных уроков, подготовленных образовательной платформой Level One в сотрудничестве
с крупнейшими российскими экспертами.

Еще 500 уроков по 15 направлениям, от истории
и архитектуры до здоровья и кулинарии на levelvan.ru/plus

посмотреть все уроки

Автор урока
Алина Аксёнова
Историк искусства, автор книг «Искусство ХХ века. Ключи к пониманию» и «История искусства

Просто о важном», более 9 лет проводила лекции и экскурсии в ГМИИ им. Пушкина.

Картины Караваджо:

1. Мальчик, чистящий фрукты, 1592–1593
2. Шулера, 1594
3. Мальчик, укушенный ящерицей, 1596
4. Лютнист, 1597
5. Гадалка, 1598–1599

Почему Караваджо называют первым художником-реалистом

Приблизил живопись к жизни. Ренессанс создавал идеальную версию реальности. Караваджо показал реальность в ее несовершенстве, иногда с пугающим натурализмом — особенно если вспомнить его религиозные сцены.

️ Обратился к жанру бытовых сцен. Караваджо интересовали не только сюжеты из Библии, но и прозаические истории: гуляки в таверне, шулеры за игрой в карты, гадалка с клиентом — или мальчик, укушенный ящерицей. Подобные сцены в искусстве Ренессанса невозможно представить.

Телеграм-канал
Level One

Вдохновляющие посты, новые запуски и подарки только для подписчиков

подписаться

Караваджо. Шулера, 1594

Караваджо. Корзина с фруктами, 1596

Караваджо был новатором во многом. В 1596 году он первым в Италии написал натюрморт. Посмотрим на его «Корзину с фруктами».

Натурализм. Картина написана с высоким мастерством и натурализмом. Некоторые фрукты начали подгнивать, листья пожелтели, на них видны следы от червей. Это не идеальная картинка, а живая реальность.

Взаимодействие со зрителем. Корзина выступает из-за края стола, а кисть винограда будто выходит за рамки картины: протянешь руку — и возьмешь. Такое вовлечение зрителя — отличительная черта будущего барокко. Позже Караваджо использует этот прием и в религиозных сюжетах, делая зрителя соучастником событий.

Философский смысл. Караваджо специально пишет фрукты в состоянии увядания: для него важна тема жизни и смерти, конечности человека и природы. Позже эти идеи будет развивать барокко.

Караваджо. Больной Вакх, 1593

«Больного Вакха» Караваджо написал в 22 года. Это автопортрет, в котором художник с особой тонкостью рассказывает о конечности жизни.

У Караваджо не было денег на натурщика, поэтому он решил изобразить свое отражение в зеркале.

Вакх — не бог, а человек. Увядший венок, неидеальная кисть винограда, слабая улыбка — перед нами не мифологическое божество, а нарядившийся им юноша. Художник ироничен по отношению к себе.

Болезненность Вакха настоящая. Караваджо только оправился от серьезного недуга. Поэтому у героя нездоровый цвет лица, а поза выдает физическую слабость. Тема конечности жизни для художника в этот момент особенно остра.

В конце 16 века в Болонье сложилась художественная школа, которую возглавляли братья Аннибале и Агостино Карраччи. Их академизм противостоял натурализму Караваджо.

Давайте сравним работы двух мастеров.

Какая вам больше нравится? Попытайтесь определить, в чем их различия.

1. Караваджо. Лютнист, 1595
2. Аннибале Карраччи. Портрет Джованни Габриели с лютней, 1600

Метки Караваджо

Чтобы быть ближе к искусству, стоит запомнить яркое и характерное для работ кисти великого мастера:

• Реализм – изображение достоверное, максимально приближенное к жизни, в том числе одежда библейских и мифологических героев (не античная, соответствует историческому платью эпохи Караваджо);
• Свет – самый важный участник действа на картине и указующий перст живописца как драматурга и режиссёра своего произведения;
• Сюжет – повседневное событие простолюдинов, однофигурная сцена с молодым мужчиной, эпизод из Библии и мифов.

Где бы вы ни находились – в Риме, Милане, Флоренции, Нью-Йорке, Лондоне, Мадриде, Париже и даже Санкт-Петербурге – у вас есть возможность реального знакомства с холстами великого реалиста Караваджо.

«Медуза» Караваджо – бойся последнего взглядя

История и смысл картины «ВАКХ» Караваджо

«Лютнист» – свет Караваджо во тьме

Положение во Христе, 1603-1604 гг.

Это один из лучших алтарей Караваджо, сделанных для часовни в Chiesa Nuova. Группа из шести человек видна в кадре с Иоанном евангелистом, держащим верхнюю половину тела Христа. А Святой Никодим, который выдёргивал гвозди из его ног, поддерживает нижнюю часть тела Христа. Форма и движение в картине диагональные, а её реалистичность вызывает неподдельный интерес у зрителя. В нижней левой части изображено растение под названием коровяк, которое, как говорили, обладает целебными свойствами, а также защищает от злых духов, символизируя таким образом победу над смертью и Воскресение. Это произведение искусства послужило вдохновением для Рубенса, Жерико, Сезанна и Фрагонара.

«Шулер с бубновым тузом» — Вспомнить, подумать…

«Шулер с бубновым тузом» — картина французского живописца Жоржа де Латура.( Georges De La Tour.)

Картины подобные этой в те времена служиди как бы предупреждением для зрителя, который может быть обманут не только фортуной, но и попасть в руки мошенников. Кроме этого картина ассоциировалась и с библейской легендой о Блудном сыне, проматывающем отцовское наследство в обществе блудниц.

. В картине Ла Тура, кстати, есть куртизанка, она изображена в центре композиции и является не пассивным наблюдателем, а главной подстрекательницей, мозгом задуманной аферы.

Ее служанка, ограниченная и хитрая, бесспорно, посвящена в коварные замыслы своей госпожи. С усердием и тайной радостью собирается она исполнить возложенную на нее миссию — напоить вином молодого человека и этим усыпить его бдительность.

Другой исполнитель обмана — шулер, сидящий вполоборота у края стола. Он прячет сзади за поясом лишнюю карту — бубновый туз, демонстративно показывая зрителю свои жульнические намерения. У этого мошенника серьезное и, пожалуй, даже грустное выражение лица, словно то, что он делает, не доставляет ему радости.

Сообщники словно застыли в безмолвном ожидании драматической развязки, они сдержанны и напряженны. Главное в картине Ла Тур выражает с помощью красноречивых взглядов и жестов, они выдают то, что пытаются скрыть лица. Достаточно взглянуть на быстрый скошенный взгляд куртизанки, словно говорящий о том, что «рыбка скоро попадет в расставленные сети», чтобы понять смысл происходящего.

Не понимает этого только молодой человек, поглощенный обдумыванием своего хода. Его юношеская грация, неопытность и простодушие подчеркивают его одиночество перед силами зла. Как видим, достаточно традиционный для XVII века сюжет приобретает у Ла Тура особую философскую глубину. Действительно, как сказал один испанский сатирик: «Этот мир — игра в карты, где выигрывают шулера».

Интересна сама история картины. Поклонником таланта Жоржа де Латура. Был губернатор Лотарингии маркиз Ла Ферте, В коллекции губернатора было пять произведений Ла Тура, а шестое — «Шулер с бубновым тузом» появилось уже после смерти художника, согласно его завещанию.Жоржа де Латура называли живописцем ночей. Все сцены на его картинах обычно происходили в вечернее время.В 1923 году парижский коллекционер и ученый Пьер Ландри сопоставил с уже известными картинами работу из Нантского музея, на которой изображен слепой музыкант, играющий на лире, и впервые выдвинул гипотезу о существовании «дневных сцен» в творчестве «живописца ночей». Три года спустя это предположение нашло блестящее подтверждение — в лавке парижского антиквара над старым шкафом Ландри обнаружил подписного «Шулера», в котором действие происходит при свете дня. «Шулер с бубновым тузом», как впоследствии стали называть эту работу, открытый Пьером Ландри и купленный им, находился в его собрании до 1972 года, а затем картину купил Лувр за 10 млн. франков — фантастическую для того времени сумму.

Georges De La Tour. Шулер с трефовым тузом

В 30-е годы была найдена вторая версия карточного шулера — «Шулер с трефовым тузом», она долгое время хранилась в частном собрании в Женеве, а в 1981 году была приобретена Музеем Кимбел в Форт-Уорте (США).

Жорж де Латур написал второе полотно, подобное этому, только шулер вытаскивает на нем трефовый туз вместо бубнового.

Бубны и пики вместе с червами и трефами — так называемые французские цвета, которые в XVII веке распространились по всей Европе. Некоторые из тогдашних игр известны и ныне, например, двадцать одно (нем. Siebzehn und vier, Einundzwanzig, фр. Vingt (et) un, англ. Pontoon, Twenty one). В ней туз играл особую роль, его можно было считать за 1 или 10 очков для достижения 21 очка. Шулер с картины Латура пытается заменить карту в своей руке на туза, скорее всего играют в двадцать одно. Карты в белых рубашках

Карты в то время были без цветных рубашек, как видно по картам в руках дамы, поэтому быстро пачкались и на них образовывались пятна, которые можно было легко запомнить профессиональным игрокам.

. В 1926 году было найдено полотно «Шулер с бубновым тузом», в 1932 году его эквивалент — «Шулер с трефовым тузом» и в 50-е годы «Гадалка» — картина со схожей тематикой: жестокий мир, полный подстерегающих на каждом шагу опасностей.

Georges De La Tour. «Гадалки» The Metropolitan Museum of Art

Детство и юность

В одном из уголков Италии под названием Ломбардия в 1571 году родился будущий художник Микеланджело Меризи да Караваджо. Точного места и даты рождения исследователи до сих пор определить не смогли, а документальные справки не сохранились. Возможно, творец родился в Милане или неподалеку от него – в Караваджо.

Микеланджело стал старшим сыном в семье строителя. У художника было трое братьев и младшая сестра. Караваджо жили не бедно, так как у отца было хорошее жалование и строительное образование.

Через пять лет после рождения Караваджо в Милане началась эпидемия чумы. Избежать заражения можно было только при помощи переезда в другой город. Но это не помогло. Годом позже после продолжительной болезни умирает глава семьи. Этот период для Караваджо стал непростым.

Художник Караваджо

В биографии художника немало белых пятен. Данные о 8 годах жизни Микеланджело после смерти отца канули в Лету. Известно, что молодой человек в 1584 году отправился учиться к миланцу Симоне Петерцано. После прохождения курса Караваджо должны были дать звание художника, но официальных подтверждений этого факта не сохранилось.

В 1592 году Караваджо столкнулся с новым испытанием – потерей матери. Наследство разделили в равных частях между детьми. Благодаря этим деньгам Микеланджело смог отправиться в Рим. Художник слыл человеком с непростым характером, постоянно ввязывался в драки, попадал в тюрьму.

Как начинался путь к искусству

По документальным свидетельствам в 1584 году начинается биография Караваджо как художника – он поступает на учёбу к миланскому мастеру северного маньеризма, модного тогда течения в западноевропейском искусстве, Симоне Петерцано. В историю итальянской живописи и в художественную панораму эпохи Возрождения этот авторитетный мастер, ученик Тициана, внёс в своё время ценнейший вклад.

Схватывая уроки мастера на лету, Микеланджело Меризи тут же стремился применить полученные знания, опробовать кисть. Скоро он пришёл к выводу, что живопись и стилистика маньеристов и параллельно существующих академистов слишком ограниченная, односторонняя и искусственная. Застывшие имитации великих художников Рима и Венеции вызывали ропот неудовлетворённости и у других живописцев. Стали появляться работы в так называемом ломбардском стиле, характеризуемом стремлением к реалистичности в отображении жизни. Новые идеи захватили и Микеланджело Меризи.

Первые пробы кисти в Милане нам не известны. Молодой художник изучал великих мастеров эпохи Возрождения, знаменитых венецианцев, и его самые ранние произведения, которые дошли до нас, свидетельствуют о влиянии учителя Петерцано, Леонардо да Винчи, Тициана, Грегори, Джорджоне. Изучение творчества мастера перспективы Андрея Мантеньи и произведений живописца Высокого Возрождения Джованни Савальдо подвели начинающего и жаждущего открытий и славы художника к эффекту светотени

Акцентируя внимание ученика на технике живописи, педагог Петерцано закладывал основу пути к вершинам мастерства. По достижении 18 лет Микеланджело Меризи, окрылённый страстным желанием самостоятельно творить и жить, решительно направляется в Рим

Шулера (картина) — Вики

«Шулера́» — картина итальянского художника Микеланджело Меризи да Караваджо, написанная около 1594 года. Оригинал с 1987 года хранится в Художественном музее Кимбелла (Форт-Уэрт, Техас, США), хотя художник мог написать и другие версии картины.

История

Работа является важной вехой в творческой биографии Караваджо. Он написал её в начале своей независимой карьеры, вскоре после ухода из мастерской Джузеппе Чезари в январе 1594 года, где занимался рисованием «цветов и фруктов», оформляя детали картин, массово выпускавшихся мастерской

Караваджо начал продавать свои работы через торговца Константино при содействии Просперо Орси — известного художника, создававшего гротески в стиле маньеризма, который ввёл Караваджо в свою обширную сеть коллекционеров и покровителей.

Композиция

На картине изображён наивный юноша в дорогих одеждах, играющий в карты с шулером, у которого видны спрятанные за поясом дополнительные карты. Зловещий ассистент шулера подглядывает в карты игрока и посылает сообщнику соответствующие сигналы. Кинжал на поясе шулера намекает, что игра навряд ли кончится для жертвы благополучным исходом.

Это вторая жанровая картина Караваджо, написанная им после «Гадалки», значительно расширившая репутацию художника, в то время небольшую

Реалистичные сюжеты «Гадалки» и «Шулеров» из уличной жизни внесли свежую струю в тогдашний мир живописи и привлекли внимание к высокому мастерству начинающего художника, проявившемуся в изображении мелких деталей, таких как перчатки с отверстиями для пальцев у пожилого шулера и напряжённый взгляд юного. Картина наполнена чрезвычайным психологизмом, связывающим трёх персонажей в единое целое, хотя каждый из них исполняет свою роль в разыгрывающейся драме

«Шулера» Караваджо, явившие собой смесь жестокого реализма и венецианской изящности, имели большой успех, чему немало поспособствовал Орси, провозгласивший появление нового стиля и всячески поднимавший репутацию Караваджо. Сохранилось свыше 50 копий и вариантов картины, сделанных другими художниками, включая Жоржа де Латура, выполнившего собственную обработку темы.

Провенанс

Караваджо продал свою картину известному коллекционеру кардиналу Франческо Дель Монте, ставшему первым покровителем молодого художника и предоставившего ему жильё в своём палаццо Мадама. От Дель Монте картина перешла в коллекцию кардинала Антонио Барберини, племянника Папы Урбана VIII (чей портрет Караваджо напишет в 1598 году). Следующими владельцами «Шулеров» стало семейство Колонна-Шарра. К концу XIX века следы картины теряются, пока её не обнаруживают в собрании одной из частных коллекций в Цюрихе в 1987 году. Картина была приобретена Художественным музеем Кимбелла, расположенным в городе Форт-Уэрт, штат Техас, США, где и хранится по сей день.

В 2006 году британский искусствовед Денис Махон приобрёл на аукционе «Сотбис» копию «Шулеров». Она была выставлена на продажу как копия оригинала, выполненная неизвестным художником, однако Махон объявил, что реплика принадлежит кисти самого Караваджо. Его аргументация основывалась на наличии пентименто в детали лица одного из шулеров, частично закрытого шляпой, что навряд ли могло быть выполнено копиистом. Сам Караваджо неоднократно писал по две копии своих картин, как это известно в случае с «Мальчиком, укушенным ящерицей», «Гадалкой» и «Лютнистом». Атрибуция картины за Караваджо была общепризнана, однако с 2014 года вновь становится предметом дискуссий и судебного разбирательства. Сэр Денис Махон умер в 2011 году, и картина временно была выставлена в лондонском музее Ордена Святого Иоанна, будучи застрахованной на 10 миллионов фунтов стерлингов. 16 января 2015 года Высокий суд Лондона вынес решение в пользу «Сотбис», объявив, что согласно экспертной оценке картина скорее всего принадлежит кисти другого художника, вследствие чего истец выплатил «Сотбис» 1,8 миллиона фунтов стерлингов за судебные издержки.

Нарцисс, 1597–1599 гг.

«Нарцисс» – популярная тема классической мифологии, сосредоточенная вокруг красивого юноши, который влюбляется в своё собственное отражение и умирает после того, как его переполняют страсть и одержимость, был отчетливо представлен Караваджо. Здесь видно, как юный паж страстно вглядывается в своё собственное изображение, искаженное и разбитое. Здесь во всей красе реализована концепция тенебризма, где художник резко контрастирует между светлыми и тёмными пространствами, придавая некоторым деталям и элементам невероятную глубину. Кроме того, темнота, царящая вокруг центрального персонажа, добавляет ощущение меланхолии, навевая тоску и состояние необоснованной тревоги.

В столице

В 1591 году начинающий художник, без имени, денег и связей, прибыл в Рим. Культурная столица Италии, а практически всего мира, бурлит талантами и событиями и не торопится баловать нового своего жителя. Он, в скитаниях, живёт, где придётся, общается с простым людом, бродит в поисках дела по мастерским художников. Надо как-то зацепиться – не отказывается ни от какой работы и устраивается к первому в то время римскому живописцу-маньеристу Джузеппе Чезари, по прозвищу Кавалер д’Арпино (1568-1640). В мастерской Меризи знакомится с Марио Миннити, который впоследствии станет его моделью, учеником и даже, возможно, интимным другом.

В конце XVI века Рим – настоящее поле битвы религиозной идеологии: католическая церковь боролась с протестантами. Живопись в этой войне играла роль мощнейшего оружия: картины наглядно и доступно раскрывают тысячам неграмотных и простых прихожан истинный смысл христианства, демонстрируют удивительные виды Рая, ожидающие после смерти. Церковь внушала, что там и есть счастье. Чтобы обрести его, надо страдать на земле.

Но эта задача шла вразрез с видением Микеланджело Меризи, он отвергал всяческие компромиссы и желал проложить собственный путь. Просто копирование великих мастеров прошлого было не только не интересно, но и не убедительно. Все эти красивые картины его не умиляли. Он уже понял, как скоротечна и хрупка жизнь – ведь он к тому времени потерял отца, мать, деда

И его искусство с первых работ стало вызовом общественному вкусу и привлекло к нему внимание как к неординарному живописцу, уже получившему по традиции художественной среды приставку к имени «да Караваджо»