Мадрид
В Мадриде Веласкес начинает сразу с портретов «топов»: он пишет королевского капеллана Хуана де Фонсеку, знаменитого поэта Луиса де Гонгору и своего патрона Оливареса. Пишет настолько здорово, что это впечатляет короля. Первый же «пробный» портрет Филиппа IV (не сохранившийся) приносит Веласкесу звание pintor de camera – придворного художника, наделённого единоличным и исключительным правом писать монарха (, , ). Без промедлений, забрав жену и дочек, Веласкес перебирается жить во дворец. Здесь тянет пофилософствовать: что это было? Как смог 24-летний художник без видимых усилий и напряжения, вот так вот запросто, с первой попытки стать личным художником короля? Филипп IV был человеком утонченным и образованным, он был восприимчив к искусству, а Веласкес – почти сверхъестественно талантлив. Всё это так. Но даже это не выглядит достаточной причиной.
Мастерская Веласкеса располагалась прямо в королевских апартаментах. Ключи от неё имелись у двух людей – художника и короля. Внутри стояло особое королевское кресло. Монарх, управлявший половиной мира, по нескольку часов безропотно стоял «по стойке смирно», когда художнику хотелось запечатлеть какую-то особо торжественную позу. В отсутствие Веласкеса Филипп отпирал своим ключом мастерскую, усаживался в кресло, смотрел на незавершённые портреты и погружался в приятную задумчивость. Похоже, он нашёл себе друга. Того, кому можно доверять без остатка и кто превратит твои слабые стороны – в силу.
Испанский философ и социолог Хосе Ортега-и-Гассет заметит, что всё наследие Веласкеса, за не особо многочисленными исключениями, – это портреты самого короля и его ближайшего окружения: его жён (Филипп был дважды женат) и детей, министров и фрейлин, шутов и карликов, лошадей и собак.
Веласкес недолго оставался придворным художником. Ведь что такое художник? Да просто ремесленник! Но очень скоро Филипп даровал ему более высокие должности. Сначала камергера, потом – ответственного за все работы в королевских покоях, еще позже – главного интенданта, высшей ступени в придворной иерархии. Под конец жизни Веласкес получит еще и чин обер-гофмаршала. Пожалуй, более головокружительной придворной карьеры из художников за всю историю не сделал никто.
Эпилог
Вся жизнь и творчество Веласкеса были теснейшим образом связаны с испанском монархической семьёй. Не только Филипп IV, но и его старшие дети Бальтазар Карлос и Мария Тересия (будущая королева Франции), его вторая жена Марианна Австрийская и их дети Маргарита и Филипп Просперо – все считали художника за своего. Он был их хронографом, летописцем их семейной и государственной истории, и он же был распорядителем многих важнейших дел – совершенно незаменимым человеком. Так что Веласкес имел основание (хотя, конечно, дерзость этого была беспрецедентной) в «Менинах» вписать в семейных круг королевских особ и собственную персону. Здоровье 61-летнего художника подорвала подготовка к грандиозному династическому браку: дочь Филиппа IV обручалась с королём Франции Людовиком XIV. От испанской стороны всем сложнейшим процессом подготовки руководил главный королевский интендант и обер-гофмаршал Веласкес. Внезапно он почувствовал себя настолько плохо, что вынужден был возвратиться в Мадрид. Смертельное переутомление выглядело не слишком убедительным объяснением болезни. 6 августа 1660 года после недельной агонии Веласкеса не стало. Он умер в присутствии короля. Филипп IV не смог допустить, чтобы его фаворит отправился в вечность без королевского и дружеского благословения.
Описание
Никколо Франжипан (ум. 1597, приписывается) Вакханалия . Здесь Вакх тоже принес единственного спутника из мира мифологии.
В произведении Бахус изображен как человек в центре небольшого праздника, но его кожа бледнее, чем у его товарищей, что делает его более узнаваемым. Необычно то, что остальная часть группы, за исключением обнаженной до пояса фигуры за спиной бога, одета в современные костюмы бедняков Испании 17-го века. Работа представляет Вакха как бога, который награждает или дарит людям вино, временно освобождая их от их проблем. В литературе барокко Вакх считался аллегорией освобождения человека от рабства повседневной жизни.
Триумф Вакха , римская мозаика из Африки Проконсоларис , датированная III веком нашей эры, сейчас находится в Археологическом музее Суса , Тунис.
Сцену можно разделить на две половины. Слева изображена очень светлая фигура Вакха, его доминирующая, но расслабленная поза несколько напоминает поза Христа во многих сценах Страшного суда , которого часто изображают сидящим и обнаженным до пояса. Вакх и стоящий за ним персонаж представлены в традиционных свободных одеждах, используемых для изображения классического мифа. Идеализация лица бога подчеркивается ясным светом, который освещает его в более классическом стиле. На правой стороне, однако, представлены пьяницы, люди с улицы, которые приглашают нас присоединиться к их вечеринке, с очень испанской атмосферой, похожей на стиль Хосе де Риберы . В их больших измученных лицах нет идеализации, хотя фигура, стоящая на коленях перед богом, моложе и лучше одета, чем другие, с мечом и высокими сапогами. С этой стороны нет света, который освещает Вакха; фигуры показаны светотенью и имеют гораздо более темную кожу.
В этой работе Веласкес применил реалистическую трактовку мифологического сюжета, тенденцию, которую он продолжил развивать в последующие годы.
В этой работе присутствуют различные элементы натурализма , такие как бутылка и кувшин, которые появляются на земле у ног бога; Веласкес использовал контраст яркого тела бога, чтобы придать рельефность и текстуру бутылке и кувшину, создав нечто похожее на натюрморт . Эти кувшины очень похожи на те, что изображены на картинах, созданных Веласкесом во время его пребывания в Севилье, а сочетание натюрмортных элементов натуралистических жанровых фигур связано с сюжетами винных погребов, которые он там рисовал.
Библиография
- C. Justi, «Diego Velazquez und sein Jahrhundert» (Бонн, 1888, 2 т.);
- W. Stirling Maxwell, «Velazquez und seine Werke» (перев. с английского, Берлин, 1856)
- Paul Lefort, «Velazquez» (общедоступный труд, входящий в состав серии книжек: «Les Artistes célébres»).
- Camon Aznar J. Velazquez. T. 1-2. Madrid, 1964.
- Знамеровская Т. П. «Прядильщицы» как итог развития бытового жанра в творчестве Веласкеса (ко 300-летию со дня смерти) // Научные доклады высшей школы. Серия исторических наук. № 2, 1961
- Знамеровская Т. П. Веласкес, М., 1978.
- Каптерева Т. П. Веласкес и испанский портрет XVII века. М., 1956.
При написании этой статьи были использованы материалы таких сайтов: vis-ua-arts, ,
Творчество. Свобода. Живопись.
Allpainters.ru создан людьми, искренне увлеченными миром творчества. Присоединяйтесь к нам!
3.2/5 — (4 голоса)
«Завтраки» Диего Веласкеса: еда как символ
Диего Веласкес, чье творчество пришлось на «золотой век» испанской живописи, был придворным художником Филиппа IV и любимым мастером жестокого, но щедрого графа Оливареса, в руках которого более 20 лет была фактически сосредоточена власть. Именно поэтому творчество художника носит светский характер, что совсем не характерно для его ярких современников, например, Мурильо и Сурбарана, создававших картины преимущественно религиозного характера.
В испанской литературе того времени был очень популярен плутовской роман, возникший в пику средневековому рыцарскому роману.
Плут и мошенник, от лица которого чаще всего ведется повествование, – это рыцарь не только без страха и упрека, но и без каких-либо моральных принципов.
Тем не менее и читатели, и зрители проникались к нему симпатией, хотя жертвами его проделок становились не только чиновники, алчные купцы и самодовольные аристократы, но и добропорядочные обыватели.
Диего Веласкес. Завтрак. ГЭ, Петербург
Этот жанр был настолько популярен, что большое число исследователей склонно интерпретировать работу Веласкеса, которому на тот момент не было и 20 лет, как иллюстрацию к одному из эпизодов такого романа. Эта картина носит название «Завтрак»: три человека сидят в харчевне за накрытым скатертью столом.
На нем нехитрая еда: два граната, хлеб, вино, тарелка с мидиями, в руках старика – корень пастернака, забытого овоща, который теперь даже на рынке не всегда можно найти в отличие от имбиря или маргеланской редьки. Отдаленно он напоминает белую морковь и, хотя очень полезен, за свой резкий запах не очень любим.
Некоторые исследователи, правда, полагают, что это мог бы быть кальмар или каракатица, но в Музее изобразительных искусств в Будапеште хранится более поздний вариант «Завтрака», близкий по своей композиции с эрмитажной работой. Вместо юноши в центре – молодая девушка с кувшином вина.
Она наполняет им бокал, за которым тянется старик, увлеченный беседой, в то время как корень пастернака в забвении лежит у края стола.
Тем не менее, герои этой картины, мальчик, держащий вино, и юноша, сидящий справа в желтом кафтане, больше похожи на искусных шарлатанов, которые решили поживиться за счет почтенного идальго.
Он, не желая запачкать за завтраком свой белоснежный воротник, повесил его вместе со шляпой на крюк, и уже готов был попробовать дары моря, когда за его стол, накрытый на одного человека, подсели молодые люди. И вот уже графин вина у смеющегося мальчугана, и вряд ли молодые люди собираются за это вино платить.
Диего Веласкес. Завтрак. МИИ, Будапешт
Но есть у этой работы, на первый взгляд довольно прозаичной, и более интересная трактовка.
Стол, накрытый на одного, три персонажа разных возрастов, еда, имеющая символическое значение: вино – Кровь Христова, хлеб – его Тело, гранаты как традиционный символ воскресения.
При желании можно действительно отнестись к работе Веласкеса как к изображению Троицы, особенно учитывая то, что на более поздней работе вместо мидий на картине художник изображает рыбу, которая стала символом Иисуса Христа еще у первых христиан.
Художник, который часто играет со зрителем, то оставляя зашифрованные послания на полотне, то строя композицию так, что ее можно читать по-разному и поражаться многоплановости работы, вполне может использовать символическое значение обыденных вещей.
Еда как неотъемлемая часть жизни становится инструментом в его руках, позволяющим не только продемонстрировать свое мастерство рисовальщика или усадить героев за накрытый стол, выстроив композицию будущего шедевра, но и почувствовать себя тем самым трикстером, плутом, и если не обвести нас вокруг пальца, то заставить поломать голову за бокалом вина.
Любовь Лебедева
Анонс новостей в нашем канале Я.Дзен
Слуги и художник
Справа и слева от инфанты находятся её фрейлины. Одна из них протягивает девочке сосуд с напитком. Неподалёку находятся охранник и компаньонка. Особый интерес вызывают два карлика, присутствующие на картине. В те времена они служили в качестве шутов и здесь также, несомненно, должны были развлекать инфанту.
Кстати, присутствие карликов на картине было достаточно редким явлением (тем более, на полотне придворного художника). «Менины» – картина, которая содержит и автопортрет Веласкеса. Да-да, тот самый человек, стоящий у холста с кистью и красками – это художник, написавший полотно, что перед нами.
Достаточно редкое явление – присутствие на картине придворного живописца карликов
И здесь заметна маленькая “слабость” живописца. Он решил изобразить не себя “настоящего”, а несколько идеализированный образ. Но, согласитесь, кому из нас не хочется выглядеть на портретах ярче и интереснее, чем в реальности?
На груди художника можно заметить красный крест – это орден Святого Сантьяго. Что примечательно, в рыцари данного ордена живописец был произведен уже после смерти короля, хотя Филиппа IV мы видим рядом с ним на полотне.
Автопортрет Веласкеса, вписанный в картину Менины
Севилья
Диего Родригес де Сильва-и-Веласкес (исп. Diego Rodríguez de Silva y Velázquez) появился на свет в городе богатом и славном, но не Мадриде, а столице Андалусии Севилье. Происходил из небогатой еврейской семьи переселенцев из Португалии. Его отца звали Хуан Родригес де Сильва, а мать – Херонима Веласкес. Официально Диего имел двойную фамилию, но в истории искусства остался под родовым именем матери. Первое, что начал писать Веласкес, – бодегоны. Бытовые сценки, которые разворачиваются в таверне или харчевне, в погребке или на кухне. Здесь весело распивают вино. Спорят. Побренькивают на гитаре. И снова сближают кружки. Здесь старая кухарка жарит яичницу, а молодая толчет в ступке специи и чеснок. Кто-то однажды заметил: в бодегонах для Веласкеса натюрморты важнее портретов. Люди у него – прекрасные, но как будто застывшие. А вот вещи, все эти глиняные кувшины, обливные чашки, латунные ступки, селёдки и луковицы – точно живые. В то время влияние Караваджо распространялось по Европе, как лесной пожар: оно было столь же стремительным и так же оставляло после себя зрелище, в котором преобладали черный и коричневый, а ярких красок не оставалось совсем. Испания оказалась в «зоне поражения». Творчество Веласкеса севильского периода находится под безусловным воздействием Караваджо – и по мрачности колорита с резкими контрастами света и тени, и по склонности выбирать для изображения сцены не просто будничные, а и подчеркнуто приземлённые. Шокирующие грубостью и простотой.
Не все готовы были принять такое искусство. Веласкеса упрекали за недостаточно возвышенный строй мыслей. Он возражал: «Предпочитаю быть первым в грубом жанре, чем вторым в изящном». Его убеждённость в собственной правоте подкупала.
Франсиско Пачеко, учитель Веласкеса, после 6-ти лет учебы составил своему выпускнику характеристику: «Благовоспитанный, образованный и элегантный, он обладает множеством моральных достоинств, сильным характером и оригинальным способом мышления». Этот панегирик, похоже, больше всего загипнотизировал самого почтенного Пачеко, потому что следом он сосватал за 19-летнего Веласкеса свою дочку Хуану Миранду, которой не минуло и 16-ти.
Через год в семье Диего Веласкеса родилась дочь Франсиска. Еще через два – Игнасия, которая не проживет и трёх лет. А вот Франсиска лет 20 спустя отзеркалит судьбу своей матери: её мужем станет ученик Веласкеса – художник Хуан Батиста дель Масо.
![Искусство испании. часть 2[1]. государственный эрмитаж. л. пуликова.](https://metolit.ru/wp-content/uploads/8/c/5/8c51da6b30043457bedaf354fef33593.jpeg)
В том же 1618 году, когда Диего и Хуана Миранда обвенчались, интеллектуала и добряка Пачеко позвали в Мадрид, цензурировать живопись от имени Священной Инквизиции. А он, конечно же, постарался перевезти в столицу и своего перспективного зятя. Это оказалось непросто и удалось лишь к 1623 году, когда в дело пошли старые связи: Пачеко встретился при дворе со своим земляком и другом юности, который теперь являлся вторым человеком в государстве после короля – графом Оливаресом.
Фаворит и первый министр Филиппа IV, Гаспар де Гусман Оливарес слыл выдающимся реформатором. Он, например, почти истребил проституцию и коррупцию. Он же «сосватал» Веласкеса во дворец.
Поздний период творчества Диего Веласкеса
По возвращении в Мадрид Веласкес продолжал писать портреты членов королевской семьи, но в этот период были созданы две картины, считающиеся вершиной творчества великого художника: «Менины» и «Пряхи».
Д. Веласкес «Менины» (1656). Холст, масло. 318х276 см. Музей Прадо (Мадрид)
Второе название этой картины – «Семья Филиппа IV». Мастерская Веласкеса в королевском дворце в Мадриде. Художник пишет портрет Филиппа IV и его супруги Марианны, которые видны отраженными в зеркале, висящем на дальней стене. В центре стоит пятилетняя инфанта Маргарита, которая только что вошла в комнату со своей свитой. Веласкес создает впечатление семейного счастья, богатства и блестящего будущего маленькой принцессы, которая на момент написания картины была их единственной дочерью (Филипп на 30 лет старше своей второй жены и является её дядей). Пятилетняя девочка полна собственного величия. На фрейлину она не обращает внимания. Взгляд девочки и почти всех присутствующих обращён к королевской чете, сидящей перед картиной. Инфанта показывает им, как она может себя держать. При королевском дворе обычно заводили шутов и карликов – они изображены в нижнем правом углу картины. На их фоне придворные наделялись чувством собственного превосходства. На картине изображён и сам художник Диего Веласкес. Диего Веласкес скончался на 62-м году жизни и был похоронен в церкви Иоанна Крестителя в Мадриде, позже там же была похоронена и его жена. Во время наполеоновских войн в Испании и церковь, и могилы были уничтожены французами.
- < Назад
- Вперёд >
Предмет
На картине изображен момент, когда бог Аполлон , опознаваемый по лавровой короне на его голове, посещает Вулкана , который делает оружие для войны. Бог Аполлон говорит Вулкану, что его жена Венера имеет роман с Марсом , богом войны. По этой причине другие фигуры в комнате с удивлением смотрят на только что появившегося перед ними бога, некоторые из них даже открывают рты в знак удивления.
На создание этого произведения Веласкеса вдохновила гравюра Антонио Темпеста , которая значительно изменила ее и сосредоточила повествовательное действие о прибытии Аполлона в стиле классического барокко . Он подчеркивает современный интерес к обнаженным фигурам под влиянием греко-римской скульптуры и классического движения Гвидо Рени . Фриз -стиль метод композиции может также исходить от Рени. С другой стороны, четкие оттенки фигуры Аполлона напоминают Гверчино .
Это произведение было создано в Риме без комиссии по просьбе художника Питера Пауля Рубенса, который также посетил Испанию в 1629 году. Веласкес написал два больших полотна в доме испанского посла. Эти два полотна составили пару и были привезены в Испанию с его багажом: Туника Иосифа и Аполлон в Кузнице Вулкана .
Анализ
Сюжет взят из римской мифологии , в частности из « Метаморфоз » Овидия . Веласкес интерпретировал сцену в строго человеческом варианте с современными фигурами. Аполлон носит тогу, из которой видно его торс. Вулкан на этой фотографии — всего лишь кузнец, как и его помощники, люди из деревни, знающие свое дело. Вулкан смотрит на него с удивлением после того, как услышал известие о прелюбодеянии его жены с богом Марсом, для которого он выковывает доспехи в этот самый момент. Пещера, в которой бог-кузнец выковывает оружие для других божеств на этой картине, изображена как кузница, похожая на те, что Веласкес мог видеть в Испании или в Риме. Обладая характерным мастерством, Веласкес также нарисовал множество предметов, которые обычно можно найти в кузнице .
Интерес Веласкеса к обнаженной натуре неудивителен, и свидетельства этого появляются уже после его прибытия в Мадрид в 1623 году, хотя их появление в его работах усилилось после его первого визита в Италию в 1629–1631 годах.
Во время своего итальянского путешествия на него также повлияла венецианская живопись, что можно увидеть в его использовании цвета, например, в яркой оранжевой тоге Аполлона. Путешествуя по Риму, Микеланджело оказал на него влияние, создав чрезвычайно большие и сильные фигуры. Мускулатура Вулкана и других фигур, окружающих его, немаловажна; это спортивные фигуры, которые демонстрируют свою силу без скромности, даже стоя в позициях, которые демонстрируют свои мускулы с большим эффектом.
С другой стороны, Веласкес всегда был одержим достижением глубины в своих работах. В этом случае он начал использовать так называемое «сэндвич с пространством», то есть ставить одни фигуры перед другими, чтобы в умах зрителей возникло ощущение глубины. Таким образом, он изображает глубину, а не просто использует вид из окна в задней части комнаты. Как и во многих его работах, фотографическое качество объектов (в основном металлических: доспехи, наковальня, молотки и само раскаленное железо), которые появляются на картине, демонстрируют реалистичность, доведенную до крайности. Сзади, в правом верхнем углу, на полке можно увидеть различные предметы , которые сами по себе образуют натюрморт , что характерно для ранних работ Веласкеса.
Как испанский художник, его персонажи — обычные люди, а не идеализированные, как в итальянских произведениях. Вулкан можно даже назвать довольно уродливым, и лицо Аполлона, несмотря на то, что оно окружено аурой, которая отличает его от остальных, также не идеализировано.
Малярные материалы
Часть пигментов, использованных Веласкесом в этой картине, изменила свой цвет, поэтому холст потерял свой первоначальный цветовой баланс. Венок Аполлона изначально был окрашен в зеленый цвет путем смешивания (синего) азурита , желтого озера и желтой охры . Озерный пигмент не очень стабилен, поэтому нынешний цвет венка почти синий. Цвет набедренной повязки изменился на ровный темно-коричневый, в то время как телесный цвет, содержащий в основном желтую охру, киноварь и азурит, остался неизменным.
Источник
Италия – и снова Мадрид
В конце 1620-х годов в Мадрид из Антверпена приезжает Рубенс – главная величина в художественном мире своего времени. Он собирается писать испанских королевских особ, но всё же главная его миссия – дипломатическая. Ему представляют молодого Веласкеса, и Рубенс склоняет его к мысли, что для расширения собственного кругозора и пополнения королевской коллекции необходимо ехать в Италию. В 1629-м году в сопровождении испанского главнокомандующего королевский камергер Веласкес посещает Геную и Милан, Венецию и Рим. Конечно, итальянцы видят в нём не художника, а чиновника. Посланник Тосканы науськивает своих подчинённых: «С испанцем нельзя быть ни слишком любезным, ни непочтительным: и то, и другое оскорбительно для него». Атмосфера подозрительности и взаимного недоверия преследует Веласкеса по всей Италии, кое-где его даже принимают за испанского шпиона.
Из-за всего этого первое итальянское путешествие Веласкеса сложно назвать приятным. Единственная удача – знакомство с работами титанов Ренессанса. Из всех Веласкес отдаёт предпочтение Тициану. Тициановские изображения Карла V он берёт себе за образец монархического портрета . После Италии значительно меняется его колорит: Веласкес отходит, наконец, от традиционного андалузского тенебросо и на его картинах чуть ли не впервые появляются светлые и звучные цвета: ослепительный желтый, ярко-голубой. «Я рекрут армии Тициана», – скажет о себе Веласкес.
Возвратившись в Мадрид, Веласкес с волнением и радостью узнает, что за период его отсутствия Филипп IV не позволял писать себя никому другому. С удвоенным энтузиазмом Веласкес берётся за дело. Тем более, у короля родился долгожданный наследник – Балтазар Карлос, будущий любимчик Веласкеса, и значит, не пройдёт и десяти лет, как по всем европейским столицам нужно будет разослать его портреты, с прицелом на перспективные династические союзы.
Первая жена Филиппа Изабелла Бурбонская терпеть не может Веласкеса – ведь он ставленник ненавистного ей Оливареса, фактически узурпировавшего в стране политическую власть, поэтому Изабеллу Веласкес почти и не пишет. Зато очень много пишет своего друга – короля. Только Веласкес может сделать это изуродованное имбридингом (многократными близкородственными связями) лицо с шишковатым лбом, глубоко посаженными глазами и родовой отметиной всех Габсбургов – выдающейся нижней губой – благородным и утонченно-прекрасным. Исследователи подсчитали, что из почти 40 портретов монарха все, за исключением трёх или четырёх, написаны в трёхчетвертном развороте, – максимально выгодном для «сложного лица» короля.
Картина Веласкеса Триумф Вакха
ВЕЛАСКЕС
Веласкес. Триумф Вакха – «Пьяницы».
Картина написана, или, во всяком случае, закончена Веласкесом в 1629
году. В этой картине обнаруживается яркая творческая самостоятельность
художника. Его замысел смел и необычен. Картина, написанная на
мифологический сюжет совсем не похожа ни на произведения Рубенса с их
бурной, чувственной стихией, ни на овеянные светлой поэзией вакханалии
Николя Пуссена.
Веласкес изображает на фоне горного ландшафта пирушку испанских бродяг в
компании античного бога Вакха. Бог вина и веселья здесь изображен как друг
и помощник бедняков. Вакх венчает венком вставшего на колени солдата,
который, вероятно, заслужил такую награду за такое пристрастие к выпивке.
Полуобнаженный, как и его спутник сатир, бог сидит на бочке с вином
скрестив ноги. Один из участников пирушкиподносит к губам волынку, чтобы
ознаменовать музыкой этот шутливо-торжественный момент. Но даже хмель не
может прогнать из их сознания мысль о тяжелых трудах и заботах. Но особенно
обаятельно открытое и прямодушное лицо крестьянина в черной шляпе с чашей в
руках. Его улыбка передана необычно живо и естественно. Она горит в глазах,
озаряет все лицо, делает неподвижным его черты.
Обнаженные фигуры Вакха и сатира, написаны как и все прочие, с натуры, с
крепких деревенских парней. Веласкес запечатлел здесь представителей
социальных низов, передав правдиво и ярко и хвыразительный облик,
огрубевшие под знойным солнцем лица, полные простодушного веселья, но в то
же время отмеченные печатью сурового жизненного опыта. Но это же не просто
пьяная пирушка: в картине есть ощущение вакхической стихии. Художника
интересует не собственно мифологическая сторона домысла, а возникающая
благодаря введению мифологических пресонажей атмосфера общей приподнятости
образов, как бы приобщение к силам природы.
Художник находит такие формы характеристики, которые не разделяют
«возвышенное» и «низменное». В его изображении Вакх – плотный юноша, с
мирным простодушным лицом – приобрел чисто человеческие качества. В то же
время, окружающие его бродяги, в облике которых он не скрывает черт
низменности, лишены вульгарности. В их образах, исполненных удали,
душевного размаха, грубоватого веселья, есть что-то крупное и значительное. Колорит отличается теплыми тонами, стремление передать единство
красочного многообразия мира. Переход (слева направо) от античности к
реальности. Условный пейзажный фон, не связанный с фигурами первого плана.
«Зарубежная живопись в музеях СССР» – выпуск от 15 августа 1972 года
Веласкес Диего Родригес де Сильва (1599-1660). «Крестьянский завтрак» (около 1617)
| Оформление серии | Г.Комлев, А.Рязанцев |
| Цвет | многоцветная |
| Зубцовка | 12½ × 12 гребенчатая |
| Размер | 37 × 52 мм |
| Тираж | 5 000 000 |
| Способ печати | Офсет |
| Бумага | мелованная с лаковым покрытием |
| Номинал | 4 копейки |
| Каталоги: | |
| ЦФА | 4156 |
| Ст.коллекция | 4086 |
| Michel | SU4036 |
| Scott | SU4001 |
| Yvert | SU3863 |
| Серия: | состоит из 5 марок и блока: |
- Веласкес Диего Родригес де Сильва (1599 — 1660). «Крестьянский завтрак» (около 1617 года)
- Луи Ленен (1598 — 1648). «Семейство молочницы» (около 1641 года)
- Мурильо Бартоломе Эстеван (1618 — 1682). «Мальчик с собакой» (Вторая половина 1650-х годов)
- Ватто Антуан (1684 — 1721). «Капризница» (Около 1718 года)
- Делакруа Эжен (1798 — 1863). «Марокканец, седлающий коня» (1855)
- Антонис ван Дейк (1599 — 1641). «Автопортрет» (Около 1622 — 1623 годов)
около 1617 года
Испанская школа.
Бытовая сцена
Холст, масло
Размеры: 108.5 × 102 см
Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург, Россия
Из личного собрания Екатерины II.
В период, когда сторонники религиозной живописи презрительно называли жанровые произведения «бодегоне», что означает «кабачок», Веласкес охотно обращался к этому виду картин еще в ранние годы творчества. Одной из подобных работ является картина «Завтрак». Три человека, изображенных на полотне, написаны Веласкесом с натуры – это простые люди, да и сама сценка носит обыденный характер: люди приступают к завтраку. Каждый из них держится по-своему – в соответствии с возрастом. Рядом со спокойным, сосредоточенным стариком стоит, подняв в руке бутыль с вином, весело смеющийся мальчик – его радует возможность выпить с взрослыми
Иронически посмеивается над ним юноша, жестом руки предлагая и нам, зрителям, обратить внимание на неуместный восторг мальчика. Живые лица, простота и выразительность самого замысла, мастерство выражения вещей (стол, покрытый смятой скатертью, «натюрморт», находящийся на нем, одежда и оружие, висящие на стене в глубине) говорят о живом восприятии действительности, о реалистической направленности, свойственной таланту Веласкеса
Неудивительно, что в эти годы он опирается во многом на творчество итальянского реалиста Караваджо (несколько «тяжелая» и «плотная» живопись, темный фон, контрасты света и теней и т.д.).
Квадратный стол под белой скатертью. В центре сзади стоит пухлощекий мальчик с открытой широкой улыбкой, красноватое лицо и молодая рука, черная не пачкающаяся одежда, чистый белый воротничок детской чистоты души, не начатая бутыль вина жизни в высоко поднятой руке, – да здравствует жизнь! Похож на ягоду. Справа сидит молодой человек в лучшей поре: узкое энергичное лицо, желтовато-светлого цвета, желтый в красноту плащ и засученными для дела рукавами, белый чистый воротничок открытости и ясности, два треснувших от распирающих сил и зрелости граната. На стене висит его оружие солдата. Оно находится справа от мальчика, – ему еще предстоит познакомиться с ним. Оба смотрят на нас, на мир и радуются общению. Слева высокий старик в землистом кожаном халате. Рядом с ним стакан вина и хлеб. Натруженная рука держит старую вилку; узкая полоска белой рубахи; невидящие глаза смотрят прямо перед собой. Рыбу, символ веры и христианства, он пододвинул мальчику. Следующий «персонаж» – висящий на стене плащ с широким белым воротником и шапкой. Это умерший человек. Такое впечатление, что он держит бутыль с вином в руке и передает ее мальчику. Цикл жизни завершился. Свет падает от нас слева, прямо в лицо молодому человеку. На мальчика свет падает слева – это утро. Прямые лучи солнца на юношу говорят о полудне жизни. Свет на правую часть лица старика говорит о закате жизни. Пустой плащ на стене – человека уже нет, ночь жизни, небытие. Эстафета жизни передана новой жизни – мальчику.