Описание картины жоржа сёра «танцующая пара»

Выставки

Персональные выставки

• Галерея изящных искусств, Бильбао , 1921 год.
• Галерея Панарди, Париж, 1922 год.
• Марсель Рош. Масла, акварель , галерея Андре, Париж, 1923 год.
• Галерея Марселя Бернхейма, Париж, 1925, 1929.
• Галерея Дрюэ , Париж, 1929, 1930, 1933, 1937.
• Галерея Бодро, Александрия , 1931 год.
• Галерея Вильдрак, Париж, 1935 год.
• Галерея Шабанон, Париж, 1941.
• Галерея выбора, Тунис , 1942 год.
• Марсель Рош, гравюры , галерея Ле Гаррек, 1950, 1955.
• Galerie Vendôme, Париж, ноябрь 1957 г., февраль-март 1959 г. ( 40 недавних картин ), октябрь-ноябрь 1962 г.
• Галерея «Осколок стекла», Версаль , 1983.
• Ретроспектива Марселя Роша , церковь Сент-Фуа, Миранд , 1986.
• Ретроспектива Марселя Роша , Музей искусства и истории Драгиньяна , апрель-июнь 2005 г.
• Марсель Рош. Воспоминания о войне: рисунки , Musée des Beaux-Arts d’Orléans , с октября 2012 г. по январь 2013 г.

Коллективные выставки

• Осенний салон , Париж, с 1912 г., член с 1921 г., казначей с 1945 г. Некоторые материалы: Pastorale normande , 1921; Деревенская трапеза , 1941; Набережные , 1955; Остальные крестьяне , 1957 год.
• Выставка французского искусства , Москва , 1913 год.
• Salon des anonyme, Galerie Barbazanges, Париж, 1921 год.
• Салон независимых в Париже, с 1921 года. Некоторые поставки: La fête à Villequier , 1921 год.
• Салон акварелистов , Галерея Марселя Бернхейма, 1923 год.
• Ив Аликс , Рене Дюре , Андре Фавори , Вильгельм Гимми , Марсель Рош, Анри де Варокье , галерея Марселя Бернхейма, 1923 год.
• Салон Тюильри , Париж, с 1924 по 1954 год.
• Поль Колен , Моиз Кислинг , Жак Анри Лартиг , Мари Лорансен , Анри Лебаск , Марсель Рош , Галерея Жана Паско , Патис,Ноябрь 1934 г..
• Универсальная выставка 1937 года .
• Ярмарка рисунка и акварели , Париж, 1940 год.
• Некоторые современники кубизма. Художники Луи Шарло , Фредерик Деше , Шарль Жакемо, Пьер Ладюро, Раймон Ренефер , Марсель Рош, Эдмон Сигрист, Жюль-Эмиль Зингг  ; скульптор Роберт Влерик , галерея Брето, Париж, 1942 год.
• Салон красоты, Париж, с 1945 по 1951 год.
• Художники Осеннего салона , Вена (Австрия) , 1946 год.
• Populist Salon, Париж, с 1951 по 1953 год.
• Выставка Общества французских художников-граверов , Национальная библиотека Франции, Париж,Ноябрь 1950.
• Салон Тюильри , Париж, 1951 год.
• Дом французской мысли, Париж, 1952 год.
• Салон художников-свидетелей своего времени , музей Галлиеры , Париж, 1952, 1953 ( воскресная рубашка , холст), 1955, 1956.
• Школа в Париже , Galerie Шарпантье , Париж, 1954.
• Международная ярмарка изобразительного искусства, Токио, 1957 год.
• Ярмарка печати, Париж, 1958 год.
• Салон Terres Latines, Париж, 1958 год.
• От Боннара до Георга Базелица , десять лет обогащения кабинета эстампов, 1979-1988 гг. , Национальная библиотека Франции, 1992 г.
• Марсель Рош и Клод Бретон. Живопись, графика и гравюры , музей Симона-Сигала (часовня Урсулинок), Аупс ,Сентябрь 2013.
• Семь художников в Великую войну . Пропаганда и свидетельства , музей Ножан-сюр-Марн , февраль-декабрь 2014.
• Художники новой парижской школы. Ансельм Бош-Вивес , Жак Буссе , Андре Cottavoz , Жан Couty , Жан Фусаро , Александр Garbell , Андре Лоран , Андре Лот , Пьер Палуэ , Марсель Рош, Жорж Rohner , Морис Савин , Жак Truphémus , Клод Венард , Музе Палуэ, Тен-л ‘Эрмитаж , апрель-август 2014 г..
• Клод Бретон и Марсель Рош. В области гравюры и эстампов — десять лет Ассоциации друзей Клода Бретона и Марселя Роша , Atelier Gabrielle, Салернес ,август 2018.
• Клод Бретон и Марсель Рош , медиа-библиотека Салерна,сентябрь 2018.
• Марсель Рош и художники «Тейлора» в Великой войне , выставка в партнерстве с Ассоциацией друзей Клода Бретона и Марселя Роша, Фонд Тейлора, Париж,ноябрь 2018.

Эдуард Мане (1832—1883).

Мане был старше большинства импрессионистов. Он был их главным вдохновителем.

Сам Мане на роль лидера революционеров не претендовал. Он был светским человеком. Мечтал об официальных наградах.

Но признания он ждал очень долго. Публика желала видеть греческих богинь или натюрморты на худой конец, чтобы красиво смотрелись в столовой. Мане же хотел писать современную жизнь. Например, куртизанок.

В результате появился “Завтрак на траве”. Два денди отдыхают в обществе дам лёгкого поведения. Одна из них как ни в чем ни бывало сидит рядом с одетыми мужчинами.

Эдуард Мане. Завтрак на траве. 1863. Музей д’Орсе , Париж.

Сравните его “Завтрак на траве” с работой Тома Кутюра “Римляне во времена упадка”. Картина Кутюра произвела фурор. Художник мгновенно прославился.

“Завтрак на траве” обвинили в вульгарности. Беременным абсолютно серьезно не рекомендовали на неё смотреть.

На картине Кутюра мы видим все атрибуты академизма (традиционной живописи XVI-XIX вв.). Колонны и статуи. Люди аполлоновской внешности. Традиционные приглушённые цвета. Манерность поз и жестов. Сюжет из далекой жизни совсем другого народа.

“Завтрак на траве” Мане – другого формата. До него никто не изображал куртизанок вот так запросто. Рядом с респектабельными горожанами. Хотя многие мужчины того времени так и проводили свой досуг. Это была реальная жизнь реальных людей.

Мане пробовал считаться со вкусами публики. Писал портреты на заказ. Но из этого ничего не вышло.

Однажды изобразил одну респектабельную даму. Некрасивую. Он не смог польстить ей с помощью кисти. Дама была разочарована. Ушла от него в слезах.

Эдуард Мане. Ангелина. 1860. Музей д’Орсе, Париж. Wikimedia Commons.

Поэтому он продолжал экспериментировать. Например, с цветом. Он не пытался изобразить так называемый природный колорит. Если серо-бурая вода ему виделась ярко-синей, то он и изображал ее ярко-синей.

Эдуард Мане. Аржантей. 1874. Музей изящных искусств, Турне, Бельгия. Wikimedia Commons.

Но факт остаётся фактом. Мане вкорне изменил предназначение живописи. Картина становилась воплощением индивидуальности художника, который пишет так, как ему заблагорассудится. Забыв о шаблонах и традициях.

Новаторства ему долго не прощали. Признания дождался только под конец жизни. Но оно уже было ему не нужно. Он мучительно угасал от неизлечимой болезни.

«Герника». Отношение к войне

Картина «Герника» — символ жестокости войны. Разбираемся, как темы трагедии и военного конфликта проявились в работах художника.

Это часть интерактивных уроков, подготовленных образовательной платформой Level One в сотрудничестве
с крупнейшими российскими экспертами.

Еще 500 уроков по 15 направлениям, от истории
и архитектуры до здоровья и кулинарии на levelvan.ru/plus

посмотреть все уроки

Автор урока
Алина Аксёнова
Историк искусства, автор книг «Искусство ХХ века. Ключи к пониманию» и «История искусства

Просто о важном», более 9 лет проводила лекции и экскурсии в ГМИИ им. Пушкина.

«Герника» — одна из самых известных картин Пикассо, символ жестокости и бессмысленности войны.

Что делает ее такой значимой

Герника — маленький городок в Стране Басков на севере Испании. Во время гражданской войны в Испании авиация Германии, поддержавшая генерала Франко, почти полностью разрушила его в ходе бомбардировки.

Картина создает страшное сюрреалистическое пространство. Фигуры и предметы ломаются, деформируются, рассыпаются на части — как Герника во время бомбардировки и как весь мир после нее. Лаконичный колорит имитирует цвета газетных вырезок.

Композиция классическая, но сама картина нет. Слева и справа от центральных фигур — плачущие женщины. В центре воин с разорванным телом и сломанным мечом — символом поражения. Лошадь с высунутым языком символизирует крах мира. Получился страшный, разрушенный мир — каким ощущал его сам Пикассо.

Во время оккупации Парижа к Пикассо однажды пришли немецкие офицеры. Они увидели на столе репродукцию «Герники» и спросили: «Это вы сделали?». На что Пикассо ответил: «Нет, это вы сделали».

️ На выставке картину не приняли. Ее критиковали за пропаганду и недостаточную художественность. Гораздо больший интерес и энтузиазм на Парижской выставке 1937 года вызвали павильоны СССР и Германии.

Пабло Пикассо. Герника, 1937

Телеграм-канал
Level One

Вдохновляющие посты, новые запуски и подарки только для подписчиков

подписаться

На рубеже 1930–40-х годов Пикассо остро чувствовал трагедию, охватившую весь мир. В это время даже картины не на военную тему наполнены агрессией.

Вот яркий пример

«Кошка, схватившая птицу». Мы видим не просто кошку, а страшного монстра, схватившего беззащитную птицу. Пара «сильный-слабый» наполняется новым смыслом.

Образ кота часто интерпретируют по-разному. Одни видят в нем очертания минотавра, другие — челку Гитлера. Пикассо мастер в создании многозначных символов, в которых каждый угадывает что-то свое.

Пабло Пикассо. Кошка, схватившая птицу, 1939

Что почитать

John Richardson. «A Life of Picasso, Volumes I–III».
Главная биография Пабло Пикассо, написанная его близким другом. Трехтомник подробно описывает жизнь и творчество художника с 1880-х до конца 1930-х гг.

Оливье Видмайер-Пикассо. «Пикассо. Интимный портрет». Короткая, но важная книга внука Пикассо о самых главных сферах жизни художника. Можно прочитать за один вечер.Арианна Стасинопулос-Хаффингтон. «Пикассо. Творец и разрушитель».
Объемный том рассказывает историю жизни гения мелким шрифтом и во всех подробностях.

Франсуаза Жило. «Моя жизнь с Пикассо».
Любопытная книга для тех, кому интересно не только творчество Пикассо, но и его личная жизнь. Мемуары одной из многочисленных женщин художника описывают десять лет их совместной жизни.

За этот урок мы узнали много нового о творчестве Пабло Пикассо. Самое время попробовать свои силы в тренажере.

Клод Моне (1840—1926).

Клода Моне можно назвать хрестоматийным импрессионистом. Так как он был верен этому направлению всю свою долгую жизнь.

Он писал не предметы и людей, а единую цветовую конструкцию из бликов и пятен. Раздельные мазки. Дрожание воздуха.

Моне писал не только природу. Ему удавались и городские пейзажи. Один из самых известных — “Бульвар Капуцинок” .

В этой картине есть многое от фотографии. Например, движение передано с помощью размытого изображения.

Обратите внимание: дальние деревья и фигуры словно находятся в дымке. Перед нами остановленный момент бурлящей жизни Парижа

Никакой постановочности. Никто не позирует. Люди изображены как совокупность мазков. Такая бессюжетность и эффект “стоп-кадра” — главная черта импрессионизма

Перед нами остановленный момент бурлящей жизни Парижа. Никакой постановочности. Никто не позирует. Люди изображены как совокупность мазков. Такая бессюжетность и эффект “стоп-кадра” — главная черта импрессионизма.

К середине 80-х годов художники разочаровались в импрессионизме. Эстетика — это, конечно, хорошо. Но бессюжетность многих угнетала.

Лишь Моне продолжал упорствовать, гипертрофируя импрессионизм. Это переросло в серии картин.

Один и тот же пейзаж он изображал десятки раз. В разное время суток. В разные времена года. Чтобы показать, насколько температура и свет могут изменить один и тот же вид до неузнаваемости.

Так появились бесчисленные стога сена.

Картины Клода Моне в Музее изящных искусств в Бостоне. Слева: Стога сена на закате в Живерни, 1891. Справа: Стог сена (эффект снега), 1891.

Обратите внимание, что тени на этих картинах цветные. А не серые или чёрные, как было принято до импрессионистов

Это ещё одно их изобретение.

Моне успел насладиться успехом и материальным благополучием. После 40 он уже забыл о нищете. Обзавёлся домом и прекрасным садом. И творил в своё удовольствие ещё долгие годы.

Представители академизма

Все художники, которые учились в Академии и впоследствии стали ее членами были академистами. Самыми известными стали ее 12 основателей:

1. Адольф Бугеро — использовал в своем творчестве религиозные и исторические темы; 
2. Жан-Леон Жером – портретист и любитель восточной тематики в картинах;   
3. Поль Деларош — создавал произведения натуральной величины, изображая легенд и исторические персонажи;
4. Александр Кабанель – приверженец классических сюжетов.   

Эти художники стали успешными представителями академизма благодаря успешным сочетаниям неоклассических и романтических жанров живописи, как того и требовала Академия.

Академическое искусство и его ограничения

Академическая живопись характеризуется иерархическим распределением жанров. Это было нужно для демонстрации назидательной ценности творчества, а также для удобного регулирования французской живописи.   

 Список жанров с 1669 года:

1. историческая тематика полотен;
2. портрет;
3. пейзаж;
4. жанровая живопись;
5. натюрморт.  

От жанра зависела стоимость работы, получение стипендий и премий от академии. Наивысший статус присваивался историческим полотнам, картинам на библейские и мифологические темы. Самую низшую ступень, а значит, и наименее оплачиваемую, занимали жанровая живопись и натюрморты. 

Кроме распределения по жанрам существовали и правила написания картин, которые включали в себя: 

1. стиль;
2. используемые цвета;
3. правильность наложения мазков.

К одобряемым стилям относятся неоклассицизм, для которого характерна четкость рисунка и романтизм, с присущей ему выразительностью цвета. По мнению академии, комбинация этих двух стилей позволяла создавать идеальные полотна.

Кроме технических требований, в произведении должна была прослеживаться определенная смысловая и интеллектуальная нагрузка. В поиске вдохновения художники обращались к литературе, мифологии, религии. С помощью аллегорий изображались евангельские события, исторические личности, фрагменты античных произведений. Неизменным было донесение зрителю вечные истины, идеалы и мораль через выбранные сюжеты или символические предметы. Работа с цветами, идеальная светотень и перспектива, идеализация персонажей и четкое соответствие выбранной эпохе – этим пронизаны работы художников-академистов.  

Дата создания картины: 1889-1890 г.Размеры: 94,2 х 79,5 см Галерея Курто, Лондон

Форма этой диковинной розовой ленты перекликается с цветочным узором обоев.

Точки, окружающие дугой пудреницу, изображают облачко пудры.

Зеркало символизирует тщеславие

Возможно, Сера имел намерение поиронизировать над тем преувеличенным вниманием, которое Мадлен уделяла своей внешности

Размеры стола, выглядящего до смешного маленьким, подчеркивают пышность форм Мадлен.

Долгое время критики не могли прийти к единому мнению относительно этой странной картины, на которой изображена Мадлен Кноблох, возлюбленная Сера. Многие находили портрет почти сатирическим. Сама же Мадлен, по всей видимости, придерживалась другого мнения, поскольку позже, когда картины Сера резко подскочили в цене, решила оставить это полотно у себя. В первом варианте оно включало в себя и автопортрет Сера, с восторгом глядящего на Мадлен. Но автор прислушался к мнению одного из своих друзей, посчитавшего портрет в таком виде непристойным, и заменил себя цветочной вазой.

Генеалогически картина восходит к будуарным сценам, популярным во французской живописи XVIII века

Как всегда, обращает на себя внимание непринужденное (а порой и странное) обращение Сера с деталями. Непонятно, что представляет собой элемент в левом верхнем углу картины

Кроме того, возникает впечатление, что под пышной юбкой Мадлен находится всего одна нога.

Эдгар Дега (1834—1917).

Дега не был классическим импрессионистом. Он не любил работать на пленэре (на открытом воздухе). У него вы не найдёте намеренно высветленной палитры.

Наоборот, он любил чёткую линию. Черного цвета у него предостаточно. И работал он исключительно в студии.

Но все же его всегда ставят в ряд с другими великими импрессионистами. Потому что он был импрессионистом жеста.

Неожиданные ракурсы. Асимметрия в расположении объектов. Застигнутые врасплох персонажи. Вот главные атрибуты его картин.

Он останавливал мгновения жизни, не давая персонажам опомниться. Посмотрите хотя бы на его “Оркестр оперы”.

Эдгар Дега. Оркестр оперы. 1870. Музей д’Орсе, Париж. Wikimedia Commons.

На переднем плане спинка стула. Музыкант к нам спиной. А на заднем фоне балерины на сцене не уместились в “кадр”. Их головы беспощадно “обрезаны” краем картины.

Так любимые им танцовщицы далеко не всегда изображены в красивых позах. Порой они просто делают растяжку.

Но такая импровизация мнимая. Конечно, Дега тщательно продумывал композицию. Это лишь эффект стоп-кадра, а не настоящий стоп-кадр.

Эдгар Дега любил писать женщин. Но болезнь или особенности организма не позволяли ему иметь с ними физический контакт. Он никогда не был женат. Никто никогда не видел его с дамой.

Отсутствие реальных сюжетов в его личной жизни добавляло тонкую и напряженную эротичность его образам.

Эдгар Дега. Звезда балета. 1876-1878. Музей д’Орсе, Париж. Wikimedia Commons.

Обратите внимание, что на картине “Звезда балета” прорисована только сама балерина. Ее коллеги за кулисами еле различимы

Разве что несколько ног.

Это не значит, что Дега не закончил картину. Таков приём. Оставить в фокусе лишь самое главное. Остальное сделать исчезающим, неразборчивым.

О других картинах мастера читайте в статье “7 выдающихся картин Эдгара Дега”.

биография

Chaptal средней школы (ранее Chaptal колледж) в Париже .

Из Турен происхождения его отец Рауля Роша, и Нормана его матерью рожденного Жанна Gossaume, начиная рисовать в 1903 году, Марсель Roche осуществляется после муниципальной школы, его вторичные исследования с 1903 по 1908 год в колледже Chaptal , бульвар Батиньоль в Париж . После получения степени бакалавра он поступил в 1909 году при поддержке своей матери — отца, напротив, предназначавшего его к медицине — в Парижскую школу изящных искусств, где он был учеником Фернана Кормона . Тогда он более свободно работал в Академии Жюлиана в мастерской Адольфа Дешено, а в Лувре изучал работы Жана Фуке , Жана Симеона Шардена , Гюстава Курбе и Поля Сезанна .

1912 год — это год его старейших записанных картин (виды на Монмартр и Гросле в северных пригородах Парижа), его первого участия в Осеннем салоне и его отъезда на военную службу в Орлеан . Стремление к 131 — й  пехотный полк в 1914 году Марсель Roche был серьезно расстрелян 22 августа в бой Большой Байи, недалеко Longuyon , в 1917 году он будет относиться в книге , написанной и освещена самим художником Точно так же, каллиграфия и связаны Otis Олдфилд  ( ru) . Он был эвакуирован и лечился в военном госпитале Оша, прежде чем в 1915 году был переведен на вспомогательную службу в казармы Орлеана, где он сделал многочисленные рисунки анимационных сцен и портреты своих соседей по комнате. Он был демобилизован на22 марта 1919 г..

После его поездки в Грецию в 1931 году и особенно в Египет, где покровительство барона Жоржа де Менаса , сына Феликса де Менаса , банкира австро-венгерского происхождения, живущего в Александрии , принесло ему важную выставку, Марсель Рош находится между 1934 и 1939 годами. , стал художественным советником Парижской компании по распределению электроэнергии , директором и организатором нового эфемерного Салона люмьер, основываясь на наблюдении, что «новое искусство света возникает из методов, позволяющих« электричеством производить великие силы » и приносить вместе декораторы, архитекторы ( Урбен Кассан , Роберт Маллет-Стивенс ) и художники, подобные ему, «покорили световое искусство» ( Рауль Дюфи , Робер Делоне , Жан Кротти ).

5 bis, rue Jadin в Париже .

Это было в 1945 году, в конце Второй мировой войны, когда, начальник отдела камуфляжа Министерства вооружений, он разработал грязевую краску, которая была эффективна для маскировки зданий и одобрена военными инженерами. Марсель Рош интересуется гравировкой, вновь открывает трехцветный в металлографском в XVIII — м  века. В дополнение к этой технике он занимается офортом , гравировкой , резцом и литографией, которые он преподает в школе профессиональной подготовки под руководством Сюзанны Юло, расположенной по адресу: rue de l’Yvette, 34, в Париже. Член Общества французских художников-граверов — он стал членом в 1947 году и вице-президентом в 1951 году — вся его гравированная работа оценивается в 600 гравюр.

Он жил на улице Джадин 5а в 17- м  округе Парижа .

Марсель Рош умер 4 марта 1959 г., через несколько дней после открытия его выставки в галерее Vendôme в Париже.

Акватинта от Клода Бретон (1928-2006) — профессор гравюры на Ateliers Beaux-Arts де — ла — Виль — де — Париж , который был его племянник — копии которых хранятся в Париже в отделе гравюры и фотографии Национальной библиотеки Франция и Музей современного искусства в Париже представляет интерьер студии Марселя Роша на улице Жаден.

Огюст Ренуар «Танец в Буживале», «Танец в деревне», «Танец в городе». Описание

Огюст Ренуар «Танец в Буживале», «Танец в деревне», «Танец в городе». Описание

В 1883 г. Ренуар написал три картины, с изображением танцующих пар. «Танец в Буживале», как и две другие работы, напоминает сюжет, использованный ранее художником при создании полотна «Бал в Мулен де ла Галет»

Отличие в работах состоит в том, что Ренуар сосредоточил основное внимание на одной танцующей паре, при этом лицо дамы, обращенной в сторону зрителя, назвать портретом можно довольно условно; хотя позировала ему известная в обществе Сюзанна Валадон, некоторое время ассистировавшая художнику. Существует мнение, подтвержденное исследованиями, что сначала Ренуару позировала Алина Шариго – его подруга и будущая жена

Для изображения мужчины, художник позвал своего друга, журналиста и писателя Поля Лота (предположение).

Классическая манера импрессионизма здесь хоть и присутствует, но использована в изображении головных уборов танцующей пары, а также элементов фона и кроны деревьев. В этот период Ренуар использовал другой подход к живописи, который он стал применять после поездки в Италию.

Хранится «Танец в Буживале» в бостонском музее изящных искусств.

Камиль Писсарро (1830 – 1903).

Камиль Писсарро. Автопортрет. 1873. Музей д’Орсе, Париж. Wikimedia Commons.

Камиль Писсарро. Неконфликтный, рассудительный. Многие его воспринимали, как учителя. Даже самые темпераментные коллеги о Писсарро плохо не говорили.

Он был верным последователем импрессионизма. Сильно нуждаясь, имея жену и пятерых детей, он все равно упорно работал в своем любимом стиле. И ни разу не переключился на салонную живопись, чтобы стать более популярным. Не известно, откуда он брал силы до конца верить в себя.

Чтобы совсем не умереть с голоду, Писсарро расписывал веера, которые охотно раскупали. А настоящее признание к нему пришло уже после 60 лет! Тогда наконец он смог забыть о нужде.

Камиль Писсарро. Дилижанс в Лувесьенне. 1869. Музей д’Орсе, Париж.

Воздух на картинах Писсарро густой и плотный. Необыкновенный сплав цвета и объёма.

Художник не боялся писать самые переменчивые явления природы, которые показываются на мгновение и исчезают. Первый снег, морозное солнце, длинные тени.

Камиль Писсарро. Иней. 1873. Музей д’Орсе, Париж.

Самые известные его работы — виды Парижа. С широкими бульварами, суетной пестрой толпой. Ночью, днём, в разную погоду. В чем-то они перекликаются с сериями картин Клода Моне.

Камиль Писсарро. Бульвар Монмартр ночью. 1897. Национальная галерея, Лондон.

Ночной воздух на картине “Бульвар Монмартр ночью” плавится от горящих фонарей и витрин.

Пространство изображено планетарно. Улица не прямая, а как бы выгибающаяся дугой. Это делает вид обычного бульвара величественным.

Творчество Сёра

В поиске своего стиля в искусстве изобрёл так называемый пуантилизм — художественный приём передачи оттенков и цвета с помощью отдельных цветовых точек. Приём используется в расчёте на оптический эффект слияния мелких деталей при разглядывании изображения на расстоянии.

Жорж Сёра сначала изучал искусство с Джастином Лекуином, скульптором. После возвращения в Париж работал в студии вместе с двумя друзьями студенческого периода, а затем обустроил собственную мастерскую.

Сёра, как и его друг — художник Синьяк, тяготел к строго научному методу дивизионизма (теории разложения цветов). На электронной аналогии этого метода основывается работа растрового дисплея.

В течение следующих двух лет осваивал искусство черно-белого рисунка.

После того, как его живопись была отклонена Парижским Салоном, Сёра предпочел индивидуальное творчество и союзы с независимыми художниками Парижа.

В 1884 он и другие художники (включая Максимильена Люса) сформировали Сосьете де Артиста Индепендэнтса. Там он знакомится с художником Полем Синьяком, который впоследствии также будет использовать метод пуантилизма.

Летом 1884 года Сёра начал работу над своей самой знаменитой работой — «Островом Ла Гранде Жатта».

Дата создания картины: 1889-1890 г.Размеры: 171,5 x 140,5 смМузей Крёллер-Мюллер, Оттерло

Светлые участки окружены на картине темной рамкой, усиливающей ощущение глубины и единства пространства.

Веер танцовщицы повторяет угол наклона трости в руках сгорающего от вожделения зрителя, которая сама по себе является фаллическим символом.

Флейта и гриф контрабаса написаны параллельно высоко поднятым ногам танцовщиц, что должно «удваивать» степень веселья

Стилизованное выражение на лицах танцоров передано простыми наклонными штрихами, легко намечающими губы, усы и узкие щели глаз.

Банты на туфлях танцовщиц направлены вверх — так же, как подолы их юбок и бретельки на плечах.

Приблизительно с 1887 года Сера начал делать зарисовки в парижских варьете. В результате считавшийся не слишком пристойным танец канкан стал темой одной из его работ. На полотне изображен ночной клуб «Японский диван», находившийся неподалеку от студии художника. В этом произведении звучит отчетливое эхо «Парада», где реальный зритель расположен чуть выше зрителей, присутствующих на картине, а главное событие происходит на приподнятой сцене.

Сера использовал танец, чтобы проиллюстрировать одну из своих «научных» теорий. Суть ее в том, что линия, проведенная под тем или иным углом, способна передавать совершенно определенную эмоцию. Так, например, направленные вверх линии выражают радость. В соответствии с этим, Сера выстроил в «Канкане» целый ряд расположенных под разными углами линий, которые, по его мысли, должны были концентрированно выражать веселую атмосферу клуба.

Описание картины Жоржа Сёра «Танцующая пара»

Во всех его работах прослеживается чёткое и пропорциональное звено в построении всей структуры картины, а дополняющим эффектом выступает мерцание, что делает картину цельной. Однако, это не обычный танец. В 1883 г. Ренуар написал три картины, с изображением танцующих пар. Идеально, когда текстура рамы перекликается с основными линиями изображения

Это вторая по важности деталь оформления картины после самого изображения

Так же уровень зависит от содержания изображения. Дерево, масло. И данная «Танцующая пара» напоминает сцену из спектакля. Вроде бы, Стен сам участвовал в театральных постановках, очевидно, в rederijkkamers / «камерах риторов» / «риторических камерах». Была еще и третья, несколько большая по размеру картина, которая называлась «Танец в Буживаль».

(ширина профиля багета по 4 см. с каждой стороны) 60см. 12см. Сёра умер в возрасте 32 лет от тяжелой инфекции.

Эта пара картин называется «Городской танец» и «Деревенский танец» (справа). Мужской моделью для обоих картин послужил друг Ренуара, Поль Лот (так же, как и для «Танца в Буживале»). Время действия обычное воскресенье после полудня. Франция. «Танец в Буживале», как и две другие работы, напоминает сюжет использованный ранее художником при создании полотна «Бал в Мулен де ла Галет».

Мир эллинизма представлен как вечный праздник, как утраченный некогда людьми «золотой век», беспечное и беззаботное время неги и наслаждений. Неуклюже смотрится картина большого размера обрамленная в узкую раму. Постимпрессионизм, пуантилизм. Собрание супругов Уолтер Саломон.

В 1882-1883 годах Ренуар пишет три больших полотна (с фигурами почти в натуральную величину), на которых изображена танцующая пара. (поля двух паспрату с каждой стороны по 3см. ) 8см. 16, 5 x 24, 4 см. Лондон.

Живописная поверхность картины дробится на множество мелких мазков, цвет нанесен отдельными точками чистого цвета. Картина «Танец среди мечей» была написана в Риме в 1881. Стоимость данной услуг зависит от уровня стилизации. (поля двух паспрату с каждой стороны по 3см. ) 8см. Панно «Танец» (вместе с «Музыкой») Анри Матиссу (1869-1954) заказал С. И. Щукин для украшения лестницы особняка в Москве.

Полотно «Голубые танцовщицы» лучшая из серии картин обнаженных женщин. Если вы планируете заказать печать изображения на холсте, то особенно хорошо создается эффект стилизации с заказом обработки холста лаком и Арт-гелем, создающим дополнительные эффекты мазков художественной кисти. Все три полотна были в свое время приобретены торговым агентом Ренуара Полем Дюран:Рюэлем.

Прием упрощения и схематизации фигур, где одна линия передает форму фигуры, наглядно присутствует в «Танце». Ее талант также передался и ее сыну Морису Утрилло. Картина написана любимой художником пастелью.

Функцию багетной рамы трудно переоценить. И вот однажды, одну из них посетил художник. К примеру, представленное полотно является продолжением сценического действия. На картине четыре балерины в голубых балетных пачках переданы в ракурсе «вид сверху». Этот сюжет позволил художнику воссоздать изящную пластику прекрасного женского тела, влекущую чувственность без налета вульгарности, великолепный средиземноморский пейзаж, образующий достойное обрамление прекрасной героине.