Биография Паоло Веронезе
Паоло Веронезе – уроженец Италии, яркий представитель эпохи позднего Возрождения. Художник родился в 1528 году в семье каменотеса в Вероне (отсюда и псевдоним). У Габриеле и Катерины он был пятым сыном.
Семья Паоло родом из Ломбардии, но по долгу службы отца и деда будущего художника занесло в Верону, где семья и осталась.
Паоло учился у архитектора Микеле Сан Микеле, но эта профессия ему не приглянулась. Недолго думая, он перешел к художнику Антонио Бадиле, который к тому же был его дядей. p>В 1560 году в Риме Веронезе знакомится с произведениями Микеланджело и Рафаэля.
В 1566 году Паоло Веронезе женится на дочери своего дядюшки и учителя Антонио Бадиле. Он стал заботливым и любящим отцом для своих 4 детей. Кстати, одного из сыновей Паоло назвал в честь своего отца Габриеля.
Похищение Европы картина Серова В. А. 1910 г
Похищение Европы картина Серова В. А. замечательного русского живописца, была завершена в 1910 г. и известна в нескольких (около десяти) авторских вариантах. Написана на картоне темперой и имеет размер 71 х 98 см.
На картине изображено море, над которым огромный оранжево-коричневый сильный бык на спине уносит красавицу Европу. Она выглядит совершенно спокойной и даже равнодушной к происходящему.
Хотя сюжет заимствован из греческой мифологии, в Европе мы не увидим мраморной застывшей красоты. Ее можно принять за обычную девушку.
В этом произведении мы легко обнаружим символику. Европа уже не следует долголетнему поклонению античности, она находится в движении вперед. И это ее, как видим, не беспокоит.
Впереди нет конкретной цели, конечного пункта следования, но это будущее, и Европа не собирается оплакивать прошлое, оставленное ею по воле божественного Зевса. Какой берег выберет, стремительно уносящий ее могучий бык? Ответа на этот вопрос нет.
Но герои композиции оглядываются на зрителей, приглашая их последовать за ними.
Миф о похищении царевны лежит в основе теории о зарождении европейской цивилизации. Рожденных красавицей троих детей, усыновил правитель Крита. Их потомки и стали первыми европейцами.
Привлекает внимание и пространство картины, которое имеет особый ритм. Его дают дельфины, именно они, своими играми, еще больше подчеркивают физическую силу быка
Можно сказать, что автор намеренно сделал море лишь фоном, хотя, и могущественным, и неукротимым в своей стихии.
Небольшие блики, легкое отражение персонажей на воде — все это также подчеркивает силу Зевса, которому безропотно подчиняется все в этом мире. Но, не стоит думать, что море или небо имеют одно цветовое решение.
Присмотритесь, и вы без труда различите мазки, градуированные тончайшими переходами близких оттенков.
В картине Похищени е Европы трудно найти второстепенные детали. Оно написано как бы по определенной схеме, что характерно для модернизма
Серов большое внимание уделяет образу Быка
Это перевоплощение главного бога Олимпа — Зевса, воспылавшего неукротимой страстью к дочери правителя Финикии Агенора.
Стоит также особо подчеркнуть, что палитру картины — смешение коричневых, синих и черных оттенков — автор позаимствовал из старинных фресок, увиденных им на острове Крит.
Серов создавал эту картину, после своей поездки на Крит в 1907 г, где он с огромным интересом рассматривал развалины величественного Кносского дворца. Это одна из его последних работ. Она представляется осмыслением творческого пути, размышлением о современном мире. Возможно, поэтому «Похищение Европы» признано самым удачным из произведений Серова. Это образец модернизма.
Древний миф много раз вдохновлял живописцев. Но картина Серова Похищение Европы полностью отличается от других произведений. Здесь не присутствуют светлые тона и изящество линий.
Она масштабна и монументальна. Композиция строится на движении по диагонали, словно изображенные персонажи движутся не только вперед, но и ввысь.
Большую часть полотна занимает море: грозное, бушующее и неспокойное.
Напомним, что два варианта картины Похищение европы находятся в Третьяковской галерее Москвы, еще один — в Русском музее Санкт-Петербурга.
Многие искусствоведы утверждают, что лучший вариант долгие годы был в семье художника. В 1996 г.
Автор
Тициан Вичеллио, самый прославленный живописец ренессансной венецианской школы, родился между 1488-1490 гг. – точно не известно. Место его рождения – провинция Беллуно, небольшой городок Пьеве-ди-Кадоре. Происходил Тициан из семьи государственного деятеля и военного, человека известного и уважаемого.
В отроческом возрасте будущий художник отправился учиться в Венецию – Тициан уже тогда хотел заниматься живописью. Главными учителями его стали братья Беллини, в чьей мастерской художник постигал азы изобразительного искусства. Также большое влияние на него оказали Лоренцо Лотто, Джорджоне, Себастьяно дель Пьомбо и другие живописцы Венеции.
В конце 1510-х годов Тициан становится главным художником Венеции. Совершенствуя свой творческий метод, он переходит от фресок и портретов к масштабным религиозным, мифологическим и историческим полотнам. Благодаря покровительству Федерико Гонзага Тициан сходится с Карлом V, Папой Павлом III, Филиппом V, работает в разных странах, пишет портреты исторических личностей, монументальные панорамы и драматичные сюжеты. В поздний период, время полного раскрытия его таланта, Тициан создает полотно «Похищение Европы». Художник прожил довольно долгую жизнь – около 86 лет. Умер Тициан в 1576 г., заразившись чумой от собственного сына.
Творчество
Иисус среди книжников
В его юношеских произведениях («Мадонна», остатки фресок из Casa Contarini, фрески виллы Соранцо и виллы Фанцоло) можно обнаружить характерные особенности веронской школы с её нежным колоритом, но вместе с тем и известную свободу в создании художественных образов, которой автор был обязан влиянию рафаэлевской школы. В возрасте 27—28 лет был призван в Венецию для украшения ризницы церкви Святого Себастьяна и так хорошо исполнил возложенную на него задачу, что до 1570 года постоянно привлекался к работам для этой церкви и существовавшего при ней монастыря, а по смерти удостоился чести быть погребенным в этом храме. Его работы в церкви Святого Себастьяна отличаются легкостью рисунка и нежным, теплым колоритом:
- Коронование Пресвятой Девы
- Эсфирь перед Артаксерксом (Ксеркс I)
- Коронование Эсфири и триумф Мардохея
- Алтарный образ Богородицы
- Фрески, изображающие житие и страдания Святого Себастиана
- Христос у Симона Фарисея
В своих изображениях евангельских сцен с участием в них Христа (Брак в Кане Галилейской, Христос у Симона Фарисея; Христос у Симона; Христос в Еммаусе) Веронезе своеобразно соединил библейское с современным: в венецианском интерьерах XVI века, на фоне архитектуры эпохи Возрождения, пируют в венецианских же костюмах современники художника. Перед нашими глазами оживает все великолепие пиров тогдашнего времени; мы видим ту жажду удовольствий и ту любовь к роскоши и нарядам, которыми отличались венецианцы — современники Веронезе.
Лёгкостью письма и свежестью колорита фрески на вилле Мазер предвосхищают импрессионистов
В числе его картин на евангельские темы, кроме вышеприведенных, заслуживают быть упомянутыми:
- Обручение св. Екатерины
- Мучение св. Юстины
- Святого Георгия
- Снятие с креста
- Отдохновение на пути в Египет
Из картин на другие сюжеты можно указать:
- Семейство Дария перед Александром
- Похищение Европы
- Концерт
- Юпитер
- Марс и Венера
В произведениях зрелого периода Веронезе соединяет умелый и изящный рисунок с богатством замысла и блеском и теплотой колорита. Как портретист (портреты Маркантонио Барбари, Даниеле Барбаро, воина, сенатора из фамилии Капелло, Джованни Барбариго) Паоло Веронезе близко подходит к манере Тинторетто, но при этом остается неизменно оригинальным.
«Битва при Лепанто» — образец гигантского, переполненного фигурами полотна Веронезе
Интересны также его декоративные работы, многие из которых до нас не дошли; работы эти отличаются смелостью замысла, свободой исполнения, свежестью колорита; они хорошо вписываются в архитектурные формы. Сильную сторону его таланта составляет стенная и плафонная живопись. Особенно интересны в этом отношении, например, фрески виллы Барбаро в Мазере, виллы Тиене, замка в Маньядоле и Дворца дожей в Венеции. Некоторые картины из Дворца дожей теперь находятся в других местах; часть из них — в зале Большого совета:
- Возвращение дожа Андреа Контарини с морской победы над генуэзцами при Кьодже
- Защита Скутари Антонием Лоредано
- знаменитый плафон Апофеоз Венеции
После смерти Веронезе его сыновья Карлетто и Габриеле вместе с его братом Бенедетто образовали товарищество художников, которое выпускало картины за подписью «наследники Павла» (Heredes Paoli). Переняв манеру Веронезе, они не унаследовали его таланта и в своих произведениях не достигли декларируемого качества.
Подражателями и последователями Веронезе были художники: Баттиста д’Анджело, Баттиста Дзелотти и Паоло Фаринати.
Собирая мозаику
«Из взаимодействия Тициана, Тинторетто и Веронезе складывалось то понятие, которым мы оперируем сегодня, — Венецианская школа. В ней есть единство, цельность и общие признаки, характеризующие творчество всех этих трех художников и определяющие лицо этой школы, которая, начиная с XVI века, становится одной из ведущих в Италии и в Европе. Надо сказать, что эти художники оказали большое влияние на последующее развитие европейской живописи, на таких мастеров XVII века, как Рубенс, Веласкес, Пуссен и многих других. Без них вообще трудно себе представить дальнейшее развитие европейской живописи, их влияние фактически продолжается до XIX века включительно», — говорит Виктория Маркова.
То, что венецианцы повлияли на развитие искусства, очевидно: Рубенс и Рембрандт действительно учились на их полотнах и использовали их находки, выстраивая уже на их основе свой собственный стиль, а иногда и спорили с ними
Но то же можно сказать и о других итальянских художниках, о Высоком Возрождении, и вот это важно: Венецианская школа, возможно, и не была центральным или самым выдающимся направлением в Италии (и тем более в мире), но стала незаменимой частью общей картины, полноценной мозаики, в которую складываются все отдельные группы художников
«Если рассматривать венецианскую школу в общей панораме развития итальянского искусства, то тут надо сказать об очень существенной вещи: в связи с разгромом Рима, после всех этих трагических событий во всей Центральной Италии искусство постепенно идет на спад. Конечно, там работает множество талантливых и замечательных художников, в той же Флоренции, в том же Риме, но маньеризм все больше утрачивает продуктивность. Все меньше в нем возникает новых идей, и все больше того, что обычно вменяется в вину маньеризму, — повторов великих мастеров Возрождения», — уточняет Маркова.
Куратор видит некий закономерный круговорот в том, как сменяли друг друга течения в итальянском искусстве: «И вот как раз в этот период, когда в Центральной Италии спад, Венеция заявляет о себе как очень важный, яркий, крупный, абсолютно самобытный центр развития итальянского искусства. Но к концу XVI века начинается спад и в Венеции, и именно тогда в Рим приезжает Караваджо. Причем дата приезда Караваджо в Рим — а он прибыл, как мы знаем, из Милана, то есть с севера Италии — практически совпадает с датой смерти Тинторетто. И для того чтобы в Венеции наступил новый расцвет искусства, в первую очередь живописи, нужно ждать уже конца XVII века, так что почти на целое столетие там тоже возникла как бы стагнация. Очень интересно, что итальянское искусство с его многообразием школ, направлений и так далее, дает нам удивительную картину того, как возвышается одна школа в период, когда другая переживает временный застой — и в целом итальянское искусство на всех этапах своего развития демонстрирует несомненный расцвет».
Похищение Европы (картина Рембрандта)
История созданияправить
Картина «Похищение Европы» была создана в Амстердаме, куда Рембрандт переехал жить и работать в 1631 году В это время он начинает писать полотна в стиле барокко и вырабатывает собственную манеру рисования, за что его современники сравнивали с Рубенсом Рембрандт никогда не путешествовал в Италию и не обучался у итальянских мастеров, но находился под влиянием их творчества к примеру, Тициана и создал ряд картин на мифологические темы, среди которых и была — «Похищение Европы» Картина была написана по заказу известного голландского купца — Ясквёйса Спекса нидерл Jacques Specx2После него, картина многократно меняла владельцев:
- Comtesse de Verrue 13 января 1653 — 27 марта 1773;
Duc de Luynes 27 марта 1773 — 21 ноября 1793; Duc ge Morny 21 ноября 1793 — 31 мая 1865; Princess de Broglie 31 мая 1865 −1909; Thomas Agnew с 1909 Лондон; Leopold Koppel Берлин; Paul Klotz Нью-Йорк3
Сюжет картиныправить
У царя финикийского города Сидон была красивая дочь по имени — Европа Однажды ей приснился сон, в котором две женщины сражались за право обладать ею, каждая из которых представляла собой континенты — Азию и второй, который отделен от Азии морем Победу в этом поединке одержал неизвестный девушке континент В страхе она пробудилась и, чтобы развеяться — пошла с подругам купаться на берег моря Пение и хороводы девушек увидел Зевс, сын Кроноса, и выбрав самую красивую из них — задумал похитить ее Обладая магическими способностями и с целью не испугать Европу, он превращается в чудесного на вид быка и подкрадывается к ней Девушка обратила внимание на животное, у которого была золотая шерсть, во лбу горело пятно, похожее на месяц и рога были из золота Будучи уверенной в его безопасности, Европа садится на быка, что бы прокатиться, но в тот же миг, последний прыгнул в воду и стал отдаляться от берега В сообщниках у Зевса был Посейдон, который мчался на своей колеснице перед ними и отгонял волны Когда они доплыли до острова Крит, Зевс взял в жены Европу и она родила ему троих детей — Миноса, Радаманта, Сарпидона4
Примечанияправить
- ↑ В А Совинин Рембрандт Харменс ван Рейн — Великие художники мира — М: Рипол Классик, 2014 — С 38 — 40 с — ISBN 9785386078447
- ↑ Alix Wood Rembrandt Van Rijn — Artists Through the Ages Series — The Rosen Publishing Group, 2014 — С 22 — 32 с — ISBN 9781615339167
- ↑ The J Paul Getty Museum The J Paul Getty Museum Journal: Volume 24 — Getty Publications, 1997 — С 112 — 144 с — ISBN 9780892363971
- ↑ Н А Кун Мифы Древней Греции Герои — М: Эксмо, 2014 — С 57 — 96 с — ISBN 978-5-699-76126-5
Ссылкиправить
Картина на сайте Музея Гетти в Лос-Анджелесе
|
Похищение Европы (картина Рембрандта) Информация о
Похищение Европы (картина Рембрандта) Информация Видео
https://youtube.com/watch?v=uWEeO91Xm_g
Похищение Европы (картина Рембрандта) что, Похищение Европы (картина Рембрандта) кто, Похищение Европы (картина Рембрандта) объяснение
There are excerpts from wikipedia on this article and video
Занять свою нишу
Тициан (1488-1576) был учеником Джованни Беллини, дружил с Джорджоне, а учеником Тициана был Тинторетто (1518-1594), который следовал девизу: «Рисунок — как у Микеланджело, колорит — как у Тициана». Веронезе (1528-1588) учился у своего дяди, родился и первое время жил в Вероне, а в Венеции занимался росписью церквей и Дворца дожей — к его оформлению приложили руку и Тициан с Тинторетто.
1 / 2
«Рай»
Фото: Тинторетто / Sala del Maggior Consiglio
2 / 2
«Триумф Венеции»
Фото: Веронезе / Sala del Maggior Consiglio
На открытии выставки кураторы подчеркивали, что, вопреки общепринятому представлению о трех художниках как о соперниках и конкурентах, экспозиция в Пушкинском музее призвана показать, насколько они взаимно дополняли друг друга и как каждому из них удалось занять свою нишу.
В частности, в венецианском Дворце дожей «ниши» распределились так: Тинторетто со своими учениками создал самую большую картину в мире — «Воскресение праведников, или Рай» площадью 22 на 7 метров в зале Большого совета (сам зал считается самым большим в мире помещением без колонн и опор). Веронезе оформил потолок в том же зале, создав овальный «Триумф Венеции». От Тициана здесь «Дож Антонио Гримани, поклоняющийся Религии» — портрет, который по традиции должен был заказать претендент на титул дожа перед выборами. Эта картина Тициана находилась в мастерской художника во время пожара 1577 года, и поэтому, в отличие от многих произведений, созданных для дворца, уцелела.
И здесь, на слишком, пожалуй, конкретном примере, видна и общая картина того, как взаимодействовали три художника. «Рай» Тинторетто — это религиозная живопись, он и вне Дворца дожей чаще всего оформлял именно церкви. Веронезе с «Триумфом Венеции» действительно имел дело с триумфаторами — богатыми жителями города. Тициан же, удостоенный титула первого художника Венецианской республики, работал на самых крупных заказчиков: помимо дожа Антонио Гримани, он писал, например, портреты императора Карла V и испанского короля Филиппа II.
«Тициан был уже в это время признанным патриархом венецианской живописи, и молодые художники относились к нему с глубоким почтением, поскольку были многим ему обязаны. Тем не менее разделение сфер влияния в Венеции — реальность, это несомненно, — считает куратор выставки, главный научный сотрудник Пушкинского музея Виктория Маркова. — Например, Веронезе работал для аристократических кругов Венеции. Он не был венецианцем, он приехал из Вероны и остался — и достиг действительно всемирной славы. Много занимался росписями вилл на материковой части Венецианской республики. Что касается Тинторетто, то он рассчитывал на более бедные слои венецианского общества и выступал в основном как мастер религиозной живописи, религиозных картин, предназначавшихся для церковных интерьеров. Таким образом, они вполне уживались в одном общественном пространстве, и каждый из них своим творчеством способствовал прославлению города, с которым они были неразрывно связаны на протяжении всей своей жизни».
Разумеется, не так все просто, и художники время от времени залезали на чужое поле. В частности, в Пушкинском музее можно увидеть на соседних стенах два «Снятия с креста» — и кисти Тинторетто, и кисти Веронезе.
1 / 2
«Мадонна с Младенцем, святыми Петром и Екатериной Александрийской»
Изображение: Паоло Веронезе / Государственный музей изобразительных искусств имени А.С. Пушкина
2 / 2
«Саломея»
Фото: Тициан / Государственный музей изобразительных искусств имени А.С. Пушкина
Когда все персонажи – не те, кем кажутся
На создание картины Серова вдохновили мифы Древней Греции. За основу художник взял миф про Европу, которая являлась дочерью финикийского царя. Зевс полюбил девушку и приходил навещать Европу образе быка. Ей нравилось наряжать и украшать быка. Однажды Европа решила покататься на спине быка, тот же незамедлительно умчался вместе с царевной. Позже, она стала его женой, у них появилось три сына-героя.
Интересна история создания картины. По версии свидетельств, Московский Музей изящных искусств сделал заказ Серову на создание росписей. Художник отправился в Грецию для более глубокого изучения материала. Изначально “Похищение Венеры” не должно было стать картиной.
Картина кажется динамичной, в ней явно присутствует движение. Этот эффект достигнут за счет диагонального расположения главных героев полотна. Образы быка и дельфина вытянуты, это задает такт действию.
Море тоже является самостоятельным персонажем: оно также не лишено действия, подбадривая Зевса и Европу. Но при этом волны стараются не навредить, выступают в роли союзников.
Цветовое решение в произведении Валентина Серова отходит от традиционных представлений. Художник отдался собственному ощущению и видению этой сцены.
Даже образ быка был кардинально изменен. По древнегреческому преданию он белоснежный, но художник изобразил его ярко-рыжим. Так он четко выделяется на фоне синего моря.
Невооруженным глазом можно заметить, что работа не перегружена многочисленными элементами. Этому есть два объяснения: отсутствие деталей — традиция модернизма
Живописец концентрирует внимание только на главных героях картины. Более того, быка он наделяет некими человеческими чертами, что сразу бросается в глаза
Вторая причина незаполненности пространства — неожиданная смерть художника. Эта работа считается одной из последних и самых значимых в его творческой карьере.
-
Ошаев халид чайра сочинение
-
Культурное наследие дагестана сочинение
-
Песни про маму сочинение
-
Саратов итоговое сочинение 2020
- Почему я хочу стать телеведущей сочинение
Картина Серова. Похищение Европы
Древнегреческий миф о прекрасной царевне Европе, похищенной всемогущим Зевсом – один из самых известным. Многие художники использовали это античное повествование и предлагали различные художественные, стилистические и композиционные решения.
Важным является и тот факт, что этимологическое происхождение одного из материков связано с именем этой девушки, означающее, скорее всего, «заход» или «широкоглазая». Таким образом, в европейской культуре есть особое отношение к этому мифу.
Европа играла со своими подругами на берегу возле моря, и ее красоту и грацию заметил главный бог-олимпиец. Ослепленный страстью Зевс решил похитить ее. Приняв обличье белоснежного неагрессивного быка, он предстал перед девушками.
На своей картине «Похищение Европы» Валентин Серов запечатлел именно тот момент, когда могучий Зевс в облике быка пересекает море, а девушка сидит на его спине.
Но в интерпретации знаменитого русского живописца, этот сюжет отошел от академических канонов и приобрел совсем иное звучание, прославив художника.
Получив заказ на выполнение росписей в России, Валентин Серов совершил поездку на остров Крит и досконально изучил остатки Кносского дворца. Создавая свое полотно, живописец использовал характерный для эстетики модерна приемы стилизации и яркие краски.
Отступив от античной традиции, Серов изобразил белоснежного быка рыжим с белым пятном посреди лба, а выражение морды быка – весьма очеловеченное. Это яркое оранжевое пятно выглядит особенно впечатляюще, выразительно и красиво на фоне сине-фиолетового моря и белых волн.
Горизонтальное направление центральных фигур усиливают движение. Для достижения такого динамизма Серов удлинил корпусы тел быка, девушки и дельфина.
Чтобы передать силу штормового моря, живописцев располагает горизонт высоко вверху и использует крутые волны, чтобы взрыть линию горизонта огромными морскими валами. Могущество быка передано в том, как он сильно и бесстрашно рассекает эти крутые волны.
- Интересным в этой картине является то, что юная красавица на спине принявшего обличье быка Зевса вовсе не выглядит напуганной.
- Она сидит в неудобной для езды на животном позе, как бы демонстрируя, что ничего не боится и лишь слегка держится за невероятно длинные рога могучего животного.
- Девушка спокойно смотрит назад и, видимо, прощается во своим прошлым, все дорогим сердцу – своими подругами, родителями и знакомыми, но она не испытывает радостных чувств к неизвестному будущему, но знает, что все это происходит к лучшему.
- Автор сочинения: Ирина Шастова
Валентин Серов. Последние декоративные панно. Похищение Европы. Одиссей и Навзикая
Теперь мы подошли к одному из последних жизненных эпизодов Валентина Александровича Серова. В 1907 году Серов вместе с Л.С.Бакстом, автором символистских полотен и деятельным членом «Мира искусства», поехал в Грецию.
Его восторженные греческие впечатления нашли непосредственное отражение лишь в работах 1910 года, когда художник вновь оказался на морском побережье, в Беаррице, во Франции.
Захваченный мифологическим миром Древней Греции, Серов работал над двумя декоративными панно – «Похищение Европы» (1910) и «Одиссей и Навзикая» (1910).
Валентин Серов. Похищение Европы. 1910
Валентин Серов — Похищение Европы
Сюжет картины «Похищение Европы» взят из древнегреческой мифологии. Могучий Зевс влюбился в дочь финикийского царя Агенора Европу. В виде прекрасного быка он предстал перед царевной и ее подругами, когда те гуляли по берегу моря.
Там она стала его женой и родила ему трех сыновей-героев.
В панно «Похищение Европы» нет внешних проявлений разбушевавшихся стихий. Могучая сила, олицетворенная в Зевсе, принявшем облик быка, смиряется загадочной красотой финикийской царевны Европы, подобной древнегреческой коре.
Весь строй картины пронизан ощущением какой-то особой, возвышенно-обобщенной монументальности.
Валентин Серов — Одиссей и Навзикая
Во время поездки в Грецию Валентин Серов заинтересовался раскопками Кносского дворца.
Изучение руин этого дворца английским археологом Эвансом перевернуло представление о древней греческой цивилизации.
Работая над картиной «Одиссей и Навзикая», художник рассказывает о потерпевшем крушение Одиссее, который попал на остров феаков, сказочного народа, пребывающего в мире блаженного, потустороннего бытия.
Валентин Серов. Одиссей и Навзикая. 1910
Высокий свод небес с воздушной громадой облаков и приближенная к зрителю узкая прибрежная полоска воды с отраженными в ней зыбкими силуэтами движущейся вдоль светлого моря процессии, все это втягивает вглубь необозримого пространства. Устремлена вперед стройная, как статуя, царевна Навзикея, управляющая колесницей, влекомой мулами. По велению Афины она должна помочь Одиссею возвратиться на родину с острова Схерия, принадлежащего народу феаков.
Герой отстал от процессии девушек-рабынь и уныло бредет в тяжелом раздумье о пережитых страданиях, о неизвестном будущем. Излюбленный Серовым музыкально-ритмический мотив шествия становится олицетворением жизненного пути, неисповедимой судьбы, вечного странствия между обреченностью и надеждой.
Это были одни из последних произведений Валентина Александровича Серова. Сутью его творческого метода было постоянное развитие, борьба против всяческих штампов, ремесленных приемов. Даже смерть художника воспринималась современниками как глубокий историко-культурный водораздел, обозначивший конец целой эпохи.
Валентин Серов — преподаватель
Собственный опыт мастера помог ему найти общий язык с молодым поколением. Как преподаватель Московского училища живописи, ваяния и зодчества (МУЖВЗ) Серов был свидетелем экспериментов начинающих живописцев, будущих основателей символистских и авангардных группировок «Голубая роза», «Бубновый валет», «Ослиный хвост».
В.А.Серов. Автопортрет. 1880-е.
Футурист Д.Д.Бурлюк признавался:
До того, как нас, молодежь начала двадцатого века, отравил микроб нового искусства, Серов был нашим кумиром.
Неудивительно, что Серову удалось воспитать поколение художников. Главным своим учителем его считали К.С.Петров-Водкин, П.В.Кузнецов, М.С.Сарьян, Н.П.Ульянов и другие известные живописцы.
Н.К.Рерих отмечал:
Этот человек… знал, что делал. А делал он творческое, честное, прекрасное дело в истории русского художества… Как хорошо, что наряду с Суриковым, Репиным, Васнецовым, Нестеровым, Куинджи был у нас и Серов, засиявший таким прекрасным, драгоценным камнем в ожерелье русского искусства.
Что хотел сказать автор
«Похищение Европы» практически не имеет скрытых смыслов и значимых символических деталей. Тициан выбрал этот сюжет из-за его динамичности, драматичности и эмоционального накала. Идеи и чувства, которые выражает картина: страх, беззащитность, страсть, желание и красота, способная погубить свою обладательницу.
«Похищение Европы» живо передает ужас и отчаяние девушки – она беспомощно оглядывается в сторону берега и оставшихся на суше подруг, губы ее разомкнуты в безмолвном крике. Одновременно Тициан подчеркивает ее красоту, реалистично вырисовывая почти не скрываемую тончайшим одеянием фигуру. Бык на полотне «Похищение Европы» мускулистый, мощный, с лоснящейся шкурой и длинными рогами, олицетворяет страсть. Это чувство картина передает как близкое к животному состоянию – яростное, беспощадное, толкающее на преступление чувство, заставляющего тех, кого она поразила, становиться опасным и для себя, и для объекта страсти.
Мифы Древней Греции в живописи
Начиная с античности, греческие мифы побуждали художников, скульпторов и поэтов создавать произведения искусства. Мифология и по сей день представляет собой богатый мир героев и сюжетов. Мифы передают дух Древней Греции, места, где воспевалась и увековечивалась красота. Неудивительно, что именно их сюжеты чаще всего становятся предметом изобразительного искусства.
На протяжении веков подвиги Геракла, мучения Прометея и похождения Зевса были запечатлены в разных форматах, стилях и техниках такими художниками, как Боттичелли, Рубенс, Рембрандт, Доре и многие другие
В период модернизма влияние мифологии на живопись уменьшилось, большее внимание стало уделяться стилю и технике изображения в ущерб сюжету картины
В российской живописи ХХ века исторический и мифологический жанр обрел «второе дыхание» благодаря великолепным картинам Врубеля и Васнецова, которые оживили сюжеты национального фольклора. Древнегреческие мифы стали предметом особого интереса Валентина Серова в поздний период его творчества.
История картины
В самом начале ХХ века среди людей искусства пошли слухи о начале грандиозного проекта по оформлению музея изящных искусств им. Пушкина. Живописное оформление залов должно было подчеркивать и разъяснять постоянные экспозиции музея. В биографии Серова четко прослеживается желание участвовать в этом проекте.
В середине 1900-х гг. Серов посетил Грецию, чтобы впитать классическую культуру и искусство. Подготовка к росписи классических залов музея считается основной целью, которую преследовал художник. Серов Валентин Александрович начал писать первые варианты «Похищения» незадолго после поездки.
Многие искусствоведы считают, что картина «Похищение Европы» и сопутствующая ей «Встреча Одиссея с Навзикаей» были написаны как эскизы для настенной росписи, а не для станковых картин. Аргументом в пользу этой точки зрения может считаться то, что автор не собирался писать ни одну из упомянутых картин маслом.
Валентин Серов, «Похищение Европы»: описание
Картина «Похищение Европы» в качестве сюжетной линии использует миф о молодой финикийской царевне по имени Европа, дочери царя Агенора, которую возжелал Зевс. Обратившийся в быка, Олимпийский Бог унес Европу на своей спине на остров Крит.
Интерпретация Серова не требует правдоподобного изображения героев и окружающего их пейзажа, она не пытается создать реалистичный сюжет. Валентин Серов стремился к обобщению художественных образов, к созданию картины, объединяющей в себе культуру, знания и традиции древней Греции.
Стиль картины
Еще одним аргументом в пользу написания «Европы» для декоративного панно музея искусств является уникальная стилистика картины. В 1907 г. Серов отправился на остров Крит с целью изучить античные настенные росписи древнего храма.
Новаторские приемы в стилизации и даже композиции картины «Похищение Европы» указывают на то, что автор был вдохновлен классическим искусством древнегреческих монументальных исторических панно.
Стиль картины можно с легкостью назвать минималистичным. Динамичная композиция, однообразие форм, отсутствие лишних деталей и минимальная цветовая гамма создают присущий модерну эффект стилизации.
Продолговатые, вытянутые по диагонали формы быка и дельфинов, а также «волнующаяся» линия горизонта оставляет картину без единой прямой вертикальной или горизонтальной линии в композиции.
От этого она кажется движущейся вверх.
Фигура огненно-рыжего быка, плывущего по бурному морю, разделяет картину на две части по диагонали как в композиционном, так и в цветовом плане. Серов выбрал атипичный, для Зевса в форме быка, цвет.
В большинстве случаев величие и великолепие громовержца подчеркивается белым цветом, в данном случае Серов выбрал яркий оранжевый цвет, который внес в колористику картины необыкновенную динамичность и одновременно создал визуальный фокус.
Картина «Похищение Европы»: варианты
Серов создал несколько вариантов картины, ни один из которых не считается полностью завершенным. Во всех существующих изображениях палитра и композиция остаются практически неизменными, в отличие от множества вариантов «Встречи Одиссея с Навзикаей», в которых Серов экспериментировал с построением, композицией, динамикой и цветовой гаммой.
Самый большой по размеру и наиболее детализированный вариант картины «Похищение Европы» хранится в Государственной Третьяковской галерее, но принадлежит при этом частной коллекции.