«мужчина с перчаткой» и «сельский концерт»

Качели (1767). Жан-Оноре Фрагонар

Качели. Жан-Оноре Фрагонар

Эта картина изобилует эротикой, но Фрагонар, прежде всего, пытался создать пародию на прелюбодеяние посредством стереотипов. Холст был заказан молодым аристократом, изображенным в левом нижнем углу, прячущимся среди кустов роз, чтобы напоминать ему время, когда он жил с женщиной на качелях. Согласно различным источникам, молодой мужчина и женщина наслаждаются тайной любовью, что символизирует палец Купидона, прижатый к губам, как бы в знак молчания. Мужчина, который раскачивает качели, является мужем женщины, а скульптура двух маленьких влюбленных ангелов показывает то, как влюблен тот, кто качает качели.

Джорджоне — Сельский концерт

В знаменитом «Сельском концерте» Джорджоне, хранящемся в Лувре, звучит поэтическая тема досуга на лоне прекрасной природы. Изящно одетый юноша, чья облаченная в красный камзол фигура сразу бросается в глаза, расположился на склоне холма, поблизости от древнего источника, чтобы обрести вдохновение в общении с природой. В руках у него лютня, по струнам которой он вот-вот ударит. Ему с благоговением внимает другой юноша — пастух с большой копной волос и тонкими чертами лица. Они оба так увлечены своим занятием, что как будто не замечают присутствия двух спутниц — прекрасных нимф. Одна из нимф, с флейтой в руках, присоединилась к юношам, чтобы принять участие в импровизированном концерте, другая склонилась над облицованным плитами источником. Обнаженные тела нимф моделированы с помощью тончайших градаций света и тени, напоминающих знаменитое «сфумато», прозрачную дымку, окутывающую формы в картинах Леонардо да Винчи.

Присутствие здесь нимф позволяет предположить, что место действия в картине — это мифическая Аркадия, страна пастухов и пастушеского бога Пана. Изображение природы в «Сельском концерте» действительно напоминает об образах идиллического пейзажа Аркадии. Она согрета солнечным светом, полна гармонии и покоя. В картине Джорджоне повсюду рассеян золотистый свет, что бывает особенно заметным, когда в залах Лувра на нее падает солнечный луч, и царит настроение теплого летнего вечера.

использованная литература

Цитаты

1. ^
2. ^
3. ^ Холбертон, Пол (1993). «Пастораль или праздник в начале шестнадцатого века». Национальная художественная галерея : 244–262 — через JSTOR.
4. ^
5. «Венецианская живопись» , Википедия , 02 сентября 2020 г. , дата обращения 29 октября 2020 г.
6. ^
7. ^
8. ^
9. ^
10. ^ Zuffi, Стефано (2008). Тициано . Милан: Mondadori Arte. п. 32. ISBN 978-88-370-6436-5.
11. ^
12. Валкановер, Франческо (1969). Полная опера Тициано . Милан: Риццоли. п. 93.
13. Fregolent, Алессандра (2001). Джорджоне . Милан: Electa. п. 111. ISBN 88-8310-184-7.

Источники

• Остерн, Линда Филлис (2002). Музыка, ощущение и чувственность . Группа Тейлор и Фрэнсис. С. 30–31. ISBN   .
• Кессель, Эльсье ван (2017). Жизни картин: присутствие, действие и сходство в венецианском искусстве шестнадцатого века . De Gruyter, Inc., стр. 75–76 ISBN   .
• Николс, Том (2013). Тициан: И конец венецианского Возрождения. Reaktion Books, Limited. С. 30–31. ISBN   .
• Филлипс, сэр Клод (2008). Тициан . Parkstone International. С. 49–52. ISBN   .
• Уайльд, Йоханнес (1974). Венецианское искусство от Беллини до Тициана . Оксфорд: Clarendon Press. С. 116–119 ISBN   .
• Франсуа, Алин. «Пасторальный концерт». Лувр . Проверено 4 октября 2020 года.
• Камара., Доктор Эсперанса. «Тициан, пастырский концерт». Ханская академия .
• «Пасторальный концерт Тициана — ItalianRenaissance.org». www.italianrenaissance.org . Проверено 4 октября 2020.

Идентичность фигур

Неизвестная женщина (слева) на пасторальном концерте, 1509, Лувр.

Ведущая теория женской идентичности на картине была выдвинута Филиппом Фелем в 1957 году, предполагая, что женщины — нимфы , второстепенные древнегреческие богини, а не люди. Он оговаривает, что нимф выманивали из леса под музыку, создаваемую мужчинами в пасторале. Фель также утверждает, что эти нимфы-женщины невидимы для мужчин на картине, но видны нам, зрителю. По словам Феля, наиболее близким к этой картине поэтическим произведением является « Сон в летнюю ночь» Уильяма Шекспира . Он использует этот отрывок из «Сна в летнюю ночь», чтобы подтвердить свою теорию о том, что нимфы невидимы для человеческого глаза:

Использование нимф из древнегреческой мифологии является обычным явлением для картин итальянского Возрождения из-за глубокого признания древности Греции и Рима, общего аспекта гуманизма, популярного в эпоху Возрождения.

Elhanian Моцкин идентифицирует обнаженную женскую фигуру на левой , как iInspiration и право быть Эвтерпа , греческая муза музыки. Помимо опознания женских фигур, Моцкин также назвал личности мужчин. Основываясь на оригинальных теориях Филиппа Феля, Моцкин идентифицирует мужчин как Аполлона и Парижа , причем Аполлон учит Париса игре на лютне. Он также утверждает, что ранее неизвестный пастух на крайнем правом фоне является приемным отцом Пэрис. Последний вырастил его после того, как его бросили родители Приам и Гекуба .

На этой картине есть несколько необъяснимых моментов, самая заметная из которых — изображение женской фигуры слева, льющей воду из прозрачного кувшина в колодец. Женская идентичность остается загадкой.

Теория Росс Килпатрик утверждает, что личность женщины слева неизвестна, но, возможно, черпает вдохновение из эпических посланий Горация, в которых Гораций помещается в бассейн Бандузского источника, мистического водоема, который также обнаруживается в работе Проперция. Концепция «мистической весны» представлена ​​в Посланиях , отсылающих к греческой музе Каллиопе . В городе на вилле Сабин, включенном в Послания Горация 2.2, есть источник с пресной водой, из которого Каллиопа черпает воду. В сказке Горация в самом городе есть фонтан с надписью: «Бандузский источник, сияющий больше, чем стекло». Киркпатрик предполагает, что это могло быть вдохновением для включения фигуры, льющейся водой.

Барокко

Излюбленными темами барочной живописи является все та же пастораль:

• Галантные дамы и кавалеры;
• Невероятно красивые пейзажи;
• Изящная передача фигур людей;
• Куртизанки и любовь.

Такие символы, как Венера и любовь, вернулись в жанр живописи и смешались в сценах придворной жизни, придавая композиций чувственный, веселый и свежий тон.

Пастораль во времена барокко и рококо называли очаровательным, галантным стилем. Название происходит от слова «Galer» или «галантный».

Фигура женщины является источником вдохновения в живописи. Женщина с чувственной и красивой фигурой соблазняет или принимает участие в запрещенных приключениях – эти сцены помогают «идеальному» обществу идентифицировать себя с персонажами идиллических пасторальных историй.

Аржантей. 1874 г.

Эдуард Мане. Аржантей. 1874 г. Музей изящных искусств, Турне, Бельгия. Wikipedia.org

В 1874 году Мане часто работал бок о бок со своим другом Клодом Моне. Их летние дачи были по соседству в местечке Аржантей.

Не удивительно, что в работах этого года чувствуется сильное влияние главного импрессиониста. Картина “Аржантей” тому подтверждение. Она написана на пленэре (на открытом воздухе). Яркими сочными красками.

Перед нами шурин Мане и неизвестная женщина. В солнечный день они сидят на причале. На фоне реки Сены. Мане был уверен, что такая невинная картина будет благосклонно принята публикой. Но не тут-то было…

Опять скандал. На этот раз критики ругали цветовое решение художника. Откуда Мане взял воду Сены цвета индиго? Даже Средиземное море не может похвастаться такой синевой, негодовали они.

Мане был ошарашен. Он и не думал, что обязан писать воду традиционного зеленоватого оттенка. Одно утешение – картина понравилась одной очаровательной даме. Которая стала очередной его любовницей. А к освистыванию он уже привык.

Истоки

Традиционно «Сельский концерт» приписывается Джорджоне, но в настоящее время считается, что это работа Тициана в юности. Эта таинственная картина предназначается, чтобы быть аллегорией поэзии, чьи символы — флейта и льющаяся вода — распределяются между двумя обнаженными женщинами идеальной красоты. Эти нереальные нимфы существуют только в воображении двух мужчин, которых они вдохновляют. Такое объяснение сюжету соответствовало вкусу распространенного в итальянской живописи одновременного изображения видимого и невидимого.

Виды пейзажа в живописи

Тициан хотел соединить два мира — венецианскую аристократию с одной стороны, и нимф и пастухов с другой стороны, объединенных музыкой. Тема музыки в спокойном пейзаже формирует аллегорию. Тициан придает особое значение ландшафту в пасторали:

• Природа не используется в качестве простого декора;
• Пейзаж – это отражение определенного состояния внутреннего мира, настроения;
• Краски приглушенные и слегка размытые;
• Поиск баланса показан посредством интеграции фигур в обстановку, где человек и природа должны сосуществовать в полной гармонии, как у Вергилия — счастливая жизнь в тенистой роще, пастухи с музыкой и песнями.

Джорджоне и Тициан — мастер и ученик — развивали пастораль в отдельный жанр. С 1509 два художника начали работать в тесном сотрудничестве, поэтому их стиль написания картин трудно отличить.

Карикатура в живописи

Философия искусства

Основной соавтор
Jaaj.Club

Мы все можем наслаждаться одними и теми же объектами природы и произведениями искусства, но у всех нас нет одинакового опыта, вкуса, здравого смысла, способности сравнивать и отсутствия предрассудков, которые в идеале мы могли бы и должны иметь. (с) Юм В книге «Философия искусства» вы с интересом для себя познаете всю глубину искусства в интересующем вас направлении. Здесь вы найдёте статьи с философским и эстетическим толкованием в искусствоведении, литературоведении, музыковедении, и в других областях человеческого творчества. Все они помогут вам разобраться в тонкостях того или иного направления искусства и получить своё мнение и смысл в их философской интерпретации. В книге «Философия искусства» вы также познаете и другие качества культуры, которых нет ни на одном похожем ресурсе.

Олимпия. 1863 г.

Эдуард Мане. Олимпия. 1863 г. Музей Д’Орсе, Париж.

Перед нами куртизанка. Она смело смотрит на зрителя. А чернокожая служанка подносит цветы от довольного клиента.

Мане вновь обращается к старым мастерам. На этот раз его вдохновитель – Тициан и его Венера Урбинская. Только вместо собачки художник изображает черного кота.

Тициан. Венера Урбинская. 1538 г. Галерея Уффици, Флоренция.

Мане решится показать публике “Олимпию” спустя два года после ее создания. Разразился скандал пуще прежнего.

Художника обвиняют в “непостижимой склонности к вульгарности”. Газеты советовали беременным женщинам воздержаться от просмотра картины. Чтобы не испытать чрезмерного волнения. Ведь они бы увидели не пристойную живопись, а “игральную карту”. Вернее “одалиску с желтым животом”. И даже “самку гориллы”.

Куртизанок в Париже было много. Но респектабельные горожане предпочитали не обсуждать их существование. А тут их буквально носом тыкают в порочную сторону жизни. Ведь многие мужчины пользовались их услугами.

Публика не приняла не только сюжет. Но и не поняла новаторства в технике. Мане не стал идти по традиционному пути. И выписывать тело с помощью мягких переходов от света к тени. Он видел, что ярко освещённое тело – однородного цвета. Что делает его плоским. Но от этого оно становится более реалистичным.

Такая реальная и порочная дама слишком уж вызывающе на всех смотрела. Люди были не готовы к правде жизни. Отсюда – отторжение и высмеивание.

О картине также читайте в статье “Олимпия Мане. Самая скандальная картина 19 века”.

Происхождение

Семьи Гонзага, лорды Мантуя , благородного итальянского город-государство, принадлежали работе . Позднее картина была продана Карлу I в Англии примерно в 1627 году, возможно, через Генри Фицалана, 12-го графа Арундела , близкого друга и придворного при дворе Карла I. Когда английские королевские коллекции были рассеяны после революции 1649 года, картина была продана на аукционе Содружеством Англии немецкому банкиру и коллекционеру произведений искусства Эберхарду Ябаху . Он, в свою очередь, продал ее Жан-Батисту Кольберу от имени Людовика XIV в 1671 году. В 1736 году картина была прослежена до Франсуазы-Атенай де Рошшуар, сына маркизы де Монтеспан , герцога д’Антина, и его коллекции в Версальский дворец . После 1792 года картина была передана из коллекции французского королевского искусства в Лувр во время Французской революции . Остается в их коллекции по сей день.

Копии этой картины были широко доступны, в основном в Голландии, а репродукции часто можно было найти на голландском арт-рынке в Амстердаме .

Бар в Фоли-Бержер. 1882 г.

Эдуард Мане. Бар в “Фоли-Бержер”. 1882 г. Институт искусства Курто, Лондон.

Перед нами работница бара в знаменитом кабаре Парижа. Ее грустные глаза смотрят мимо зрителя. Она думает о чем-то своём. Позади неё зеркало. В нем мы видим посетителей кабаре. Ноги выступающей акробатки. В нем же отражается сама барменша и стол с бутылками.

Но приглядитесь. Девушка отраженная отличается от девушки реальной. Бутылки тоже стоят в отражении по-другому.

Что это? Возможно, что Мане решил совместить события настоящего и прошлого в одном полотне.

До него так поступал только Леонардо да Винчи. В его “Тайной вечере” тоже изображено одновременно два события. Момент, когда Христос произносит роковые слова “Один из вас предаст меня”. И приобщение апостолов к причастию.

В 2017 году в игре “Кто хочет стать миллионером” был задан вопрос “Где Мане поставил свою подпись и дату на картине “Бар в “Фоли-Бержер”? Было дано четыре варианта ответа: на скатерти, на браслете барменши, на бутылке вина и на вазе.

Если не найдёте ответ на репродукции, ищите его в статье “Бар в Фоли-Бержер. Самая загадочная картина Эдуарда Мане”.

“Бар в Фоли-Бержер” Мане написал уже в статусе признанного художника. Многие осознали, что Мане кардинально повлиял на всю западную живопись. В 1882 году он получил Орден почётного легиона.

Но после этого он уже напишет очень мало работ. Его здоровье стремительно ухудшалось. Он умрет в 1883 году. Не успев вволю насладиться всеобщим признанием, о котором так мечтал.

Андрей Аллахвердов. Эдуард Мане. 2017. Частное собрание (всю серию портретов художников XIX-XX веков смотрите на сайте allakhverdov.com).

Завтрак на траве. 1863 г.

Эдуард Мане. Завтрак на траве. 1863 г. Музей д’Орсе, Париж

Мане охотно черпал вдохновение у старых мастеров. “Сельский концерт” Джорджоне подсказал ему идею картины “Завтрак на траве”. Позы же героев он позаимствовал с офорта Раймонди “Суд Париса” (сделан с несохранившейся картины Рафаэля).

Слева: Джорджоне. Сельский концерт. 1506-1512 гг. Лувр, Париж. Справа: Маркантонио Раймонди. Гравюра “Суд Париса”. 1513-1515 гг. Музей Метрополитен, Нью-Йорк

Перед нами двое молодых мужчин среднего класса. Они о чем-то беседуют. И даже не смотрят на обнаженную женщину рядом с ними. Ее одежда брошена рядом. Она уверенно смотрит на зрителя.

Публика была шокирована. Люди толпами приходили на выставку. Но не для того, чтобы восхищаться работой. А чтобы всласть покритиковать.

Обнаженных женщин писали и до Мане. И во времена Мане. Но это были нереальные женщины. Богини. Восточные полусказочные одалиски.

“В завтраке на траве” зрители увидели не божественных созданий. А реальных людей. Которые вот так проводят время. Семьи дома. А пикники – с куртизанками.

Публика не была готова к этому. Что ее интимную жизнь выставят напоказ.

Ещё один интересный момент. Посмотрите на женщину на заднем плане. Если ее мысленно переместить на передний план, она будет под 3 метра.

Но эта “ошибка” не из-за неумения художника, как считали критики. На такие же сознательные искажения когда-то шёл и Леонардо да Винчи.

Помните его Тайную вечерю? Фигура Христа крупнее всех остальных. В положении сидя он вровень со стоящими.

Леонардо да Винчи. Тайная вечеря. 1495-1498 гг. Монастырь Санта-Мария-делле-Грация, Милан

Такие хитрые приёмы после Леонардо себе никто не позволял. Первым на это отважился Мане

Ему было важно передать определённый эффект. Даже ценой искаженной перспективы

О картине также читайте в статье “Завтрак на траве. Как Эдуард Мане придумал современное искусство”.

Концерт Картина Вермеера Делфтского

Живопись эпохи барокко
Картина голландского мастера живописи Яна Вермеера Делфтского «Концерт». Размер картины 69 x 63 см, холст, масло.
Действие в этой картине отдалено от зрителя, оно расположено в глубине комнаты, на задней стене которой висят две картины – пасторальный пейзаж и часто цитируемая Вермеером «Сводня» караваджиста Дирка ван Бабюрена. У стены стоит клавесин с аркадским пейзажем на открытой крышке.
Клавесин (франц. clavecin), струнный клавишно-щипковый музыкальный инструмент, предшественник фортепьяно.
Известен с 16 века. Существовали клавесины различных форм, типов и разновидностей, в том числе чембало, вирджинал, спинет, клавицитериум.
На нем играет сидящая в профиль молодая девушка.

Мужчина, повернувшись спиной к зрителю, устроился на косо поставленном стуле и аккомпанирует на лютне (видна только часть грифа с колками). Женщина ведет голосовую партию. Незадействованные музыкальные инструменты, подобно изысканному натюрморту, появляются слева на тяжелом дубовом столе и на полу. Вермеер отдает предпочтение струнному ансамблю (сюда принадлежат и клавикорды), издавна считающемуся символом музыкальных созвучий и гармоний.
Занятия музыкой в работах современников Вермеера носят всегда определенный подтекст. Музыка ассоциируется с любовью, и в работах Мецу, Стена, Ван Меерца можно увидеть фигуру купидона или какой-либо иной намек на романтические отношения персонажей. Если изображался урок музыки, подразумевалось, что учитель проявляет к ученице не только профессиональный интерес.
Работы Вермеера лишены столь однозначной трактовки.

Окружение персонажей указывает на эротический подтекст картины, но сами персонажи остаются отстраненно-нейтральными. Висящая на стене картина Бабюрена «Сводня» тоже объединяет три фигуры, но разница в настроении героев разительна. Картина Бабюрена и мирные пейзажи на стене и крышке клавесина в сочетании с персонажами, погруженными в музицирование, скорее подводят зрителя к весьма распространенному в те времена суждению о том, что музыка усмиряет страсти и создает душевную гармонию.
Музыкальные предпочтения самого Вермеера неизвестны, но его современники увлекались французской и итальянской поэзией, издавались сборники баллад на стихи Петрарки, любовная лирика была чрезвычайно популярна.
По своему содержанию картина близка к написанной в то же время картине «Дама у вирджинала и кавалер или Урок музыки». Но в этой работе Вермеер менее тщательно пишет передний план, стол, покрытый ковром почти полностью погружен в тень, ярким акцентом выделяется только платье девушки за клавесином, ее белая юбка и уже знакомая по другим произведениям желтая кофта с черной отделкой.

История искусства периода барокко. Далее →

Атрибуция

Атрибуция этой картины вызывала споры на протяжении сотен лет. Считалось, что картина была написана Джорджоне. Тем не менее, недавний анализ живописи показывает, что творцом был Тициан, последователь Джорджоне. Существует множество теорий относительно того, кто создал картину, но нет документации, подтверждающей авторство. Кристиан Йуст Гогье предполагает, что Джорджоне начал писать картину, но он умер в 1511 году, не успев закончить картину. Он считает, что Тициан, протеже Джорджоне , завершил картину в честь своего ушедшего наставника. Гогье заявляет, что лютнист, выделенный красным слева, символизирует юного Джорджоне, который обучает деревенского человека игре на лютне, человека, которого считают молодым Тицианом. Гогье понимает эту картину как аллегорию отношений наставника и протеже двух художников.

Картина также приписывается Пальме Старшему , Себастьяно дель Пьомбо , Доменико Манчини и Джованни Беллини . Однако эти теории не так заметны, как теории, приписывающие картину Тициану или Джорджоне, из-за отсутствия исторических свидетельств и усилий по реставрации. Теория приписывания Доменико Манчини в последние годы набирает обороты, поскольку были проанализированы контекстуальные свидетельства и исторические документы.

Джорджоне

До 20 века эту картину приписывали Джорджоне, главным образом потому, что сам Джорджоне был включен в « Жизни величайших художников, скульпторов и архитекторов Джорджо Вазари » . Этот отрывок явно не назван в книге, но подразумевается: «музыкант, который играл на лютне для музыкантов и постоянно наслаждался любовными утехами». Этот отрывок относится к художнику, потому что описание так близко соответствует сюжету этой картины. Картина Джорджоне « Буря» (Джорджоне) упоминается в этой картине через использование цветных чулочно-носочных изделий, которые носят мужчины, — символа Compagnie della Calza , элитного патрицианского ордена молодых людей.

Тициан

Первоначально картина была приписана Джорджоне, но современные критики скорее приписывают ее немного более молодому Тициану. Считается, что массивность фигур больше характерна для его стиля. Картина Тициана « Адриан» используется Филипом Фелем, чтобы показать, как Тициан использовал символические детали, чтобы приписать эту картину Тициану. Альфонсо, I д’Эсте, герцог Феррары, поручил Андрианам , брату Изабеллы д’Эсте. Связь Тициана с покровительством семьи Эсте используется в качестве доказательства того, что Тициан был настоящим создателем этой картины.

Сама картина ближе к художественному стилю Тициана из-за использования художником символических мельчайших деталей и рубенских тел в жанре венецианской живописи.

Доменико Манчини

Теория, выдвинутая Чарльзом Хоупом, предполагает, что автором картины является Доменико Манчини , современный художник и последователь Джорджоне и Тициана. Алтарь Манчини в соборе Лендинара стилистически похож на «Концерт» , а также на его Мадонну со святыми Франциском и Рохом . Последняя картина датирована 1511 годом, что очень близко к графику завершения этой картины. Как указывает Хоуп, сам «Концерт » не убирали. Невозможно сказать, может ли картина принадлежать Манчини без надлежащей реставрации. Как художник, Манчини, как известно, заимствовал элементы и имитировал стиль некоторых итальянских мастеров. Его картина « Мадонна со святыми Франциском и Рохом» во многом напоминает алтарь Джованни Беллини « Сан-Заккария» .

Картина концерт птиц | Все концерты

Картины Шри Чинмоя, миллион птиц — душ

Фильм-концерт «Поёт ВИА «Синяя птица»

Алексей Шулякивский «Картина мира»

Барельеф картина ПАВЛИН

https://youtube.com/watch?v=SfFGhK2IW5c

Балет «Баядерка» картина ‘Тени’ 2 акт

Бывший барабанщик «Наутилус Помпилиус» пишет картины (Енисей Минусинск)

Михаил Плетнёв дирижирует РНО: Н. Римский-Корсаков. Симфонические картины из опер. БЗК, 2008

Картины весны: Скворцы, Воробьи и Синицы поют!

Арсений Ланин исп С В Рахманинов Этюд картина ор 39 № 5 Концерт в Рахман зале Моск конс 25 02 2017

1.1_60-й сезон концертов классической музыки 2017г.Нижний Новгород. 60th season of summer concerts.

Также смотрите:

• Концерт памяти горшка видео
• Терминал бровары концерт холл
• Смотреть концерт марины девятовой на канале орт
• Видео с выступлений и концертов юлии ковальчук
• Концерт в улан удэ зиппо
• Концерт в тольятти модерн токинг
• Гугл бутырка концерт
• Смотреть весь концерт сектор газа бесплатно без регистрации
• Концерт бублика в новосибирске
• Благотворительные концерты для детских домов
• Концерт рауфа в хазаре
• Концерт нины матвиенко смотреть онлайн бесплатно
• Концерты зеков на зоне
• Мбэнд концерт в казани
• Рэп концерты расписание

Описание

На картине изображены трое молодых людей на лужайке, играющих музыку вместе. Рядом с ними стоящая женщина наливает воду из мраморного таза. Женщины обнажены без драпировки, упали на ноги; двое мужчин одеты в современные венецианские костюмы 16 века. На обширном пасторальном фоне изображены пастух и пейзаж.

Интерпретация

Художественная интерпретация этой картины неизвестна. Искусствоведы обсуждали и обсуждали это на протяжении десятилетий. Недавние теории предполагают, что картина может быть комментарием к образцу , научным дебатам в эпоху Возрождения, которые пытались определить живопись или скульптуру как высшую форму искусства. Венеция была одним из художественных эпицентров эталона между концепциями дизайна и колорита , причем последнее было отличительной чертой венецианского искусства. Предполагается, что эта картина может быть художественным аргументом, показывающим, насколько живопись и техника колорито превосходят рисунок, который был обычным для флорентийского искусства. Некоторые из самых известных художников- колорито венецианского Возрождения включают Джорджоне , Тициана , Джованни Беллини и Якопо Беллини .

Место нахождения

Шепард (деталь), Пасторальный концерт, 1509, Лувр

Картина задумана как пасторальный пейзаж итальянской деревни. В исторических документах прямо не указано и не описано, где именно находится эта картина. Тем не менее, поскольку это происходит из Венеции, в венецианской сельской местности существует большая вероятность. Основная специализация венецианской живописи — это пейзажи, в частности идиллические пейзажи, такие как Locus amoenus, которые помещают предметы в венецианскую деревню. На этой картине изображен луг с широким спуском к источнику воды. Этот идиллический пейзаж сочетается со зданиями, которые соответствуют типичному стилю города / виллы Венеции XVI века.

Christiane Joost-Gaugiere предполагает , что пейзаж на картине был вымышленный установка вдохновлен Вергилий «s Эклоги , в частности номер три и восемь. Подробнее пейзаж на картине предполагают именно этот эпилог , потому что внешность Шепарда с волынкой намекает на возможную сцену , изображающей пение конкурс Феокрита из Горация «s Оды или Вергилия из Вергилия Эклоги (3,7).

Классические ссылки

Возможно, это была аллегория стихов и музыки; две женщины могли быть воображаемым призраком, олицетворяющим идеальную красоту, проистекающую из фантазии и вдохновения двух мужчин. Женщина со стеклянной вазой станет музой трагической поэзии, а другая — пастырской поэзии. Из двух играющих мужчин один с лютней будет представлять возвышенную лирическую поэзию, а другой — обычного лирика, в соответствии с отличием Аристотеля в его « Поэтике» . Другая интерпретация предполагает, что картина вызывает четыре элемента природного мира (воду, огонь, землю и воздух) и их гармонические отношения.

Сидящие фигуры (деталь), Пасторальный концерт, 1509, Лувр

Другая теория заключается в том, что сюжет этой картины представляет собой аллегорическую интерпретацию стихотворения Феокрита о Дафнисе , пастыре, который считается основоположником пастырской поэзии. Филипп Фель ссылается на это стихотворение в своей теории о личности женщин на картинах. Феокрит описывает Аркадию как землю, откуда берет свое начало греческий бог Пан . Аркадия представлялась «раем» Якопо Санназаро в его пасторальной поэме 15-го века « Аркадия», популярной в Венеции и близлежащих городах-государствах. Предполагается, что нимфы создают вокруг себя Аркадию, превращая Аркадию в духовное состояние существования, которое человек устанавливает. Филипп Фель также предполагает, что эта картина символизирует « Орландо Фуриозо» Людовико Ариосто , чрезвычайно популярную эпическую поэму начала 16 века. Одним из самых известных покровителей Ариосто был Ипполито д’Эсте и его старшая сестра Изабелла д’Эсте, возможная покровительница этой картины.

Теория Джулии Марианны Коос предполагает, что картина является аллегорией дискурса любви. В эпоху итальянского Возрождения считалось, что природа — «зеркало души влюбленного и идиллическое убежище». Считалось, что аллегория этой конкретной картины о дискурсе любви возникла из поэтических размышлений Пьетро Бембо о желании, таких как его стихотворение «Асолани» . Концепция «желания», изображенная в искусстве, вызвала жаркие споры в 16 веке, что видно в таких произведениях, как « Trattato della pittura» Леонардо да Винчи .

Искусствовед Росс Килпатрик говорит о том , что два древних тексты литературы, Гораций «s Послания и Проперции » Элегия s, были значительными кусками вдохновителя этой картины.

Джорджоне – итальянский живописец

Джорджоне ( Джорджо Барбарелли да Кастельфранко) – итальянский живописец 15-го и начала 16-го века, один из основоположников искусства Высокого Возрождения. И не только художник, но музыкант и певец.

Таким его знали более 500 лет тому назад. Венецианец из местечка Венето. Провинциал, вошедший в историю живописи на века и тысячелетия.

ДЖОРДЖОНЕ (Джорджо Барбарелли ди Кастельфранко) “АВТОПОРТРЕТ”.

По прозвищу Большой Джорджо из-за своей массивной фигуры. Шестнадцатилетним юношей он уже был подмастерьем у великого Джованни Беллини. Праздничность, яркость красок, насыщенность цветом и светом характерна для живописи венецианских мастеров.

История, религия, мифология – вот что поэтизировал в своих картинах Джорджоне. Остановись, мгновенье, ты прекрасно! Кажется, что именно так он думал, когда живописал очередную притаившуюся историю и вочеловечивал её, сохранял потомкам.

Джорджо Барбарелли из Кастельфранко, венецианец из местечка Венето, прозванный Джорджоне, оставил нам в наследство утонченную гармонию духовно богатого, интеллектуального и физически совершенного человека.

Джорджоне рано ушел из жизни, он умер в Венеции во время эпидемии чумы осенью 1510 года.

Мои любимые картины – «Юдифь», «Спящая Венера» и “Гроза”.

Оригинальная трактовка образа Юдифь. Юдифь, убившая Олоферна, неожиданно предстает не воинственной девушкой с отрубленной головой Олоферна, а задумчиво-нежной. Загадочный и сложный внутренний мир женщины. Внешняя красота и благородство… и готовность убить во имя идеи.

Стройная, холодно прекрасная и ясная, с полуулыбкой попирающая голову Олоферна.

Вершинами творчества Джорджоне являются картины «Спящая Венера» и «Сельский концерт». Эти картины остались незаконченными, и пейзажный фон в них был дописан младшим другом и учеником Джорджоне — великим Тицианом.

Именно в этих картинах с античной ясностью раскрылось единство физической и духовной красоты человека. Удивительно целомудренная, несмотря на свою наготу, «Спящая Венера» является в полном смысле аллегорией, символическим образом Природы.

Нагая Венера в спокойной дрёме на фоне такого же спокойного и дремотного сельского пейзажа. Гармония и пластика. Венера у Джорджоне в совершенной красоте и в единстве с окружающей ее природой.

Посреди холмистого луга на темно-красном покрывале безмятежно спит, предаваясь во сне своим мечтам и фантазиям прекрасная античная богиня любви и красоты Венера. За спиной Венеры на горизонте — просторное небо с облаками, невысокая гряда голубых гор, пологая тропа, ведущая на поросший растительностью холм. Отвесная скала, причудливый профиль холма вторят очертаниям фигуры богини.

Джорджоне. Сельский концерт.

В картине «Сельский концерт» на фоне спокойно торжественного пейзажа два юных музыканта в пышных одеждах и две обнаженные, роскошно красивые женщины, возможно куртизанки на пикнике. Но в картине нет и намека на эротичность.

Она больше напоминает пасторальную поэму о природе и человеке, как неотъемлемой частичке этой природы. Чувственная радость бытия , мечтательная созерцательность. И юноши, и куртизанки погружены в тихий мир природы и музыки.

Эта атмосфера витающей музыки, погруженность в мир ее мелодий придают особое благородное очарование этому видению проясненной и опоэтизированной чувственно прекрасной радости бытия.

Одним из самых загадочных по своему сюжетному смыслу произведений венецианского художника Джорджоне является картина «Гроза».  Грозовой пейзаж с молнией на заднем плане, а герои картины  как Адам и Ева после Грехопадения.

Они теряются в этом буйстве природы и цивилизации:  полусумеречный воздух, тяжёлые свинцово-синие тучи, блеснувшая молния из тяжелых туч; пепельно-серебристые стены зданий далекого города; мост, перекинутый через реку; воды,  вьющаяся дорога;  деревья и кусты,  обломки колонн.

Поцелуй (1907-1908). Густав Климт

Поцелуй. Густав Климт

Недавние исследования утверждают, что картина, которая когда-то считалась самой романтичной в истории искусства, на самом деле является интерпретацией мифа Овидия. Аполлон был проклят Эросом за то, что тот высмеял его. Затем Эрос сделал так, чтобы Аполлон влюбился в нимфу Дафну, которая чувствовала отвращение и презрение к нему. Когда Аполлон попытался приблизиться к Дафне, та попросила о помощи, и отец превратил ее в лавр. Согласно этой теории, «Поцелуй Климта» представляет собой тот момент, когда Аполлон, переполненный желанием и страстью, обнимает нимфу, а та начитает превращаться.