Живописец Франсуа Буше — ярчайший представитель стиля рококо или распутный сластолюбец?
Классическая живопись рококо, в частности, одного из самых ярких его представителей Франсуа Буше, всегда вызывала много вопросов и споров. Буше часто работал над заказами короля Людовика XV и его фаворитки маркизы де Помпадур, и его живопись называли зеркалом, отражающим французскую придворную жизнь.
При жизни художник пользовался невероятной популярностью, позже его начали критиковать за легкомысленность и фривольность, Излюбленной темой мастера всю жизнь оставалась обнаженная женская натура, что приводило к частым обвинениям в распутстве и сластолюбии.
Вряд ли эти претензии имели под собой почву – Буше был женат на женщине, которая была на 15 лет его моложе. Он в ней души не чаял, и она всегда оставалась для него идеалом женственности и красоты, что он неоднократно доказывал в своих работах.
Франсуа Буше. Купание Дианы, 1742
В 1734 г. Буше присудили почетное звание «живописца исторических сцен», что было равнозначно официальному признанию его принадлежности к художественной элите, в 1737 г. он стал профессором Академии живописи и скульптуры, а в 1765 г. – ее президентом. Тогда же он был удостоен титула «первого королевского живописца».
Франсуа Буше. Три грации, 1765
Геркулес и Омфала, ок. 1728–1731
Буше был частым гостем в Версале. В 1748 г. он начал работать для маркизы де Помпадур, от которой с тех пор поступали частые заказы. В 1752 г. она добилась для него разрешения жить и работать в Лувре. Помпадур была любовницей короля всего 5 лет, при этом ей удалось оставаться влиятельной персоной на протяжении десятилетий, до самой своей смерти. Буше умел ей угождать – на всех портретах с разницей в 9 лет у маркизы лицо 20-летней девушки.
Франсуа Буше. Маркиза де Помпадур, 1750 и 1756
Франсуа Буше. Маркиза де Помпадур, 1758 и 1759
Многие современники осуждали Буше за близость распутному высшему свету.
Тем не менее, талант Буше был достаточно многогранным: он писал пейзажи, пасторали, портреты, картины на мифологические сюжеты, иллюстрации к книгам, эскизы парковых скульптур, гобеленов и театральных декораций, оформлял интерьеры дворцов.
Франсуа Буше. Венера
Франсуа Буше. Туалет Венеры, 1749
Но наибольшую популярность ему принесли скандально известные обнаженные одалиски.
Франсуа Буше. Темноволосая одалиска, 1743
Для картины *Светловолосая одалиска* Буше позировала 12-летняя любовница Людовика XV, 1752
И хотя Буше до сих пор обвиняют в том, что он переходит границы приличия, его работы не теряют популярности.
обзор по материалам из интернета
Женщины Francois Martin-Kavel
Francois Martin-Kavel — французский художник. Пытаясь найти какие-то подробности его биографии , через раз натыкалась на информацию, что о его жизни практически ничего не известно и , что писал он преимущественно хорошеньких женщин . Некоторые создания и мне увиделись довольно-таки милыми … Годы жизни 1861- 1931. Он регулярно выставлялся в «Salon des Artistes Français», а в 1881 году был награждён медалью.
Young Girl with Fur Muff
Untitled
Untitled
Portrait au Ruban
Jeune Fille au Manchon et à la Branche de Houx
Portrait of a Lady
Le Bandeau Rouge
A Beauty with a Red-ribboned Hat
The Love Letter
A Summer Rose
Jeune Femme en Déshabillé
The Young Violinist
Berko fine paintings purity
Portrait of a young beauty wearing a sheer wrap gathered at the chest with roses
La Fileuse
Kathleen
Belle
Untitled
Young Beauty with Floppy Hat
Untitled
Картины Франсуа Буше
Арт
На этой странице мы собрали для вас подборку — картинки «спокойной ночи, милый». Если
Арт
В нашей сегодняшней подборке милые картинки «С днем рождения» девушке. Красивые поздравления в виде
Арт
В этой подборке у нас собраны картинки «спокойной ночи, сладких снов». Прикольные пожелания гарантированно
Арт
Как приятно сказать любимому человеку – спокойной ночи, солнышко. Картинки передадут ваши слова, если
Биография Франсуа Лемуана
Портрет Франсуа Лемуана. (неизвестный художник)
Франсуа Лемуан (1688-1737) — французский художник эпохи рококо, мастер иисторического и мифологического жанра.
В своем творчестве Франсуа Лемуан умел сочетать кокетливость и жеманность форм с классической ясностью композиций.
Лемуан, исконный парижанин, учился у Луи Галлоша. За исключением поездки в Италию в 1723 году он жил и работал в Париже и Версале. В 1718 году Лемуан стал членом Королевской Академии живописи и скульптуры (обогнав в этом своего учителя на тридцать лет), а в 1733 — ее профессором. В 1736 году Лемуан получил звание «первого живописца короля». Эта честь была оказана художнику после того, как он выполнил королевский заказ — расписал плафон на тему «Апофеоз Геркулеса» для зала Геркулеса в Версальском дворце. Это была лучшая, но не единственная работа Лемуана в области монументально-декоративного искусства. Ей предшествовали росписи некоторых парижских церквей (например, плафон в Сен-Сюльпис). Тем не менее Лемуан остался в истории французского искусства прежде всего как мастер станковой картины, создатель мифологических, религиозных и аллегорических композиций.
В живописи Франсуа Лемуана ощущается влияние принципов классического искусства. Но это не мир образов, на которых выросли французские мастера XVII столетия. Рококо находит образцы для подражания в творениях поздних итальянских маньеристов — у Пармиджанино и Понтормо. Как и всякий большой художник, Лемуан пытается по-своему осмыслить эту традицию — он оживляет мистический иррационализм маньеристов, соединяя его с барочной экспрессией в духе Рубенса. Поэтому его картины, при всей своей внешней эффектности и театральности, выражают подлинно драматические коллизии.
Наиболее характерно это для мифологических композиций; некоторые из них хранятся в собраниях ГМИИ имени А. С. Пушкина и Государственного Эрмитажа. Франсуа Лемуан всегда старается выбрать момент наибольшего драматического напряжения сюжета. Так, в картине «Аполлон и Дафна» (1725, Государственный Эрмитаж) изображен не традиционный момент превращения нимфы Дафны в лавровое дерево, а то, как преследуемая Аполлоном нимфа обращается за помощью к своему отцу, речному богу Пенею. Художник не только мастерски передает движение, организующее композицию картины, но и стремится к тому, чтобы придать колориту эмоциональную напряженность.
Среди многочисленных мифологических композиций Франсуа Лемуана привлекает внимание картина «Похищение Европы» (1725, ГМИИ имени А. С
Пушкина). Композиция ее восходит к полотну Паоло Веронезе на ту же тему, хранящемуся во Дворце дожей в Венеции. Лемуан мог ее видеть во время своего визита в Италию. Художник изображает тот момент легенды, когда Зевс, превратившись в огромного белого быка, пришел на луг, где дочь сидонского царя Европа водила хороводы со своими подругами, и лег к ее ногам. (Здесь можно посмотреть картинки Зевса)
Лемуан блестяще компонует многофигурную сцену, создавая рокайльное переплетение из фигур девушек и окружающих их деревьев. Светлый переливающийся колорит картины, контрасты освещения — все это рождает ощущение встревоженности, внутренней напряженности. Картину «Похищение Европы» можно причислить к лучшим образцам французского рококо.
Лемуан известен также как автор аллегорий, которые часто имели чисто декоративный характер и предназначались для украшения интерьеров («Аллегория живописи» в Государственном Эрмитаже). Но такие произведения — скорее свидетельство плодовитости художника. Свой след в истории искусства он оставил именно как мастер утонченных рокайльных композиций, которые вызывали восторг современников (Фальконе в письме к Екатерине II восхищался «Купальщицей», которая хранится ныне в Эрмитаже) и признание потомков.
На основе статьи А. Таргулова в книге «Сто памятных дат. Художественный календарь на 1988 год».
Франсуа Буше. Геркулес и Омфала. 1732-1734 гг. Франция. Зал 22.
Франсуа Буше. Геркулес и Омфала. 1732-1734 гг. ГМИИ им. А.С. Пушкина, г. Москва. commons.m.wikimedia.org
Франсуа Буше – художник эпохи рококо. И он полностью подчинялся этому стилю. Вычурность рисунка. Пастельные цвета. Пухлые ангелочки. Жеманство. Эротизм.
Картины в стиле рококо писались не для того, что заставить зрителя думать о высоком. Они писались лишь для услады глаз. Чтобы быть достойным украшением среди роскошного интерьера. С золотыми канделябрами и белоснежной лепниной.
Однако работа “Геркулес и Омфала” написана ещё молодым Буше. Мы видим страсть и телесное влечение героев. В более поздних работах таких ярких эмоций мы уже не увидим. Его персонажи все более будут походить на фарфоровые статуэтки. Ангелочков будет все больше. Позы станут ещё более жеманными.
Пушкинский музей даёт возможность увидеть такой “прогресс” художника. Достаточно взглянуть на его более позднюю работу “Юпитер и Каллисто”.
Франсуа Буше. Юпитер и Каллисто. 1744 г. ГМИИ им. А.С. Пушкина, г. Москва. Arts-museum.ru
Как и любой музей мирового уровня, обойти Пушкинский за один день невозможно. Тем более, что отдельного похода заслуживает уникальная коллекция импрессионистов и постимпрессионистов. О лучших их работах читайте в статье “Картины Пушкинского музея. 7 шедевров, которые стоит увидеть”.
Если же вы идёте в музей уже не в первый раз, вам может понравится статья “Галерея искусства Европы и Америки 19-20 вв. 7 картин, которые стоит увидеть”.
***
Если Вам близок мой стиль изложения и Вам интересно изучать живопись, я могу отправить Вам на почту бесплатный цикл уроков. Для этого заполните простую форму по этой ссылке.
Комментарии других читателей смотрите ниже. Они часто являются хорошим дополнением к статье. Ещё вы можете поделиться своим мнением о картине и художнике, а также задать вопрос автору.
Буше Франсуа (1703 — 1770)
Подлинный представитель французского рококо. Буше официально именовался «Первым художником короля», был директором Академии, обладал почетным правом занимать квартиру в Лувре. И пожалуй всей Франции было известно о благоволении к нему всесильной фаворитки короля Жанны-Антуанетты Пуассон, маркизы де Помпадур.
И он был истинным сыном своего века, все умевшим делать сам: панно для отелей, картины для богатых домов и дворцов, картоны для мануфактуры гобеленов, театральные декорации, книжные иллюстрации, рисунки вееров, обоев, каминных часов, карет, эскизы костюмов и т.д. Станковые картины у него похожи на панно, панно могут смотреться и как самостоятельные произведения. Однако наибольшей известностью пользуются его картины. Увлекшись в юности масляной живописью, художник уже никогда не изменял этой технике.
И все это — галантные празднества, пастушеские идиллии, мифологические, жанровые, религиозные темы, пейзаж — все разыграно, как современная ему пастораль, все выражает откровенно-чувственное наслаждение жизнью, во всем царствует бело-розовая героиня — богиня Флора, а по сути обряженная в пастушеский наряд аристократка, везде похожая на себя парижанка, и неважно, Венера она или пастушка. Везде художник изображал юную модель с лучистыми глазами, с как бы случайной, но обольстительной небрежностью закутанные в нежные ткани, окруженные цветами, порхающими эротами
Типичные сюжеты — «Триумф Венеры» или «Туалет Венеры», «Венера с Амуром» (с Вулканом, с Марсом), «Купанье Дианы» и т.п.
Уже будучи знаменитым художником, Буше становится объектом жесточайших нападок теоретика эстетических идей Просвещения Дидро, который видел в художнике порождение всего, с чем боролись просветители. Однако он не отказывал ему в профессионализме. И несмотря на эту критику произведения Буше пользовались огромной популярностью. Их покупали короли и императоры, герцоги и графы, богатые буржуа.
Буше был выходцем из небогатой семьи, успеха он достиг единственно своим трудом. Первоначальное обучение он получил в мастерской Франсуа Лемуана. Здесь развилось умение «мыслить красками», видеть замысел в больших цветовых отношениях. Позднее он обучался технике рисунка и технике офорта в мастерской Жана Франсуа Кара-отца. Благодаря ему Буше познакомился с творчеством Ватто, которого Кара-отец очень почитал; и сам Буше писал всегда в стиле рококо, как и Ватто. Всю жизнь он писал «взахлеб», оставил невероятно большое количество картин, гобеленов, рисунков, гравюр и других работ. И даже будучи уже процветающим, обласканным властью художником, он много и плодотворно работал. Увлекаясь творчеством старых мастеров, Буше много сил отдал коллекционированию. С особым увлечением к концу жизни он собирал рисунки и гравюры Рембрандта.
Буше пользовался большой популярностью в России. Его даже пригласили на место профессора русской Академии художеств в Санкт-Петербурге, и Буше принял приглашение, однако смерть художника не позволила осуществиться этим планам.
Чем больше всматриваешься сегодня в полотна Буше, в эту сияющую светом, трепещущую нежными цветовыми оттенками радостную живопись, осознаешь его поразительную даровитость, тем большн чувствуешь подлинно цельное, эстетически полнокровное искусство.
Сегодня картины Буше украшают залы виднейших музеев мира. Эти работы несут ощущение полноты жизни, чаруют радостным даром цветовой гармонии, свободным и ликующе-светлым мастерством. Недаром критиковавший его Дени Дидро, отдавая должное его таланту, не мог не сказать:»В нем столько воображения, эффекта, волшебства и легкости!».
Описание и особенности картины
На полотне «Юпитер и Каллисто» изображена довольно двусмысленная, фривольная сцена – две флиртующие молодые женщины. Сюжет картины Франсуа Буше опирается на миф о Зевсе, который обратился в богиню охоты Артемиду, чтобы подобраться к неприступной нимфе. Композиция произведения «Юпитер и Каллисто» обладает многими признаками, свойственными картинам первой половины и середины XVIII века, посвященным флирту и любовной идиллии. Это живописный фон из молодых деревьев, легкие пористые облака, резвящиеся купидоны, насыщенные краски, смягченные плавными, нежными переходами.
В центре композиции Франсуа Буше изобразил сидящих рядом двух красивых девушек – это обращенный Юпитер и Каллисто. Над ними, на дереве играют с цветами три младенца-купидона. На дальнем фоне в голубой дымке виднеется густой лес. Оригинальные размеры полотна «Юпитер и Каллисто» — 72×98 см.
Цветовая палитра
Рассматриваемая композиция Франсуа Буше выполнена в яркой, разнообразной цветовой палитре с не слишком резкими переходами. Для полотна «Юпитер и Каллисто» художник использовал следующие цвета:
- Нежно-голубой.
- Синий.
- Темно-зеленый.
- Травянисто-зеленый.
- Кремовый.
- Светло-бежевый.
- Красный.
- Золотистый.
Дополняют композицию «Юпитер и Каллисто» небольшие цветовые акценты – красные и синие покрывала, бледно-розовые и голубые цветы, золотистые колчаны со стрелами, которые Франсуа Буше поместил по обеим сторонам от героев.
Сюжет картины
Полотно раскрывает очередную любовную интригу верховного олимпийского божества – Зевса. Для своей работы Франсуа Буше взял римское имя этого мифологического персонажа. Согласно мифу, который иллюстрирует «Юпитер и Каллисто», царь богов обернулся Артемидой, или Дианой – богиней охоты. В этом облике он подбирается к нимфе, которая обязана хранить целомудрие.
В центре композиции Франсуа Буше изобразил «Артемиду», обнимающую молодую нимфу – именно эта богиня считалась одной из покровительниц целомудрия. При этом, нежность и даже игривость этих объятий производят неоднозначное впечатление. Увлеченность героев друг другом подчеркивают на картине «Юпитер и Каллисто» и резвящиеся над их головами озорные амуры. Сплетающие ленту из цветов.
Контекст
Это произведение Франсуа Буше посвящено теме легкого флирта, воспевает молодость, свежесть, красоту природы и женщины. Вся композиция «Юпитер и Каллисто» дышит естественной, природной гармонией, в ней царит атмосфера романтики и непринужденной, легкой игривости.
Девушки на картине «Юпитер и Каллисто» тоже расслаблены – об этом говорят их элегантные, но пассивные позы. Некоторую энергию в эту почти усыпляющую композицию вносят игривые купидоны: трое из них сидят на краю ветки и слетают вниз по цветам, а один – любуется героинями, стоя в нижнем правом углу.
Где находится картина сейчас
Полотно «Юпитер и Каллисто» было куплено в числе других творений Франсуа Буше русским коллекционером и меценатом князем Юсуповым во второй половине XIX в. Несколько десятилетий холст хранился в фамильной коллекции Юсуповых, но после Октябрьской Революции композиция «Юпитер и Каллисто» была национализирована вместе с другими произведениями искусства и отправлен в Государственный Музей им. А.С. Пушкина. Здесь она выставляется и сегодня.
Франция
Париж
Юпитер и Антиопа. Жан-Антуан Ватто (1684 Валансьен — 1721 Ножан-сюр-Марн) . Лувр. Париж, Франция.
Юпитер и Даная. Иоахим Эйтевал. Лувр. Париж, Франция.
Юпитер и Антиопа. Хендрик Гольциус (1558 Мюльбрахт — 1617 Харлем) . Лувр. Париж, Франция.
Юпитер и Даная. Джулио Романо (Джулио Пиппи) (1499 Рим — 1546 Мантуя) . Лувр. Париж, Франция.
Детство Зевса. Якоб Йорданс. 1640 г. Лувр. Париж, Франция.
Юпитер и Антиопа. Тициан Вечеллио. Лувр. Париж, Франция.
Низвержение Юпитером пороков. Веронезе. Лувр. Париж, Франция.
Юпитер и Эгина. Жан-Батист Грёз. Лувр. Париж, Франция.
Юпитер в образе Сатира и Антиопа. Винсент Селлар. Лувр. Париж, Франция.
Юпитер и Антиопа. Жан Огюст Доминик Энгр. Музей Орсе. Париж, Франция.
Рождение Минервы из головы Юпитера. Рене-Антуан Уасс. Версальский дворец. Париж, Франция.
Юпитер на колеснице между Правосудием и Благочестием.Ноэль Куапель. Версальский дворец. Париж, Франция.
Ирида и Юпитер. Мишель Корнель младший. Версальский дворец. Париж, Франция.
Младенец Юпитер среди корибантов. Ноэль Куапель. Версальский дворец. Париж, Франция.
Юпитер в образе Дианы и Каллисто. Ноэль Алле. Версальский дворец. Париж, Франция.
В Доме-музее Гюстава Моро есть полотно этого французского художника, посвященное Зевсу и Семеле, его возлюбленной и матери Диониса. Семела была дочерью Кадма, основателя Фив. Юпитер пообещал ей исполнить любое желание – и девушка по наущению Геры попросила показать бога истинный облик. Зевсу ничего не оставалось, кроме как явиться в блеске среди молний – но это погубило Семелу, ведь та была смертной. Её ребёнка, бога Диониса, Зевс выносил сам, зашив себе в бедро.
Однако на этой картине Юпитер изображён неожиданно спокойным и даже равнодушным к Семеле, лежащей у него на коленях. Девушка с ужасом смотрит на истинный облик громовержца. Лицо же того ничего не выражает, как у статуи. Вокруг – колонны пышного зала, множество других фигур. Например, есть смерть с белой лилией, а также персонажи из подземного царства внизу композиции. Картина изобилует деталями, тщательно прописанными художником, цветочными узорами. Моро писал её с 1889 г. до 1894-95 гг.
Юпитер и Семела. Гюстав Моро. 1889-1895 гг. Дом-музей Гюстава Моро. Париж, Франция.
Картина в Версальском дворце посвящена не столько самому Зевсу, сколько его культу. Полотно Ноэля Куапеля изображает жертвоприношение богу. Однако и сам Юпитер здесь изображен – в виде статуи. Громовержца сопровождает орёл, его священная птица.
Жертвоприношение Юпитеру. Ноэль Куапель. Версальский дворец. Париж, Франция.
Труа
Похищение Ганимеда Юпитером. Шарль-Жозеф Натуар. Музей изящных искусств. Труа, Франция.
Детство Юпитера. Любен Божен. Музей изобразительных искусств. Труа, Франция.
Экс-ан-Прованс
Музей Гране в городе Экс-ан-Прованс известен своей картиной «Юпитер и Фетида» Жана Огюста Доминика Энгра. Написанная в 1811 г., она тоже посвящена Троянской войне, точнее тому, что происходит вне поля боя. Персонажи картины – сам Зевс, а также нимфа Фетида, мать Ахиллеса. Фетида умоляет громовержца помочь её сыну Ахиллу, но весь вид бога и его поза показывают неумолимость и властность. На то, что судьба в лице Зевса всё же будет жестока к Ахиллу, намекает также и выжженный, коричневый пейзаж на заднем фоне.
Сама скульптура была утеряна ещё в древние времена, но остались её копии и изображения (например, на монетах). Например, такая скульптура-копия хранится в Эрмитаже. Эта работа неизвестного римского мастера I века н.э. Скульптура хранилась в коллекции маркиза Кампана, затем её выкупил император Александр II и уже тогда перевёз в Эрмитаж. С XIX века она находится там.
По сравнению со статуей Фидия изображение Юпитера показано зеркально, также изменено положение рук. В левой руке скульптура держит статую Нику. Здесь же в руке ничего нет, она лежит на облаке. Фигура Фетиды уменьшена по сравнению с громовержцем. Нимфа в мольбе тянет руку к Зевсу, восседающему на троне, её одежды, кажется, вот-вот соскользнут с тела.
Юпитер и Фетида. Жан Огюст Доминик Энгр. 1811 г. Музей Гране. Экс-ан-Прованс, Франция.
Юпитер и Каллисто
- Николас Питерс Берхем родился в Голландии в местечке Харлем в семье живописца Питера Класса.
- Прозван по месту своего рождения «ван Харлем», но получил благодаря своему таланту прозвище «Теокрита живописи».
- Рисовать начал в 14 лет, первым учителем был его отец.
Позже Николас обучался у Яна ван Гойена и именно тогда взял себе имя «Берхем» (до переезда в Харлем его отец жил в Берхеме). Далее, когда Николас переехал в Амстердам, его учителем стал Николас Муйарт, известный написанием библейских сюжетов и пейзажей с животными.
Берхем добивается известности изготовлением гравюр.
Особое вдохновение для творчества он получил, путешествуя по Италии. После поездки типичными для его картин стали виды Италии с библейским и мифологическими персонажами.Произведения этого жанра были очень модными в Голландии, да к тому же сказалось влияние его амстердамского учителя.
По возвращении из Италии Берхем в 1646 г. женился на Катарине Класде Грот. Что интересно, его жена слыла женщиной злой, своенравной, очень скупой и алчной. Она сумела полностью подчинить себе своего мужа. Круглосуточно она заставляла Берхема работать и занималась продажей его картин по своему усмотрению, некоторые картины даже продавала заранее.
В 1656 году Берхем приобрел дом с садом, стал деканом гильдии художников, через два года удостоился звания мастера. Уехав в Амстердам в 1660 году для работы по оформлению атласа по приглашению картографа Николаса Висшера, он стал инициатором традиции оставлять картину для украшения зала гильдии. Впоследствии все художники, покидающие Харлем, делали то же самое.
В Амстердаме Берхем прожил свыше десяти лет, вернувшись в Харлем только в 1670 г. Но через 7 лет художник вновь переезжает в Амстердам — теперь уже навсегда. Мастер продолжает писать пейзажи, портреты, изображает вымышленные лица и животных.
В Гааге, неофициальной столице Нидерландов, художник сотрудничал с Йорисом ван дер Хаагеном, рисовал фигуры на его пейзажах.
Берхем умер в 1683 г. и был похоронен в церкви Вестеркерк в Амстердаме.
Текстура холста, качественные краски и широкоформатная печать позволяют нашим репродукциям Николаса Питерс Берхема не уступать оригиналу. Холст будет натянут на специальный подрамник, после чего картина может быть оправлена в выбранный Вами багет.
Буше Франсуа — репродукции картин. Печать на холсте. Boucher Francois
ПЕЧАТЬ КАРТИН НА ХОЛСТАХсоздаем поэзию,которую видят
Дизайн-студияINcolor
Дизайн студия INcolor • ПЕЧАТЬ НА ХОЛСТЕ • ПЕЧАТЬ ФОТО НА ХОЛСТАХ •ЦИФРОВАЯ РЕТУШЬ • 2014 Все права защищены ПЕЧАТЬ КАРТИН, ФОТОГРАФИЙ, РЕПРОДУКЦИИ НА ХОЛСТЕ С ДОСТАВКОЙ ПО ВСЕЙ РОССИИ
Заполните форму заказа и получите макет вашей будущей картины
ПЕЧАТЬ КАРТИН НА ХОЛСТАХсоздаем поэзию,которую видят
Заполните форму заказа и получите макет вашей будущей картины
Буше Франсуа (Francois Boucher) (1703-1770), французский живописец, гравер, декоратор, “первый живописец короля”, один из самых ярких мастеров стиля рококо, законодатель всех видов искусства Франции начала 18 века. Первым наставником Буше был его отец Никола Буше, скромный учитель живописи и рисовальщик узоров для вышивки. Затем Буше некоторое время был учеником Франсуа Лемуана, после чего поступил в обучение к граверу Жану-Франсуа Карсу, у которого занимался составлением виньеток, гербов и эмблем для франкмасонских дипломов. Сороковые годы XVIII века — период расцвета во французском искусстве стиля рококо, отразившего аристократические идеалы дворянского общества. Самым знаменитым художником рококо был Франсуа Буше, который, помимо живописи, работал во всех видах декоративного и прикладного искусства: он создавал картоны для шпалер, рисунки для севрского фарфора, расписывал веера, исполнял миниатюры и декоративные росписи. Живопись Буше в полной мере отразила декоративные принципы искусства его времени. Буше в начале творческого пути испытал влияние Антуана Ватто (гравировал картины художника), в дальнейшем писал плафоны, панно, картины с мифологическими, пасторальными, жанровыми сценами, нарядно-кокетливые портреты, идиллические пейзажи, выдержанные в мягких серебристо-зеленых тонах. Одним из любимых жанров живописи рококо были пасторальные мотивы, сюжеты которых художники находили прежде всего в античной мифологии.Связывая композиции с решением интерьеров рококо, художник предпочитал светлый колорит, строившийся на розово-красных, белых и нежно-голубых тонах. Не лишенный наблюдательности, о чем говорят его рисунки и жанровые картины, Буше не стремился к правдивости образов, обычно в его трактовке чувственно-идеализированных и однообразных. Лирические черты дарования Буше проявились в его декоративных пейзажах с мотивом сельской природы, с интимными уголками у полуразрушенных мельниц и хижин. Грациозные, изящные фигурки его античных героинь похожи на фарфоровые статуэтки. Буше любил светлую живопись и отдавал предпочтение нарядным голубым, розовым и зеленым тонам. В некоторых картинах Буше 1720-1730-х годов, теплых и насыщенных по колориту , заметны отзвуки фламандского искусства. В более поздних работах с обилием оттенков розового и голубого, извилистых сплетающихся линий и сложных ракурсов усиливаются свойственные рококо декоративность, чувственность, несколько жеманная грация, впечатление “фарфоровости” фигур.Во второй половине 50-х годов 18 столетия творчество Буше стало чересчур отвлеченным и холодным, живопись жесткой, в композициях проявился ложный пафос. Творческий кризис Буше отражает деградацию стиля рококо, вызванную общим упадком аристократической культуры. Буше скончался 30 мая 1770 года. Самый талантливый ученик Буше художник Жан Оноре Фрагонар унаследовал от мастера рококо изящество в трактовке фигур и сюжета картины, смелость колорита и свободу композиции. Выдающийся декоративный и живописный дар Буше ценили современники. Однако, слава Буше вскоре после его смерти совершенно упала под влиянием реакции классицизма. Франсуа Буше стали обвинять в развращении юношества, и лучшие из картин художника не находили покупателей. В настоящее время эти несправедливые обвинения потеряли свое значение, современная критика отводит Франсуа Буше почетное место среди художников французской школы живописи 18 столетия.
РЕСТАВРАЦИЯ
- РУБЕНС.
- ОТЦЕЛЮБИЕ РИМЛЯНКИ
- Roman Charity
- 5. ГЭ 470
Холст, масло, переведена с дерева А.Митрохиным в 1846 г. 140,5х180,3. Следы горизонтальных склеек и трещин.
Живопись на рентгенограмме из-за густого слоя нового грунта почти не просматривается.
Сюжет заимствован из книги римского писателя I в. Валерия Максима «Замечательные дела и речи», кн.5, гл.IV – «О любви к родителям, к братьям и к родине».
Рассказ Валерия Максима о молодой женщине Перо, которая спасла своего отца Кимона, приговоренного к голодной смерти, кормя его грудью, восходит к более древним, эллинистическим источникам. Рисский автор описывает виденную им картину на эту тему.
Нам известны соответствующие помпеянские фрески, приблизительно современные Валерию Максиму; в надписи на одной из них дана правильная греческая форма имени отца – Микон.
ОТЦЕЛЮБИЕ РИМЛЯНКИ. Помпеянская фреска. ROMAN CHARITY. Pompeian fresco.
При поступлении картина числилась работой Рубенса. В описи 1773-1783 гг., у Шницлера в 1828 г. и у лабенского в 1838 г. она расценена как один из шедевров художника. Однако в 1842 г. Смит, а затем при поседении Эрмитажа в 1861 г.
Ваген определили ее как копию, и она надолго была убрана в запасы. В 1902 г. Сомов, приняв указание Боде в письме от 16 июня 1893 г., снова включил картину в экспозицию как работу Рубенса. Розес, в 1890 г. считавший картину копией, в 1905 г.
также признал ее подлинность.
Эрмитажная композиция – самое раннее обращение мастера к данной теме, один из наиболее совершенных образцов так называемого классицистического периода в творчестве Рубенса.
Композиция картины Рубенса «Юпитер и Каллисто» (Кассель, Картинная галерея), подписанной и датированной 1613 г., представляет собой полную аналогию «Отцелюбию римлянки» в Эрмитаже; только в кассельской картине взаимодействие фигур несколько усложнено и группа включена в пейзаж.
РУБЕНС. Юпитер и Каллисто. Кассель, Картинная галерея.
История картины: в посмертной описи имущества Рубенса под № 141 значится картина «История дочери, дающей грудь своему отцу в темнице». Кем она была приобретена – неизвестно.
В конце XVII в., согласно надписи на гравюре К.ван Каукеркена, картина, послужившая ей оригиналом, находилась во владении епископа города Брюгге Карла Ван ден Босха.
В Амстердаме на аукционе собр.принцев Оранских в замке Лоо была продана в 1713 г. неизвестно кому картина Рубенса на эту тему; описание ее отсутствует, неизвестно также и время ее поступления в коллекцию.
Следует ли считать, что эти упоминания относятся к эрмитажной картине или какому-нибудь варианту ее – не ясно.
Приобретена в 1768 г. на собр.Кобенцля в Брюсселе.
Более полные сведения о картине, исследованиях, повторениях, гравюрах, вариантах, а также старые эрмитажные номера и литературу см. в книге: М. Варшавская. КАРТИНЫ РУБЕНСА В ЭРМИТАЖЕ. Издательство «Аврора». Ленинград. 1975.
Жерар Франсуа Картины биография Gerard Francois
Жерар Франсуа (Gerard Francois) (1770—1837), французский историк, живописец и литограф. Изучал скульптуру под руководством Пажу, но
показал способность не столько к этому искусству, сколько к живописи, перешел в ученики к Жаку Луи Давиду и получил еще во времена Первой
Империи блестящую репутацию, которая, однако, значительно померкла еще при его жизни
Первые картины Жерара, обратившие на него
внимание любителей искусства и публики, были «Велизарий» (1795) и «Первый поцелуй Амура и
Психеи» (1798, в Луврском музее, в Париже)
С 1814 Жерар – «первый живописец короля».
В картинах на исторические и мифологические сюжеты («Психея и Амур»,
1798, Лувр, Париж; «Вход Генриха IV в Париж», 1817, Национальный музей Версаля и
Трианонов) Жерар пытался применить живописный язык классицизма для раскрытия
романтических по духу тем.
Жерар Франсуа известен также как автор парадных портретов, в
которых идеализация образов сочеталась с интимностью обстановки, часто – с
пейзажными фонами («Мадам Рекамье», 1802, Пти-Пале, Париж; портрет княгини
Кочубей, около 1809, Государственный музей изобразительных искусств, Москва),
монументально-декоративных росписей (в парижском Пантеоне, 1810-е годы),
иллюстраций к произведениям Вергилия, Расина и других литераторов.
Несмотря на успех
этих произведений, Жерар Франсуа только с 1800 года стал действительно популярным, после того как Наполеон I поручил ему написать свой портрет
и заказал в 1806 году изобразить «Битву при Аустерлице» (находится в Версальской исторической галерее). Вскоре после этой картины
явилась другая, «Три возраста», столь же мало выражающая талант художника, как и его «Дафнис и Хлоя» (1824, Лувр). Настоящим
призванием Жерара был портрет, в широком, если возможно так выразиться, историческом значении слова. В портретном жанре Жерар Франсуа отличался
необыкновенной способностью передавать не только индивидуальные черты изображаемых личностей и наиболее свойственное им выражение,
но и отпечаток духа эпохи, их ролью в жизни современного общества.
Особенно хороши в этом отношении его женские портреты, между которыми самым замечательным надо признать портрет мадам Рекамье (1802),
принадлежащий к лучшим его работам и по исполнению. Из прочих произведений Жерара заслуживают быть упомянутыми: портреты императрицы
Жозефины, Людовика XVIII в его рабочем кабинете (в Версальском историческом музее), живописца Изабе (в Лувре) и скульптора Кановы
(там же) и картины: «Въезд Генриха IV в Париж в 1594» (в Лувре), «Коронация короля Карла X» (в Версальском историческом музее)
и «Корина на Мисенском мысу».