задний план
Осенью 1889 года Эдвард Мунк отправился в Париж, чтобы изучать местное искусство. Позже он переехал в Сен-Клу на Сене , всего в нескольких километрах от Парижа. Всемирная выставка дала ему возможность получить обзор современного искусства. В Париже Мунк познакомился с работами Гогена , Ван Гога , Тулуз-Лотрека , Кайботта , Каррьера , Энсорса , Уистлера и неоимпрессионистов . Первоначально его работы этого периода отражали его исследование импрессионизма , например, различные версии Die Seine около Сен-Клу или Весна на воротах Карла Юхана с 1890 года. Он создал во время своего пребывания во Франции, которое длилось до 1892 года с перерывами, но также его первые символистско-выразительные картины, которые стали определяющими для его творчества. Ночь в Сен-Клу — первый ключевой образ этого нового стиля, имеющий особое значение.
Первые несколько месяцев во Франции не были счастливым временем для Мунка наедине. Мунк чувствовал себя одиноким во французском мегаполисе. В начале декабря 1889 года он узнал о смерти своего отца, который внезапно скончался от сердечного приступа. В те дни его ближайшим другом стал датский поэт Эмануэль Гольдштейн. Он приблизил Мунк к идеям символизма и стал для норвежского художника таким альтернативным эго, что Мунк использовал его в качестве модели для ночи в Сен-Клу , картине, на которой он изобразил свою комнату и передал его настроение в то время. . В своих дневниковых записях он отмечал: «Как ярко было на улице. Казалось бы, был дневной свет. Это луна светит над Сеной. Он просвечивает через окно в мою комнату и отбрасывает на пол голубоватый прямоугольник. Пока я лежал и смотрел в окно, другие образы пролетали перед моими глазами , смутно и нечетко, как проекции волшебного фонаря «.
Помимо картин, зимой 1889/90 года были созданы важные автобиографические и теоретические сочинения Мунка, такие как его так называемый Манифест Святого Облака , в котором он окончательно отверг импрессионизм и натурализм и обратился к мистицизму и символизму с почти религиозным рвением. : «Люди должны были бы увидеть здесь святых, сильных и снять шляпы, как в церкви. — Я хочу создать целую серию таких образов. Больше не следует красить интерьеры, не следует людей, которые читают, и женщин, которые вяжут. Это должны быть живые люди, которые дышат и чувствуют, страдают и любят ». В смысле этого теоретического манифеста Рейнхольд Хеллер видит картину« Ночь в Сен-Клу » как манифест отстранения от чисто внешнего изображения реальности и реальности. Обратимся к искусству, которое предпочитало символы, чтобы выразить субъективное настроение художника. Это символизирует девиз Мунка: «Я рисую не то, что вижу, а то, что видел».
Клод Моне
«Я ничего в жизни не делал, не считая того, что смотрел на то, что мир показывал мне для того, чтобы запечатлеть его посредством моей кисти» – Клод Моне.
Французский художник, пейзажист и один из основателей импрессионизма. Использовал технику рельефного мазка – яркие, чистые и смелые движения кистью.
Самые известные картины: «Кувшинки», «Впечатление. Восход солнца», «Сад в Живерни», «Стога», «Руанский собор», «Бульвар Капуцинок», «Вокзал Сен-Лазар», «Завтрак на траве», «Женщины в саду», «Мост Ватерлоо в пасмурную погоду».
Его первые картины поражали своей грамотной колористикой, компоновкой и использованием иллюзионистических эффектов. Позднее он начал двигаться в сторону импрессионизма. Первое время все его произведения отвергались и Моне находился в критическом финансовом положении, что чуть было не толкнуло его к самоубийству. К счастью, он получил неожиданную помощь и все-таки смог продолжить свою работу, а вскоре создал свой шедевр – пейзаж «Бульвар Капуцинок в Париже». А произведение «Впечатление. Восходящее солнце» дало название движению импрессионизма. Художник много путешествовал и постоянно рисовал поверхность воды. Последние годы своей жизни он провел в селении Живерни, где жил в доме с великолепным садом, и это место для него стало неиссякаемым источником вдохновения.
Где почитать о художнике: М. де Декер «Клод Моне», К. Бьерк и Л. Андерсон «Линнея в саду художника», К. Хейнрих «Моне».
Рембрандт ван Рейн
«Красота не существует сама по себе. Красота – это иллюзия. Вы делаете вещи красивыми только собственным умением видеть их и вашей способностью воплотить виденное на полотне» – Рембрандт ван Рейн.
Голландский художник, гравер
Великий мастер светотени, он умел фокусировать внимание именно на тех местах, которые хотел выделить
Самые известные картины: «Ночной дозор», «Урок анатомии доктора Тюльпа», «Возвращение блудного сына», «Сиднидки», «Заговор Юлия Цивилиса», «Даная», «Святое семейство», «Саския в образе Флоры».
Рембрандт поражал своими творческими способностями с раннего детства, особое внимание он уделял религиозной живописи и написанию портрета. Известность Рембрандт приобрел, написав работу «Урок анатомии доктора Тюльпа», которая поражает своей психологической достоверностью, новаторством и яркостью исполнения
После смерти жены он создал свою самую знаменитую работу «Ночной дозор» – огромную картину со сложными внутренними контрастами, символами и намеками. Вслед за этой картиной он создавал один шедевр за другим. Еще одной известной его работой считается картина «Возвращение блудного сына» – самое проникновенное произведение художника, в котором прослеживается идея всепрощающей любви к человеку, которой Рембрандт служил всю свою жизнь.
Где почитать о художнике: Б. Паскаль «Биография искусства. Свет и тень Рембрандта», Г. Шмитт «Рембрандт», Г. Кнакфус «Рембрандт. Очерк его жизни и произведений».
интерпретация
Для Dieter Buchhart , Nacht в Сен-Кле выражает меланхолию «между депрессией, печалью и депрессивным настроением», который отражает собственный эмоциональный мир Мунки после смерти своего отца. Пустота комнаты, темнота, растворение мужской фигуры в темноте ночи, форма креста, брошенная в комнату лунным светом — все это символы «смерти, печали и одиночества». Интерьер служит зеркалом человеческой души, которая отделена от внешнего мира окном. Такое разделение между внутренним и внешним миром, символизируемым окном, неоднократно встречается в работах Мунка, например, в «Поцелуй» или «Больной ребенок» . Ульрих Бишофф описывает интерьер как «тюрьму», «стеклянную клетку», в которой люди сидят, как в аквариуме. Картина показывает зрителю, как «происходит существование человека в его заточении». Для Тона Скедсмо и Арне Эггума меланхолия и созерцание картины возникает из-за контраста между внутренней реальностью и внешним миром. Человек у окна кажется вне времени и пространства, но в то же время он находится под впечатлением образов своих воспоминаний, которые влияют на его окружение. Впервые в творчестве Мунка смерть изображается как духовно пустое пространство.
Ночь в Сен-Клу (деталь)
Ханс Дитер Хубер описывает « Ночь в Сен-Клу» как «переход к синтетическому символизму » в творчестве Мунка. Природа больше не воспроизводится как есть, а является отражением внутреннего настроения. Искусство должно вызывать у зрителя те же эмоции, что и у художника. Изображенный человек почти сливается с темнотой комнаты: «Он один с комнатой и один со своим одиночеством». Занавес словно закрывает сцену и распространяет «молчание об одиночестве меланхолика». Для Альфа Бё фигура становится прямым воплощением накаленной меланхолии картины. По словам Райнхольда Хеллера, изображение фигуры, погруженной в созерцание в голубоватой атмосфере смерти, является одновременно и символическим изображением смерти отца Мунка, и символическим изображением его собственной меланхолии зимой 1890 года. Живопись подвержена влиянию физиолога Чарльза Генри , который в своем цветовом круге приписал доминирующим синим и пурпурно-зеленым цветам депрессивный и меланхолический эффект. Бишофф видит стилистическое сходство между картиной и « Ноктюрнами » Джеймса Макнила Уистлера , в которых мотив растворяется в тумане. Родольф Rapetti указывает, однако, что Мунк вряд ли мог увидеть Уистлера ноктюрны заранее и указывает на композиционное влияние на Эдгара Дега интерьеров .
Становление гения
Эдвард Мунк появился на свет 159 лет назад, 12 декабря 1863 года в небольшом норвежском городе Лётен. Его отец был военным медиком, а потому семья много переезжала, и большую часть детства мальчик провёл в Христиании (современное название — Осло). У маленького Эдварда рано появились две сестры и брат, родители любили детей и друг друга, и, казалось бы, вот она — благополучная, хотя и небогатая скандинавская семья.
Однако судьба недолго баловала будущего художника, и первая из многочисленных трагедий обрушилась на него ровно в тот момент, когда он способен был её осознать — в пятилетнем возрасте: от чахотки умерла мать художника. Эдвард остался на попечении тёти и отца, который остался важнейшей фигурой в его жизни: даже когда Мунк умирал, портрет отца висел у него над кроватью. «Мой отец был очень вспыльчивым и одержимым религией — от него я унаследовал ростки сумасшествия», — вспоминал художник. Позже живописец изобразил отца в работе «Старик молится». Эдвард Мунк не пошёл по пути творческой интеллигенции конца XIX века, отвергающей традиционные ценности и жизненные уклады. Он на всю жизнь остался болезненно привязан к семье, чему во многом поспособствовала ранняя смерть матери.
«Старик молится»
В роду Эдварда было много людей творческих профессий, да и воспитывавшая его тётя подрабатывала живописью, поэтому родные не удивились и не расстроились, когда в 7 лет ребёнок проявил свои художественные способности: нарисовал углём процессию слепых, увиденную в городе.
Поздним ноябрьским вечером 1877 отец будит Эдварда и его брата. Больная сестра Софи просит перенести её с кровати в кресло, где тихо отходит в мир иной, поражённая скоротечной чахоткой. Так в 13 лет Эдвард переживает очередную трагедию. Свои чувства он позже изобразит на картине «Комната умирающего». Вскоре художника постигает ещё одно несчастье: у его второй сестры, Лауры, диагностируют шизофрению. С тех пор творчество Мунка становится своего рода дневником, в котором он отражает полные трагизма события своей жизни. Он часто возвращается к ранним работам, дописывает или переписывает их, как бы заново переживая тяжёлые моменты своей биографии. Вероятно, именно после смерти сестры Мунк принял решение на всю жизнь связать себя с искусством. С 14 лет он постоянно посещает Общество поклонников искусства и Национальную галерею.
«Комната умирающего»
Эдвард поступает в Техническую школу, где наибольшее внимание уделяет занятиям в рисовальном классе, однако слабое здоровье так и не позволяет ему получить техническое образование, и дома он занимается тем, что пишет картины маслом. «Отныне моё предназначение ясно: стать художником», — решил Мунк
В 17 он записался в Королевскую школу рисования в Христиании, познакомился с молодыми художниками и начал участвовать в выставках. Художник много писал, учил французский и мечтал о Париже. Судьба, наконец, улыбнулась ему: Эдвард получил стипендию для посещения французской столицы. Одна из его известных работ того времени — «Больной ребёнок» вдохновлена также переживаниями смерти сестры. Картина была раскритикована современниками за свою «незаконченность», хотя сегодня считается одной из самых важных в творчестве Мунка.
«Больной ребёнок»
Винсент ван Гог
«Что такое рисование? Это умение пробиться сквозь железную стену, которая стоит между тем, что ты чувствуешь, и тем, что ты умеешь» – Винсент ван Гог.
Нидерландский художник-постимпрессионист. Главным в живописи для него был цвет – он смешивал основные цвета с дополнительными, что позволяло ему получать поразительный эффект. Ранние работы насыщены яркими и позитивными цветами, а более поздние – трагическими цветовыми диссонансам, с помощью которых он выражал весь тот негатив, который охватил его разум и сердце.
Самые известные картины: «Звездная ночь», «Автопортрет», «Едоки картофеля», «Звездная ночь над Роной», «Ирисы», «Автопортрет с перевязанным ухом», «На пороге вечности», «Подсолнухи», «Ветки цветущего миндаля».
Безответная любовь и смерть близких ввели художника в состояние глубокой депрессии, из которого его могло вывести только искусство. Он имел средства на холсты, краски и натурщиц благодаря помощи своего брата, а во всем остальном он себя сильно ограничивал ради возможности творить. Яркое и радостное изначально искусство художника со временем превратилось в нечто темное, угнетающее и поистине трагическое.
Душевное состояние художника ухудшалось с каждым годом, однако он писал картины даже между обострениями своей болезни в лечебнице для душевнобольных, где создал несколько своих главных шедевров. Конец своей жизни ван Гог провел в небольшой деревне под Парижем, вид которой стал для него настоящим источником вдохновения: он работал с утра до ночи, исполнив за последние два месяца жизни 70 картин и 32 рисунка. Однако, несмотря на такой творческий подъем, вскоре он, окончательно отчаявшись, убил себя выстрелом из пистолета.
Где почитать о художнике: И. Стоун «Жажда жизни», Р. Уоллэйс «Мир ван Гога», А. Перрюшо «Жизнь ван Гога», В. ван Гог «Письма к брату Тео».
Интересные факты о художнике
Эдвард Мунк не любил писать пальцы, женскую грудь, уши и ногти. Ему не нравились цветы из-за процесса их увядания, в поступках друзей пытался разглядеть происки врагов. Подозрительный, нервный, но при этом обладающий не только талантом художника, но и был великолепным рассказчиком. Поэтому его всегда с радостью принимали в богемном обществе.
Несмотря на свою привлекательную скандинавскую внешность, художник всегда добавлял на автопортретах возраст. Это лишние морщины, жесткий взгляд, никогда не улыбался. Женщины были очарованы его импозантностью, которая сочеталась со скромностью. И все это создавало образ загадочного красивого мужчины. Сам же живописец не искал женского общества. А иногда и вовсе сбегал от них в прямом смысле этого слова.
Но это не повлияло на его успех: свои первые он картины смог продать в 18 лет. А в 26 стал первым норвежским живописцем, у которого была организована персональная выставка в Осло. Позже он научился относиться к критике с юмором и иронией.
Кроме моря, Эдвард восхищался луной и в своих работах часто изображал ночное время суток.
Несмотря на успех и признание общественности, Эдвард Мунк не чувствовал себя счастливым. Тяжелое детство, нападки критиков, неудачные романы — все это наложило отпечаток на душевное состояние художника. Но лечение в психиатрической клинике пошло ему на пользу: его работы стали более сдержанными, а сам художник стал ощущать внутреннее спокойствие.
Эдвард Мунк стал одним из выдающихся художником своего времени. Несмотря на запреты на живопись в юности, жесткую критику, противоречивый и сложный характер, его работы теперь известны во всем мире. Он смог создать стиль, абсолютно противоположный радостному южному солнечному импрессионизму. Такое было под силу только норвежскому художнику с тонким восприятием мира, многогранным внутренним миром каким был Эдвард Мунк.
Описание изображения
Мужчина в цилиндре ночью сидит в своей комнате у окна и смотрит на реку. Контрастная вертикальная и горизонтальная оси картины структурируют пространство. Они придают комнате вид пространства, чему также способствуют выдвинутая к краю фигура и штора, используемая как репуссуар на левом краю картины. Контур таблицы можно увидеть справа. В комнате преобладают темно-синие и фиолетовые тона. Отдельные пятна желтого, оранжевого и красноватого цвета — за исключением тлеющей сигареты — можно увидеть только снаружи. Полная луна освещает диван и пол бледным голубым светом. Он отбрасывает тень двойного поперечного окна в пустую комнату. Подвесной зонтик-светильник выключен.
Пабло Руис Пикассо
«Некоторые художники изображают солнце желтым пятном, другие же превращают желтое пятно в солнце» – Пабло Пикассо.
Испанский и французский художник, скульптор, один из создателей кубизма. Его стиль написания картин менялся на протяжении всей его жизни.
Самые известные картины: «Девочка на шаре», «Арлекин и его подружка», «Автопортрет», «Авиньонские девицы», «Герника», «Абсент и карты», «Плачущая женщина».
Пикассо всегда проявлял неподдельную любовь и рвение к своей работе и эволюционировал как художник на протяжении всей жизни. Изначально он писал картины в практически одноцветной гамме голубых, синих и зеленых тонов. Они были насквозь пропитаны чувством тоски и образами меланхолии и нищеты. Позднее в его работах развилась гуманистическая тема, картины стали более оптимистичными, а тона более прозрачными.
Чуть позже Пикассо отошел от традиционного способа изображения фигур и пространства и разработал новый стиль – кубизм, в рамках которого он создавал массивные и грубые геометрические фигуры, раскладывая их определенным образом на плоскости и выделяя цветовые и фактурные элементы.
Брак и рождение сына возвратили Пикассо к миру ясных, четких и понятных форм, однако его позднее творчество стало еще более странным: он рисовал людей, напоминающих монстров, а сами образы картин представляли собой синтез презрения, сострадания и предупреждения. Вторая мировая война не могла не отразиться на творчестве художника, и он начал считать, что живопись – это не украшение жилища, а инструмент войны.
В завершение своей жизни Пикассо стремился к единству стиля, его искусство обрело более устойчивые формы
Он уделял особое внимание пейзажам, делая упор на растительность, передавая ее широкими и гибкими мазками
Где почитать о художнике: Д. Брассай «Разговоры с Пикассо», М. Бернада «Пикассо», Н. Мейлер «Пикассо. Портрет художника в юности».
Зрелые годы
Во время второй поездки в Париж Эдвард получил известие о скоропостижной кончине отца. Это — уже третья смерть близкого человека за его короткую жизнь. Художник впал в тяжёлую депрессию и замкнулся в себе. Смех друзей стал раздражать Мунка, и он перестал видеться с ними; общение художника ограничивалось горничными, официантами и проститутками, а каждый день превратился в день сурка: короткая прогулка, ресторан, сигареты и бесконечное одиночество в своей комнате перед лучшим другом — пламенем камина, в зеркале над которым — отражение собственного призрака. Мунк живёт с мёртвыми: дедушка, мать, отец, сестра… Не лучше ли убить себя, задавался он вопросом? Зачем жить, когда всё закончено?
С затяжной депрессией Мунку помогла справиться в том числе целительная сила творчества. Он окончательно решает посвятить свою живопись страданиям других людей: «Не следует больше писать интерьеры, читающих мужчин и вяжущих женщин. Им на смену придут реальные люди, которые дышат и чувствуют, любят и страдают…» «Моё искусство — самоисповедание. Через него я пытаюсь прояснить мои отношения с миром. Это можно назвать эгоизмом, однако я всегда думал и чувствовал, что моё искусство могло бы помочь другим прояснить их собственные поиски истины», — пишет художник. Этому принципу он будет следовать всю свою жизнь. Впечатления того времени отражены в картине «Ночь в Сен-Клу», где в лунном свете видится загадочная фигура-призрак — сам художник или его отец.
«Ночь в Сен-Клу»
К 1902 году Мунк окончательно обретает собственный уникальный авторский стиль на стыке импрессионизма и экспрессионизма. К тому времени художник закончил цикл картин под названием «Фриз жизни», тема которого — любовь и смерть. К этому циклу относится и картина Мунка «Крик», один из вариантов которой стал в 2012 году самой дорогой из проданных картин и ушёл с молотка на аукционе Sotheby’s за 120 миллионов долларов.
«Крик»
Творчество долгое время удерживало Мунка от прогрессирующей душевной болезни, однако неудачный роман с Туллой Ларсен, пытавшейся из-за Эдварда покончить с собой, окончательно подорвал его психику. В результате одной из ссор при загадочных обстоятельствах Тулла прострелила револьвером его ладонь. Впрочем, не исключено, что выстрел сделал и сам художник.
«Ревность»
В 1908 году Мунк пережил несколько нервных срывов, после чего лёг на полгода в психиатрическую клинику в Копенгагене. После он приобрёл неподалёку от столицы небольшую усадьбу в сельской местности, где и провёл дальнейшую жизнь. Поздние его картины написаны яркими резкими мазками и изображают, как правило, простые темы природы и сельской жизни. Они — пример самотерапии художника, стремящегося успокоить свой тревожный разум. Тем не менее, несмотря на мирные «толстовские» сюжеты, картины нельзя назвать образцами пресного умиротворения. В самой манере их исполнения повсюду — сдержанное буйство цветов и линий, стремящихся разлететься в разные стороны и только силой воли художника формирующих пасторальный сюжет на холсте. От картин веет тем же напряжением, что и от полотен Ван Гога, который также искал исцеления своих душевных недугов в изображении сельской идиллии.
«Сенокос»
В The Order мы много пишем о том, как трансформировать свой тяжёлый опыт в историю. Мунк неоднократно подчёркивал, что его картины сочетаются друг с другом «как страницы дневника». Его произведения — осколки великой исповеди, цель которой — заглянув внутрь себя, из временного и преходящего построить образ вечной истины. Череда смертей и душевных болезней позволила Мунку накопить тяжёлый уникальный опыт, а талант и беспрестанные занятия живописью помогли справиться с его осмыслением и сохранить в самобытной форме для потомков. Сегодня образы, созданные Мунком, в частности его «Крик», стали частью массовой культуры и вдохновляют и пугают людей во всём мире.
Интерпретация
По словам искусствоведа Дитера Бухарта, Nuit à Saint-Cloud выражает меланхолию «между унынием, грустью и подавленным настроением» , что отражает чувства Мунка после смерти своего отца, которые он узнал вскоре после своего прибытия в Париж в 1889 году. Пустота комнаты, темнота, силуэт человека в тени, отражение двойного креста в окне — все это символы «смерти, печали и одиночества» . Внутреннее пространство служит зеркалом человеческой души, отделенным от внешнего окна окном. Мы находим это разделение в других картинах Мунка, таких как «Поцелуй» или «Больной ребенок» .
На выбор цветов повлиял физиолог Чарльз Генри , который в своем хроматическом круге приписывает доминирующим цветам синий и зелено-фиолетовый депрессивное и меланхолическое действие. Бишофф видит стилистическую близость к Ноктюрнам» Джеймса Макнила Уистлера , в которых мотив картины сливается с небом. Однако Родольф Рапетти считает, что Мунк не смог увидеть Ноктюрны Уистлера, и вместо этого ссылается на влияние внутренних картин Эдгара Дега .
Сальвадор Дали
«Как вы хотите понять мои картины, когда я сам, который их создал, их тоже не понимаю. Факт, что я в тот момент, когда пишу, не понимаю моих картин, не означает, что эти картины не имеют никакого смысла, напротив, их смысл настолько глубок, сложен, связан, непроизволен, что ускользает от простого логического анализа» – Сальвадор Дали.
Испанский живописец, один из самых ярких представителей сюрреализма. Использовал эффект оптической иллюзии. Разработал «параноидно-критический метод» иррационального познания, основанный на критической интерпретации цепочек безумных видений.
Самые известные картины: «Слоны», «Предчувствие Гражданской войны», «Метаморфозы Нарцисса», «Галатея со сферами», «Великий мастурбатор», «Искушение святого Антония», «Сон, вызванный полетом пчелы вокруг граната, за секунду до пробуждения», «Постоянство памяти».
Изначально Дали вдохновлялся Гауди и Босхом, а позднее присоединился к направлению сюрреализма. Художник считал, что с помощью параноидно-критического метода, разработанного им самим, он может познать абсолютную истину и получить власть над реальностью. Его работы представляют собой нечто на грани реальности и сна, правды и вымысла. Кто-то считает его сумасшедшим, кто-то гением, но никто не отрицает уникальности и неповторимости его произведений. В последних работах Сальвадора Дали отчетливо прослеживается увлечение мифологическими и библейскими сюжетами.
Где почитать о художнике: С. Дали «Дневник одного гения», «Тайная жизнь Сальвадора Дали», «Сокрытые лица», А. М. Петряков «Сальвадор Дали. Божественный и многоликий».
Теперь вы знаете, кто они – 10 самых известных художников, и с легкостью можете поддержать любую беседу об изобразительном искусстве.
Материал для статьи взят из книги Д. К. Самина «100 великих художников», где вы также можете прочитать биографии других, пусть не столь знаменитых, но от этого ничуть не менее великих художников.
А если вы хотите узнать все, но у вас нет времени на чтение, советуем вам пройти нашу программу «Быстрое чтение», которая поможет вам не только ускорить процесс чтения, но и повысить само качество работы с информацией.
Желаем вам удачи и творческих успехов!
«Больная девочка» (1886)
Э. Мунк «Больная девочка». Холст, масло. 119,5х118,5 см. Национальная галерея (Осло)В основе картины – воспоминания художника о болезни и смерти его старшей сестры Софи Мунк, которой было всего 15 лет. Девушка сидит в постели, опираясь на подушку. Её бледное лицо как будто излучает свет, оно выделяется ярким пятном в полумраке комнаты. Для этой картины позировала 11-летняя девочка Бетси Нильсен.Рядом с умирающей девушкой сидит, опустив в отчаянии голову, женщина – это тётка Софи и Эдварда Карен Бьёльстад. После смерти матери Софи и Эдварда (Лауры) она взяла на себя заботы по ведению хозяйства в доме Мунков.Картина впервые была выставлена на Осенней художественной выставке 1886 г. и была принята критикой отрицательно. Работу объявили незаконченным этюдом, считали её бесформенной, небрежной, несовершенной и не достойной выставки. Хотя были и более доброжелательные отзывы: в картине отметили её своеобразие и трогательность
После прихода в Германии к власти нацистской партии вариант картины из Дрезденской галереи был пущен с молотка как образец «дегенеративного искусства».Но сам Мунк считал эту работу очень важной для себя и впоследствии называл её «своим прорывом». Он создаёт несколько вариантов этой картины.В 1889 г
он создаёт ещё одну картину-воспоминание о болезни сестры – «Весна», в которой нет ощущения трагизма, и название картины также оптимистично
он создаёт ещё одну картину-воспоминание о болезни сестры – «Весна», в которой нет ощущения трагизма, и название картины также оптимистично.
Э. Мунк «Весна»В центре полотна в кресле с высокой спинкой изображена больная девочка с усталым бледным лицом и худыми руками, которые безвольно покоятся у неё на коленях. Рядом с ней – мать или сиделка. Распахнутое окно уставлено цветами, в него врывается свежий ветер. Луч весеннего солнца освещает лица сидящих в комнате, но он притягивает взор только живущего – женщины; умирающая же девушка, наоборот, отворачивается от него, т.к. этот луч слишком «громко» говорит о том, что жизнь её приближается к завершению.Картина являет собой контраст трагедии и оптимизма, и всё это – жизнь в её противоречии и одновременно в гармонии: угасание и возрождение слиты воедино.Уже в раннем творчестве Мунка появляется тема человека и природы . В сущности, почти все его картины 80-х гг. носят пейзажный характер. Причём некоторые пейзажные полотна явно написаны под влиянием творчества импрессионистов. Например, картина «Вид на реку в Сен-Клу» (1890).
Э. Мунк «Вид на реку в Сен-Клу»Но в пейзажных картинах видно стремление художника к обобщению, т.к. чаще всего на этих полотнах присутствует человек. Природа для Мунка интересна не сама по себе, а как особый мир, живущий по своим законам, но в котором протекает жизнь человека.Но есть у художника и чисто пейзажные полотна, и чаще всего на них изображена суровая природа Скандинавии.
Э. Мунк «Прибрежный зимний пейзаж» (1915)
Э. Мунк «Весенний пейзаж с красным домом (Экелю)» (1935-1940)
Леонардо да Винчи
«Живописец, бессмысленно срисовывающий, руководствуясь практикой и суждением глаза, подобен зеркалу, которое отражает все противопоставленные ему предметы, не обладая знанием их» – Леонардо да Винчи.
Итальянский художник и ученый, изобретатель, родоначальник многих отраслей современной науки. Творил, применяя к своим работам экспериментальный подход и используя точные науки.
Самые известные картины: «Мона Лиза», «Тайная вечеря», «Витрувианский человек», «Спаситель мира», «Дама с горностаем», «Иоанн Креститель», «Святая Анна с Мадонной и младенцем Христом», «Автопортрет».
Его интересы никогда не ограничивались одной лишь живописью, он преуспел во многих областях человеческого знания, которые нашли свое отражение во множестве записей и иллюстраций его гениальных мыслей и наблюдений.
Все картины Леонардо да Винчи поражают оригинальностью своего замысла и совершенством мастерства. Он исполнил роскошную икону для алтаря капеллы Непорочного Зачатия и написал картину «Мадонна Литта», которая служит наглядным образцом искусства Ренессанса. Его работа «Дама с горностаем» изменила подход к написанию портретов, а фреска «Тайная вечеря» и улыбка Моны Лизы поистине являются одними из самых известных произведений во всем мире.
Где почитать о художнике: У. Айзексон «Леонардо да Винчи», Р. Уоллэйс «Мир Леонардо», Л. да Винчи «Дневник Леонардо да Винчи».
Рафаэль Санти
«Надо писать природу не такой, какова она есть, а такой, какой она должна быть» – Рафаэль Санти.
Итальянский живописец и архитектор. Его работы полны спокойствия, а техника основана на сбалансированности, легкости и свежести письма, единстве композиции. Отличительной чертой, позволившей ему достичь успеха, являлась способность буквально впитывать в себя все самое лучшее, что он находил в работах других великих мастеров.
Самые известные картины: «Свадьба Богородицы», «Святой Георгий и дракон», «Диспут», «Портрет Кастильоне», «Триумф Галатеи», «Прекрасная садовница», «Преображение», «Сикстинская Мадонна», «Афинская школа».
Рафаэль написал множество знаменитых картин мадонн, которые известны всему миру, а его работа «Прекрасная садовница» воплотила самые светлые идеалы гуманизма итальянского Ренессанса. Знаменитые «станцы» Рафаэля сделали поклонником его творчества самого Папу. Его главный шедевр – картина «Сикстинская мадонна» – считается одним из величайших мировых творений. Когда Рафаэль неожиданно умер, многие его современники восприняли его смерть равнозначной смерти искусства в принципе – настолько великим и признанным был его талант во все времена.
Где почитать о художнике: К. д’Орацио «Таинственный Рафаэль», С. М. Брилиант «Рафаэль Санти. Его жизнь и художественная деятельность», М. Н. Гордеева «Рафаэль Санти», К. Тойнс «Рафаэль».
«Крик»
Обычно у художников сложно выделить какую-то одну значимую яркую работу. Но Эдвард Мунк отличился и здесь: его полотно «Крик» знают даже люди далекие от живописи. Как и многие шедевры, создавался на протяжении нескольких лет. Первая версия полотна была написана в 1893 г., а последняя — в 1910-м.
Это полотно получилось настолько эмоциональным и ярким, что никого не оставило равнодушным. Искусствоведы до сих пор не сошлись в единой трактовке этого произведения искусства. Одни полагают, что художник хотел передать реакцию человека на крик природы (кстати, это было первоначальное название картины).
Другие придерживаются мнения, что Мунк, как и многие гении, обладал неким даром предвидения. И в своих работах предсказывал катастрофы и ужасы, ожидающие человечество. Сам художник написал о том, что его вдохновило на создание «Крика» в своем дневнике: это кроваво-алый закат, смотря на который, его охватило чувство тревоги и ужаса.
Тема страха проглядывается на всем творческом пути Мунка. И «Крик» как раз стал апофеозом выражения его эмоций. Пейзаж приближен к реалистичному, но именно центральный персонаж передает всю суть творения. Известно, что Эдвард Мунк создал 40 вариантов картины. И в этом нет ничего удивительного, ведь он был новатором и постоянно экспериментировал в своей работе. Четыре из них — живописные, остальные версии сделаны в графике.
Когда впервые «Крик» был показан на выставке в 1893 г., общественность отнеслась к картине крайне негативно. Пришлось даже пригласить полицию, чтобы уберечь полотно от уничтожения посетителями. Позднее этот шедевр стал олицетворением всего экспрессионизма и одной из самых значимых работ, повлиявших на развитие живописи в 20-м веке.
Но несмотря на его огромное культурное значение, «Крик» ожидала печальная судьба, как и многие другие великие творения. Его стали постоянно цитировать, делать карикатуры, постепенно обесценивая значение полотна. Самая известная аллюзия на эту картину — маска из одноименного голливудского фильма ужасов. Но такое частое упоминание полотна лишь подтверждает его влияние на мировую культуру.
«Крик» — картина о самоубийстве
Некоторые исследователи разглядели в данном полотне более глубокий смысл. Ученик Эдварда Мунка Сью Прадо говорил, что работа над этим произведением велась в очень непростой для художника период. Он переживал неудачный болезненный роман, из-за которого у него обострился страх появления психического расстройства.
Возможно, поэтому на картине изображен мост, который был популярным местом у самоубийц. Кроме того, он был недалеко от клиники для душевнобольных, в которой находилась сестра Мунка, и скотобойни. Данная теория лишь усиливает интерес к этому произведению: ведь до сих пор люди пытаются понять, что хотел передать своим «криком» известный норвежский художник.
Микеланджело Буонарроти
«Искусство ревниво: оно требует, чтобы человек отдавался ему всецело. Живопись заменяет мне жену и доставляет совершенно достаточно домашних хлопот. Моими детьми будут мои произведения» – Микеланджело Буонарроти.
Итальянский художник, скульптор, а также архитектор, поэт и мыслитель. Отдавал предпочтение масштабным проектам, его любимой живописной техникой всю жизнь была фреска. Он всегда стремился достичь гармонии в своих произведениях и выбирал для них исключительно серьезные темы.
Самые известные картины роспись потолка Сикстинской капеллы, фреска «Страшный суд», картины «Сотворение Адама» и «Мадонна Дони», мраморные статуи «Вакх», «Мадонна Брюгге», «Пьета», «Моисей» и «Давид».
Современники заслуженно считали его гением, обладающим сверхъестественной силой, способной влиять на человеческую душу. Свод Сикстинской капеллы, расписанный им, представляет собой всю историю мира, что не может не потрясать воображение. А его выдающееся произведение – картина «Страшный суд» – считается произведением, завершившим в искусстве эпоху Возрождения.
Где почитать о художнике: Стендаль «Жизнь Микеланджело», И. Стоун «Муки и радости», Р. Кристофанелли «Дневник Микеланджело неистового», М. Буонарроти «Письма. Поэзия».